La Historia del Arte, aunque puede concebirse como la historia de

La Historia del Arte, aunque puede concebirse como
la historia de todas las manifestaciones artísticas de
las denominadas bellas artes, que incluirían a la
literatura o la música, suele restringirse a las artes
visuales clásicas (pintura, escultura y arquitectura), y
habitualmente también incluye las llamadas artes
menores o aplicadas. Está estrechamente relacionada
con la estética y la teoría de las artes.
La historia del arte procura un examen objetivo del
arte a través de la historia, clasificando culturas,
estableciendo periodizaciones y observando sus
características distintivas e influencias.
El estudio de la historia del arte se desarrolló
inicialmente desde el Renacimiento, con su objeto
limitado a la producción artística de la civilización
occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto
una visión más amplia de la historia artística,
intentando una descripción global del arte de todas las
civilizaciones y el análisis de sus producciones
artísticas en términos de sus propios valores culturales
(relativismo cultural), y no sólo de los de la historia del
arte occidental
RENACIMIENTO ES EL NOMBRE DADO AL AMPLIO MOVIMIENTO DE
REVITALIZACIÓN CULTURAL QUE SE PRODUJO EN EUROPA OCCIDENTAL EN LOS
SIGLOS XV Y XVI. SUS PRINCIPALES EXPONENTES SE HALLAN EN EL CAMPO DE
LAS ARTES AUNQUE TAMBIÉN SE PRODUJO LA RENOVACIÓN EN LA LITERATURA
Y LAS CIENCIAS, TANTO NATURALES COMO HUMANAS.
EL RENACIMIENTO ES FRUTO DE LA DIFUSIÓN DE LAS IDEAS DEL HUMANISMO,
QUE DETERMINARON UNA NUEVA CONCEPCIÓN DEL HOMBRE Y DEL MUNDO.
EL NOMBRE RENACIMIENTO SE UTILIZÓ PORQUE ÉSTE RETOMÓ LOS ELEMENTOS
DE LA CULTURA CLÁSICA. EL TÉRMINO SIMBOLIZA LA REACTIVACIÓN DEL
CONOCIMIENTO Y EL PROGRESO TRAS SIGLOS DE PREDOMINIO DE LA
MENTALIDAD DOGMÁTICA ESTABLECIDA EN LA EUROPA DE LA EDAD MEDIA.
ESTA NUEVA ETAPA PLANTEÓ UNA NUEVA FORMA DE VER EL MUNDO Y AL SER
HUMANO, EL INTERÉS POR LAS ARTES, LA POLÍTICA Y LAS CIENCIAS, REVISANDO
EL TEOCENTRISMO MEDIEVAL Y SUSTITUYÉNDOLO POR UN CIERTO
ANTROPOCENTRISMO.
EL HISTORIADOR Y ARTISTA GIORGIO VASARI HABÍA FORMULADO UNA IDEA
DETERMINANTE, EL NUEVO NACIMIENTO DEL ARTE ANTIGUO, QUE PRESUPONÍA
UNA MARCADA CONCIENCIA HISTÓRICA INDIVIDUAL, FENÓMENO
COMPLETAMENTE NUEVO EN LA ACTITUD ESPIRITUAL DEL ARTISTA. DE HECHO
EL RENACIMIENTO ROMPE, CONSCIENTEMENTE, CON LA TRADICIÓN ARTÍSTICA
DE LA EDAD MEDIA, A LA QUE CALIFICA COMO UN ESTILO DE BÁRBAROS, QUE
MÁS TARDE RECIBIRÁ EL CALIFICATIVO DE GÓTICO. CON LA MISMA
CONSCIENCIA, EL MOVIMIENTO RENACENTISTA SE OPONE AL ARTE
CONTEMPORÁNEO DEL NORTE DE EUROPA.
DESDE UNA PERSPECTIVA DE LA EVOLUCIÓN ARTÍSTICA GENERAL DE EUROPA,
EL RENACIMIENTO SIGNIFICA UNA «RUPTURA» CON LA UNIDAD ESTILÍSTICA QUE
HASTA ESE MOMENTO HABÍA SIDO «SUPRANACIONAL».
SOBRE EL SIGNIFICADO DEL CONCEPTO DE RENACIMIENTO Y SOBRE SU
CRONOLOGÍA SE HA DISCUTIDO MUCHÍSIMO; GENERALMENTE CON EL TÉRMINO
HUMANISMO SE INDICA EL PROCESO INNOVADOR, INSPIRADO EN LA
ANTIGÜEDAD CLÁSICA Y EN LA CONSOLIDACIÓN DE LA IMPORTANCIA DEL
HOMBRE EN LA ORGANIZACIÓN DE LA REALIDAD HISTÓRICA Y NATURAL, QUE SE
APLICÓ EN LOS SIGLOS XIV Y XV.
EL RENACIMIENTO NO FUE UN FENÓMENO UNITARIO DESDE EL PUNTO DE VISTA
CRONOLÓGICO Y GEOGRÁFICO. SU ÁMBITO SE LIMITA A LA CULTURA EUROPEA Y
A LOS TERRITORIOS AMERICANOS RECIÉN DESCUBIERTOS, DONDE LAS
NOVEDADES RENACENTISTAS LLEGARON TARDÍAMENTE. SU DESARROLLO
COINCIDE CON EL INICIO DE LA EDAD MODERNA, MARCADA POR LA
CONSOLIDACIÓN DE LOS ESTADOS EUROPEOS, LOS VIAJES TRANSOCEÁNICOS
QUE PUSIERON EN CONTACTO A EUROPA Y AMÉRICA, LA DESCOMPOSICIÓN DEL
FEUDALISMO Y EL INICIO DE UN INCIPIENTE CAPITALISMO. SIN EMBARGO,
MUCHOS DE ESTOS FENÓMENOS REBASAN POR SU MAGNITUD Y MAYOR
EXTENSIÓN EN EL TIEMPO EL ÁMBITO RENACENTISTA
Escultura
Como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de
vuelta a la Antigüedad, inspiración en la naturaleza,
humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que
caracterizaron la escultura de este período. Ya el Gótico había
preludiado en cierta manera algunos de estos aspectos, pero
algunos hallazgos arqueológicos (el Laocoonte, hallado en 1506,
o el Torso Belvedere) que se dieron en la época supusieron una
auténtica conmoción para los escultores y sirvieron de modelo e
inspiración para las nuevas realizaciones
DIFERENTES ETAPAS
HISTÓRICAS MARCAN
EL DESARROLLO DEL
RENACIMIENTO
La primera tiene como espacio cronológico todo el siglo
XV, es el denominado Quattrocento, y comprende el
Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia
La segunda, afecta al siglo XVI, se denomina
Cinquecento, y su dominio artístico queda referido al
Clasicismo o Renacimiento pleno, que se centra en el
primer cuarto del siglo. En esta etapa surgen las
grandes figuras del Renacimento en las artes:
Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte
renacentista. Este periodo desemboca hacia 1520-1530
en una reacción anticlásica que conforma el
Manierismo, que dura hasta el final del siglo XVI
n Italia el enfrentamiento y convivencia con la
Antigüedad Clásica, considerada como un legado
nacional, proporcionó una amplia base para una
evolución estilística homogénea y de validez general.
Por ello, allí, es posible su surgimiento y precede a
todas las demás naciones.
Fuera de Italia, el desarrollo del Renacimiento
dependerá constantemente de los impulsos marcados
por Italia. Artistas importados desde Italia o formados
allí, hacen el papel de verdaderos transmisores.
Monarcas como Francisco I en Francia o Carlos V y
Felipe II en España imponen el nuevo estilo en las
construcciones que patrocinan, influyendo en los gustos
artísticos predominantes y convirtiendo el
Renacimiento en una moda
En ésta época igualmente afloró la
literatura en el reino húngaro y
pronto surgieron conocidas figuras
de la literatura y poesia como
Janus Pannonius, Antonio
Bonfini, Juan Megyericsei,
Galeotto Marzio, Pietro Ronsano y
juristas como Esteban Werbıczy,
quienes generaron un enorme
impulso humanista en el reino.
Por otra parte, los supuestos
históricos que permitieron
desarrollar el nuevo estilo
Renacentista se remontan al siglo
XIV cuando, con el Humanismo,
progresa un ideal individualista
de la cultura y un profundo
interés por la literatura clásica,
que acabaría dirigiendo,
forzosamente, la atención sobre
los restos monumentales clásicos
En pintura, las novedades del
Renacimiento se introducirán
de forma paulatina pero
irreversible a partir del siglo
XV. Un antecedente de las
mismas fue Giotto (1267?1337), pintor aún dentro de la
órbita del Gótico, pero que
desarrolló en sus pinturas
conceptos como volumen
tridimensional, perspectiva,
naturalismo, que alejan su
obra de los rígidos modos de la
tradición bizantina y gótica y
preludian el Renacimiento
pictórico
La cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María
de las Flores, es su obra más famosa. Esta enorme
cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia
sino que es una referencia visual en toda la ciudad de
Florencia.
La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por
Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues se
encontraba sin abovedar el crucero.
Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho
crucero no podía ser totalmente semiesférica por
posibles problemas en el sistema de empujes y
contrarrestos de fuerzas. La solución que llevó a cabo
Brunelleschi fue una superposición de dos bóvedas
esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que
estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a
modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto
de esfuerzos, además de conseguir la sensación de
ligereza.
La distancia entre ambas cúpulas se mantiene
siempre constante. Por su casquete alargado recuerda
al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal
de madera, que más adelante se recubrió con
mármoles, en el cual se abrieron ventanas circulares,
que proporcionan iluminación cenital al interior del
crucero. Es la primera vez que la estructura bien
definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el
interior que en el exterior
ESCULRURAS. Decidido
a ganarse la vida como
escultor, participó en un
concurso que consistía en
realizar los bajorrelieves
de las puertas del
Baptisterio de Florencia,
en 1401, en los que se
tenía que representar el
sacrificio de Isaac dentro
de un marco poli lobulado;
tenía que aparecer
Abraham, Isaac, un ángel,
dos sirvientes con un
asno, leña y un cordero o
una oveja. Quedó en
segundo lugar, por no
ceñirse a las bases y
hacer un altar que parece
estar llevado por el asno,
además, el rostro de
Abrahám aparecía con
expresión irritada; este
hecho hizo que se
inclinase por la
arquitectura en exclusiva
PINTURA : Su primera gran obra fue teórica,
al ser el primero que formula las leyes de la
perspectiva cónica, un sistema de
representación gráfico basado en la proyección
de un volumen sobre un plano auxiliándose en
rectas proyectantes. Fue un elemento clave de
la pintura renacentista, pues es la
representación que más se aproxima a la visión
real, al ser muy similar a la imagen que
percibimos de los objetos
Donatello fue el hijo de Nicolo di Betto Bardi, un cardador de
lana, y nació en Florencia, probablemente en 1386. Su padre era
de vida tumultuosa que participó en la revuelta de los Ciompi,
un levantamiento popular del año 1378, organizado por los
cardadores de lana. Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta
años más tarde (1520-1525), dentro de su Historia de Florencia.
Más tarde, su padre, también participó en otras acciones en
contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte
y después indultado, fue un personaje muy diferente a su hijo,
que era noble, elegante y delicado, por sus amigos y demás
artistas era conocido bajo el nombre de Donatello.[4]
Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días
abandonado por la fortuna, sus últimos años a consecuencia de
una enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin poder
trabajar.
Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento
en la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al
lado de la tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que
portaron el ataúd se encontraba Andrea della Robbia.[5] El
cenotafio de Donatello fue realizado en 1896 por el escultor
Raffaello Romanelli.
El Pequeño profeta realizado para el exterior de la Puerta de la
Mandorla en la catedral de Santa María del Fiore en
Florencia, está considerado como de los primeros trabajos
producidos por Donatello. Sin embargo hay una controversia
sobre su atribución, al margen de las diferencias estilísticas
entre las dos figuras de los pequeños profetas, que pueden ser
debidas a la inexperiencia por la juventud del artista, también
por la semblanza con obras similares de Nanni di Banco. En la
actualidad, el profeta de la izquierda se atribuye, en mayoría,
a Donatello, sobre la base de comparaciones con otras obras de
la misma época, como el David en mármol. El hecho que la
otra estatua es probablemente obra de Nanni di Banco, no es
incompatible con los documentos de de la catedral, donde
consta que Donatello recibió en 1406 y 1408 unos pagos, en
recompensa por su trabajo en dos estatuas de profetas (que no
son descritas con detalle); en aquel momento los dos escultores
estaban asociados y participaban en la decoración de la Puerta
de la Mandorla de la catedral
A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el
alquiler de su casa y esto ha dado lugar a debatir sobre su estado
real de pobreza, pero la cuestión parece más bien relacionada
con su total indiferencia en los asuntos financieros, que en toda
su vida demostró tener el artista, por las cuestiones económicas.
Muchas anécdotas dan testimonio de esta actitud, como cuando
en el momento de su mayor apogeo de trabajo en su taller, solía
colgar una cesta llena de dinero, del que sus ayudantes podían
aprovechar libremente, según fuera necesario. Los honorarios
que recibió por su trabajo le habían asegurado grandes
ganancias y también por otra parte Cosme de Médicis le había
concedido una paga vitalicia semanal hasta el fin de su vida
Nació en 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca
de Arezzo.[7] Fue el segundo de cinco hijos varones de
Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de
Francesca di Neri del Miniato di Siena.[8] Su madre murió
en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años. La
familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía
más de trescientos años y habían pertenecido al partido de
los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos
públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo
del artista, y su padre, que había fracasado en el intento
de mantener la posición social de la familia, vivía de
trabajos gubernamentales ocasionales,[2] como el de
corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel.
Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas
rentas procedentes de una cantera de mármol y una
pequeña finca que tenían en Settignano,[9] pueblo donde
Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y
muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de
un picapedrero.[8]
El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el
maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser
artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir
el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en
aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di
Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del
prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a
pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le
dejara seguir su gran inclinación artística, que, según
Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido,
la mujer de un picapedrero. De ella comentaba:
«Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las
escarpas y los martillos con los cuales después he
esculpido mis figuras».[10]
Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su
vida. Cuando su hermano mayor Leonardo se hizo monje
dominicano en Pisa, asumió la responsabilidad en la
dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del
patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de
casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio
de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias
de Florencia
Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da
Vinci escuchar) fue un pintor florentino y polímata
(a la vez artista, científico, ingeniero, inventor,
anatomista, escultor, arquitecto, urbanista,
botánico, músico, poeta, filósofo y escritor)
nacido en Vinci el 15 de abril de 1452[2] y fallecido
en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años de
edad, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a
quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.[2]
Tras pasar su infancia en su ciudad natal,
Leonardo estudió con el célebre pintor florentino
Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de
importancia fueron creados en Milán al servicio
del duque Ludovico Sforza. Trabajó a
continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó
los últimos años de su vida en Francia, por
invitación del rey Francisco I.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y
símbolo del hombre del Renacimiento, genio
universal, además de filósofo humanista cuya
curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a
su capacidad inventiva,[3] Leonardo da Vinci es
considerado como uno de los más grandes
pintores de todos los tiempos y, probablemente,
es la persona con el mayor número de talentos en
múltiples disciplinas que jamás ha existido.[4]
Primeras obras
Pintura
A pesar de la relativa toma de conciencia y la
admiración que Leonardo despertó como científico e
inventor en los últimos años, su fama ha descansado
sobre sus creaciones como pintor de varias obras,
autentificadas o que se le atribuyen, y que han sido
consideradas como grandes obras maestras del
patrimonio universal.[53] [Nota 10]
Sus pinturas son célebres. Por un lado, han sido
copiadas e imitadas por los estudiantes, y por otro
han sido el centro de debate y controversia entre los
especialistas. Entre las cualidades, cabe destacar las
técnicas pictóricas innovadoras que empleó, el
sentido de la composición y el uso sutil de los
esfumados de colores, el conocimiento profundo de la
anatomía humana y animal, de la botánica y la
geología, la utilización que hacía de la luz, el interés
por la fisonomía, la capacidad de reflejar la forma en
que los humanos utilizan el registro de las emociones
y las expresiones gestuales. Dominaba sobre todo la
técnica del «sfumato» y la combinación de sombras y
luces. Todas estas cualidades aparecen reunidas en
obras como La Gioconda, La Última Cena y La
Virgen de las rocas
El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del
Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus alumnos. Otra pintura
que parece datar de este periodo, es La Anunciación. Uno de
ellos es pequeño, 59 centímetros de largo y 14 centímetros de
alto. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran
composición, en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del
cual se ha separado. El otro es un trabajo mucho más grande,
217 centímetros de largo.[55] En estas dos Anunciaciones,
Leonardo ha representado a la Virgen María sentada o de
rodillas a la derecha de la imagen, y un ángel de perfil que se
acerca a ella desde la izquierda. Gran parte del trabajo es
realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel.
Aunque anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico
Ghirlandaio, el trabajo es ahora casi universalmente atribuido
a Da Vinci.[56] Dentro de 1478 y 1482, Leonardo pintó Madona
Benois, una obra que ha sido atribuida a éste pero muy
debatida en cuanto a su fecha de ejecución. Junto a esta obra,
también otra atribuida al pintor florentino es Ginebra de
Benci, que más que una pintura es un retrato. La Virgen del
clavel, fue hecha entre éste periodo, su atribución a Da Vinci,
es universal y aceptada
BARROCO
Pintura
El Barroco fue una época donde la población
descendió drásticamente, ya que las guerras, el
hambre, las epidemias y la emigración por motivos
económicos o políticos estaban al orden del día. La
guerra de los treinta años y las epidemias, que eran
consecuencia de la falta de higiene que había en esa
época, hicieron perder a España aproximadamente
dos millones de habitantes desde el principio del
siglo hasta el final de este.
Las epidemias afectaban sobre todo a los pobres, ya
que, al estar mal alimentados y viviendo en unas
pésimas condiciones de higiene no podían hacer
frente a una enfermedad. El baño estaba mal visto
por la sociedad y sólo los más limpios se lavaban si
acaso la cara con una toalla húmeda y un pobre baño
de cuando en cuando.
La economía sufrió un gran cambio, el mercantilismo.
Este nuevo sistema económico fue inventado por
Jean Baptiste Colbert, un ministro de Luis XIV. El
mercantilismo permitía que el gobierno pudiera
guardar metales preciosos para el estado. Se basaban
en que el país seria más rico de esta forma. También
destaca la crisis que pasó la agricultura en el sur de
Europa. Fue debida a un cambio en el clima. La
industria avanzó con el uso de manufacturas, que
aligeraban la producción al usar algunas máquinas
simples. La sociedad se dividía en tres estados
La nobleza, eran privilegiados que vivían de sus tierras.
Formaban parte del primer estado
-El clero, este grupo se dividía en dos estamentos, alto clero, los
cuales eran privilegiados y se encontraba en el primer estado, y
el bajo clero, eran pobres, y poco formados, pertenecían al tercer
estado.
-El tercer estado, era muy heterogéneo y diferencial. Se dividía
en:
+Campesinos, en Europa occidental eran libres, pero muchos de
ellos vivían en la pobreza, aunque poseyeran terrenos.
+Alta burguesía, eran los dueños del poder económico del
momento y la formaban los comerciantes, industriales y oficiales
de la administración. Los que destacaban iban teniendo acceso a
puestos de responsabilidad e incluso llegar a la nobleza o el
poder político.
En el campo de la política se produjo un fortalecimiento del
poder monárquico, pasa de ser monarquía autoritaria a ser
monarquía absoluta. Con esto se conseguía, apoyados por la
corte, los reyes, la administración, el ejército y la burocracia,
acabar con las limitaciones del monarca que tenia con los
ingresos y gastos de la corona. Los organismos que limitaban el
poder del monarca eran, en España, las cortes. En esta época los
monarcas eran asignados por la teoría del poder absoluto de
derecho divino, sostenían que habían sido elegidos por Dios para
gobernar pueblo. El ejemplo mas claro de monarca absoluto era
Luis XIV de Francia. Este dijo la famosa frase: “El estado soy
yo”. El monarca absoluto tomaba medidas como
El tema del cuadro parece trivial, la infanta y sus
damitas de compañía (meninas en portugués)
irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de
cámara del rey Felipe IV, que se encuentra
pensativo y observa los modelos que se dispone a
pintar. Nosotros podemos ser esos modelos ya que
somos contemplados por Velázquez. Sin embargo,
los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, a
quienes vemos reflejados en el espejo del fondo,
son las personas que el pintor retrata
Pero vayamos por partes, en primer término y de
izquierda a derecha tenemos a María Agustina
Sarmiento que está haciendo una reverencia y
ofreciendo en una bandeja plateada un jarrito o
búcaro rojo a la infanta Margarita de Austria que
se encuentra en el centro de la composición y
resulta ser una deliciosa y encantadora niña de
seis añitos de edad. Margarita acepta con su mano
el jarrito y nos observa con su candorosa mirada
infantil. Un poco más a la derecha vemos a otra
menina, Isabel de Velasco, que también muestra
sus respetos mediante una suave reverencia. La
siguiente es Maribárbola, enana macrocéfala de
origen alemán, que también nos mira y,
finalizando este plano, Nicolasillo Pertusato, que
parece un niño pero también era un enano,
bastante travieso por cierto, pues ya ves que le
está dando una patada a un gran mastín tumbado
en el suelo
Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor
Velázquez sujetando un pincel en la mano
derecha y la paleta con los demás pinceles en la
izquierda. Se está inspirando para pintar a los
reyes y se ha representado a sí mismo muy
elegante y como de cuarenta años cuando ya
rondaba los cincuenta y siete. Delante de él está
la parte posterior del lienzo sobre un caballete