historia de la comunicación

COLEGIO DON BOSCO
CENTRO ESCOLAR SAN JUAN BOSCO
GUIA DE CONTENIDO TECNOLOGIA Primer Período
Profesora. Cecilia de Escalante
HISTORIA DE LA COMUNICACIÓN
INTRODUCCIÓN:
Los inicios de la comunicación entre los hombres se pueden datar desde la prehistoria donde los
primeros humanos utilizaban lenguajes arcaicos para comunicarse, también realizaban pinturas
que pueden clasificarse como los primeros intentos de una expresión o comunicación escrita.
Hace miles de años, nuestros antepasados ya sintieron la necesidad de expresarse y de dejar
huella mediante representaciones artísticas de su vida y costumbres. Por todos los rincones del
planeta, de polo a polo y en los cinco continentes quedan vestigios de estas primeras
manifestaciones. Hacemos un recorrido por algunas de las pinturas más famosas del mundo.
Cueva de Altamira (España)
La cueva de Altamira fue el primer lugar del
mundo en el que se constató el arte rupestre en
el Paleolítico Superior. Las pinturas se conservan
extraordinariamente bien y se extienden por toda
la longitud de la cueva, de unos 270 metros. Las
más famosas son sus pinturas policromas y los
expertos han deducido que la cueva estuvo
habitada hace entre 35.000 y 13.000 años.
Refugios rupestres de
Bhimbetka (India)
Al pie de los montes Vindhyan, en la India, se
encuentra este sitio arqueológico que ha sido
declaradoPatrimonio de la Humanidad por la
UNESCO. Las pinturas datan desde el Periodo
Mesolítico hasta épocas muy recientes, con la
peculiaridad de que en las aldeas cercanas a los
refugios se asientan poblaciones humanas que
conservan unas costumbres muy similares a las
que se describen en las pinturas rupestres.
Cueva de Magura (Bulgaria)
Las pinturas de la cueva de Magura (Bulgaria)
están decoradas con guano de murciélago y
representan distintas escenas de personas
cazando y bailando, animales y plantas. La cueva
tiene una longitud de en torno a 2.500 metros.
Cueva de las manos
(Argentina)
Situada en la Patagonia argentina, la Cueva
de las Manos es la expresión artística más
antigua conocida de los pueblos indígenas
que poblaron Sudamérica hace 12.000 años.
En sus paredes se encuentran impresas las
729 manos que dan nombre a la cueva, así
como guanacos, figuras geométricas y
escenas de la vida cotidiana. El sitio es
también Patrimonio de la Humanidad.
Pinturas rupestres de
Kakadu (Australia)
En el norte de Australia se encuentra el
Parque Nacional de Kakadu, con más de
5.000 yacimientos y diferentes
emplazamientos rupestres que contienen
vestigios del arte de los aborígenes
australianos que habitaron el lugar hace
20.000 años.
Cueva de Lascaux (Francia)
Las pinturas de Lascaux, al sudoeste
de Francia, datan de entre los 13.000 y los
25.000 años a. d. C. Fue descubierta por
casualidad por unos jóvenes en el año 1940
y, al igual que sucedió con Altamira, con el fin
de preservar las pinturas la cueva fue
cerrada al público y se ha habilitado una
réplica de los emplazamientos más
característicos del sitio.
Líneas de Nazca (Perú)
Son, probablemente, los geoglifos – figuras
que se construyen con piedras sobre el
terreno- más famosos del mundo. Algunas de
las líneas, que forman trazados geométricos
perfectos y representan animales, plantas,
siluetas humanas y laberintos, llegan a medir
275 metros de largo.
la escritura cuneiforme.
Las primeras civilizaciones que trasladaron lo oral a lo escrito se situaron en el medio oriente
alrededor del 4000 a.c. Los sumerios idearon un tipo de escritura con iconos que representaban
conceptos.
la escritura cuneiforme.
Escribían en tablillas de arcilla con un palo
que luego se cocían. Los escribas eran los
encargados de está función, y al existir tanto
número de símbolos era un oficio que se
tardaba años en dominar.
Jeroglíficos
Posteriormente los egipcios desarrollaron un sistema de escritura basado en unos iconos llamados
jeroglíficos.
Los egipcios utilizaron como soporte de escritura el papiro, compuesto por fibras de una planta
juncosa del Nilo. Los papiros se enrollaban alrededor de un eje de madera formando los
volúmenes.
Se caracteriza por el uso de signos, cuyo
significado se conoce gracias al descifrado
de los textos contenidos en la Piedra de
Rosetta, que fue encontrada en 1799, en la
que está grabado un decreto en tres tipos de
escritura: jeroglífica, demótica y griega uncial.
Conseguir descifrar este documento se lo
debemos a los estudios
realizados
por Thomas Young y, fundamentalmente,
a Jean-François Champollion quien logró
descifrar el método de su lectura en 1822, 23
años después de ser descubierta la piedra.
los antiguos alfabetos.
Poco a poco el idioma fue evolucionando hasta que estos iconos se fueron asociando a sonidos vocálicos con lo que el
número de iconos descendió hasta conformar los antiguos alfabetos. Destacan los alfabetos fenicios, griegos…
Durante las culturas clásicas el lenguaje y los alfabetos evolucionaron mucho, los griegos consiguieron una evolución
del alfabeto y compusieron grandes obras literarias y teatrales. El alfabeto que nos ha llegado a nosotros desciende
directamente del alfabeto latino de los romanos que extendieron por todo occidente. Los romanos idearon una escritura
moderna con tipos de letra bellísimos (capitalis cuadrata)
y utilizaron nuevos soportes de escritura como el pergamino, hecho a partir de pieles curtidas de animales. Plegando los
pergaminos se realizaban los códices (el formato de los actuales libros) que permitían ahorrar espacio y escribir por
ambas caras.
Durante la edad media la cultura sufrió un retroceso pues fue una época marcada por crisis y guerras. La cultura era
conservada en los monasterios. Allí se copiaban libros, de temática religiosa por los monjes. Los libros eran copiados
manualmente por los monjes amanuenses y luego ilustrados con pequeñas miniaturas, iluminados. El copiado de un libro
costaba el arduo trabajo de varios monjes durante alrededor de tres meses, con lo que los libros adquirían un valor
desorbitado… un libro podía costar el precio una granja.
En el siglo XII aparecieron las universidades como nuevos centros de cultura, que también se dedicaron a la promoción
de los libros. También en esta fecha los árabes introdujeron el papel que habían inventado los chinos a través de la
península ibérica. El papel se realizaba a partir de trapos macerados y posteriormente se empezó a realizar con fibras
vegetales.
SISTEMAS DE IMPRESIÓN EN LA ANTIGÜEDAD
EL GRABADO
Cuando hablamos de grabar nos referimos a surcar, morder, incidir, herir, etc…, términos que hacen referencia al
proceso de manipulación en una plancha o matriz.Grabar es crear una imagen mediante incisiones producidas por
distintas herramientas o medios en un soporte que lo permita, hasta crear una matriz apta para realizar una reproducción
múltiple. Por tanto, el grabado será todo aquel material incidido o tallado que se pueda entintar y que permita trasladar la
imagen creada al papel, mediante su impresión o estampación, un determinado número de veces.
ANTECEDENTES
El grabado se encuentra entre las manifestaciones más antiguas de la humanidad ya en el paleolítico se grabaron
huesos con para decorarlos.
En el Neolítico, la cerámica se decoró con valvas de moluscos impresas y huellas de dedos. Pero fueron los Sumerios y
los Mesopotámicos los que desarrollaron los primeros cilindros-sellos, piedras cilíndricas de pequeñas dimensiones
sobre las que se graba, en negativo, una imagen para ser reproducidas sobre arcilla, haciendo presión y realizando un
movimiento circular, lo que permitía repetir la imagen en positivo infinidad de veces.
A la vez, en otros lugares Creta o Egipto se desarrollan sellos planos para repetir una imagen por impacto sobre
superficies blandas barro, cera, etc…
Podríamos decir que los elementos por los que definimos el grabado en la actualidad ya estaban definidos, a falta de la
tinta y del soporte papel.
la xilografía o grabado en planchas
En China, hacia el S. XI d.C., ya conocían la tinta y el papel y ante la necesidad de divulgar los textos budistas y
posteriormente el de los clásicos chinos, se desarrollo una nueva forma de impresión, la xilografía o grabado en planchas
de madera, esta técnica se divulgó con gran rapidez por todo el Lejano Oriente y en especial en Japón a partir del S,.XVI,
donde se imprimieron una serie de estampas populares, a bajo precio, inspiradas en la pintura popular, lo que condujo a
la aparición de una estética profundamente japonesa, y durante los Siglos XVIII y XIV la xilografía, alcanzó su época de
mayor época creativa, y tanta calidad y belleza tenían este tipo de estampas que convirtieron al grabado en un arte con
expresión propia lo que le permitió desarrollarse de manera independiente de la pintura.
Estas técnicas tal vez, llegaron a Occidente a través de los árabes, pero el desarrollo del grabado en Europa esta
vinculado a la aparición de la imprenta hacia el año 1450, las primeras impresiones de Gutenberg fueron con “tipo fijos”,
pero la verdadera revolución se produjo con la utilización de los “tipos móviles” y la aplicación de la prensa romana de
vino en la impresión, esto permitió la reproducción libros impresos de forma masiva. El trabajo que antes exigía meses a
escribientes e iluminadores, se realizaba en pocos días y los tipos se podían volver a utilizar para otros trabajos.
LA INVENCIÓN DE LA IMPRENTA
En 1450 Johan Guttemberg, un joyero de Magunzia (Alemania) ideó un nuevo sistema de reproducción basado en tipos
móviles. Las páginas se componían laboriosamente con pequeñas teselas con las letras grabadas en volumen luego se
entintaban y se transmitían a papel en la prensa. De esta manera aunque componer una página llevaba su tiempo se
podían hacer muchas reproducciones de ésta, además los pequeños tipos luego eran recuperables. El primer libro
impreso de esta manera fue la bíblia de 42 líneas de Mazaríno en 1456. A los primeros libros realizados con la nueva
imprenta de tipos móviles se les conoce como incunables (en pañales).
La imprenta se desarrolló rápidamente y se extendió por toda Europa. Movimientos culturales históricos como la
reforma, contrarreforma y sobre todo el Renacimiento fueron posibles gracias a la inmediatez de la imprenta.
Con la imprenta surgieron nuevos formatos de comunicación. Así nacieron publicaciones periódicas que fueron popularizándose rápidamente: las revistas y los periódicos. La inmediatez que exigían estos nuevos medios era frenada por
el cuello de botella que suponía la composición manual de las páginas. De esta manera en el siglo XIX se inventaron
maquinas de composición automáticas como la linotipia y la monotipia que redujeron considerablemente el tiempo de
producción. También con la revolución industrial se crearon máquinas automáticas a vapor con lo que el proceso de
impresión se redujo notablemente.
Los medios de comunicación escrita tuvieron una importante crisis al principio del siglo XX con la aparición de la radio
que se vio agravado a mitad de siglo por la aparición de la televisión.
En el siglo XX aparecieron nuevos procesos de composición como la fotocomposición (negativos fotográficos) y
métodos de impresión, el offset con la capacidad de incluir color en la impresión de una manera automática.
Actualmente con la aparición de los computadores, a partir de los años 60,s y de los ordenadores personales en los años
80,s la producción de material escrito se realiza de una manera rápida y muy visual.
El arte y diseño como forma de comunicación.
El diseño gráfico
Es una profesión cuya actividad es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales,
producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos
sociales determinados, con un propósito claro y específico. Esta es la actividad que posibilita comunicar
gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores
sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos. También se conoce con el nombre de diseño en comunicación
visual, debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica, y entienden que los mensajes
visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, y no solo los impresos.
Historia del diseño
La definición de la profesión del diseñador gráfico es más bien reciente, en lo que se refiere a su preparación, su
actividad y sus objetivos. Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos
lo datan durante el período de entre guerras. Otros entienden que comienza a identificarse como tal para finales del siglo
XIX.
Puede argumentarse que comunicaciones gráficas con propósitos específicos tienen su origen en las pinturas
rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a. de C. Pero las diferencias de
métodos de trabajo, ciencias auxiliares y formación requerida son tales que no es posible identificar con claridad al
diseñador gráfico actual con el hombre de la prehistoria, con el xilógrafo del siglo XV o con el litógrafo de 1890.
La diversidad de opiniones responde a que algunos consideran como producto del diseño gráfico a toda manifestación
gráfica y otros solamente a aquellas que surgen como resultado de la aplicación de un modelo de producción industrial;
es decir, aquellas manifestaciones visuales que han sido "proyectadas" contemplando necesidades de diversos tipos:
productivas, simbólicas, ergonómicas, contextuales, etc.
El libro Die hystorie vanden grooten Coninck Alexander impreso mediante
xilografía en 1491 por Christiaen Snellaert. El trabajo de los xilógrafos se
asemejaba más al del artesano que al del diseñador gráfico.
Una página del Libro de Kells: Folio 114, con texto decorado contiene el Tunc
dicit illis. Un ejemplo del arte y diagramación de página de la edad media
.
El libro de Kells — Una Biblia manuscrita profusamente ilustrada, realizada por monjes irlandeses del siglo IX E.C.— es
para algunos un muy hermoso y temprano ejemplo del concepto de diseño gráfico. Se trata de una manifestación gráfica,
de gran valor artístico, de altísima calidad, y que incluso sirve de modelo para aprender a diseñar pues incluso supera en
calidad a muchas de las producciones editoriales actuales, y además desde un punto de vista funcional contemporáneo
esta pieza gráfica responde al conjunto de necesidades planteadas al equipo de personas que lo realizó, no obstante
otros opinan que no sería producto del diseño gráfico, pues entienden que su concepción no se ajusta a la idea del
proyecto de diseño gráfico actual.
La historia de la tipografía y por carácter transitivo, también la historia del libro está estrechamente vinculada a la del
diseño gráfico; esto puede ser así porque prácticamente no existen diseños gráficos en los que no se incluyan elementos
gráficos de este tipo. De ahí que cuando se habla de la historia del diseño gráfico, también se cita la tipografía de
la columna trajana, las miniaturas medievales, la imprenta de Johannes Gutenberg, la evolución de la industria del libro,
los afiches parisinos, el Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), William Morris, la Bauhaus, etc."
La introducción de los tipos móviles por Johannes Gutenberg hizo a los libros más baratos de producir, además de
facilitar su difusión. Los primeros libros impresos (incunables) marcaron el modelo a seguir hasta el siglo XX. El diseño
gráfico de esta época se ha llegado a conocer como Estilo Antiguo (especialmente la tipografía que estos primeros
tipógrafos usaron) o Humanista, debido a la escuela filosófica predominante de la época.
Tras Gutenberg, no se vieron cambios significativos hasta que a finales del siglo XIX, específicamente en Gran Bretaña,
se hizo un esfuerzo por crear una clara división entre las Bellas Artes y las Artes Aplicadas.
Siglo XIX[editar · editar código]
Primera página del libro The Nature of Gothic de John Ruskin, editado por la
imprenta Kelmscott. El Arts and Craftsproponía revivir el arte medieval, la
inspiración en la naturaleza y el trabajo manual
.Durante el
siglo XIX el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente a dos profesionales: el dibujante o el
impresor. El primero estaba formado como artista y el segundo como artesano, ambos frecuentemente en las mismas
escuelas de artes y oficios. Para el impresor tenía como arte el uso de ornamentos y la selección de fuentes tipográficas
en sus composiciones impresas. El dibujante veía a la tipografía como un elemento secundario y prestaba más atención
a elementos ornamentales e ilustrativos.
Entre 1891 y 1896, la imprenta Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos gráficos más
significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo negocio basado en el diseño de
libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a las clases pudientes como objetos de lujo. Morris demostró que
existía un mercado para los trabajos de diseño gráfico, estableciendo la separación del diseño con respecto a la
producción y las bellas artes. El trabajo de la imprenta Kelmscott está caracterizado por su recreación de estilos
históricos, especialmente medievales.
Cartel para el Moulin Rouge de París. Realizado por Henri de Toulouse-Lautreccon
litografía en color en 1891. Gracias alArt Nouveau, el diseño gráfico cobró orden y
claridad visual en la composición
.
Isotipo de la Escuela de la Bauhaus.
Fundada en 1919 por Walter Gropius, es considerada la cuna de la profesión del diseño
.
Póster para el Dada Matinée. Realizado por Theo van Doesburg en enero de 1923. La
organización tipográfica libre, expresa el espíritu del movimiento Dada, su
irracionalidad, busca de la libertad y oposición al estado de las cosas y expresiones
visuales de la época.
Diseño de la identidad corporativa para Lufthansa, por parte del Grupo de Desarrollo 5
de la HfG de Ulm. La escuela de Ulm fue un punto inflexión en la historia del diseño, ya
que allí se perfiló la profesión del diseño mediante una metodología científica.
simplificar al máximo las formas en los símbolos se desarrolló durante la década
de 1950.
Diseño de pictogramas actuales, para el servicio de Parques Nacionales de losEstados
Unidos
El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción contra la
decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX.
El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida y estilo tipográfico en una misma pieza de
diseño, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines del siglo XIX. El Art Nouveau, con su
clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un
alto nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos
tipográficos en una misma pieza gráfica.
Bauhaus
Etimológicamente, Bauhaus significa “casa de de la construcción”. Pero la Bauhaus también fue una escuela de
arte, arquitectura y diseño fundada en Alemania en 1919 por el arquitecto Walter Gropius. Sin embargo, no
fue una escuela arquetípica, sino que con el tiempo ha sido considerada la mejor escuela de arte y diseño del
siglo XX.
Tras la primera Guerra Mundial, en un escenario político difícil, Walter
Gropius se propone realizar una nueva escuela de arte, pública y a nivel
estatal. La novedad radicaba en queno se trataba de una academia de
Bellas Artes al uso, sino que en ella se iban a incluir también las
escuelas de artes y oficios. Esto suponía toda una revolución, ya
queeliminaba las diferencias que hasta entonces existían entre
artistas y artesanos. El diseño se iba a valorar a partir de ahora como
una tendencia artística, al mismo nivel que la pintura y la escultura.
"La forma sigue a la función
un diseño debe estar adecuado según su forma para poder desarrollar la función. Un ejemplo exagerado, si una silla
tuviera dos patas es obvio que la forma de una silla con dos patas no puede cumplir con la función de soportar un cuerpo
mientras esté en reposo sobre ella. La funcionalidad es básica en Bauhaus, tanto en sentido literal como metafórico
podemos entenderla, después de una buena forma sigue una buena función, o también podemos entenderla como que a
partir de la función que uno desee desarrollar la forma se adecuará para poder ser una buena forma y dar una buena
función.
La escuela se fundó en 1919 en Weimar, y ya desde sus inicios tuvo una gran
repercusión. Los métodos de trabajo eran innovadores, pero si por algo es conocida la
Bauhaus es por el increíble plantel de profesores y alumnos con que contó durante
su andadura. Junto con Gropius estuvieron desde el principio figuras de la talla
de Paul Klee, Vassily Kandinsky, el pintor y diseñador Oskar Schlemmer, o el
diseñador y fotógrafo Moholy-Nagy; en definitiva, algunos de los artistas más
innovadores de la época.
Nuevo edificio Bauhaus en Dessau.
Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los acompañaba, generaron
dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dada, De Stijl, Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y el
Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos
movimientos se oponían a las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del
nuevo interés por la geometría evolucionó hacia el Art Decó. Todos estos movimientos aparecieron con un espíritu
revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época. En este período también proliferaron las
publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y educadores mostraron sus opiniones.
La idea de simplicidad como característica de buen diseño continuó presente por muchos años, no sólo en el diseño de
alfabetos sino también en otras áreas. La tendencia de simplificar influyó todos los medios en la vanguardia del diseño en
la década de 1950. En ese momento, se desarrolló el consenso de que simple, no sólo era equivalente de bueno, sino
que también era equivalente de más legible. Una de las áreas más afectadas fue el diseño de símbolos. Los diseñadores
se plantearon el problema de hasta qué punto se los podía simplificar sin destruir su función informativa. Sin embargo,
recientes investigaciones, han demostrado que sólo la simplificación de formas de un símbolo no incrementa
necesariamente su legibilidad.
Hoy en día, gran parte del trabajo de los diseñadores gráficos es asistido por herramientas digitales. El diseño gráfico se
ha transformado enormemente por causa de los ordenadores. A partir de 1984, con la aparición de los primeros sistemas
de autoedición, los ordenadores personales sustituyeron de forma paulatina todos los procedimientos técnicos de
naturaleza analógica por sistemas digitales. Por lo tanto los ordenadores se han transformado en herramientas
imprescindibles y, con la aparición del hipertexto y la web, sus funciones se han extendido como medio de comunicación.
Además, la tecnología también se ha hecho notar con el auge del teletrabajo y en especial del crowd sourcing o
tercerización masiva, ha comenzado a intervenir en las modalidades de trabajo. Este cambio ha incrementado la
necesidad de reflexionar sobre tiempo, movimiento e interactividad. Aun así, la práctica profesional de diseño no ha
tenido cambios esenciales. Mientras que las formas de producción han cambiado y los canales de comunicación se han
extendido, los conceptos fundamentales que nos permiten entender la comunicación humana continúan siendo los
mismos
Grafismo
El grafismo es una composición gráfica que trata de interpretar un mensaje a través de elementos ordenados, pueden ser
muchos ó variados, el grafismo abarca muchos campos, pero si nos referimos directamente como algún arte el grafismo
es cualquier elemento ó arte creado ó modificado a través de una computadora. También se puede imprimir, grabar,
pintar y/o troquelar sobre casi cualquier material ya que por su gran resolución, (puede depender del programa en q se
haga) para fines publicitarios, comerciales, educativos, corporativos e informativos.
El Grafismo tiene una serie de conceptos que tienen mucha importancia pues combinan elementos básicos que se
combinan unos con otros entre lo que se destaca como:
Las agrupaciones
Conjuntos de elementos relacionados mediante proximidad, semejanza, continuidad o
simetrías.
---------------------------------------------------------------------------------------La forma
Forma de cada elemento gráfico aislado y de las agrupaciones de elementos.
---------------------------------------------------------------------------------------Los contornos
Partes límites de los elementos, que permiten distinguirlos de los demás y del fondo,
pudiendo estar definidos mediante border, cambios de color o cambios de saturación.
---------------------------------------------------------------------------------------La ubicación
Lugar que ocupa cada elemento gráfico o agrupación de ellos en el espacio del grafismo.
---------------------------------------------------------------------------------------El tamaño
Tamaño relativo de cada elemento gráfico respecto los que le rodean.
---------------------------------------------------------------------------------------El color
Color de cada elemento individual, colores de cada agrupación de elementos, conjunto
total de colores usado en un grafismo, disposición relativa de los elementos con color y
armonía entre colores.
---------------------------------------------------------------------------------------El contraste
Intensidad de visualización de cada elemento con relación a los que le rodean y al
grafismo completo.
---------------------------------------------------------------------------------------El equilibrio
Cada grafismo conlleva un sistema de referencia espacial que consigue un nivel de
equilibrio mayor o menor.
---------------------------------------------------------------------------------------La simetría
Disposición espacial regular y equilibrada de los elementos que forman la composición
gráfica.
Comunicación visual
El lenguaje visual hace referencia al conjunto de elementos gramaticales y sintácticos que operan en cualquier imagen visual. Podríamos entender por lenguaje
visual, al conjunto de principios que rigen las imágenes y que pueden ser de gran utilidad a quienes las producen.
A lo largo de la historia se ha ido determinando algunas cualidades de la imagen, que en definitiva han ido definiendo sus propiedades como lenguaje autónomo.
Algunas de estas propiedades tienen que ver con la sintaxis de la imagen, esto es, las relaciones que surgen entre diversas imágenes cuando están relacionadas
visualmente.
Cuando hablamos de comunicación visual no podemos limitarnos a un único tema, ya que el concepto comunicación visual puede ser tratado desde varias
perspectivas. En este proceso intervienen los siguientes conceptos clave:
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Emisor: quien emite el mensaje.
Receptor: quien recibe el mensaje.
Mensaje: lo que se trasmite.
Código: conjunto de normas y procedimientos que relacionan significantes1 con significados2
Canal: soporte a través del cual se trasmite el mensaje (periódicos, tv, cine…).
Funciones de la comunicación visual.
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•
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Función expresiva o emotiva: Tienen como objetivo transmitir emociones. Se trata de imágenes utilizadas con finalidad sentimental.
Función cognitiva, apelativa o exhortativa: Es aquella relacionada con la persuasión, cuyo objetivo es convencer. Los mensajes publicitarios son los
usuarios por excelencia de esta función.
Función referencial o informativa: Son imágenes cuyo objetivo es informar. Su función es ilustrar un texto o una noticia. Su uso es acusado en libros de
texto o prensa, así como también en señales de tráfico.
•
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Función poética o estética: Consiste en aquella imagen que busca la belleza con sentido artístico, estético. Son imágenes que valen en sí mismas.
Función fática: Se trata de aquella que tiene como objetivo llamar la atención. Es muy frecuente en el uso de contrastes, en los tamaños y al igual que la
conativa es muy utilizada en los mensajes publicitarios.
•
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Función metalingüística: Es aquella función que se refiere al código, se ha de conocer el código para otorgarle un significado.
Función descriptiva: Ofrece información detallada y objetiva sobre aquello que representa (dibujos científicos, mapas).
Elementos básicos de la comunicación visual
ELEMENTOS CONCEPTUALES:
01 – EL PUNTO: Es el mínimo elemento de expresión visual. La mínima unidad. Como unidad no tiene mucha carga
expresiva pero mediante la repetición o la acumulación puede producir efectos de direccionalidad, textura incluso tramar
fotografías como en los periódicos. Indica posición. No tiene largo ni ancho, no ocupa una zona en el espacio. Puede ser el
principio o fin de una línea o donde 2 o más líneas se cruzan.Si tenemos un punto inicial y lo desplazamos en el plano
hacia un destino obtenemos una línea.
02 – LA LÍNEA:
Es un elemento que de acuerdo a su naturaleza produce movimiento, energía, desplazamiento y direccionalidad. Nunca es
estática. Es el elemento esencial para las pre visualizaciones. Cuando hacemos un boceto generalmente lo hacemos lineal.
Tiene Largo pero no ancho, tiene posición y dirección.Hay varios tipos de líneas que transmiten connotaciones muy
diferentes: curvas (suavidad, dulzura, amabilidad, calidez), rectas (dureza, agresividad, volumen alto, etc), continuas o
discontinuas, finas o gruesas, abiertas o cerradas.En el caso de las líneas cerradas, cuando desplazamos un punto con 3 o
mas puntos de inflexión (mínimo 3 ángulos) obtenemos la forma o contorno.
03 – EL PLANO:
El recorrido de una línea en movimiento en una dirección distinta a la suya intrínseca, se convierte en un PLANO. Tiene
largo y ancho pero no grosor. Tiene posición y dirección. Define los límites extremos de un volumen. También conocido
como ESPACIO.
04 – EL VOLÚMEN:
El recorrido de un plano en movimiento. En una dirección distinta a la suya intrínseca. Tiene posición en el espacio, está
limitado por planos, en un plano bidimensional, el volumen es ilusorio.
ELEMENTOS VISUALES:
05 – EL CONTORNO:
Son formas cerradas que están compuestas por un borde y un relleno. Las 3 formas básicas de donde surgen todas las
demás son el triangulo (equilátero), el cuadrado y el círculo.
El triangulo es la forma que menos ángulos interiores puede tener (3) , 4 tenemos un cuadrado, 5 pentágono… 8
octógono… 12 dodecaedro… infinitos lados o ángulos EL CÍRCULO.
A su vez, las formas también transmiten sensaciones o connotaciones y por eso es muy importante la decisión de una
forma básica acorde a los conceptos que queremos transmitir en el momento de crear una marca o logotipo….
El triangulo está asociado a la religiosidad, el misticismo, el poder, y la jerarquía, la acción, el conflicto, la tensión.
El cuadrado es una forma estable, fuerte, segura, firme sólida y confiable, rectitud, esmero, torpeza.
El círculo esta asociado a la inestabilidad, el movimiento constante, el desequilibrio, la protección, calidez, etc.
A su vez los contornos conllevan implícitamente una direccionalidad.
Todos los contornos o formas tienen un tamaño. EL tamaño es medible o mensurable aunque es relativo cuando es
comparado.
06 – COLOR:
Entre ese blanco y negro absolutos o sea, la presencia 100% de luz y la ausencia total hay una infinita gama de colores que
conforman el espectro.
El tema color lo veremos en profundidad más adelante, pero los colores primarios pigmento son AZUL – ROJO –
AMARILLO Y hablando de colores luz los primarios son ROJO – VERDE – AZUL (RGB). Si mezclamos estos 3 colores en
cualquiera de las dos tipo de mezclas y en diferente proporciones, obtenemos todos los colores que queramos, y en
principio, el ojo humano tiene la capacidad de distinguir 16 millones de colores, aunque se supones que los colores son
infinitos.
A su vez se supone que dentro de los colores tenemos grupos y estos asociados a connotaciones o sensaciones. Los colores
cálidos y los fríos. Los cálidos están asociados al amor, el peligro, el calor, la ternura, personales, etc. Los colores fríos son
mucho más distantes, serios, lejanos y corporativos.
Por supuesto como ya hemos visto en otros posts, las connotaciones siempre están asociadas no solo al elemento en sí,
sino al modo en que se combinan con los otros elementos, por eso los rojos, los blancos, los círculos o las líneas rectas, no
siempre significan una sola cosa, sino en relación al tema que estén tratando, el modo en que se combinen los elementos,
el medio o el contexto en que se presenten, harán que un mismo elemento signifique una cosa u otra.
07 – EL TONO:
Los Objetos a su vez de acuerdo a la cantidad de luz u oscuridad que presenten tienen un tono u otro. Cuanta mas luz
tengamos un tono mas alto obtenemos y viceversa a menos luz tono más bajo. El tono nos ayuda a generar figuras y fondos
en cuanto los contornos o las formas tendrán un tono que los diferencia de su entorno, por claridad u oscuridad. Tenemos
un máximo y un mínimo que va de la ausencia total de luz (negro) a la luz absoluta (blanco) y con todos los grises
intermedios.
08 – TEXTURA:
Cuando un contorno aparte de un color, conlleva una representación gráfica de una superficie, se llama textura, y es la
representación visual del sentido del tacto. Es como si mediante los ojos pudiéramos reproducir el sentido del tacto. La
sensación que obtendríamos de tocar una superficie. Maderas, mármol, acero, agua, etc etc etc, y por supuesto cada
textura a su vez tiene connotaciones de acuerdo al elemento al que hacen referencia. Es la característica de la superficie de
una forma.
09 – DIMENSIÓN:
Hasta ahora hemos estado moviendo el punto y la línea en dos dimensiones, el plano de la X y de la Y, pero que pasa si ese
contorno lo movemos visualmente en el plano de la profundidad o el plano Z… Obtenemos la dimensión o sea la
representación volumétrica de un contorno. Asi de un cuadrado obtenemos un cubo, de un triángulo, una pirámide, y de
un círculo la esfera. Idem a volumen.
hasta aquí esta semana, la que viene veremos los dos grupos que faltan. Como podéis ver no es dificil. Solo es cuestión de
tenerlos presentes y saber seleccionarlos y combinarlos de la manera adecuada… como cuando escribimos… es igual…
Recordáis cuando repetiamos muchas veces: “mi mama me mima…” pues esto es lo mismo..hace falta poner los
conocimientos en prácticas… os dejo unos ejemplos donde se utilizan algunos de estos elementos de una manera muy
creativa o nostálgica, el punto, el color, etc…
Elementos de Relación
Esta clasificación gobierna la ubicación y la interacción de las formas en un diseño. Algunos pueden ser
percibidos como la posición y la dirección; otros pueden ser sentidos, como el espacio y la gravedad.
Dirección
La dirección de una forma depende de cómo está relacionada con el observador, con el marco que la contiene
o con otras formas más cercanas.
Posición
La posición de una forma es juzgada por su relación respecto al campo o a la estructura de diseño.
Espacio
Las formas de cualquier tamaño, por pequeñas que sean, ocupan un espacio. Así, el espacio puede estar vacío
o lleno, liso o ilusorio para sugerir una profundidad.
Gravedad
La sensación de gravedad no es visual sino psicológica, ya que tenemos tendencias a atribuir pesantez o
pesadez o liviandad, estabilidad o inestabilidad a formas o a grupos de formas.
Elementos Prácticos
Aquí se encuentran clasificadas la representación, el significado y la función. Son los elementos que subyacen
el contenido y el alcance de un diseño.
Función
Se hace presente cuando un diseño debe servir a un determinado propósito.
Significado
Se hace presente cuando el diseño transporta un mensaje.
Representación
Grafismos para dar la idea de un concepto determinado.
Áreas de aplicación de procesos de comunicación visual
IMAGEN CORPORATIVA
¿QUE ES UNA IMAGEN CORPORATIVA? La imagen de una empresa se constituye por el total de ideas que la opinión
pública relaciona con ella. Estas ideas se generan, por un lado, a partir de factores como la calidad de sus productos y
servicios, la atención al público, el trato de su personal, la seriedad en aspectos financieros y otros.
La imagen de la empresa se genera por elementos visuales como la marca (Imagotipo), color, tipografía, diagramación y
formas propias, los que en conjunto representan su identidad corporativa. Estos elementos, aplicados en la presentación
de los productos, en la papelería institucional, publicidad, etc. provocan estímulos visuales, cuyo efecto acumulado deja
una determinada impresión en el observador; en otras palabras, estos elementos visuales actúan como vehículos de un
mensaje cuyo fin es proyectar la imagen deseada en el público.