BARROCO ensayo

BARROCO ensayo
Periodo, Contexto Historico y Artistico
Claudio Calderón
TALLER DE PRESENTACION A LA ARQ 4
4TO AÑO ARQUITETURA
INDICE
HIPOTESIS
pag.3
INTRODUCCION
pag. 4
ALGUNOS HECHOS ARQUITECTONICOS desarrollo
pag.5
Del Barroco en Roma
Del Barroco en Francia (clasicismo francés)
TESIS
pag.11
BIBLIOGRAFIA
pag.13
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BARROCO ensayo | Claudio Calderón
HIPOTESIS
El Barroco. Un arte en función a la necesidad política contemporánea de esa época
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BARROCO ensayo | Claudio Calderón
INTRODUCCION
El Barroco es un periodo de la historia occidental que surge entre los XVII y XVIII, y que trasciende
en los campos de la literatura – la metáfora y la alegoría –, la escultura – realismo –, la pintura, la
danza, la música y la arquitectura; como reflejo de los cambios imperantes en la estructura social y
la forma de vida occidental; debido a los movimientos culturales involucrados se produjo una
nueva ciencia y una nueva religión disidentes dentro del propio catolicismo, de esta manera la
sociedad europea se divide, por un lado el catolicismo y por otro la reforma protestante (aquellos
que se distancian de la autoridad de Roma). Bajo este contexto, los países que siguieron con una
ideología catolicista se mantuvieron bajo un sistema casi feudal donde los aristócratas y el
campesinado son las fuerzas preponderantes; situación que en los países que siguieron una línea
reformista se ve alterada por la sustitución de la aristocracia por una burguesía mercantilista.
Es debido a la división cultural que el arte y la arquitectura encuentran grandes diferencias
entre países de distintas tendencias ideológicas. En cuanto al arte, en épocas anteriores se podía
apreciar el distanciamiento entre este y las personas, un vacio cultural que se guardaba en la poca
accesibilidad a las distintas obras de arte por parte de la gran mayoría del pueblo. Obras
enclaustradas “para y en” propiedad de los mecenas y aristócratas. Ante esto el Barroco en su
ideología cultural permite comenzar a salvaguardar este distanciamiento, estrechándolo en la
medida en que las obras comienzan a enfocarse en el “Hombre individual” (una relación directa
entre el cliente y el artista); el virtuosismo y el realismo toman parte del pensamiento artístico,
dejando así la fantasía y la imaginación en manos del espectador.
La idea del Barroco ya se venia preparando durante los últimos decenios del siglo XVI, una
etapa a la que se le nombra “Manierismo”. Es tras este periodo cuando en Roma se advierte la
necesidad de un nuevo arte. Doscientos años de pugnas entre potencias europeas por el control
del mercado centrado en el mar Mediterráneo y el traspié económico sufrido tras el
descubrimiento de América, cuyas rutas son dominadas por españoles, portugueses e ingleses,
llevan a las republicas independientes italianas a reagruparse bajo poderes más fuertes y las que
no son sometidas por Francia y España se auto someten a la influencia de los estados vaticanos
con cede en Roma. Es en el siglo XVII cuando Roma resplandece con figuras como Porta, Maderno,
Bernini y Borromini. Luego, el siglo XVIII se verían movimientos renovadores en Turín (se convierte
en hito de la creación arquitectónica con figuras como Guarino Guasari, Filippo Juvara y Bernardo Vittone ) y
Nápoles, especialmente en la zona del Piamonte. Ya con una Italia perdida los países que
comienzan a demostrar aires de grandes potencias en cuanto a pensamientos y obras son Austria
(construcciones de Fisher- von-Erlach, Lucas von Hilderbrandt y Baltasar Neumann), Alemania meridional
y católica donde, si bien no existe un poder tan grande como el del Imperio Austriaco, los
principados y las ciudades católicas levantarían templos abadías y santuarios lumbreras de la
arquitectura Barroca. Los creadores de las obras italianas del siglo XVII mostraron siempre una
beta mas docta en cuanto a la manera de conformar sus monumentales creaciones, y lo que no
pudieron lograr ellos lo hicieron los artistas germánicos en un ambiente de creación mucho mas
libre, sin obviar la ayuda de artistas italianos que emigraron a aquellas zonas en busca de trabajo.
Ahora bien, no todos los países que recorren el periodo del Barroco europeo
necesariamente lo representan. Es el caso de Francia, que siendo un país católico no se hace
participe del ritmo Barroqueano del resto de Europa. En Francia y a partir del reinado de Luis XIV,
se considera que para el prestigio del estado el arte y la arquitectura deben ser solemnes y
adoptar un carácter clásico y académico. El periodo del barroco en el resto de Europa es el periodo
del clasicismo francés. El caso de Inglaterra se mantiene dentro de la tradición del Gótico
perpendicular y sus variaciones Isabelinas y Jacobinas. Por otro lado España es también uno de
aquellos países que se aparta del ritmo Barroqueano que llevan el resto de los países en Europa;
es España la nación católica por excelencia, llegando a perder de vista incluso sus intereses por
mantener la catolicidad *ecuménica. Sin embargo España crea un arte diferente del europeo, con
personalidad independiente y fuerza propia que hace valer en sus posesiones americanas
formando un conjunto aparte en el arte Barroco.
*Ecuménica: De ecúmene, hace referencia al conjunto de mundo conocido por una cultura.
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DEL BARROCO EN ROMA
Italia ya en el siglo XVI presentaba poderosas regiones de prosperas republicas y
principados que eran asiento de grandes sociedades mercantilistas en rápida expansión por el
trafico comercial ultramarino. En este ambiente, Roma se desenvuelve como una ciudad de
burocracia clerical compleja y parasitaria que perdió la confianza luego del saco de Roma -saqueo
del que fue victima la ciudad eterna tras la caída del comandante Carlos (1527 / sacro imperio
romano germánico), lo que significo el arrebatamiento de sus hombres, la captura y masacre de la
guardia suiza y el pillaje y saqueo de la ciudad de Roma -. Luego en 1534 asume el Papa Paulo III,
quien asumió el compromiso de unificar a los católicos en un contexto que tendía a desunirlos. Las
acusaciones de tiranía, nepotismo*1 y simonía*2 de Martin Lutero contra Roma, la imperante
fuerza que crecía en manos de la iglesia protestante y su insistencia por la convocatoria de un
concilio concluyeron en la contrarreforma (Reforma Católica con miras de adaptación a los nuevos
tiempos, en respuesta a la reforma protestante de Martin Lutero); la que en un análisis al seno de la
iglesia y en respuesta a la impopularidad y corrupción interna dan a luz a la Compañía de Jesús,
llevada por jesuitas, y al Concilio de Trento. Concilio que decreta entre los años 1545 y 1563 la
justificación, los sacramentos, la eucaristía, el canon de las sagradas escrituras y sus personajes.
La iglesia ya desde hace tiempo que sabia del poder del arte como vehículo de propaganda
y control ideológico, por lo que la traducción del concilio sobre el estado del arte trajo inmediatas
secuelas. Un buen ejemplo son las representaciones dogmaticas como la virginidad de María, el
llevar a cabo un arte sencillo y directo donde los personajes y santos aparezcan cercanos al
pueblo, pordioseros de rostros vulgares, el énfasis en el dramatismo para ganar la fe mediante la
emoción. Las escenas se vuelven dinámicas, las composiciones se complican para ofrecer variedad
y colorido. Las luces, los colores, las sombras se multiplican y ofrecen una imagen vistosa y
atrayente de la religión y sus protagonistas. Fuera del patrocinio de la Iglesia, los mecenas
privados se multiplican: el afán de coleccionismo incita a los pintores a llevar a cabo una
producción de pequeño o mediano formato para aumentar los gabinetes de curiosidades de ricos
comerciantes y alta nobleza.
Dentro de los arquitectos romanos que son puente entre el manierismo y el barroco
tenemos a Doménico Fontana que con un estilo románico fue el cabecilla de las empresas
urbanísticas y monumentales del Sixto V. (Fachada del palacio Laterano, El Obelisco de San Pedro –fig.
1-, la capilla del S.S. Sacramento en Santa María la Mayor y el Palacio Real en Nápoles, entre otras ).
Plaza de San Pedro Roma, “donde al situarse justamente en la entrada de la plaza se puede observar la
altitud del obelisco, pero al adentrarse en dirección a la basílica aparecen las inesperadas columnatas que
rodean el perímetro de la Plaza”. El grandiosismo es una cualidad típica Barroca. Los arcos se utilizan de
formas variadas y las cúpulas son el elemento por excelencia del arte Barroco.
También esta Giácomo della Porta, arquitecto que se puede considerar directo
continuador de Vignola (1507 – 1573) como ayudante y discípulo. Trabajo en el Palacio Senatorial,
en el Campidoglio, bajo diseños de Vignola. La finalización de la cúpula en San Pedro y la fachada
de la Iglesia de Gesú (en la que modifico planos de su maestro transformándola del manierismo al
dinamismo y claro-oscuro del barroco). Fue un arquitecto extremadamente fecundo y se puede
1
* Nepotismo: Es la preferencia que tienen algunos gobernantes o funcionarios públicos para dar empleos
públicos a familiares o amigos sin tomar en cuenta la competencia de los mismos para la labor.
2
* Simonía: La simonía es la compra o venta de lo espiritual por medio de bienes materiales.
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ver en la cantidad de obras que tiene en Roma. En las que destacan las decoraciones, molduras y
miembros arquitectónicos como pilastras, capiteles, entablamentos, cornisas, ovas, contarios,
guirnaldas, etc. Techos con cartuchos, cornucopias y marcos diversos para valorar relieves y
pinturas. Esto solo como muestra de cuan ornamental, rigurosos, caprichoso y accidentado en
cuanto a la profusión decorativa, llegaron a ser los camino recorridos del Barroco.
Otro arquitecto barroqueano distinguido en Roma es Carlo Maderno y es después de el
que surgen figuras como Bernini, Borromini, Cortona, Rainaldi. Entre sus haberes están:
colaboración en la erección del Obelisco de la plaza de San Pedro, la iglesia de Santa Susana, la
intervención en la fachada del Gesú, el Palacio de Piazza Colonna (hoy Palacio Chigi) y la
intervención y transformación de la plaza y basílica de San Pedro, apoyado por el papa Paulo V, y
el palacio Barberini (posterior integración de Borromini y Bernini).
Si bien en la pintura la revolución anti manierista la encabezaban Carracci y Caravaggio, en
la arquitectura barroca entre 1598 y 1680 fueron Bernini y Borromini. Ambos tratando de
incorporar una nueva arquitectura que se alejara de los cánones impuestos en el Cinquecento
para dar paso a una más expresiva y apegada a los sentidos del habitante. La diferencia entre
ambos autores radica en la manera en que ven a Roma además de haberse diferenciado por
quienes los patrocinaban; Bernini ve a la ciudad eterna desde su función política, patrocinado por
mecenas y familias patricias, mientras que Borromini mira a Roma desde su función religiosa,
patrocinado por órdenes religiosas.
Primero Bernini. La base de la formación artística arquitectónica de Bernini fue el estudio
de la tradición grecorromana. Sus restauraciones revelan el gusto por la precisión, por la
interpretación original del helenismo y el respeto por la integridad de la obra. Su trabajo respira la
grandeza de la Roma eterna sin quedarse como un mero restaurador sino incorporándole efectos
óptico y lumínicos apoyándose en el soporte clásico de la obra. Como ejemplo, la plaza de San
Pedro, donde finalmente la tensión dinámica del barroco se hace mayor a los edificios de la
antigua roma, donde las expansione y contracciones del espacio están calculadas, pero
respetando a estos últimos en plenitud. Bernini posee una especial visión sobre el espacio que le
permite crear ilusiones mediante la manipulación del mismo y de su luz.
Scala Regia del Vaticano, Bernini (fig. izquierda). Inspirada en la Galeria Spada, Borromini (fig. derecha).
Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó
numerosas obras. Sin embargo fueron tres los que mayores obras le encargaron: Urbano VIII
(palacio Barberini), Inocencio X (algo de desfavor, la Fuente de los Cuatro Ríos) y Alejandro VII (Catedra
de San Pedro).
Alguna de sus obras: Iglesia de Santa Bibiana, Badoquino de San Pedro, Capilla Cornaro en
la iglesia de Santa María de la Victoria, el Extasis de Santa Teresa, la Capilla Raymondi de San
Pietro in Montorio, el Colegio de Propaganda Fide, la capilla de Beata Ludovica Albertoni, la
Fuente de los Cuatro Ríos, la Catedra de San Pedro, la Iglesia de Sant’Andrea al Quirinale, la Scala
Regia del Vaticano, entre otros. Muchas de estas obras fueron proyectadas para poner en valor las
piezas de escultura que el mismo confeccionaba, reuniendo en si compenetradamente el rol de
arquitecto y escultor. Un buen punto seria ¿Qué y cuando el marco arquitectónico da valor a la
escultura?
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En cuanto a Borromini. Fue un Arquitecto suizo que en 1619 llega a Roma, donde cambia
su apellido de Castelli a Borromini y comienza a trabajar para su pariente lejano, Carlo Maderno en
las obras de la Basílica de San Pedro. A la muerte de Maderno en 1629 se une al equipo de Gian
Lorenzo Bernini en los trabajos de ampliación y refacción de la fachada del Palazzo Barberini.
Borromini trabaja allí como asistente de Bernini, pero luego de unos pocos años se produce entre
ambos una enemistad que duraría toda la vida y que se ve acrecentada luego de que Inocencio X
le otorgara el titulo de arquitecto principal de Roma y le fuera arrebatado en el papado de
Alejandro VII por Bernini.
La obra de Borromini resulta muy original, sin precedentes claros salvo la influencia parcial
de Miguel Ángel, a quien el arquitecto admiraba. Entre los principales elementos y criterios
arquitectónicos utilizados en su obra, cabe destacar su orden gigante que utiliza en forma
complementaria y alternada, la planta central que seria una tendencia distintiva de las iglesias
barrocas, el dinamismo espacial, el uso de la luz, la incorporación de la escultura, la materialidad
simple y económica, y su esquema geométrico modular que supera de cierta manera al modulo
aritmético de la arquitectura clásica.
Algunas obras de Borromini: Sant’Andrea della Valle, el Palacio Barberini, San Carlo alle
Quattro Fontane, el Baldaquino de San Pedro, Sant’lvo alla Sapienza, el Palacio Capo di Ferro
(donde construyo la galería de columnas ya mostrada con anterioridad en el texto), el Oratorio de
San Felipe de Neri, SantÁgnese in Agone y la iglesia de Santa Maria in Villicella. "Maderno, junto
con Borromini y Carlo Fontana eran los líderes de una banda de artistas que conspiraron para sacar
a la arquitectura de su tranquilo reposo (...), que sustituyeron por una turbulenta movilidad" .Karl
Baedecker, 1883 en "Guía de Italia central".
Trazado Geometrico de Borromini
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Vista interior de la cúpula de la iglesia de Sant’Ivo
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Borromini al parecer creía en el ejemplo infalible de la naturaleza como la fuente de inspiración
principal para la obra de arte. La naturaleza como representación del concepto de la divinidad y la
arquitectura como imitación de lo natural, de acuerdo también a lo expresado por Alberti en sus tratados.
Para los arquitectos de esa época y para el contexto cultural, el trabajo del arquitecto consistía
fundamentalmente en la representación de la perfección y la armonía natural, a partir de la referencia a los
restos y modelos heredados de la antigüedad griega y romana. Las ideas platónicas sobre lo natural,
reflejadas en los escritos de Galileo, por ejemplo, se expresarían principalmente a través de las matemáticas,
las relaciones numéricas y la combinatoria de los cinco sólidos pitagóricos, componentes que explicarían las
formas visibles en el mundo.
Afirmaba Galileo que el gran libro de la Naturaleza está escrito en el lenguaje de la matemática y
son sus caracteres triángulos, círculos y otras figuras geométricas, sin las cuales es imposible comprender
una sola palabra de él.
Yendo más allá, Alberti consideraba que las iglesias debían responder necesariamente en su
trazado al círculo y a la esfera como formas que reflejan la máxima aproximación a una perfecta simetría y
con ello, constituirían el emblema más representativo de la belleza implícita en la idea de Dios. Los grandes
tratados de Serlio y Alberti, interpretes del único texto conocido sobre arquitectura clásica, los Diez Libros de
Arquitectura de Vitrubio, constituirían la fuente de inspiración para una arquitectura relacionada también
con la proporción de la figura humana.
Los elementos geométricos más sencillos constituirían así la base para el desarrollo de edificios
religiosos cuya simbología quiere expresar esa idea de perfección y de interpretación de lo natural como
imagen representativa de Dios. El abandono de la planta en cruz latina a favor de la griega, más simétrica y
ordenada, tendría que ver con este esfuerzo de simplificación y de construcción de relaciones claras y netas.
CRUZ GRIEGA
CRUZ LATINA
Esquema geométrico del diseño de la planta de la iglesia de San Carlino
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DEL CLASICISMO FRANCES
Después del gótico, el desarrollo arquitectónico que se ha llevado a cabo dista mucho
entre Europa central y meridional. Y pareciese ser que el Barroco es una tendencia cultural propia
de los países católicos, sin embargo siendo Francia un país de línea católica este presenta un
Barroco bastante mitigado, sin exuberancia ni relieves vigorosos.
Es en el reina de Luis XIV cuando en el resto de Europa el Barroco llegaba a su apogeo,
sin embargo el ritmo arquitectónico imperante en Francia tiene más que decir acerca del
clasicismo. Sin embargo hay casos como el Palacio de Luxembrugo (Salomon de Brosse), Porte
Dauphine (Remy Collin) y Château de Verneuil-sur-Oise (Du Cerceau) que presentan el estilo italiano
de patencia barroqueana. Ahora bien toda esta línea aquitectonica se ve cortada con la llegada de
Luis XIV al poder. El rey pretendía hacerse de un arte que expresara la grandeza de su reinado con
aplomo, calma y gravedad mediante un arte ordenancista; y es que en Francia durante la regencia
de su madre Ana de Austria comenzó la Fronda, movimientos insurreccionales contra la
monarquía debido a la continua alza de impuestos para solventar la “guerra de los treinta años *1”
y que funda una crisis económica tras el aumento de la presión fiscal; de esta manera los bandos
mas dolidos y que formaron parte de la oposición monárquica fueron la oposición parisina y la alta
nobleza. Es debido a esto que el monarca de Francia necesitaba de un arte donde predominara la
unidad y la simetría. Así la abundante literatura arquitectónica del siglo XVII en Francia proponía
fuertemente una suerte de código y reglamento a la conciencia artística con el fin de evitar la
fuerte influencia que el barroco significaba.
Anteriormente, ya en el reinado de Luis XIII (padre de Luis XIV), los arquitectos Salomon
de Brosse, Jacques Le Mercier (la ciudad de Richelieu), Francois Mansart (Castillo de Maisons-Laffite)
y Louis Le Vau (primer arquitecto de Luis XIV) preparaban el futuro clasicismo francés. Es este ultimo
arquitecto con quien se abre la etapa de Luis XIV en la arquitectura francesa y eminencia de la
misma durante toda su vida. Enter las obras de Le Vau podemos encontrar diversos châteaux y su
gran obra Vaux-le-Vicomte además de Versalles.
Vaux-le-Vicomte es un palacio encargado a el arquitecto Luis Le Vau, el pintos Charles
Le Brun y el paisajista André Le Nôtre, por Nicolas Fouquet; hombre proveniente de una familia
dedicada al comercio en una época en la que prosperar es fácil siendo hábil en finanzas y no
teniendo escrúpulos, además Fouquet es el superintendente de finanzas de Francia, cargo del que
tuvo que olvidarse luego de realizar una fiesta en el palacio que le valió la envidia del rey y ser
acusado por corrupción y robo de bienes fiscales.
Esquema de trama del palacio
1
* Guerra de los Treinta Años: Inicialmente se trató de un conflicto religioso entre estados partidarios de la reforma y la
contrarreforma dentro del propio Sacro Imperio Romano Germánico, la intervención paulatina de las distintas potencias
europeas gradualmente convirtió el conflicto en una guerra general por toda Europa por razones no necesariamente
religiosas.
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Luego del altercado con Fouquet, el rey manda a llamar a los artistas autores del palacio
para contratarlos a la brevedad con el fin de poner en marcha el hasta entonces sueño del Palacio
de Versalles.
El palacio de Versalles evidencia en su composición volumétrica una naturaleza colectiva
de composición arquitectónica que refleja la huella de sucesivos arquitectos.
A la vez, podemos decir que el palacio de Versalles surge de la necesidad del rey de
retirar delas labores reales, actos oficiales y sus complejidades que tanto lo agobiaban, y también
del amor al “deporte” de la caza. En fin, se construye en busca de una vida mas intima y libre. El
paraje de construcción ya era visitado con anterioridad por reyes desde Enrique IV; luego Luis XIII
ordena la construcción de un pabellón de cuatro alas con patio cuadrado y este pasa a ser el
núcleo central desde donde se comienza la construcción del palacio.
Ya en 1682 Luis XIV instala allí la residencia real. Así el palacio y sus alrededores se
convertirán en símbolos de la monarquía francesa hasta la revolución Francesa. El palacio se
desarrolla en tres niveles principales: un orden rústico, un piso noble (con las habitaciones
principales) y un piso superior. Hacia el poniente se desarrollan los jardines de Le Nôtre; los que se
prolongan en los bosques y se funden finalmente en el paisaje del valle. El palacio se relaciona con
los jardines mediante tres plataformas aterrazadas que proporcionan una perspectiva del parque;
el cual se desarrolla rodeando la zona de los jardines. Los espacios abiertos de mayor jerarquía se
sitúan alrededor del canal. Ellos están limitados por masas boscosas de formas geométricas las
que a la vez llevan trazadas vacios recorribles. Imitando a Vaux-le-Vicomte.
La composición del conjunto de Versalles esta presidida por la idea de dominio. No se
trata solo de una cuestión simbólica. El sentido de la vista asume en Versalles un rol determinante
en cuanto a todo aquello de lo que la vista tiene dominio y a través de ello poder.
El eje dominante es el oriente-poniente, que cruza en forma perpendicular la Galería de
los Espejos (Jules Hardouin-Mansart); fue construido sobre una antigua terraza de Le Vau y
vinculaba las dependencias del rey con la de la reina. Desde la galería se puede observar sin
obstáculo alguno todo el parque y cruzar con la vista sobre el estanque hasta el horizonte; como si
el parque se extendiera hasta allí, hasta donde la vista alcanza. Esta experiencia de la mirada que
alcanza la lejanía esta en la base de la idea del eje visual, idea que es parte de varias obras de la
arquitectura Barroca y que sin ir mas lejos ya se presetaron los casos de la Scala Regia de Bernini y
la Galeria Spada de Borromini, ambos en función de un eje visual. Ahora no es demás mencionar la
capacidad que posee el edificio para oredenar el territorio, la ciudad de Versalles y los jardines del
palacio se encuetran y articulan en el mismo palacio; en este contexto es donde el palacio actúa
como centro gravitacional de todo lo que le rodea.
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Planta Palacio de Versalles
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Luego de la muerte de la muerte de Le Vau en 1670, Jules Harduin Mansart fue el
arquitecto principal de Luis XIV. Dentro de sus obras se hallan la definición de Versalles (la galería
de los espejos, la capilla), Los Inválidos y La Place Vendôme.
La muerte de Luis XIV trae consigo un fuerte cambio para la cultura e identidad
francesa de aquellos tiempos; Luis XV, sucesor del rey sol, resulto ser un monarca blando y
entregado a las sensualidades de la vida. Sin embargo la arquitectura y el arte francés mantienen
su curso, ya no con el ímpetu de antaño pero siempre avanzando en pro de la escuela de Mansart;
estilo apoyado por la propia academia de arquitectura francesa.
Ya adentrado el siglo XVII en Francia comienza a aparecer el rococó en sus salones y
galerías. El ornamento como la el sinónimo de buen gusto, moda que paso a llamarse Rococo.
Basado en interiores panelados en bajo relieves.
DESARROLLO
Europa viene saliendo del fuerte pensamiento humanista que la llevo a las aulas del
renacimiento. Época de la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de la
mentalidad de la Edad Media; Es el movimiento donde la arquitectura toma un carácter ingenieril en función
de la protección de las ciudades mediante baluartes y murallas que definían los limites de ciudades estados
que mantenían su propia economía y actividad cívica en función de si mismas; ciudades donde se desarrolla
la composición de las obras en base a las simetrías de la forma. Es un periodo donde la iglesia católica, si
bien deja de lado el oscurantismo y dominio dogmatico medieval, aun mantiene un dominio ideológico
imperante basado en comportamientos morales y propagandas de salvación eterna solo asequibles
mediante su iglesia.
Ya a fines del Cinquicento las el poder de las grandes ciudades estado comienza a
dictaminar el concepto de ciudad capital en cuanto a lo que el concepto estado refiere, de esta manera las
ciudades contiguas en una suerte de alianza comienzan mostrarse como municipios y así ha hacerse de una
realidad comercial de constante incremento; sobre todo en los países colindantes al mar Mediterráneo.
Por otra parte, ante la realidad dogmatica eclesiástica, Martin Lutero a partir del año 1517
propone la disidencia ideológica religiosa mediante la Reforma Luterana (hoy en día evangelistas), basado
en el concepto de la justificación por la fe, negando las teorías de salvación impuestas por la iglesia católica
como la venta de indulgencias y criticando la corrupción interina del vaticano basada en el nepotismo. Bajo
este contexto, los países que siguieron con una ideología catolicista se mantuvieron bajo un
sistema casi feudal donde los aristócratas y el campesinado son las fuerzas preponderantes;
situación que en los países que siguieron una línea reformista se ve alterada por la sustitución de
la aristocracia por una burguesía mercantilista. Ahora, la iglesia católica al verse disminuida en su
contingencia ideológica pone en marcha la reforma católica, acto que por siglos se venia deseando y que fue
llevada a cabo por el papa Paulo III. La contra reforma (nombre por el que se le denomina a esta reforma
cristiana) tiene como grandes logros al Concilio de Trento y la Compañía de Jesús; el concilio fue en 1563 y
tiene como puntos a tratar: la justificación, los sacramentos, la eucaristía, el canon de las sagradas
escrituras y sus personajes, con el fin de restablecer la seguridad – en ellos mismos - y el dominio
ideológico que estaban perdiendo producto de la disidencia propuesta por la reforma luterana.
El punto es como lograr que los avances tratados en el seno de su religión se
hicieran parte del pensamiento popular y ante esto ya era saber de la iglesia romana que el arte es
la mejor manera de propaganda. De esta manera se asumen los encargos a las distintas ramas del
arte contemporáneo de la época, pidiendo que de ahora en adelante las obras tengan más
cercanía con la gente, la realización de la escala uno a uno no en tamaño sino en representación
social, el reconocerse y ser participe de una obra que representa una ideología determinada con el
fin de ganarse la conciencia de la gente. Así Roma se transforma en la lumbrera del barroco del
siglo XVI, con figuras de la talla de Maderno, Bernini y Borromini; cuyas obras comienzan a utilizar
cualidades espaciales y lumínicas que involucran al habitante a través de sus sentidos. Obras como
la Scala Regia del Vaticano (Bernini) inspirada en la Galeria Spada (Borromini) patentan la nueva
manera de hacer y ver la arquitectura; los espacios comienzan a construir desde la luz en pro de la
perspectiva, ambos conceptos atrapados en la exploración de los límites de la vista y de cómo se
compone el ordenamiento visual de una obra. De esta manera se esboza el concepto del eje,
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como el elemento ordenador y direccionador del espacio. Haciendo la analogía con la plaza de San
Pedro donde según Fernando Chueca “Al situarse justamente en la entrada de la plaza se puede
observar la altitud del obelisco, pero al adentrarse en dirección a la basílica aparecen las
inesperadas columnatas que rodean el perímetro de la Plaza, los brazos de San Pedro”, podemos
explicitar la relevancia del elemento que, junto con ordenar, articula los momentos de traspaso en
la arquitectura barroca.
La repercusión espacial en el habitante habla de como las obras se muestran de
una manera dinámica mediante momentos sin perder la noción de su totalidad. Lo que en los lares
de la iglesia significaría la manera de mostrar su monumentalidad divina sin perder el misticismo
que una ideología religiosa debe llevar a cuestas. En cuanto al misticismo religioso aparece el trato
de la luz y su conformación espacial. La Scala Regia construye una luz de origen imperceptible la
que junto al juego de peldaños y la contracción del espacio otorgaban a quien mira desde fuera la
sensación de que el que la recorre camina al encuentro de Dios (según relatos de la época). Son estas
sutilidades en las proyecciones espaciales las que dan carácter a la obra; un carácter condicionado
por el requerimiento católico que en el dramatismo de las composiciones intenta promover la
tendencia hacia su pensamiento mediante efectos reales; efectos que los autores construyen
mediante luz, lo que indica una clara tendencia hacia el tridimensionalismo en desmedro dela
frecuente utilización bidimensional de la forma geométrica. Elevar desde el trazado.
Ahora, en contraparte a la ideología barroca y a la vez contemporánea a ella
tenemos la monumental obra de Versalles. El Palacio de Versalles es un encargo del monarca de
Francia, Luis XIV, a los autores del Palacio de Vaux-le-Vicomte. Es importante entender la situación
social por la que estaba cruzando Francia; Un país que se encontraba retirándose de la guerra de
los treinta años, la que había logrado el cuestionamiento a la monarquía en cuanto a su manera de
administrar la economía del estado. Es ante este revuelo que Luis XIV pretende llevar a través de
su encargo arquitectónico la opulencia, monumentalidad y totalitarismo de su reinado. En Francia
impera el clasicismo como tendencia arquitectónica, y es en su limpieza de fachada y
octogonalidad donde pretende representarse como monarca, quizás de manera iconográfica pero
eficiente en cuanto la propagación de una idea mediante al como se recibe esta arquitectura. Lo
que no dista mucho de la manera en que Roma se reforma artísticamente para difundir su
renovación dogmatica.
El Palacio de Versalles se construye sobre un valle visitado comúnmente por los
monarcas con fines deportivos. Finalmente dentro de sus variadas intervenciones que lo
constituyen como hoy en día se puede apreciar, se identifica la imperante presencia de un eje que
atraviesa toda la extensión de la obra, eje que presenta plantea un recorrido visual unificador que
comprende el traspaso visual por las distintas dependencias del conjunto, desde el palacio,
pasando por el jardín y el parque, hasta el horizonte. Este acto de hacer presente el horizonte en
la perspectiva de la mirada trae consigo la consigna del dominio sobre el territorio. Se gobierna
hasta donde es posible ver, y eso es el horizonte. Por otra parte, urbanamente hablando, el Palacio
como conjunto aparece gravitacionalmente colocado entre la ciudad de Versalles y el horizonte
tras el parque, una suerte de ente articulador que conjuga a la unidad territorial en la perspectiva
del ojo.
Ante los casos expuestos y sin ir mas allá, a sabiendas de su contraposición en
cuanto a su tipología arquitectónica, podemos concluir que ambas son obras condicionadas por la
búsqueda de la representación de un ideal. La época del Barroco es una etapa de la historia ceñida
por fuertes cambios ideológicos cuyos representantes intentan hacer prevalecer mediante la
aceptación popular y la manera de llegar a la gente es mediante la obra de arte; las cuales
mediante la integración de nuevos conceptos estructurales y espaciales aspiran a hacer prevalecer
las inquietudes de los demandantes. El periodo del Barroco en Europa trata la aceptación
ideológica desde el acto de habitar y su representación en la forma.
El acto del barroco es el ausentar lo mediato con vista rematada.
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BLIBLIOGRAFIA
Historia de la Arquitectura Occidental, Barroco en Europa
Los Hechos de la Arquitectura
Fernando Chueca
Ediciones Arq.
www.wikipedia.org
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