TEMA 7-Blanca - Grado de Historia del Arte UNED

TEMA 7. ADAPTADO
LA TRANSFORMACIÓN DE LA ESCULTURA
Blanca Esther Zuza Abril
[email protected]
El Lenguaje Biomórfico : Henry Spencer Moore (Castleford, 1898 – 1986)
Importante escultor británico, desde 1930 estuvo relacionado con todos los movimientos artísticos importantes que
tuvieron lugar en Gran Bretaña: el surrealismo y constructivismo sin comprometerse con ninguno de ellos, creando
una forma personal que tomaban elementos de ambos, mostraba también la influencia de culturas primitivas ( arte
mexicano precolombino).
Los temas de la obra de Moore se definieron en figuras femeninas, reclinadas, grupos de madre e hijo y las más
abstractas formas encajadas, representan abstracciones de la figura humana, La mayoría de sus esculturas
representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos
familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas.
Moore en lo esencial es un escultor bioformico “La Abstracción Biomórfica recurre a formas biológicas, es decir
a formas inspiradas en la naturaleza biológica, la abstracción biomórfica que derivó a finales del siglo XX,
muestra imágenes similares a las obtenidas al mirar por un microscopio ya fuera en biología, geología etc. La
abstracción Biomórfica a diferencia de la abstracción Lírica, si posee un tema aunque no es evidente en su
discurso, posee ambigüedad”
La escultura de bronce de Moore Die Liegende (localizada en Stuttgart) es una de sus primeras figuras
reclinadas.
Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo, en la que la forma de la escultura
se desarrolla mientras el artista talla el bloque. Durante los años 1930 se unió al movimiento modernista con que
Barbara Hepworth. Ambos intercambiaron ideas con otros artistas que vivían en Hampstead.
Moore realizaba varios bocetos y dibujos para cada escultura, dibujos que muestran como su estilo evolucionó,
considerando que los dibujos eran de gran importancia.
Reclining Figure (1951), Museo Fitzwilliam, Cambridge.
Sus primeras esculturas mostraban vacíos convencionales, producto de extremidades flexionadas que se separaban
y regresaban al cuerpo. Posteriormente se volvieron más abstractas y tenían agujeros que penetraban directamente
el cuerpo, explorando formas cóncavas y convexas
La escultura de yeso pintado Reclining Figure (1951), localizada en el Museo Fitzwilliam, es característica de las
últimas esculturas de Moore: una figura abstracta femenina con varios hoyos.
Cuando estallo la guerra sintió el impulso de acercar más el arte a la sensibilidad, con obras como Madona de
Northampton y la serie de dibujos del refugio homenaje a la resistencia londinense.
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Tras la Segunda Guerra Mundial las esculturas de bronces de se volvieron cada vez más grandes. A finales de los
años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo
en bronce. Para sus trabajos más grandes creaba modelos a escala antes de realizar el molde final y fundir la pieza.
Wall Relief no. 1, Bouwcentrum en Róterdam, 1955.
.
Una de las formas más usadas por Moore fue la figura reclinada. Su exploración de esta figura, inspirada por la
estatua tolteca-maya que había visto en el Louvre, hizo que su trabajo se volviera más abstracto mientras
experimentaba con los elementos del diseño. En su principio las esculturas se enfocaban en la masa, mientras que
las figuras posteriores contrastaban los elementos sólidos de la escultura con el espacio, no sólo alrededor de la
pieza, sino que también a través de ella, ya que Moore dejaba vacíos algunos espacios en las esculturas.
Estas figuras reclinadas tienen una clara relación con las figuras reclinadas del arte clásico
Cuando una de sus sobrinas le preguntó por qué sus esculturas tenían títulos tan simples, Moore respondió que
"todo el arte debería tener cierto misterio y debería exigir algo del espectador. Darle a una escultura o dibujo
un título demasiado explícito se lleva parte de ese misterio, por lo que el espectador pasa al siguiente objeto
sin tratar de considerar el significado de lo que acaba de ver”.
Escultura de Henry Moore 'Figura delgada yacente' (1979-1980), de Henry Moore.
King & Queen' de Henry Moore ,
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Henry Moore : Figura reclinada
Henry Moore exposición
Dame Barbara Hepworth ( 1903-1975) Su trabajo es un ejemplo de modernismo , y con contemporáneos
como Ivon Hitchens , Henry Moore , Ben Nicholson , Naum Gabo le ayudó a desarrollar el arte moderno
Artista cuyas obras se encuentran entre las primeras esculturas abstractas producidas en Inglaterra. Sus formas
líricas y sentimientos de material, han hecho de ella una de los escultores más influyentes del siglo XX.
En 1919 se matriculó en la Escuela de Arte de Leeds, donde se hizo amigo de su compañero de estudios Henry
Moore . Su amistad de toda la vida y la influencia recíproca fueron factores importantes en el desarrollo paralelo de
sus carreras.
Las primeras obras de Hepworth eran naturalista con formas simplificadas. Elementos puramente formales, que van
ganando importancia hasta que, a principios de 1930, su escultura se convierte en totalmente abstracta.
Obras como la Figura reclinada (1932) que parecen redondeadas formas biomórficas y piedras naturales, que
parecen ser fruto del desgaste en lugar del trabajo duro con un cincel
En 1933 Hepworth caso con el pintor abstracto Ben Nicholson , bajo cuya influencia comenzó a fabricar piezas
geométricas severas, con bordes rectos y las superficies inmaculadas.
Durante los años 1930 y 40, se concentró en el problema de la contraposición entre la masa y el espacio. Piezas
como Wave (1943-44) hizo cada vez más abierta, ahuecado, y perforada, de modo que el espacio interior es tan
importante como la masa que lo rodea.
Su práctica, cada vez más frecuentes en sus obras maduras, de pintar los interiores de las obras cóncavas
aumentado aún más este efecto, mientras ella se acentúa y se definen los vacíos escultóricos estirando cuerdas
tensas a través de sus aberturas.
Durante la década de 1950 Hepworth realizó una serie experimental llamado” Grupos” , racimos de pequeñas
formas antropomórficas en mármol tan delgada que su translucidez crea un sentido mágico de la vida interior. Entre
los más exitosos de sus obras en este formato es el gigantesco geométrico Four-Square (Walk Through) (1966).
Su arte surgía de la misma ética intelectual y cultural que el de Moore, sirviéndose de los mismos recursos formales,
figuras horadadas y encajadas.
Bárbara es una gran artesana en madera y piedra, y sus mejores obras tienen una arrogancia y una pureza que no
formaba parte de los ideales de Moore

Monolith-empíreo , 1953

Esfera con forma interior (1963) en Trewyn Garden, St Ives, Cornwall .
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
Construcción (Crucifixión): Homenaje a Mondrian, fuera de la catedral de Winchester

Aquea ca. 1963, en la universidad del St Catherine, Oxford
La figura alada de 1963, por el lado de los grandes almacenes John Lewis, Oxford Street, Londres
Esfera con forma interior (1963) en elMuseo Kröller-Müller , Otterlo , el Países Bajos .
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UNA EXPRESIÓN EXISTENCIALISTA: ALBERTO GIACOMETTI
Alberto Giacometti escultor de las figuras alargadas nació en (Suiza) en
1901 1966, en el seno de una familia de artistas. Desde muy temprana
edad demostró una habilidad especial para la escultura y la pintura. A los
doce años pintó su primer óleo y con trece años realizó su primera
escultura:
un busto de su hermano Diego.
En 1919 se marcha a Ginebra para realizar estudios de escultura y pintura
en la Escuela de Bellas Artes. Para entonces comienza a tener dilemas
entre la escultura y la pintura. Posteriormente, tras un viaje a Italia en el que
descubre la pintura de maestros como Giotto y Tintoretto, decide dedicarse
durante
dos
años
al
estudio
de
los
maestros
italianos.
De Venecia se marchó a París en 1922, donde vivió durante casi toda su vida. Recibió clases del maestro escultor
Émile-Antoine Bourdelle y se relacionó con otros artistas suizos. Las obras que realiza durante esta época son
simples y con connotaciones eróticas: La femme cuillère (Mujer cuchara), Le couple (La pareja) o Boule
souspendue (Bola suspendida).
En 1925, abandona la escultura realista y comienza a experimentar y realizar figuras de bronce de clara influencia
cubista. Posteriormente, pequeñas esculturas realizadas en madera con forma de extrañas jaulas, le introducen en el
movimiento surrealista..
Para entonces, ya es considerado como uno de los escultores surrealistas más importantes de la década de 1930;
sus obras reflejan gran ingenio e imaginación. Según los expertos, The palace at 4 a.m. (El palacio de las cuatro de
la mañana, 1932-33) es su obra surrealista más brillante: es una estructura arquitectónica que suspendidos sostiene
figuras y objetos expresando la subjetividad y la fragilidad del ser humano ante el tiempo y el espacio.
Las esculturas de Alberto Giacometti son llamativas y curiosas: figuras delgadas con largos brazos y piernas. Algunos
han querido ver una expresión del pensamiento existencialista que sucede a los horrores de la II Guerra Mundial
Invitado por André Breton a incorporarse al movimiento surrealista Su obra llega en un momento de inflexión de la
poética surrealista, que evoluciona desde la exploración del universo interior, en los años veinte (los sueños, la
locura, las experiencias hipnóticas) hasta el descubrimiento del universo real o inventado de los objetos, hacia 1930.
En uno de los primeros números de la revista El surrealismo al servicio de la Revolución, en 1931, Giacometti daba
cuenta del magnetismo inquietante con que le hechizaban los objetos: “Todas las cosas… las que están cerca, y
lejos, todas las que han pasado y las futuras, las que se mueven, mis amigas, cambian (se pasa junto a ellas,
se apartan), otras se acerca, suben, descienden, patos en el agua, aquí y allá, en el espacio, suben y
bajan”…, Giacometti realiza grandes aportaciones a la escultura de forma abierta, al arte cinético y a la construcción
escultórica.
Refleja el interés del surrealismo por el inconsciente y su preocupación por el sexo y la violencia.
En el invierno de 1934-35 se aleja del movimiento surrealista y comienza a trabajar con modelos, comienza para él
una nueva fase, concentró su escultura en la cabeza humana, centrándose principalmente en la mirada… .
En los años 40, el artista imprime un giro radical a su obra, pasándose al campo de la figuración. Para entonces, el
mundo ha conocido ya la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial y descubierto el horror de los campos de
concentración nazis. Quizás influenciado por todo eso, el figurativismo de Giacometti es tan peculiar: con frecuencia
nos presenta figuras humanas en pie, muchas veces desnudas y a menudo extremadamente delgadas, casi
filiformes, acusando una fragilidad desmesurada. No quiere representar en sus esculturas únicamente la apariencia
de la figura humana sino la percepción completa que tenemos de la persona. Parece que para manifestar esta visión
de la realidad necesita adelgazar la imagen de la persona y desnudarla de detalles. “Cuando observamos a alguien
en la lejanía su aspecto externo se nos desvanece, se nos pierde, pero su esencia permanece”.
Durante la Segunda Guerra Mundial vivió en Ginebra, donde conoció a Annette Arm con quién se casaría en Paris en
1946.A esto siguió el periodo probablemente más productivo de su carrera. Posar para giacometti no era sencillo,
pero Annette soportó pacientemente sesiones que durarían horas hasta que Giacometti lograse lo que buscaba.
A principios de los años 50, Giacometti empezó a realizar sus trabajos en bronce. Perfeccionista, estaba obsesionado
con crear sus esculturas exactamente como las veía a través de su exclusivo punto de vista de la realidad.
En 1962 recibió el gran premio de escultura en la Bienal de Venecia.
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El Pensamiento Hecho Materia: DAVID SMITH
David Roland Smith ( 1906-1965) fue un expresionista abstracto escultor y pintor, conocido por la creación de
grandes de acero esculturas abstractas geométricas.
A partir de 1924-25, asistió a la Universidad de Ohio y la Universidad de Notre Dame , de donde salió después de
dos semanas porque no había cursos de arte
Mudarse a Nueva York en 1926, estudios de pintura en la Art Students League de Nueva York , Smith se unió a
artistas de vanguardia como Stuart Davis , Arshile Gorky y Willem de Kooning . También descubrió las esculturas
soldadas de Julio González y Picasso , que dio lugar a un creciente interés en la combinación de pintura y
construcción posteriormente 1930 renuncio a la pintura para dedicarse a la escultura y como el mismo dijo “nunca
note una ruptura, excepto, en el sentido de la dimensión” su mente se movía con plena libertad por el campo del
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arte europeo y anoto” mientras mi liberación técnica se debe a Gonzalez, amigo y compatriota de Picasso mi
estética ha estado más influenciada por Kandinsky, Mondrian y el cubismo”. En 1932, instaló una fragua y el
yunque en su estudio en la granja en Bolton Landing
Smith ocupa el mismo lugar en la historia de la escultura de posguerra que Pollock en la pintura del mismo periodo,
una de las características de la obra de Smith es que solo puede ser producto de una civilización tecnológica muy
avanzada
Smith Comienza comprobando los objetos tridimensionales a partir de madera, alambre, coral, metal soldado y otros
materiales que se encuentran, pero pronto utilizó el soplete de oxiacetileno para soldar cabezas metálicas, que son
probablemente los primeros soldados esculturas de metal que se han hecho en los Estados Unidos.
Early Smith: Hogar antiguo de 1945, el bronce, en el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas
En 1940, los Smith se alejaron de la escena artística de Nueva York y se mudó permanentemente a Bolton
Landing. Sólo un año más tarde, esculturas Smith se incluyeron en dos exposiciones itinerantes organizadas por
el Museo de Arte Moderno
Durante la Segunda Guerra Mundial , Smith trabajó como soldador para la American Locomotive Company , montaje
de locomotoras y tanques M7.
Después de la guerra, con las nuevas habilidades que había adquirido, Smith lanzó su energía acumulada y las
ideas en una explosión de creación entre 1945 y 1946, en estos años tuvo lugar una retrospectiva de su obra en dos
galerías de arte de New York Su producción se disparó y se fue sobre el perfeccionamiento de su propio simbolismo,
muy personal. Primero paso por una fase lineal, en donde sus esculturas eran como dibujos hechos en metal
Tradicionalmente, la escultura de metal significaba moldes de bronce, que los artesanos producen utilizando un
molde hecho por el artista. Smith, sin embargo, hizo sus esculturas a partir de cero, soldadura de piezas de acero y
otros metales con su antorcha, casi de la misma manera que un pintor aplica la pintura a un lienzo, sus esculturas
son casi siempre piezas únicas.
Smith, parte de las obras de esta epoca guardan una relación con ideas paisajistas, esculturas de temas que nunca
antes habían sido mostrados en tres dimensiones, paisajes escultóricos ( Hudson River Landscape 1951), aún
esculturas vida (, Jefe Still Life ) y hasta una escultura de una página de escritura ( La carta ). Tal vez su concepto
más revolucionario fue que la única diferencia entre la pintura y la escultura fue la adición de una tercera dimensión,
declaró que el escultor "concepción es tan libre como el del pintor Su amplia respuesta es tan grande como su
dibujo.. "
Smith fue galardonado con el prestigioso Guggenheim Fellowship en 1950, que fue renovado el año
siguiente. Liberados de las limitaciones financieras, hizo pedazos más y más grande, y por primera vez fue capaz de
permitirse el lujo de hacer esculturas completas en acero inoxidable más libres y con una técnica que le permitía
trabajar con rapidez y libertad. Él también comenzó su práctica de hacer esculturas en serie, la primera
los Agrícolas de 1951-59.
A partir de mediados de 1950, Smith exploró la técnica del bruñido sus esculturas de acero inoxidable con una
lijadora, una técnica que encuentra su máxima expresión en su Cubi serie (1961-65). La escala de sus obras
siguieron aumentando - Tanktotem III de 1953 es de 7 pies de alto; Zig I a partir de 1961 es de 8 ", y 5 Ciarcs
(cubos)de 1963 es casi 13 metros de altura.)
En 1962 fue invitado por los organizadores del Festival del Spoleto a pasar un mese en Italia poniendo a su
disposición una vieja fabrica donde creó 26 esculturas gigantes algunas de ellas.
Smith fue un artista revolucionario en muchos sentidos:
 A pesar de que tenia tendencia a la monumentalidad, no es un escultor monumental en el sentido estricto del
tema, evita lo macizo, lo grande, y se nota una falta de densidad escultórica que podía parecer
desconcertante
 Las formas están, prefabricadas y su disposición en el conjunto de la escultura parece provisional.
 Una escultura vista aisladamente, suele ser mucho menos significativa que varias de la misma serie vistas
simultáneamente o sucesivamente.
 Smith unas veces pinta sus esculturas otras las pule toscamente
 Smith tiende a evitar las relaciones reciprocas
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David Smith, Agricola IX 1952 steel, 36-1/2 x 57 x 2 inches Tate,
David Smith Sol del Mediodia 1959
Cubi XVIII, 1964
Museum of Fine Arts, Boston
Cubi XVII, 1963
Dallas Museum of Fine Arts
Cubi XIX, 1964
Tate, London
JORGE OTEIZA
Jorge Oteiza (Orio, 1908- San Sebastián, 2003), es uno de los artistas vascos fundamentales del arte español del
siglo XX, figura clave de la vanguardia de la década de los cincuenta. Jorge Oteiza Embil nació en el seno de una
familia acomodada. Introvertido y acosado por temores irracionales, tuvo una infancia triste, alejada de los juegos y
las riñas de los demás niños.
Entre 1914 y 1920 cursó el bachillerato en el Colegio del Sagrado Corazón de San Sebastián y en el de los
Capuchinos de Lekaroz, Navarra. En esos años de formación su personalidad cambió radicalmente. Se volvió más
extravertido y sociable.
La obra de Oteiza en sus diferentes vertientes (plástica o teórica) son perceptibles, a partir de los años cincuenta
hasta nuestros días, en disciplinas como la escultura, la pintura, la arquitectura, la poesía, la estética, el cine, la
antropología, la educación o la política.
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La trayectoria artística y personal de Oteiza estuvo siempre envuelta en un halo mítico debido a su carácter visionario
y turbulento, en 1959, Oteiza anuncia su abandono de la escultura; una noticia aún más asombrosa si consideramos
que en esos momentos se encontraba en el cenit de su carrera artística, con la reciente concesión del Primer Premio
de Escultura de la Bienal de Sao Paulo en 1957, con exposiciones en diferentes galerías de América y contratos de
representación en Alemania y otros lugares.
En 1927 se trasladó a Madrid con el propósito de estudiar arquitectura, aunque, finalmente tuvo que matricularse en
medicina. la asignatura de bioquímica despertó su interés por la escultura, por la experimentación de lo que él definió
como «biología del espacio» nunca termino la carrera de medicina
En 1928 su padre y su hermano, después de la quiebra del negocio familiar, emigraron a Argentina, teniendo que
responsabilizarse de su familia, paso grandes dificultades económicas
De formación autodidacta, Oteiza comenzó realizando esculturas dentro de la órbita del expresionismo o del
primitivismo. Tras una larga estancia en Sudamérica, el escultor va desarrollando teórica y prácticamente los
fundamentos de su estética, y el escultor “natural” que llevaba dentro, da los pasos necesarios para convertirse en el
artista que de algún modo está en control de sus mecanismos y herramientas. Esta aventura intelectual quedará
plasmada en textos como la Carta a los Artistas de América (1944) o La interpretación estética de la estatuaria
megalítica americana (1952).
A finales de los años cuarenta regresa a España. La escultura masiva y monolítica, con la que Oteiza naturalmente
se identificaba, sufre un proceso de desmaterialización, la estatua-masa debe ir dando paso a la “trans-estatua” o la
estatua energía del futuro: un artefacto fundamentalmente espacial y energético.
Empezó a introducir oquedades en sus esculturas. Aquellas incipientes exploraciones sobre el hueco y el volumen
(en la línea del gran escultor británico Henry Moore) habrían de devenir el cauce creativo por el que discurrirían sus
producciones posteriores.
Oteiza propondrá un tipo de escultura que sea capaz de liberar energía a través del la “fusión” o acoplamiento de
unidades ligeras
En 1948 regresó al País Vasco, instalándose en Bilbao. El panorama que se encontró era a todas luces desolador;
nada quedaba de aquel ímpetu cultural que había florecido durante la República..
Una de las esculturas definitivas de este nuevo tipo de aproximación fue la que, en 1952, Oteiza envió, como único
seleccionado español, al Concurso Internacional para el Monumento al Prisionero Político Desconocido celebrado en
Londres.
Cuando, a comienzos de los años cincuenta, se encontraba inmerso en una investigación abstracta, Oteiza asume el
encargo de la realización de la estatuaria de la Basílica nueva de Arantzazu.
En 1950 se le adjudicó la estatuaria para la nueva basílica de Aránzazu (Guipúzcoa), proyectada por el arquitecto
Francisco Javier Sáenz de Oiza. Su intervención fue polémica desde el principio: la heterodoxa iconografía del friso
de los Apóstoles ( catorce) así como su estética, demasiado vanguardista para las instituciones eclesiásticas,
provocaron que la Comisión Pontificia paralizara la ejecución de las piezas por considerarlas sacrílegas. A instancias
del papa Pablo VI, el proyecto se reanudó en 1968. Las puertas del templo, realizadas por un joven Eduardo
Chillida en hierro y en un estilo geométrico especialista, causaron una honda impresión en Oteiza.
A partir del momento de la prohibición de Arantzazu, el escultor retomará su Propósito experimental, basado en la
definición y articulación de estas unidades abiertas o livianas Este proceso, desarrollado a partir de cientos de
pequeñas maquetas en materiales muy básicos que conformarán el llamado Laboratorio Experimental, irá
decantando esculturas realizadas, tanto en piedra, como en construcciones hechas a base de finas chapas de metal
ordenadas con la serie Propósito experimental. Su particular forcejeo con el volumen y el espacio llegaría a su cenit
en series en “familias experimentales”: Desocupación de la esfera, Apertura de poliedros, Construcciones
vacías, Cajas vacías, etc..
A partir de su renuncia a la escultura, Oteiza publicó en 1963 su libro Quousque Tandem!, un texto que resume las
preocupaciones teóricas que le acompañaron a largo de su trayectoria vital y artística desde los años treinta, y que
constituyó el libro de
A continuación, escribió Ejercicios Espirituales en un Túnel, que fue prohibido por la censura franquista,
publicándose en los 80,. Proyecto y ejecuto numerosos proyectos . La mayoría de estos proyectos fueron sonoros
fracasos y los que fueron puestos en marcha nunca estuvieron al nivel de las expectativas de Oteiza.
Entre 1972 y 1974, Oteiza decidió completar algunas de la series que habían quedado inconclusas al abandonar la
escultura y desarrolla su Laboratorio de Tizas. Algunos de sus.
A finales de los setenta, se traslada a Alzuza, Navarra, donde prosiguió su actividad teórica, al tiempo que retomó,
de manera muy intensa su poesía
La voluntad poteica de Oteiza, unida a la frustración continuada de sus proyectos, creó mediáticamente la imagen de
un personaje permanentemente airado, y dispuesto a descargar su furor sobre cualquiera que se cruzase en su
camino. Esta imagen contribuyó decisivamente a crear el “mito Oteiza”, hasta el punto de oscurecer, en gran medida,
su escultura. En 1988, la Fundación Caixa organizó la primera exposición antológica de Oteiza, Propósito
Experimental, en Madrid, Bilbao y Barcelona, que puso en primer plano su trabajo escultórico, y fue invitado al
Pabellón Español de la Bienal de Venecia con la consiguiente repercusión internacional. Durante estos años, recibió
varios premios como la Medalla de la Bellas Artes o el Príncipe de Asturias de la artes.
El año 1996 Oteiza y el Gobierno de Navarra ratifican el acuerdo sobre el destino de su obra dentro de la Fundación
Museo Oteiza
CONCLUSIÖN: Fue un artista que con sus reflexiones sobre la expresividad del vacío, el significado del hueco, de la
desocupación de la materia, marcaría para siempre la historia, convulsa, del arte del siglo XX. Nadie mejor que él
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supo comprender que el vacío era también un material con el que trabajar, que al igual que la piedra o la palabra, el
vacío también era un ente que latía, que poseía una expresividad con la que poder construir y ser maleada, una
materia prima más en la que hacer desembocar el torrente creativo que manaba descontrolado de su mente, seguro
que desbordante en muchos periodos de su vida y que quizás fuera esta una de las razones de su carácter
complicado, de tratar de buscar siempre un distanciamiento de la realidad en la que sentía atrapado, insustancial y
mediocre las más de las veces, y que le recordaba de forma cruel e implacable su condición humana, Puede ser por
esto ese carácter que le llevaba a aislarse, a abandonar el mundo, a mostrarse malhumorado y contrariado ante los
demás, quizás buscando refugiarse en esa materia prima que era el vacío y que nadie como él comprendió.
BIBLIOGRAFÍA
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El arte después de Auschwitz Esto se acabó 1-2-3
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Fundación Museo Jorge Oteiza (Txomin Badiales)
Biografia y vidas www.biografiasyvidas.com
Enciclopedia Historia del Arte
Caja Metafísica
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