El Arte del renacimiento. Generalidades

El Arte del renacimiento.
Generalidades
El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el
siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de
las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval.
No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el
impresionante legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en
plena época medieval y el mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo,
como demuestra, incluso, su arte románico peculiar.
El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento al resto de Europa fue lento y
desigual y para lo que centra nuestro interés, el arte en España, podemos decir
que sus primeras manifestaciones comienzan en la penúltima década del siglo
XV y se finaliza en los primeros años del siglo XVII.
EL RENACIMIENTO ITALIANO
El primer Renacimiento italiano
El arte de la península itálica, favorecido desde hacía tiempo por el
mecenazgo de las ciudades rivales, e influenciado por el humanismo, reafirmó
su rechazo a los "tiempos oscuros" y su gusto por lo antiguo. Las estatuas
exhumadas de las ruinas inspiraron a los escultores y reintrodujeron el uso del
bronce. Los patios y los peristilos de los palacios reinterpretaron la vivienda
romana. Los pintores buscaron reproducir la realidad por medio de la
representación del espacio y sus volúmenes, de la perspectiva lineal, el
modelado y la luz. La plumación artística del cuerpo humano se basó en
estudios anatómicos, el desnudo mostró la belleza del hombre como reflejo del
esplendor divino y el retrato fue valorizado. La nueva estética nacida en Toscana
se expandió por toda la península, y particularmente Roma se benefició de un
activo mecenazgo papal.
La perspectiva
La perspectiva de los pintores (llamada artificial) se diferenció del estudio de la
óptica (perspectiva natural). Esta proporcionó a los artistas cómodos esquemas
de construcción, permitiéndoles representar la tridimensionalidad del espacio
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sobre la superficie plana del muro o del panel (posteriormente, de la tela).
Se trata, en términos geométricos, de una proyección cónica que tenía como
foco el ojo del pintor (o del espectador) y como superficie de proyección, el
plano del cuadro, cuyos bordes definían la "pirámide visual" que contenía todos
los elementos de la representación. En consecuencia, todas las perpendiculares
del cuadro convergían hacia un único centro (el punto de fuga) y la escala
relativa de los objetos era respetada.
La tradición gótica revisada
por la perspectiva. El mito
deformó levemente la imagen de
Fray Giovanni da Fiesole, llamado
Angélico, considerado un pintor
inefable volcado completamente a
la devoción o un continuador
tardío de la tradición gótica. De
hecho, Fray Angélico era un pintor
profesional que había ingresado
tardíamente en las órdenes y que
estaba perfectamente al tanto de
las invenciones de la época,
especialmente en materia de
perspectiva.
LA ANUNCIACIÓN, pintura realizada
por Fray Angélico hacia 1449.
Leonardo Da Vinci
Leonardo Da Vinci fue un adelantado a su tiempo. Quiso proyectar sin
restricciones sus ideas y descubrimientos, pero su osada inteligencia sobrepasó
los límites de comprensión de cualquier ser humano de entonces. Sigmund
Freud dijo:'Leonardo da Vinci despertó mientras los demás hombres aún
dormían el sueño de las tinieblas'. Sus datos de visionario eran asombrosos: en
su faceta más conocida, la pintura, fue el primero en aplicar la perspectiva, y
creó las técnicas del claroscuro (el cual modela las formas a través del contraste
de luces y sombras) y del esfumado (que consiste en eliminar los contornos de
las líneas, difuminándolos en una suerte de neblina que genera un efecto de
atmósfera). Desde entonces, la creación pictórica jamás volvería a ser igual.
Desde su comienzo, uno de los rasgos que distinguían al artista era su clara
apuesta por la originalidad, que se translucía en un escepticismo hacia las
influencias greco-latinas que inspiraban a la mayoría de sus condiscípulos.
Porque a Leonardo lo que de veras le interesaba era innovar, crear. Y éste sería
el firme compromiso estético que aplicaría a rajatabla durante su fecunda
actividad como pintor.
De todos los trabajos realizados en el taller de su maestro se destacaron las
tablas de LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS Y SAN JERÓNIMO, ambas
inconclusas. Leonardo también practicó la técnica del dibujo con lápiz y pluma,
y realizó una buena cantidad de bosquejos y bocetos. Pero el mayor brillo
artístico de Leonardo corresponde a uno de los cuadros más famosos de la
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historia de la pintura: LA GIOCONDA. La famosa sonrisa de la también
conocida como MONA LISA es producto de la sutileza y maestría del genio
toscano. Con un trazo asimétrico y la difuminación del fondo que añaden un
halo misterioso a una perturbadora mirada que atrae magnéticamente la
atención del espectador.
Precisión en las expresiones,
tensión en los movimientos. Este
fresco, pintado para el refectorio
del antiguo convento dominico de
Milán, representa el momento en
que Jesús, rodeado de los doce
apóstoles, revela que será
traicionado por uno de ellos. La
imagen muestra el drama que se
desata: estupor, cólera e
incomprensión pueden leerse en
sus rostros, tan humanamente
representados.
LA ÚLTIMA CENA, pintura realizada
por Leonardo Da Vinci hacia 1495-1498.
Miguel Ángel
Miguel Ángel Buonarroti se dedicó de forma simultánea a la escultura, la
pintura, la arquitectura y la poesía. En poco más de cuatro años y prácticamente
sin ayuda, el artista completó los frescos de la Capilla Sixtina por encargo de
Julio II, quien falleció sin llegar a ver la obra terminada.
En cuanto a la arquitectura, una de sus actividades menos conocidas por el gran
público, Miguel Ángel concibió obras notables. En Florencia, la fachada para la
basílica de San Lorenzo, la Sacristía Nueva en la misma basílica y la Biblioteca
Laurenziana.
Una de las características más palpables de su trabajo es la voluntad de alcanzar
una perfecta síntesis entre arquitectura y escultura, como se aprecia en la capilla
Medicea de San Lorenzo. Asimismo, Miguel Ángel trabajó como gubernator de
la fábrica vaticana, haciéndose cargo de los trabajos de reedificación de la
Basílica de San Pedro. El proyecto para la cúpula, la más famosa de sus
realizaciones arquitectónicas, absorbió al artista hasta el momento de su
muerte, por lo que no llegó a verla finalizada. El urbanismo tampoco escapó a la
gran capacidad creadora de Miguel Ángel, que emprendió tareas como el
ordenamiento de la plaza romana del Campidoglio, cuyas obras se extendieron
durante 10 años.
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EL MOISÉS, realizado por Miguel Ángel
en 1513 para el sepulcro de Julio II.
Donatello
DONATELLO- EL CULTO A LA ANTIGÜEDAD
Los escultores florentinos, impregnados de cultura humanista, adquirieron poco
a poco la convicción de que la perfección plástica sólo podía alcanzarse imitando
la antigüedad.
El hombre se transformó en el centro de las preocupaciones artísticas, el busto,
las medallas, las estatuas ecuestres, monumentos funerarios ocuparon
especialmente a los escultores y permitieron la exaltación de las virtudes
humanas. Donatello es quien se preocupó de reproducir las realidades del
mundo natural.
Donatello se inició en el taller de Ghiberti. Desde 1410 su estilo innovador e
independiente se impuso al de su maestro, así como al de sus contemporáneos.
Éste, atraído por la Antigüedad, realizó numerosos viajes a Roma. Sin embargo,
la genialidad de las piezas de Donatello reside en su carácter profundamente
personal y expresivo. Sus primeras esculturas manifiestan el furor de su
inspiración. Sin duda, el carácter demasiado innovador de las obras de
Donatello, explica la poca influencia que éstas ejercieron en los escultores de su
tiempo.
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DAVID, realizado por Donatello hacia
1432.
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