Síntesis del Barroco

Síntesis del Barroco
Por: Dr. José Antonio López
El término “barroco” fue utilizado a mediados del siglo XVIII como un adjetivo
que describía algo como anormal o exagerado. Posteriormente, los historiadores
comienzan a utilizar el tema en una manera más positiva para describir las tendencias
decorativas y expresivas que caracterizaron el arte y la arquitectura durante el siglo VII y
comienzos del siglo XVIII. En el campo de la música, los musicólogos son más precisos
al encasillar el periodo Barroco como la etapa musical que se da entre los años 1600 al
1750.
La Italia del Barroco se mantuvo en la cima de la producción musical teniendo un
impacto directo en Francia, Alemania e Inglaterra. Mientras la polifonía renacentista tuvo
como base una textura igualada en todas las voces, el Barroco se caracterizó por darle
esencial importancia a la línea melódica y a la línea del bajo. Por consiguiente, se
desarrolla un sistema de notación conocido como bajo continuo o bajo figurado en la que
el acompañamiento armónico no estaba completamente escrito. Los instrumentos para los
que se escribía el continuo era el clavecín, el órgano y el laúd.
Opera y música vocal
Uno de los sucesos importantes del Barroco fue la creación de la ópera en Italia.
La Camerata Florentina, Jacopo Peri y Giulio Cacinni fueron responsables de consolidar
los primeros escalones de este gran género que se logra consagrar con Claudio
Monteverdi y su aportación definitiva en la ópera.
Aunque Venecia seguía siendo el centro musical en Italia, la ópera logró
difundirse por el resto de Europa. Para la segunda mitad del siglo XVII, el interés mayor
de las óperas recayó en las arias, el recitativo y el arioso. Alessandro Scarlatti fue el
compositor principal de otro estilo identificado como forma da capo aria. En Francia,
Jean Baptiste Lully crea la tragedie lyrique y el ballet, en Inglaterra surgen figuras como
John Blow y Henry Purcell (Dido y Aeneas) y en Alemania, nace el singspiel en manos
de Reinhard Keiser.
Música Instrumental
En el género instrumental del Barroco se destacan la Fuga, la Sonata de Chiesa,
Sonata de Cámara, la Partita, el Chorale Partita, el Preludio Coral, y las Suites. La
música de teclado se vió favorecida con la creación del temperamento igualado. El genial
clavecista Francois Couperan aporta lo suyo al publicar el libro L’art de toucher le
clavecin.
La familia de instrumentos de cuerdas de arco se benefició ante el surgimiento de
la prestigiosa escuela de constructores de violín de Cremona destacándose entre estos:
Amati, Stradivari y Guarneri. La música de cámara instrumental se ve transformada con
la Sonata de Chiesa, la Sonata de Camera y el Trío Sonata. Arcangello Corelli fue el
maestro de la música instrumental italiana. El consolida la forma del trío sonata y
establece su sonata de iglesia en cuatro movimientos; lento-rápido-lento-rápido.
El Concerto instrumental fue un nuevo género que surge en la década del 1680 y
logra convertirse en el género de mayor importancia. Giuseppe Torelli lo diseña en tres
movimientos (rapido-lento-rapido), tradición que todavía hoy continúa. Los movimientos
rápidos de Torelli son compuestos en la forma ritornello, el cual un grupo de
instrumentos presenta el ritornello en la tónica y posteriormente se continúa presentando
el ritornello en nuevas tonalidades terminando la obra con el ritornello en la tónica
original.
Los Ricercares, obras cortas para teclado que utilizan elemento de la imitación,
hicieron famoso a Girolamo Frescobaldi quien compuso muchos ricercares para uso
eclesiástico. En Alemania, Jacob Froberger estableció la secuencia de danzas allemande,
courante, sarabande y guiga en las Suites y Partitas.
Compositores principales del periodo Barroco
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Recibió un sólido entrenamiento en el área de la música y el sacerdocio. Fue
director musical, maestro, director y compositor en el Pio Ospedale de lla Pieta en
Venecia. Vivaldi componía en manera constante escribiendo para la Pieta; concertos,
oratorios, música eclesiástica y 49 óperas para diversos teatros de Venecia. Sobreviven
cerca de 500 de sus conciertos. Algunas de sus obras son de carácter programático como
lo son los cuatro conciertos que integran sus famosísimas Cuatro Estaciones.
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) fue el compositor francés más importante
del Barroco. Su Traité de l’harmonie le dió una gran reputación como teorista, sin
embargo, tuvo ciertas dificultades para establecerse como compositor.
George Frideric Handel (1685-1759) fue el compositor más internacional del
Barroco. Trabajó en Alemania, Italia y Londres donde finalmente se estableció
permanentemente. Compuso óperas (para el Royal Academy of Music), Suites (Water
Music y Music for the Royal Fireworks), sonatas, concertos (influenciados por Corelli), y
oratorios, los que constituyeron un nuevo género en Inglaterra.
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Bach ha sido el compositor más famoso durante los pasados dos siglos.
Paradójicamente no fue un compositor famoso durante su tiempo. Sus primeras
composiciones fueron para órgano con marcada influencia en la música de Buxtehude.
En Weimar, dedicó su tiempo para arreglar concertos de Vivaldi y adoptó la forma
ritornello y otros conceptos vivaldianos.
Música Instrumental de J.S. Bach
Las composiciones de Bach se destacan por las fugas que incluía en sus Preludios
para órgano. Bach también adoptó las características del trío sonata italiano. En el
catálogo se su música instrumental sobresalen sus Preludios corales, las Toccatas para
Clavecín, el Clave Bien Temperado, (dos ciclos de 24 preludios y fugas las 12
tonalidades mayores y menores) Suites para Clavecín (tres Suites Inglesas y tres Suites
Francesas), las Variaciones Golberg, tres Sonatas y tres Partitas para violín solo, cuatro
Suites para Laúd, seis Suites para cello, una partita para flauta, seis Conciertos de
Brandenburgos, violín concertos, cuatro Suites orquestales y el Arte de la Fuga.
Publicación de la música para Laúd de J.S. Bach editada por Frank Koonce.
Glenn Gould (Tomado del Web)
Glenn Herbert Gold , más conocido con el nombre de Glenn Gould (25 de septiembre
de 1932 –4 de octubre de 1982 ), pianista canadiense famoso sobre todo por sus virtuosas
grabaciones de las obras para teclado de Johann Sebastian Bach .
Nacido en Toronto en el seno de una familia de músicos, Gould aprendió a tocar el piano
con su madre. Su abuelo era primo de Edvard Grieg . Fue a la escuela Royal
Conservatory of Music cuando tenía diez años de edad, convirtiéndose en el discípulo
más famoso del pianista chileno Alberto Guerrero [1] .
Ejecutó su primer concierto en 1945 (tocó el órgano ) e hizo su primera aparición con
orquesta el año siguiente cuando ejecutaba el Concierto para piano nº 4 de Beethoven con
la Orquesta Sinfónica de Toronto . Realizó su primera ejecución publica en 1947 .
Diez años más tarde, Gould hizo un viaje a la Unión Soviética y fue el primer pianista
norteamericano en visitar ese país después de la Segunda guerra mundial.
El 10 de abril de 1964 tocó en público por última vez en Los Ángeles y anunció que se
retiraba de los escenarios cuando era una auténtica figura internacional. La razón es que
empezó a sentir hastío por la interpretación en directo y creyó que servía mejor a la
música en un estudio de grabación que en la sala de conciertos. Muy interesado en las
nuevas tecnologías, llegó a ser un gran especialista en las técnicas de grabación y fue de
los primeros intérpretes clásicos en experimentar con técnicas digitales. Cada grabación
la preparaba con todo detalle como una obra única, y nunca regrabó ninguna pieza, con la
notable excepción de las Variaciones Goldberg , cuya primera versión grabó en 1955, al
inicio de su carrera, y la segunda en 1981, totalmente distinta, poco antes de su muerte, y
empleando tecnología digital en todo el proceso. Gould publicó más de 60 discos con un
repertorio que abarcó desde Bach hasta Schoenberg, desde Beethoven hasta Shostakovich
, a quien popularizó en Occidente. De Bach dejó un inigualable patrimonio de
grabaciones.
Además de las grabaciones de piano, se dedicó también a la escritura y a la radio, que le
apasionaba. Murió en Toronto el 4 de octubre de 1982 después de sufrir una embolia
cerebral.
En 1983 el escritor austríaco Thomas Bernhard escribe The Loser (el Malogrado ), novela
que gira en torno a un pianista llamado Glenn Gould y su interpretación de las
Variaciones Goldberg de Bach . En 1992 Manuel Huerga dirige el galardonado
documental Les Variacions Gould , una coproducción de Ovideo TV, La Sept/Arte y
TVC sobre el pianista canadiense con motivo del décimo aniversario de su muerte. En
1993 , se hizo una película sobre él titulada Thirty Two Short Films About Glenn Gould.
(Treinta y dos Películas Cortas Sobre Glenn Gould ) Dirigida por François Girard yDon
McKellar .
Glenn Gould es un músico que a nadie deja indiferente. Directores y artistas de la época
podían no estar de acuerdo con sus versiones o su forma de ver algunas obras, pero nadie
dudaba de su genialidad y todos hablaban maravillas de él. Gould argumentaba su visión
de la música con tanto peso que nadie podía poner en duda su talento y siempre quedaba
bien patente que su originalidad daba lugar a interesantísimas versiones.
Excéntrico y encantador, se presentaba a los conciertos con mitones, abrigo, bufanda
independientemente del calor que hiciera, con una desvencijada silla de madera con
respaldo y casi sin asiento, con las patas recortadas que hacía que le quedara la nariz a la
altura del teclado. Dotado naturalmente de una técnica sorprendente, sus grabaciones son
un referente musical para todo músico. Poco más de veinte años después de su muerte,
exámenes científicos le diagnosticaron el síndrome de Asperger. Muchas personas con
este desorden creen que Gould lo tenía. La pequeña silla que utilizaba le identifica
fielmente y tiene un lugar de honor en una vitrina en la Biblioteca Nacional de Canadá.