(7- bloque 2º s. XIX)

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La percepción de la obra de arte, el
artista, el comitente y el espectador a
través de la Historia.
El siglo XIX. Pensadores y cambios
• Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX
se sentaron las bases de la sociedad
contemporánea, marcada en el terreno político
por el fin del absolutismo y la instauración de
gobiernos democráticos.
• La ciencia tuvo un gran impulso, nueva actitud
de conocimiento empírico que genera el
positivismo.
• La filosofía influye cada vez mas en la sociedad,
con la difusión de las ideas entre un público
cada vez más numeroso, lo que viene
propiciado por el aumento progresivo de medios
de comunicación.
¿qué es el arte?
• El arte está en la obra
• El arte es lo que crea un artista
(independientemente de qué
• El arte tiene que ver con el espectador
El arte está en la obra
• Así en buena medida se había entendido
en momentos anteriores.
• La obra era la revelación de la idea por
tanto era inconcebible el arte sin su
absoluto protagonismo.
El arte está en la obra
• Por otra parte si se privilegia la obra
tenemos:
– Damos prioridad a la materia sobre la acción
y la idea.
– Entendemos que su significado queda fijado
con pocas posibilidades de cambio
– Negamos la acción cualificadora del
espectador (eliminando lcierto peso
democrático en el ejercicio del juicio del
gusto)
El arte está en la obra
• Por otra parte el arte no debía buscar la
belleza natural pues esta se encontraba
marcada por la necesidad.
• Kant la belleza es una forma sin finalidad,
por tanto gestada a través de la libertad.
• Kant: debería llamarse arte, sólo a la
producción por medio de la libertad, es
decir mediante una voluntad que pone
razón a la base de su actividad.
Arte = artista
• La acción volitiva así como la libertad no
están realmente definidas en la obra, sino
en el artista.
• Ha de entenderse por tanto el arte como
algo secundario, siendo lo prioritario la
personalidad del artista.
• En esto el artista convertido en creador no
se sirve de la copia sino de la intuición
mostrando a partir de ella el significado
profundo de cuanto acontece
• Lo que mejor cualifica el arte y el artista es
la libertad
• Por eso por encima de lo bello está la
intuición de lo sublime que es una de las
razones más definitorias del romanticismo.
• El romanticismo surgio en Alemania a finales del
siglo XVIII en la literatura.
• Posteriormente se extendió a otros paises,
pasando igualmente de la literatura al resto de
las artes.
• Filosoficamente, era heredero del idealismo, en
especial de las teorias formuladas por Kant.
• Los romanticos tenian la idea de un arte que surge
espontaneamente del individuo, destacando la
figura del “genio” –el arte es la expresion de las
emociones del artista–.
• Exaltaban la naturaleza, el individualismo, el
sentimiento, la pasion.
• Esta nueva vision sentimental del arte y la belleza
conllevaba el gusto por formas intimas y subjetivas
de expresion como lo sublime.
• Tambien se otorgo un nuevo enfoque a lo oscuro, lo
tenebroso, lo irracional, que para los románticos era
tan valido como lo racional y luminoso.
• –el arte es la expresion de las emociones del
artista– figura del “genio” .
• la naturaleza como emoción (por tanto se desliga de
leyes, principios objetivos) (la emoción es subjetiva
y libre)
• INDIVIDUALISMO (artista, genio creador son
conceptos fuera de todo universal, son personales e
intransferibles)
• SENTIMIENTO
PASIÓN
(igualmente
son
emociones individuales en sus principios y grados..
• LIBERTAD Y exaltación de lo SUBLIME
• Atracción por lo OSCURO lo DIONISIACO, lo
IRRACIONAL….
EDAD MEDIA.
• LA OTRA CARA DE LA ESTÉTICA la belleza
ambigua, aceptando aspectos como lo grotesco y
lo macabro, que no suponen la negacion de la
belleza, sino su otra cara.
• Se valora la cultura clasica, pero con una nueva
sensibilidad, la de lo antiguo y lo primigenio, como
expresion de la infancia de la humanidad.
• Tambien se valora la Edad Media, como época de
grandes gestas individuales, en paralelo a un
renacer de los sentimientos nacionalistas.
• El nuevo gusto romantico tenia especial predilección
por la ruina, por lugares que expresan imperfeccion,
desgarramiento, pero a la vez evocan un espacio
espiritual, de recogimiento interior.
• la busqueda del equilibrio de elementos contrarios: lo
fugaz y lo perdurable, la accion y la contencion,el
logos y el mithos, la pasion y el equilibrio.
G. F. Hegel (1770-1831).
• Es el mejor representante del idealismo alemán. Su
filosofía parte de Kant y de Schiller.
• Su corpus estético, recogido en “ lecciones sobre estética”
es una obra de recopilación llevada a cabo por sus
discípulos .
• Éstos recogieron las lecciones impartidas en la universidad
de Heidelberg a lo largo del curso académico de 18171818.
• La lecciones se iniciaban subrayando que el objeto a
estudiar era lo bello en el arte por lo que era más adecuado
hablar de FILOSOFÍA DEL ARTE que de Estética.
• “Su objeto es el vasto imperio de lo bello y con
más propiedad su campo es el arte y por supuesto
el arte bello. Nos daremos por satisfechos con el
nombre de Estética, ya que como simple nombre
nos es indiferente y, además ha pasado de
momento al lenguaje común…. No obstante el
término apropiado para nuestra ciencia es el de
FILOSOFÍA DEL ARTE. “
• Todo el pensamiento de Hegel se entiende dentro de un
sistema complejo y dinámico “dialéctica hegeliana” que
busca la depuración de los contenidos de las ideas.
• Lo más importante es el espíritu que es la única sustancia
universal.
• De esta forma otorga primacía al espíritu sobre la
naturaleza el “sol exterior es eclipsado por el sol interior”
(conciencia). El mundo auténtico no es el que pecibimos por
la naturaleza, sino el producido por el hombre.
• El mundo de la naturaleza es necesidad y falta de libertad,
el mundo del espíritu es libertad y consciencia.
• Su sistema se basa en el devenir de la idea, su
progresión y enriquecimiento.
• La idea es la síntesis que se produce entre la
noción o concepto y el objeto y la idea abarca
todas las realidades.
• La tarea de la filosofía es observar y
sistematizar todo el proceso de generación de la
idea (tesis-antítesis y síntesis).
• Así la filosofía se divide en :
– Lógica
– Filosofía de la naturaleza
– Filosofía del espíritu donde la idea es encumbrada en
un nuevo absoluto tras exteriorizarse en la naturaleza
y retornar de nuevo al interior.
• NO EXISTE REALIDAD POR ENCIMA DEL ESPÍRITU
HUMANO
QUE
ES
LIBRE,
INDEPENDIENTE,
AUTOCONSCIENTE Y CREADOR.
– El espíritu subjetivo. Capaz de conocer y ejercer su
libertad individual dando lugar a la doctrina del hombre.
– ANTROPOLOGÍA
– PSICOLOGÍA
– El espíritu objetivo La idea se refleja en las creaciones de
la actividad racional y libre.
– DERECHO
– ÉTICA
– El espíritu absoluto. Síntesis universal.
– ARTE
– RELIGIÓN
– FILOSOFÍA
• La estética en la Filosofía del Arte tiene dos
consecuencias:
– La belleza artística que es el objeto propio de la
Filosofía del Arte.
– La belleza de la Naturaleza que queda excluida de
la estética.
• LO BELLO Es la manifestación sensible de la idea. (los
elementos forma/idea son inseparables.
• La ínfima representación de la belleza está en la
naturaleza . La belleza natural no goza de libertad ni de
consciencia.
• La belleza del Arte es superior nace de la libertad y de la
consciencia.
• El fin del arte es representar lo real como verdad en
conformidad con la idea que ha llegado a la perfección
de su existencia.
• EL ARTE es la forma de la intuición sensible
ESFERA DEL ARTE
DESARROLLO SIMBÓLICO
(TESIS)
PREDOMINIO DE LA FORMA
DESARROLLO CLÁSICO
(ANTÍTESIS)
EQUILIBRIO FORMA/CONCEPTO)
DESARROLLO ROMÁNTICO
(SÍNTESIS)
PREDOMINIO DEL CONCEPTO
• DESARROLLO del arte
• Arte oriental primeras civilizaciones (subjetividad)
• China, India, Mesopotamia, Egipto. Persia
• Desequilibrio Forma- Idea (arquitectura)
• Arte clásico
• Grecia, Roma
• Equilibrio forma-idea (escultura)
• Arte romántico o cristiano
• Bizancio, E. Media hasta Hegel
• La idea supera a la forma (pintura, música, poesía)
• El arte bello es ante todo verdaderamente arte y
consuma su contenido supremo cuando se ha colocado
en el círculo comunitario entre religión y filosofía y
solamente es un modo y una manera de tomar
conciencia y manifestar lo divino, los intereses más
profundos del hombre y las verdades más amplias del
espíritu.
• En la época actual el arte no satisface las necesidades
espirituales, no es válido como modo supremo en el que
la verdad se procura su existencia, ni es capaz de hacer
tomar conciencia al espíritu de sus verdaderos
intereses.
• Se producirá así “La muerte del arte”
• Otros pensadores, literatos y artistas.
• Opiniones sobre el arte
• Para Wackenroder
• Dios se comunica con el hombre a traves de
“oscuros sentimientos” que se transmiten por dos
vias: la naturaleza y el arte.
• El arte es un lenguaje cifrado de Dios, que
representa “lo invisible en lo visible”, es decir, en la
belleza.
• Johann Ludwig Tieck
• describió el mundo físico como una ilusión, y la
moral como algo estéril, como un intento fútil de la
acción ética del individuo, sea hacia la virtud, sea
hacia el pecado.
• Al hombre solo le queda disfrutar de la vida de
forma estética, su único fin es la belleza.
• Hoffmann,
• Representa fielmente la dicotomía del alma
faústica alemana.
• En sus cuentos, el artista se caracteriza por dos
rasgos esenciales: la alienación y el desgarro.
• De un lado, el artista esta alienado en el mundo
que lo envuelve, que no le permite trascender al
mundo ideal, perfecto.
• Por otro, esta desgarrado en su interior al
considerar el yo como lugar de unión entre el
artista y su mundo ideal.
• La única liberación para el artista es la muerte o
la locura.
• Para Hoffmann, el arte es catártico, una cura del
dolor y la desesperación.
• Sintetizo lo cómico y lo trágico, provenientes
ambos de un mismo principio, cuya esencia es
la “ironia”, el sentido del humor.
• El artista como creador, como sujeto activo. Se
percibe en la obra de William Blake, William
Wordsworth, Percy Shelley y John Keats.
• Se elimina la idea aristotélica del arte como
imitación, defendiendo la inspiración como
proceso creativo que refleja el mundo a través de
la idea que de él tiene el artista en su interior.
• la única actividad mental que conduce a la verdad
es la imaginación. Ésta conduce al “mundo
extrasensorial”, al que solo se accede a traves de
la “revelacion”, de la comunion con lo divino.
Soren Kierkegaard,
• Precursor
del
existencialismo,
individualismo, el subjetivismo.
defendió
el
• Para Kierkegaard, la vida es un devenir absurdo, el
hombre es “lanzado al mundo”, esta separado,escindido,
tanto de la colectividad como de la divinidad.
• Planteo dos estados de la vida: el seductor (estética) y
el asceta (ética).
– El asceta es el que vive en repetición, en la fe, la búsqueda de
Dios, que sin embargo no halla, ya que la religión es una ilusión.
– El esteta es aquel que solo vive el instante, en un reino de
apariencia, que produce insatisfacción.
Soren Kierkegaard,
• Encuentra aquí la paradoja del hombre que vive la vida
estética y que sólo le satisface la insatisfacción un circulo
del que no puede salir.
• La desesperación es la forma de la vida estética, ya que el
esteta no encuentra lo que anhela en el mundo
circundante. En su forma suprema, la desesperacion es la
melancolía.
• Para superar este estadio hace falta un “salto”, el esteta
identifica el sentido de la existencia con su propia
Autodestrucción.
Arthur Schopenhauer.
• Arthur Schopenhauer trato temas de estética en su
principal obra, El mundo como voluntad y representación
(1819) –especialmente su tercer libro, dedicado a la
teoria del arte–.
• Para Schopenhauer el mundo es una “representacion”,
una red de fenomenos que es el “velo de Maya”,
engaño y apariencia.
• Pero hay un sustrato no fenoménico, no sujeto al
espacio ni al tiempo, y que además es libre, la
“voluntad”, que Schopenhauer identifica como la “cosa
en si” kantiana.
• El hombre tiene un acceso privilegiado a dicho sustrato:
en su autoconsciencia.
Arthur Schopenhauer.
• Esta voluntad crea insatisfacción, lo que produce dolor;
el placer es tan solo un cese temporal del dolor, y a ello
ayudan levemente la filosofia y el arte –especialmente la
• musica–.
• Para superar el dolor la unica solucion es la “superacion
de la voluntad de vivir”, la destruccion del ego,
alcanzando un estado cercano al nirvana budista.
• Schopenhauer estaba muy influido por la filosofía
oriental.
• El arte representa un cierto consuelo ante el sufrimiento
de la conciencia individual, ante un mundo donde todo
es ilusorio, aparente.
• El arte libera del tiempo, de la voluntad de vivir
Arthur Schopenhauer.
• La conciencia estética es un estado de contemplación
desinteresada, donde las cosas se muestran en su
pureza mas profunda.
• El arte habla en el idioma de la intuición, no de la
reflexión.
• Es una vía para escapar del estado de infelicidad propio
del hombre, es la reconciliación entre voluntad y
conciencia, entre objeto y sujeto, alcanzando un estado
de contemplación, de felicidad.
Friedrich Wilhelm Nietzsche 1844-1900
• Recibio en su juventud la
influencia de Wagner y
Schopenhauer, a los que
posteriormente repudió.
• La filosofía de Nietzsche
es vitalista, afirmando la
voluntad de vivir frente a la
represión vital ejercida por
el cristianismo; la “moral
de los señores” frente a la
“moral de los esclavos”
• Su idea del “eterno retorno” que tomo de
Heraclito, segun la cual la historia se repite en
ciclos que se suceden indefinidamente; pero el
ser humano puede intervenir a través de una
“transmutación de todos los valores”.
• Esto le lleva a la figura del “superhombre”,
aquella persona que acepta sus impulsos
vitales. La vida en toda su plenitud, basada en
la “voluntad de poder”, y que forja su propia
moral, “mas alla del bien y del mal”.
• La estética nietzscheana se caracteriza por su
oposición a la moral cristiana, que para él
supone una negación de la vida, así como al
intelectualismo lógico que partiendo de
Sócrates, impregna toda la Filosofía occidental.
• Una de sus primeras obras sobre estética fue El
nacimiento de la tragedia en el espiritu de la
música (1872), donde defendió la tragedia como
algo lúdico, alegre, un “consuelo metafisico”.
• La tragedia era una combinación del espíritu
apolíneo y el dionisiaco que representa la
exaltación mística.
• tras su ruptura con Wagner por componer una
opera “cristiana” (Parsifal).
• Defiende entonces el mas riguroso clasicismo,
la simplicidad, la simetria, el orden, todo lo que
representa el arte apolíneo, frente a cualquier
tipo de recargamiento o exageración.
• Frente al artista como genio contrapone el
artista como creador, el arte como fruto de un
trabajo y de una preparación, respondiendo a
criterios de estilo.
• Sin embargo, en sus ultimas obras –despues de Asi
hablo Zaratustra– retornó a su concepto de lo
dionisiaco.
• Para Nietzsche, el arte es el gran estimulante de la
vida. La obra de arte es el único consuelo al
sufrimiento de vivir.
• La creación artística tiene la misma fuerza que el acto
sexual, la misma noción de belleza. Nietzsche
opinaba la belleza no es una sustancia metafísica no
hay una belleza ≪en si≫, la belleza y la fealdad son
relativas, dependen de cada uno.
• La belleza es la armonización de los deseos, tanto
buenos como malos.
• Paralelamente al pensamiento referido el
arte y en general la sociedad más refinada
asume el esteticismo.
• Un modelo de vida y de creación en el que
lo más importante es la belleza (en su
doble vertiente luz/oscuridad bien /mal) y
claro está esta belleza referida al arte.
• Recordemos que el arte es lo único que
libera al hombre del tedio de vivir.
Esteticismo
• El esteticismo fue una reacción al utilitarismo imperante
en la época y a la fealdad y materialismo de la era
industrial.
• Frente a ello, surgió una tendencia que otorgaba al arte
y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la
formula de Theophile Gautier del “arte por el arte” (l'art
pour l'art), llegando incluso a hablarse de “religion
estetica”.
• Esta postura pretendía aislar al artista de la sociedad,
buscando de forma autónoma su propia inspiración y
dejándose llevar únicamente por una búsqueda
individual de la belleza.
• Dicha premisa partía, por un lado, de la autonomía
otorgada a la estética por Kant y, por otro, de la obra de
escritores románticos como Tieck y Wackenroder.
La Hermandad prerrafaelita
o Prerrafaelista fue una
asociación de pintores,
poetas y críticos ingleses,
fundada en 1848 en
Londres por John Everett
Millais,
Dante Gabriel Rossetti y
William Holman Hunt.
La Hermandad duró como
grupo constituido apenas
un lustro, pero su influencia
se dejó sentir en la pintura
• La belleza se alejo de cualquier componente moral,
convirtiéndose en el fin ultimo del artista, que llegaba a
vivir su propia vida como una obra de arte –como se
puede apreciar en la figura del dandy–.
•
Se llevo la sensibilidad romántica a la exageración,
sobre todo en el gusto por lo morboso y terrorífico,
surgiendo una “estetica del mal”, apreciable en la
atraccion por el satanismo, la magia y los fenómenos
paranormales, o la fascinacion por el vicio y las
desviaciones sexuales.
• El esteticismo influyo en el prerrafaelismo y el
simbolismo francés, y fue predecesor del modernismo.
• Uno de los teóricos del movimiento fue Walter Pater,
que influyo al denominado decadentismo ingles,
estableciendo en sus obras que el artista debe vivir la
vida intensamente, siguiendo como ideal a la belleza.
Pierre Puvis de
Chevannes, Lyon,
1824-1898.
• Para Pater, el arte es “el circulo magico de la existencia”,
un mundo aislado y autonomo puesto al servicio del
placer, elaborando una autentica metafisica de la belleza.
• Posteriormente, autores como James Abbott McNeill
Whistler, Oscar Wilde, Algernon Charles Swinburne y
Stephane Mallarme desarrollaron esta tendencia hasta un
elevado grado de refinamiento basado únicamente en la
sensibilidad del artista.
• Edgar Allan Poe elaboro en sus relatos un concepto de la
belleza como cualidad autónoma, dando primacía a la
imaginación y la originalidad. En "El principio poético"
(1848), nego la intención moral en la obra de arte, asi
como su carácter didáctico, defendiendo los elementos
fantásticos como principales creadores de la esteticidad
del arte.
• Para Poe, así como la inteligencia se ocupa de la verdad
y la moral del deber, es el gusto el que se debe ocupar de
la belleza, gusto que concibe como facultad autónoma
que tiene sus propias leyes.
• Charles Baudelaire fue uno de los primeros
autores que analizaron la relación del arte con la
recién surgida era industrial, prefigurando la
noción de ”belleza moderna”.
• No existe la belleza eterna y absoluta, sino que
cada concepto de lo bello tiene algo de eterno y
algo de transitorio, algo de. de particular.
• La belleza viene de la pasión y, al tener cada
individuo su pasión particular, también tiene su
propio concepto de belleza. En su relación con el
arte, la belleza expresa por un lado una idea
“eterna universal”, que seria el “alma del arte”, y
por otro un componente relativo y circunstancial,
que es el “cuerpo del arte”.
• Así, la dualidad del arte es expresión de la
dualidad del hombre, de su aspiración a una
felicidad ideal enfrentada a las pasiones que le
mueven hacia ella. Frente a la mitad eterna,
anclada en el arte clásico antiguo, Baudelaire
vio en la mitad relativa el arte moderno, cuyos
signos distintivos son lo transitorio, lo fugaz, lo
efímero y cambiante –sintetizados en la moda–
• Baudelaire tenia un concepto neoplatónico de
belleza, que es la aspiración humana hacia un
ideal superior, accesible a través del arte. El
artista es el “héroe de la modernidad”, cuya
principal cualidad es la melancolia, que es el
anhelo de la belleza ideal.
• Los prerrafaelistas rechazaban el arte
académico predominante en la Inglaterra del
siglo XIX, centrando sus críticas en Sir Joshua
Reynolds, fundador de la Royal Academy of
Arts.
• Desde su punto de vista, la pintura académica
imperante no hacía sino perpetuar el
manierismo de la pintura italiana posterior a
Rafael y Miguel Ángel, con composiciones
elegantes pero vacuas y carentes de sinceridad.
Por esa razón, ellos propugnaban el regreso al
detallismo minucioso y al luminoso colorido de
los primitivos italianos y flamencos, anteriores a
Rafael
Otras soluciones de acción artística
• (1888), planteo una visión evolucionista del arte,
afirmando que el arte esta en la vida, y que
evoluciona como ésta; y al igual que la vida del
ser humano esta organizada socialmente, el
arte debe ser reflejo de la sociedad.
• La estética sociológica tuvo una gran
vinculación con el realismo pictórico y con
movimientos
políticos
de
izquierdas,
especialmente el socialismo utópico: autores
como Henri de Saint-Simon, y Pierre Joseph
Proudhon defendieron la función social del arte.
• En el Reino Unido, William Morris aportó una
visión funcionalista del arte. El movimiento
movimiento Arts & Crafts– defendia un arte
funcional,
practico,
que
satisfaga
necesidades
materiales
y
no
solo
espirituales.
• Escritos estéticos (1882-1884) y Los fines del
arte (1887) defendió un concepto de arte
utilitario pero alejado de sistemas de
producción excesivamente tecnificados,
próximo a un concepto del socialismo
cercano al corporativismo medieval.
• Philip Webb es considerado como el primer arquitecto del
Arts and Crafts. Construyó la "Casa roja" para William
Morris,
• La obra de Morris coincidió con la época
victoriana, donde el arte, principalmente
subvencionado por la nueva clase emergente, la
burguesía, cobro un nuevo valor relacionado
con la ostentación, con el reflejo del estatus
social, lo que implicaba un factor comercial que
provoco la mercantilización del arte en el siglo
XX y el auge de las galerías de arte, que se
convertirían a su vez en centros difusores de
nuevas tendencias.
• Art Nouveau surgió una revalorización del
aspecto ornamental del arte y la importancia del
diseño, lo que conllevo un gran auge de las
artes decorativas, como el mosaico, la vidriera,
la orfebrería, la ebanistería, la forja de hierro, la
joyería, la cerámica, etc. En este ambiente, el
concepto de belleza era mas funcional que
puramente estético, y dependía de criterios
industriales, como la calidad y la producción en
masa.
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