ESTILOS HISTORICOS EN LA PINTURA Estilo Medieval Se caracteriza por no tener como objetivos la belleza idealizada ni el naturalismo Las pinturas no mostraban una perspectiva lineal, ni una exaltación de los volúmenes virtuales por medio del contraste del claro-oscuro El arte medieval fue eminentemente de temas religiosos Estilo renacentista Buscó su inspiración en el arte clásico. Los artistas recuperaron la simplicidad de sus formas y huyeron de la decoración sobrecargada del mundo gótico. En el período medieval el artista era un artesano que no firmaba sus obras; en el Renacimiento los artistas firmaban su obra y buscaban éxito y reconocimiento con ella. El arte del renacimiento como principales objetivos la idealización de la belleza antropomórfica y la exaltación del naturalismo Preocupado por representar fielmente las realidades visibles, ideó la perspectiva lineal para poder representar el especio vacío En el Cuattrocento destaca la obra de Sandro Boticelli por su perfección en el dibujo y la captación de la idea de movimiento. Pero es en el Cinquecento donde la pintura alcanza sus más altas cuotas de perfección con Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Tiziano Estilo Barroco Se suele decir que el arte barroco es el arte de la contrarreforma; para reaccionar contra la severidad e iconoclastia del protestantismo, la iglesia católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura. Dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos del Renacimiento, así como a evitar los desnudos y las escenas escandalosas. Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia Católica iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos. El barroco abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. La tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación. Se caracteriza por acentúa los claros y los oscuros, así como por incrementar la cantidad de formas, que llegó a su máxima expresión en el rococó (S XVIII) Prefirió representar a los personajes de una escena en pleno movimiento Estilo neoclásico El término neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios de la Ilustración, que para entonces tenían influencia en todos los ámbitos de la cultura. Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó. Agrega a la pintura un valor didáctico y moralizante, considerando imprescindible el conocimiento científico de las fuentes clásicas. •Las obras neoclásicas llevan una fuerte carga racionalista producto de la ilustración, es decir, que predomina lo que se puede entender y rechazan todo aquello que venga impuesto por la fe o la tradición. •Promueven, fomentan y prevalecen los temas que manifiesten las ideas liberales de la época como la igualdad, la fraternidad, la libertad. Este movimiento destaca hechos heroicos La época de Napoleón fue favorable al neoclasisimo Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón, este estilo fue perdiendo adeptos en favor del romanticismo. Estilo Impresionista El impresionismo se desarrolló en Francia hacia el año 1874 por obra de Claude Monet (1840-1926) y otros artistas. Deriva este nombre del hecho de pretender sus seguidores trasladar sobre el lienzo su particular impresión visual del objeto considerado, haciendo, para ello, centro del cuadro la atmósfera luminosa que rodea este objeto. Busca llevar al cuadro los momentos efímeros o transitorios de la luz y el color Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios y los complementarios . Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas. Su tema es la vida cotidiana y las imágenes de los objetos aparecen como cubiertas por una cortina traslúcida de puntos de color Estilo Expresionista Aparece a principios del siglo XX y acentúa la sensualidad de los colores Los pintores expresionistas llevaron al máximo la agresividad de los colores y exageraron las deformaciones formales Los pintores expresionistas renunciaron a toda clase de perspectiva y anulan las diferencias entre figura y fondo El cubismo El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos del siglo XX y constituyó una verdadera revolución dentro de la pintura. El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como maestros del movimiento figuraron Pablo Picasso y Georges Braque. Con su cuadro “Las señoritas de Aviñón” (1906), Pablo Picasso(1881-1973), marca el inicio de su etapa cubista Por su parte Georges Braque (1882-1963), tuvo predilección por la por las naturalezas muertas. Algunos de los factores que propiciaron la aparición del cubismo fueron la fotografía, que al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, la liberó de la obligación de mostrar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscar en este arte, un sentido diferente a la mera transcripción de la apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos hechos que revelan como las cosas pueden ser diferentes a la manera en que aparentan ser: el psicoanálisis y la teoría de la relatividad. Desde el punto de vista técnico, la figura es seccionada y después se distribuyen sus partes en la superficie pictórica con una lógica particular Lo importante es la composición y la organización de los colores y las formas. El cuadro logra así una autonomía con respecto a la realidad. Estilo futurista El Futurismo surge en Italia durante el primer decenio del S. XX a la par de la aparición del cubismo en Francia. Gira en torno a la figura de Filippo Tommaso Marinetti , quien en febrero de 1909 publica el Manifiesto Futurista, donde proclama el rechazo al pasado y a la tradición, y defiende un arte anticlasicista, orientado al futuro, que respondiese al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. El estilo futurista toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Las formas de las máquinas y sus mecanismos son más bellos que las obras de arte La representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, la multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo y la intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice: Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer. Estilo Surrealista El Surrealismo da inicio el año de 1924 en París, con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Ellos intentan plasmar por medio de formas abstractas o simbólicas, las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Postula la liberación del subconsciente por recursos artísticos como el azar, el automatismo o la espontaneidad Se pueden observar dos vertientes surrealistas: el surrealismo abstracto, de André Masson, Joan Miró o Paul Klee, donde se crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. .. …y el surrealismo de Max Ernst, René Magritte o Salvador Dalí, que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional. El abstraccionismo Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, alejándolas de la imitación de lo natural. Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural. El lenguaje que se utiliza esta basado en las sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color. También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. El abstraccionismo suprime todo resto de figura Vasily Kandinsky (18661944) el gran teórico del arte abstracto, escribe en "De lo espiritual en el arte", que su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos. La pintura POP El arte pop buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura de las bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal de algún elemento cultural.1 Regresa a la figura naturalista, pero tomada de las imágenes actuales. Su finalidad fue censurar el consumismo del hombre actual El arte pop y el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les ha considerado como los ejemplos más tempranos de éste. Estilo hiperrealista Conocido también como superrealismo, realismo fotográfico o fotorrealismo, es un movimiento pictórico surgido en la década de los '60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica. De hecho, pocos críticos se han dignado hablar del hiperrealismo, y los que lo han hecho, han opinado que la tendencia es fría e impersonal, y que los artistas se limitan a reproducir con exagerada fidelidad, aunque a mano, las fotografías que han captado mediante su cámara fotográfica. Sin embargo, el hiperrealismo utiliza imágenes que van más allá de la nitidez fotográfica. Su intención es exagerar alguna de las partes de la pintura hasta lograr su independencia, de tal suerte que monopolice la atención del observador y lo haga olvidar el resto de la pintura así, la imagen va más allá de la realidad representada
