SUSANA ALVAREZ RODRÍGUEZ [email protected] 3411107333 LICENCIATURA EN MÚSICA POPULAR Y JAZZ PRIMER SEMESTRE HISTORIA DE LA MÚSICA UNIVERSAL TAREA III (EL RENACIMIENTO) LICENCIATURA EN MÚSICA POPULAR Y JAZZ PRIMER SEMESTRE SUSANA ALVAREZ RODRÍGUEZ HISTORIA DE LA MÚSICA UNIVERSAL MÚSICA EN EL RENACIMIENTO: LA EMANCIPACIÓN DE UN ARTE SUSANA ALVAREZ RODRÍGUEZ [email protected] 3411107333 LICENCIATURA EN MÚSICA POPULAR Y JAZZ PRIMER SEMESTRE HISTORIA DE LA MÚSICA UNIVERSAL TAREA III (EL RENACIMIENTO) INTRODUCCIÓN En el siglo XV, llega un nuevo periodo, dado por, según los músicos de esa época, los autores ingleses, dando inspiración a un nuevo cambio en la música y por esta dado el Renacimiento. Abarcaremos las cinco generaciones de compositores franco-flamenca, cada uno con sus propias características. Desde la primera con su añadidura de voces en el contrapunto, su uso de intervalos paralelos que generaban un sonido más dulce muy característico, pasando por las siguientes generaciones cuando ya tenemos la imprenta, la polifonía más desarrollada, hasta las últimas generaciones donde el contrapunto queda establecido hasta su enseñanza el día de hoy. A raíz de que se toma mayor importancia a la música en el ámbito profano, en cada nación florece sus propias formas de acuerdo a su cultura, dando paso al madrigal. Importante pues sería semilla de obras más complejas. En desacuerdo con algunas acciones de la Iglesia cristiana, se presenta y distribuye “La Reforma” lo que propicia un cambió histórico en la música. Aun así, se presenta un gran compositor, Giovanni da Palestrina para defender tanto a la música como a la Iglesia y demuestra que la música puede crecer en dos puntos de vista a la vez. Se establece todavía más la posición de músico en la sociedad con las capillas musicales, pues tanto las eclesiásticas como las reales demuestran un lugar fértil para nuevas composiciones, difusión musical, enseñanza. SUSANA ALVAREZ RODRÍGUEZ [email protected] 3411107333 LICENCIATURA EN MÚSICA POPULAR Y JAZZ PRIMER SEMESTRE HISTORIA DE LA MÚSICA UNIVERSAL TAREA III (EL RENACIMIENTO) SIGLO XV En el siglo XV, se empieza a establecer el Renacimiento, que llega como un proceso gradual y de movimientos acaecidos. Los autores y músicos de ese tiempo, consideraron que los autores ingleses habían sido clave para aportar a la música un aire de novedad, de nuevas ideas y que ésta pareciera haber surgido de diferente manera dando lugar al renacimiento. Los dos siglos abarcados por el renacentista suelen ser divididos por cinco generaciones de compositores, pues cada uno tiene sus características del desarrollo en la música en ese periodo. Primera generación franco-flamenca En la primera generación se fueron borrando los rasgos de la música medieval, tales como la isorrítmia y la sincopación extrema resultando un estilo más limpio y fluido. De los compositores más destacados e influyentes en la transición del medievo al renacimiento esta John Dunstable. ¿Y tenían razón de la influencia de los ingleses? Sí, la música del renacimiento le debe mucho sus orígenes al inglés John Dunstable, que introduce importantes innovaciones al proceso del desarrollo musical del primer periodo renacentista y tuvo influencia por sus contemporáneos en el exterior, algo que no era común. Al tener sus composiciones, melodías más libres, frescas y líricas, de alguna forma, comenzó a liberar a la música del riguroso estilo medieval. La influencia de su estilo dulce y sonora fue reconocida por sus contemporáneos en el continente. El sonido dulce era dado por el alejarse del uso de disonancias propias de la música del siglo xiv en las misas interpretadas en sus tiempos. y el uso más frecuente de intervalos de los que en ese momento no eran considerados consonancias como terceras y sextas en paralelo lo que dio una textura musical que prevaleció en los principios lo que dio a uno de los sellos de identidad del estilo inglés, que fue faburden. Este fue una textura musical que hacía uso de acordes perfectos en primera inversión paralelos. Su uso deriva de una técnica inglesa de improvisación vocal polifónica que se conocía como faburden que se aplicó posteriormente a la propia técnica (Randel, 1997). Otro autor del que su influencia fue equiparable a la de John Dunstable, fue Leonel Power, ingles también, aunque su producción fue menor. La música se inclinó hacia una composición de cuatro voces. El contratenor basus comienza a operar poco a poco como un bajo en el sentido moderno de la palabra. De esta forma, esta voz realiza movimientos de quinto a primer grado. Por el cambio del pergamino al papel, se desarrolla la notación mensural blanca, pues el papel era más débil y no permitía el relleno de las notas. Es en este periodo donde se establecen las reglas del contrapunto académico, tales como la prohibición de las quintas y octavas paralelas y la restricción de las directas, reglas que aún son vigentes. En cuanto a las formas, la música se inclinó hacia una composición de cuatro voces. El contratenor basus comienza a operar poco a poco como un bajo en el sentido moderno de la palabra, de esta forma, esta voz realiza movimientos de quinto a primer grado. Por el cambio del pergamino al papel, se desarrolla la notación mensural blanca, pues el papel era más débil y no permitía el relleno de las notas. SUSANA ALVAREZ RODRÍGUEZ [email protected] 3411107333 LICENCIATURA EN MÚSICA POPULAR Y JAZZ PRIMER SEMESTRE HISTORIA DE LA MÚSICA UNIVERSAL TAREA III (EL RENACIMIENTO) Segunda generación franco-flamenca En este periodo se afianzaron las nuevas reglas del contrapunto, consolidándose la polifonía imitativa en un estilo erudito de frases larguísimas y sofisticadas. Johannes Ockeghem, compositor de este periodo, constituyen sus obras una de las cumbres de la polifonía precursora del renacimiento. Compuso en un estilo muy de su época, tuvo dominio de los cánones en diferentes intervalos y usó el cantus firmus en la mitad de sus misas. Su probablemente discípulo Antoine Busnois, fue otro compositor característico de este periodo. Tercera generación franco-flamenca Aparece uno de los mayores genios de la historia musical, Josquin Des Prez, cuyo estilo claro, limpio y elegante se convierte en modelo de estilo polifónico para toda Europa; cadencias claras y frecuentes, secciones a dos o tres voces, clara articulación general de la forma, líneas melódicas equilibradas. Gracias a su enorme influencia y a la imprenta, se consolidará un estilo internacional común en Alemania, Inglaterra, Italia, España y Francia. Últimas generaciones En los siguientes periodos, tienden a aumentar el número de voces, homogeneizar la textura, alargar frases y ocultar las cadencias. En cuanto a las formas, se consolidan los estilos locales de la música profana. Giovanni Pierluigi Da Palestrina en la quinta generación vino a cultivar un fluido estilo de contrapunto libre en una densa y rica textura en las cual las disonancias eran seguidas por consonancias en cada pulso y los “ritardandos”. Este estilo quedó fijado como modelo para la música religiosa de su tiempo y desde entonces para la enseñanza del contrapunto académico. Ottaviano Petrucci Cuando hablamos de la imprenta, siempre se menciona lo relacionado a la historia de las palabras impresas, pero la imprenta musical va evolucionando a la par, aunque ésta un poco más lenta por las complejidades que conlleva. Por ejemplo, cuando se inventó la impresión a tipos móviles, la música seguía transmitiéndose por códices manuscritos probablemente porque no existía una notación musical uniforme. Hasta la invención de Ottaviano Petrucci, quien es considerado el padre de la imprenta musical, pues creó un sistema de triple impresión de líneas, texto y notas en tres pasos sucesivos, pero este método aunque era exacto, limpio y elegante, era largo y difícil pues se tenían que ajustar las tres impresiones de manera precisa, así que cuando el inglés John Rastell ideó un método distinto donde las líneas, texto y notas formaban parte de un mismo carácter, a pesar de no ser tan preciso, gustó más y se convirtió en el método estándar en todo Europa. SUSANA ALVAREZ RODRÍGUEZ [email protected] 3411107333 LICENCIATURA EN MÚSICA POPULAR Y JAZZ PRIMER SEMESTRE HISTORIA DE LA MÚSICA UNIVERSAL TAREA III (EL RENACIMIENTO) PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVI La música de las naciones Las formas poéticas y musicales francesas más cultivadas en el ámbito de la canción profana, mejor conocidas como “formas fijas”, estaban en decadencia. Las chanson se empezaron a escribir a cuatro voces, y tuvieron tanta popularidad que tan solo el impresor Pierre Attaingnant había publicado mucho más de dos millares de canciones parisienses. Sus mayores exponentes, Claudin De Sermisy y Clément Jenequin, y siendo este último la cabeza de la canción polifónica francesa. Estas canciones tenían por tema predominante, el amor, y eran de carácter ligero, silábico, y a cuatro voces como vimos que fue el cambio en este siglo. En Europa, los estilos nacionales empezaron a aparecer, cada nación con sus propias formas y expectativas. En España, las formas más representativas fueron el romance y el villancico, siendo el último el más importante. Los villancicos era un género de copla (lo que para nosotros es el estribillo) que solamente se compone para ser cantado, de origen popular, a varias voces y de profano, aunque más tarde se asociaría con la navidad y lo sacro pues en la segunda mitad del siglo, las autoridades eclesiásticas comenzaron a promover el uso de la música en lengua vernácula en los oficios religiosos. En Alemania, también la polifonía alcanzó popularidad y de forma el tenorlied, originalmente una canción solista con acompañamiento instrumental, pero alrededor de 1530, se convierte en un arreglo coral a cappella de cuarto partes en el que el cantus firmus está en el tenor. Este género, rompió con los modelos franco-flamencos. En el caso de Italia, surge el manierismo, en un término más general, se refiere a la abundancia de formas complejas y poco naturales, en la música, había una tendencia hacia la complejidad también y el cromatismo extremo. Inicios del madrigal Con el humanismo renacentista como contexto, lo que antes había sostén y promotor de la música, la Iglesia cristiana, ahora era la nobleza. Esto llevó a una transformación en la música, un desarrollo en las formas y en estilo, incluso se dio paso al uso de las lenguas vernáculas en vez del latín. En Italia, se forma el madrigal. Reconoce sus orígenes a varios factores, pero el principal es a la frottola, y posee texto en italiano. Se puede notar con este género, como la polifonía siguió evolucionando, teniendo importancia pues el madrigal era una composición de varias voces. Aunque los primeros fueron escritos a 2 o 3 voces, posteriormente se escribieron a 4 o 5 voces, incluso a siete voces, y primordialmente eran cantados sin acompañamiento. SUSANA ALVAREZ RODRÍGUEZ [email protected] 3411107333 LICENCIATURA EN MÚSICA POPULAR Y JAZZ PRIMER SEMESTRE HISTORIA DE LA MÚSICA UNIVERSAL TAREA III (EL RENACIMIENTO) LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVI Desarrollos del madrigal El madrigal floreció en Italia, que ya era el centro musical más relevante de Europa, en la segunda mitad del siglo XVI hasta el siguiente siglo cuando se desvanece a través del crecimiento de nuevas formas profanas como la ópera, y se mezcla con la cantata y el diálogo. Fue el género más importante de este siglo. Se tuvo la intención en un inicio de que el madrigal sirviera para intensificar la poesía, es por eso que se usó para experimentar la manera de representar al texto con música y este impuso fue determinante para continuar su desarrollo a lo largo del siglo. Por intentar elevar más todavía la expresividad del texto se hace mayor uso del cromatismo en las canciones. Las experimentaciones de Nicola Vicentino son las que sobresalen. Cabe resaltar que hasta el siglo XX se hayan con propuestas musicales parecidas así que supone un adelantamiento en armonía pues intentaba salirse de los modos. Él intentó recuperar los géneros de la antigüedad griega que utilizaba los cuartos de tono lo que le llevo a usar un instrumento que podía interpretar los microtonos. Los primeros principales autores del madrigal en su primera etapa fueron Verledot, Arcadelt y Willaert, Palestrina y Andrea Gabrieli. Y autores más tardíos en los que el madrigal tuvo más esplendor, fueron Luca Marenzio, Gesualdo de venosa especialmente, del gran Monteverdi. Conforme avanza el siglo, el madrigal experimenta cambios más complejos al usarse para textos más largos. Lo que se buscó en el madrigal, llevó a los músicos a crear algo todavía más grande, la ópera, por lo que el madrigal, fue semilla de esta. La Reforma En 1517, Martin Lutero presenta las noventa y cinco tesis, donde presenta el argumento contra lo que él consideraba un abuso de la Iglesia, al vender un certificado que, según las creencias religiosas, disminuían el castigo temporal del purgatorio. Aunque estas quejas ya se habían escuchado antes, fueron ahora donde tomaron fuerza y culminaron en las tesis y lo que desencadenarían. Las tesis fueron rápidamente traducidas, impresas y distribuidas y esto, dio lugar a la Reforma protestante, que haría una separación de la Iglesia católica y un cambio en la historia europea incluido el rumbo de la música. Martin Lutero al creer en la debida participación del pueblo en la música, da surgimiento a el choral, himno estrófico, monódico y en alemán que se convierte en la gran contribución luterana a la música. Está, se convierte en lo que el canto llano como el cantus firmus dentro de la música de la Iglesia católica. Con la Reforma de Martin Lutero y de otras más que aparecieron más adelante, era inevitable que la Iglesia iría perdiendo poder y el estado se separaría de esta, como el caso de Inglaterra en 1534, lo que causó ciertos cambios en la música inglesa, como el uso del inglés en la liturgia y nuevo repertorio en la música eclesiástica, donde destaca el athem, del que se derivan dos tipos; pleno para coro de estilo contrapuntístico y versículo para voces solistas con acompañamiento instrumental y breves pasajes para coro. Destaca como compositor, el último católico en suelo inglés, William Byrd. SUSANA ALVAREZ RODRÍGUEZ [email protected] 3411107333 LICENCIATURA EN MÚSICA POPULAR Y JAZZ PRIMER SEMESTRE HISTORIA DE LA MÚSICA UNIVERSAL TAREA III (EL RENACIMIENTO) La contrarreforma Como respuesta de la reforma, surge el Concilio de Trento como contrarreforma. La Iglesia daba argumentos en contra de los cambios en la música, como el excesivo espíritu profano de la música, la compleja polifonía que impedía la comprensión de las palabras, el excesivo igual uso de los instrumentos, el mal uso del latín y las actitudes irreverentes de los cantores, todo encaminado a la opinión de que la música estaba siendo demasiada “impura y lasciva” para el uso en la “casa de oración”, y pidiendo la vuelta al canto llano; el canto puro de la voz sin instrumentos musicales. Pero el disgusto era demasiado grande como para querer ser solucionado con otras propuestas. Por lo que se hace necesario convocar a un concilio, y este es el Concilio de Trento. Giovanni Pierluigi da Palestrina, demostró que era posible usar todos los recursos, tales como los instrumentos musicales y la polifonía para embellecer la música y aun así, dar un mensaje claro para el oyente, y por sus obras religiosas y como estas influyeron en la música es considerado el “salvador” de la música de la iglesia y como de los grandes exponentes de la música religiosa. Tan grande su obra fue, que su contrapunto todavía se estudia hoy en día como modelo. Capillas musicales En cuanto a las instituciones musicales, están las capillas, cada catedral se convierte en un centro de creación musical, que contaban con un grupo de cantores, niños y adultos que se encargaban de la música de la liturgia. El grupo de cantores estaba bajo la dirección de un maestro y con ya sea, uno o varios organistas, aunque más tarde se incorporarían a la institución un grupo de instrumentistas llamados ministriles. Los maestros de capilla realmente tenían que ser músicos bien instruidos, pues era el responsable tanto de varias funciones en la capilla para su buen funcionamiento, así como de la instrucción y formación general de los niños y adolescentes cantores. En ese tiempo el puesto de maestro de capilla fue el máximo escalón al que un profesional de la música pudiera llegar así que era común que muchos de los compositores de los siglos XV y XVIII fueran maestros de capilla, un ejemplo, Giovanni Pierluigi da Palestrina que terminó sus días en el puesto de “Compositor de la capilla papal”. Las capillas musicales no solo se encargaban de la interpretación de las obras, sino también eran centros de composición y de difusión, además de enseñanza, pues los maestros de capilla se encargaban de formar músicos de manera que enseñaban contrapunto, canto o instrumento. Las capillas catedralicias, fueron el modelo de las capillas reales. Se tenía la creencia de que la música elevaba la oración y, por lo tanto, como una manera de ayudarse en cuanto a lo espiritual, ya que tenían los recursos, los nobles crearon sus propias capillas, intentando contratar a los mejores músicos, cantores y compositores, creando un impulso a los músicos y a la creación de nuevas obras. Tenemos que agradecer que también gracias a esto, se obtiene una gran documentación de músicos y de sus obras. Además, en este periodo, incrementa el interés sobre los aspectos de la música y se obtiene más documentación respecto a los usos sociales de la música, los géneros y los progresivos cambios y propuestas en cuanto a la construcción de la teoría musical. SUSANA ALVAREZ RODRÍGUEZ [email protected] 3411107333 LICENCIATURA EN MÚSICA POPULAR Y JAZZ PRIMER SEMESTRE HISTORIA DE LA MÚSICA UNIVERSAL TAREA III (EL RENACIMIENTO) CONCLUSIÓN En este periodo la música toma un camino diferente al que había estado tomando, se separa de la Iglesia y se comienza a desarrollar todavía más en los usos profanos, habiendo, tanto compositores que ayudaron a la separación de la música del total dominio de la Iglesia como compositores que ayudaron a demostrar que la música podía seguir todos los cambios que había sufrido y aun estar apegada a la liturgia y a la adoración por medio de la oración. Además de la emancipación de la Iglesia cristiana, en este periodo, se logra una expansión de la música por toda Europa, y gracias a las capillas, una internacionalización de los músicos y de sus obras. Las obras también tuvieron un crecimiento grande, el contrapunto se siguió tratando y usando y se amplificando a todavía más voces y se haría uso de diferentes lenguas. En duración y elaboración de la forma crecieron por igual, pues las nuevas formas dieron lugar a lo que más tarde serían las óperas. Nuevos compositores, nuevas formas, y un nuevo rumbo que completamente fue definitivo en la historia de la música, pero un cambio que tenía que darse tarde o temprano.
