Acuarela para urban sketchers - Felix Scheinberger

ACUARELA PARA
URBAN SKETCHERS
RECURSOS PARA DIBUJAR, PINTAR
Y NARRAR HISTORIAS EN COLOR
FELIX SCHEINBERGER
GG
Título original: Wasserfarbe für Gestalter
Publicado originalmente por Verlag Hermann Schmidt, 2011
Diseño: Nicola Aehle, Felix Scheinberger
Traducción: Elena Fresco
Diseño de cubierta: Toni Cabré/Editorial Gustavo Gili
Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación
pública o transformación de esta obra solo puede ser
realizada con la autorización de sus titulares, salvo excepción
prevista por la ley. Diríjase a Cedro (Centro Español de
Derechos Reprográficos, www.cedro.org) si necesita
fotocopiar o escanear algún fragmento de esta obra.
La Editorial no se pronuncia ni expresa ni implícitamente
respecto a la exactitud de la información contenida en este
libro, razón por la cual no puede asumir ningún tipo de
responsabilidad en caso de error u omisión.
© Felix Scheinberger y Verlag Hermann Schmidt, 2011
para la edición castellana:
© Editorial Gustavo Gili, SL, Barcelona, 2015
ISBN: 978-84-252-3208-4 (PDF digital)
www.ggili.com
Editorial Gustavo Gili, SL
Via Laietana 47, 2º, 08003 Barcelona, España.
Tel. (+34) 93 322 81 61
Valle de Bravo 21, 53050 Naucalpan, México.
Tel. (+52) 55 55 60 60 11
ACUARELA PARA
URBAN SKETCHERS
RECURSOS PARA DIBUJAR, PINTAR
Y NARRAR HISTORIAS EN COLOR
GG
®
ÍND I C E
04
INTRODUCCIÓN
06 Acuarela: ¿sí o no?
08 Un cuadro para el emperador
10 Goma arábiga: donde crecen las acuarelas
12 Pigmentos: la materia de la que están hechos
los sueños
14 Amarillo y naranja: de camellos y crocus
16 Rojo y púrpura: de bichos y caracoles
18 Azul: de lapislázuli, índigo y añil
20 Verde: de plantas y venenos
22 Introducir color en los dibujos
PRIMEROS INTENTOS
24 Selección múltiple: diseñar es decidir
26 De la noche a la mañana: sombras y luz
28 Black is back: glasear con tinta china
30 Capa a capa: el glaseado
32 Mezclar colores con glaseados
34 Practicar el glaseado: sopa de pescado
36 Lavados: la pintura hace lo que le place
38 A la fuga: lavados en degradado
40 Lavados: ¡Otra vez, con sentimiento!
42 Un toma y daca: añadir y eliminar pintura
44 Húmedo sobre húmedo
46 Combinar técnicas: un poco de esto y de aquello
EXCURSIÓN A L A TEORÍA DEL COLOR
48 ¿De dónde vienen los colores?: ciencia básica
50 Organizar los colores
52 Contrastes de color: los opuestos se atraen
54 Tipos de color: de South Park a los semáforos
56 Color verdadero: el efecto de la luz
58 Cada color cuenta una historia: intensificar los dibujos
60 Los efectos de los colores: todo es relativo
62 Armonías de color: sencillas y complejas
64 Armonías análogas, monocromáticas y complementarias
CALLE JE ANDO
66 Armonías triádicas y tetrádicas
116 Pintar al aire libre: mal tiempo
68 Armonías frías-frías y cálidas-cálidas
118 Cambiar la perspectiva: el otro punto de vista
70 Coleccionar colores
120 Pintar el agua
72 Diseñar armonías de color:
122 Aire, niebla, humo
trabajar con tiras de códigos cromáticos
74 Sal de tu zona de confort cromática
124 Smog y atmósfera
126 Y además, ¿qué es la belleza?
76 Color y perspectiva: las montañas Blue Ridge
CONSE JOS Y TRUCOS
ESTILO PROPIO
128 Composición y diseño
78 Menos es más
130 Borrones y manchas
80 Yo, yo y yo: encontrar tu estilo
132 Espacio negativo: pintar lo que no está ahí
82 Estilo y creatividad
134 Blanco: un caso especial
84 Relajar el cuadro: tirar pintura
136 Estudios, sketches y bocetos
86 La imaginación vs Internet: si no buscas, encontrarás
138 Deshacer
88 Haz que te importe
140 Fusionar los colores: trabajar a partir de un color
90 Prioridades
142 Trabajar con papel de color
144 Efectos especiales
E L E M E N T O S B Á S I C O S / H E R R A M I E N TA S
146 Letras y escritura
92 Cajas de pinturas
148 Maquetas, garabatos y storyboards
94 Lápices de acuarela
150 Ilustraciones con acuarelas
96 Comprar pinturas
152 ¿Cuánto vale tu obra?
98 Mezclar pinturas
154 Todo llega a su fin: ¿cuándo se acaba un cuadro?
100 Tonos imposibles: colores vivos
102 Tunear las acuarelas: que resalten los colores
104 Acuarelas líquidas: ahora vivo, pálido más tarde
106 Pinceles
108 Aún más pinceles
110 Papel
112 Estirar el papel: la onda permanente
114 Lo que hay en mi bolsa
156 Índice
IN T R O D U C C I Ó N
06
ACUARELA:
¿SÍ O NO?
Al oír hablar de acuarela, muchas personas se
no podríamos expresar de un modo consciente.
imaginan inmediatamente cuadros con paisajes
Cuando sacrificamos la dosis adecuada de control
sentimentales, ruinas antiguas y escenas pintorescas.
en el proceso creativo, las cualidades inherentes de la
acuarela empiezan a jugar a nuestro favor.
Si bien los artistas ingleses de los siglos XVIII y XIX
reivindicaron la acuarela como un medio pictórico
sofisticado, esta provoca a menudo reacciones
Este libro tiene dos propósitos: enseñar técnicas
de acuarela y contar algunas cosas sobre el color.
Aun así, no tiene el objetivo de explicar, por
sorprendentemente negativas por parte de los artistas
ejemplo, cómo pintar un cielo determinado en cuatro
contemporáneos. Una generación entera la relega
pasos. Tengo verdaderas dudas sobre si los lectores
rápidamente a la categoría de medio para aficionados.
aprenden más de tales libros de instrucciones de lo
Pero la acuarela es mucho más que un medio para
que aprenden cuando simplemente se ponen a pintar el
aficionados, la concentración y la práctica que requiere
cielo. ¿Y si de repente el cielo se nubla? Por eso, lo que
son intensas. Una vez sobre el papel, los errores son
pretende este libro es mostrar los principios básicos de
difíciles de enmendar y solo cuando se sabe aplicar
la pintura a la acuarela para que cada uno los aplique
con seguridad, produce resultados verdaderamente
libremente a aquello que quiera lograr.
positivos. La acuarela implica un cierto grado de
incertidumbre, pero también nos enseña a ver.
La acuarela fue la primera técnica que permitió al
Me imagino que debe de ser un poco como
aprender los acordes de una guitarra. Personalmente,
me parece importante que aprendas las posiciones
artista salir libremente de su estudio porque se podía
de los dedos, pero saber qué canción quieres tocar
llevar con facilidad al exterior. No hacían falta tubos,
depende de ti.
caballete, lienzos o instrumentos similares, sino
Y no te preocupes: todo lo que hay que saber sobre
solamente una caja de pinturas y papel. Y hoy en día,
el color se puede aprender de una simple caja de
la acuarela sigue liberándonos del estudio, de los
pinturas.
ordenadores portátiles y de los innumerables cables
y baterías.
Sin embargo, la acuarela no es simplemente una
técnica: es casi una actitud. La acuarela hace lo que
Lo importante no es si la pintura a la acuarela es
un medio sofisticado y legítimo. La acuarela puede ir a
cualquier sitio. Es un medio autónomo, libre y creativo,
y hace del mundo nuestro estudio.
quiere. En cierto modo, es obstinada y anárquica. Por
ello, para mí el secreto de usar acuarelas para pintar
cuadros reside en establecer un equilibrio entre el
controlar y el dejarse llevar. Los cuadros normalmente
solo son “muy buenos” cuando nos sorprenden, cuando
revelan aquello que hemos percibido y sentido pero que
Cordialmente,
INTRODUCCIÓN
08
UN CUADRO PAR A
EL EMPER ADOR
Pero claro, el emperador no estaba acostumbrado
a esperar, y cuando la semana tocó a su fin, se
presentó en persona, acompañado de miembros
Esta historia nos llega desde la antigua China. Un día,
de la casa real, a visitar al pintor. Le preguntó si el
un emisario del emperador fue a visitar a un pintor
gallo estaba ya acabado. El pintor levantó la vista
célebre. “El emperador desea un cuadro”, le dijo el
y respondió que sí, por supuesto, el gallo ya estaba
emisario, y le preguntó si podría pintar un gallo para
acabado. Y delante del mismísimo emperador, cogió
su majestad.
una hoja de papel en blanco, tomó un pincel y pintó un
gallo para el emperador.
El pintor contestó que sí, pero que le llevaría un tiempo,
El emperador se quedó sin habla. ¿Por qué había
ya que la creación de un buen cuadro así lo requería.
hecho esperar a su emperador tanto tiempo por
El emisario sabía que la paciencia no era una de las
algo que podía pintar en un santiamén?, le preguntó,
virtudes del emperador, así que le concedió al pintor
gritando, al pintor. El pintor no perdió la calma. Cruzó
dos semanas para retratar el gallo. Al pasar las dos
su estudio y abrió una puerta que daba a una habitación
semanas, apareció de nuevo.
trasera. Y cuando todos los presentes se asomaron al
“¿Dónde está el gallo?”, preguntó al pintor, quien
interior de la habitación, vieron un espacio tan grande
respondió que estaba trabajando en él, pero que el
como el estudio del artista lleno hasta el techo de
cuadro aún no estaba acabado. El emisario maldijo,
dibujos realizados durante semanas, intentonas y
pero le concedió otra semana, ya que sabía que el
bocetos del gallo del emperador que tan rápido había
pintor era un gran maestro de su arte. Por su parte,
pintado.
el pintor se comprometió a acabar el cuadro a tiempo.
Sin embargo, al final de la semana, cuando el emisario
apareció otra vez,
el cuadro aún no
Esta historia tiene mucho que ver con la acuarela.
La acuarela exige técnicas que requieren cierto tiempo
de perfeccionamiento. No obstante, el acto efectivo de
pintar con acuarelas no se demora mucho: es un medio
estaba terminado.
muy rápido, inmediato. Aun así, aunque se tarde tan
El emisario
poco en pintar, es importante dedicar tiempo
despotricó y
vociferó, pero
a practicar y dominar las técnicas.
Francamente, puede que este no sea el
no sirvió de nada.
consejo que la gente espera de un libro
El pintor exigió una
para aprender acuarela, el cual, por
semana más para
definición, intenta ayudar a los lectores
trabajar en el gallo.
a conseguir resultados rápidos y
llamativos. Sin embargo, la técnica de acuarela del
maestro chino tiene un gran potencial. Y ya que ni
siquiera el maestro chino más dotado se hizo en un
día, pongámonos en marcha juntos cuanto antes, tan
rápido como podamos.
INTRODUCCIÓN
10
GOMA AR ÁBIGA
Donde crecen
las acuarelas
Hace calor donde crecen las acuarelas, y si hay un
bien que sea escaso, es el agua.
Sudán es una de las zonas más duras del mundo:
un área semidesértica en el noreste de África con
tormentas de arena y temperaturas extremas que
han llegado a alcanzar los 49 °C. Sin embargo,
las sustancias con las que se hacen las
acuarelas provienen del corazón de
Sudán, de Kordofan, Kassala y Darfur.
Para entender cómo funcionan las
pinturas, debemos ver primero de
qué están hechas. La acuarela es uno
de los tipos de pintura más antiguos,
y su secreto reside en una sustancia
amarilla ambarina que ha recorrido
un largo camino desde el lejano
y tórrido desierto hasta llegar
a nuestras cajas de pintura.
Enseguida nos ocuparemos
de esto.
La materia prima de la pintura
es el pigmento, un material que
normalmente viene en polvo y que
refleja un color concreto
con viveza.
Este polvo, que en realidad es el tinte de la pintura,
procesos de momificación y los chinos mezclaban en
puede provenir de una planta o de un mineral, de
ella su tinta.
un metal o de un óxido. La pintura contiene cientos
Para hacer acuarelas, los extraños trozos de
de sustancias orgánicas o inorgánicas, todas las
resina color miel se muelen y se disuelven en agua
cuales se originan en polvo y, por ello, suponen
templada, y a esta mezcla se le añade el polvo del
un problema para el artista, ya que el polvo no
pigmento. Hoy en día, la pintura a la acuarela se
se adhiere automáticamente al soporte (es decir,
sigue produciendo más o menos del mismo modo
al papel o lienzo).
que hace mil años, ya que no existe un sustituto
Para convertirse en lo que conocemos como
pintura, el pigmento necesita un adhesivo, un
químico adecuado para la goma arábiga.
La goma arábiga es única: el aglutinante es
“vehículo” que permita mantener unida la pintura
traslúcido
y, al secarse, la adhiera al papel.
y refleja la luz, lo que intensifica la luminosidad de la
A lo largo de los siglos, han sido muchos los modos
empleados para resolver este problema. En la Edad
Media, los artistas utilizaban yema de huevo, a la que
añadían pigmentos para hacer temple de huevo. En el
Renacimiento, usaban aceite de linaza hervido para
crear pinturas al óleo.
En realidad es el “vehículo” (la sustancia
aglutinante) lo que distingue a un tipo de pintura
de otro. El que un pigmento se convierta en pintura
acrílica o pintura al óleo, que se introduzca
a presión en un lápiz de color o en forma de
pintura de cera, depende del aglutinante.
La acuarela se hace con una resina llamada
goma arábiga, la cual, como hemos dicho,
proviene de Sudán. Los pequeños árboles
espinosos de los que se extrae se llaman
Acacia seyal (acacia roja) y Acacia
senegal (árbol de la goma). Para
obtenerla, se raja de arriba abajo la
corteza del árbol, que desprende un
jugo lechoso que se recoge y se seca.
Esta resina seca y molida ha servido
como aglutinante para pintura desde
tiempos inmemoriales. Los antiguos
egipcios también la usaban en sus
pintura. Además, la goma arábiga es inocua y se puede
volver a disolver en agua cuando se ha secado.
INTRODUCCIÓN
12
PIGMENTOS
La idea de mezclar pigmentos
y goma arábiga para hacer
pintura a la acuarela es muy
La materia de la que
están hechos los sueños
antigua, pero, a principios
del siglo XIX , los químicos
W. Winsor y H. Newton fueron
los primeros en añadir glicerina
a la mezcla para que las
El tinte en sí, o lo que da a las pinturas su color,
es el pigmento, que es distinto del aglutinante.
Los pigmentos vienen en polvos coloridos y molidos
pinturas mantuviesen una
muy finos. Se crean a partir de sustancias molidas
consistencia semihúmeda al
orgánicas e inorgánicas que se mezclan con un
guardarse en cajas de pintura.
aglutinante para hacer pintura.
Parece que la miel también
produce este efecto.
Los pigmentos, ese secreto tan bien guardado de la
pintura, se han comercializado a lo largo de los siglos
como un producto precioso, ya que poseen una cualidad
que, aunque a primera vista nos puede sonar rara, los
hace únicos: los pigmentos son colores que mantienen
de forma permanente su color.
Los colores están en todas partes. Las flores
presentan una amplia variedad de tonos, igual que la
fruta, los campos, los bosques, la luz de las puestas
de sol, los pájaros espectaculares o las mariposas.
El problema de estos colores, sin embargo, es que
no duran. Siempre que llega el invierno, los colores
desaparecen. Cuando se pone el sol, solo hay noche.
Si algo vivo se muere, sus colores se atenúan: las
flores se marchitan, las frutas pierden su intensidad
y, al llegar el otoño, el verde de la primavera se
transforma en tonos terrosos.
Puede resultar difícil conseguir que los colores se
mantengan y perduren. Por ejemplo, si exprimimos una
fruta roja, lo más probable es que el zumo al principio
también sea rojo. Pero este color se irá desvaneciendo
gradualmente a medida que el zumo
se seca. Si lo exponemos de forma
premeditada a la luz, su brillo se atenúa
cada vez más conforme pasa el tiempo.
Lo más seguro es que su tono se
No obstante, también existen pinturas
convierta pronto en marrón o gris y,
desde luego, que no resplandezca del
mismo modo que cuando estaba recién exprimido.
La mayor parte de los colores se desvae, lo cual
supone un problema para los artistas que quieren
resistentes a la luz cuyos colores no se
desvanecen porque están hechas con pigmentos
especiales.
Los pigmentos pueden estar formados por
sustancias orgánicas e inorgánicas —minerales,
plantas o incluso insectos— y también se pueden
producir químicamente. La pintura a la acuarela suele
hacerse con pigmentos químicos que se muelen con
una finura especial para favorecer unas cualidades
óptimas de glaseado. Con frecuencia, las pinturas de
nuestras paletas actuales contienen dosis muy
elevadas de pigmentos, de modo que incluso en
pequeñas cantidades
que sus dibujos y cuadros se mantengan luminosos
pueden proporcionar
y brillantes.
un golpe de color
En gran medida, la luz es la responsable de que la
mayoría de las pinturas pierdan el color. Aunque
adecuado.
Los pigmentos
la pintura puede resplandecer a la luz, también puede
son el corazón de las
verse destruida por el mismo motivo. Si las pinturas
pinturas. Cuando se
se exponen a la luz y el aire mucho tiempo, se desvaen
combinan con goma
incluso más rápidamente. El efecto es menor en
arábiga, glicerina y
pigmentos inorgánicos, óxidos o colores terrosos, pero
miel, dan un soplo de
muchas de estas pinturas también desaparecen con
vida a los cuadros.
el tiempo.
Y una cosa más:
Las pinturas a la acuarela pueden
cambiar de color cuando se secan.
Hay muchos tonos que se alteran
solo ligeramente, así que aunque
ello no significa que un rojo se vaya
a convertir de repente en verde, sí
que puede, por ejemplo, tener una
apariencia más apagada al secarse.
Lo único que puede ayudar a anticipar
estos cambios es la experiencia. Con
el tiempo, llegarás a conocer mejor
tus pinturas y podrás trabajar con
estas características particulares.
INTRODUC CIÓN
14
AMARILLO Y NAR ANJA
De camellos
y crocus
Hay una historia sobre el amarillo indio
que se ha incluido en casi todos los
libros que existen sobre color.
Según cuenta la historia, el amarillo
indio llegó a nosotros de mano de unos
camellos a los que se alimentaba con una dieta fija de
hojas de mango y se les daba muy poca agua.
Para obtener el pigmento, se calentaba la orina de los
pobres animales y se conseguía una sustancia de un
intenso color amarillo llamada “purree”. Este método
se prohibió a principios del siglo XX por su crueldad.
Por razones evidentes, en los últimos años hay cada
vez más dudas sobre esta historia. En la India, por
ejemplo, la historia o bien no se conoce o solo
se ha transmitido través de
fuentes europeas.
Las hojas de mango, por su parte, no tienen
virtudes de pigmentación, así que podemos
suponer que el color amarillo procedía
probablemente de los minerales o el fosfato de
calcio al cual se añadía la orina. Es posible que la
historia de los camellos se añadiese para hacer el
pigmento más interesante y por lo tanto más caro.
El amarillo es el color primario más claro
y por ello el más sensible a las manchas y a
enturbiarse. Hasta las impurezas más pequeñas
pueden hacer que los tonos amarillos se vean
fuego, descubrieron con sorpresa el cambio en el
sucios o débiles. Durante siglos, los pigmentos
blanco de plomo: se había convertido en un color
amarillos se hacían con arsénico tóxico, cadmio
naranja rojizo. Desde entonces, este color pasó
o cromo. Los tintes alternativos, como el azafrán
a conocerse como “rojo de plomo”.
(que proviene del polen de los crocus de azafrán),
Las mujeres y los gladiadores lo usaban para
eran muy caros. Además, solo las telas muy
maquillarse, se empleaba para pintar paredes
blancas (y por ello muy caras) se podían teñir
y para iluminar libros. Lamentablemente, en
de amarillo, ya que hasta las impurezas más
el siglo XX se descubrió que el rojo de plomo es
pequeñas podían enturbiar el brillo del color. Así,
enormemente tóxico y el color desapareció de las
en la China antigua únicamente el emperador
y los dignatarios religiosos podían llevar
paletas de pintura.
Con frecuencia, el naranja también se extraía
túnicas amarillas teñidas con azafrán.
del cártamo o de la resina de drago. No está
Posteriormente, además, en la
muy claro si el color naranja se denominó así
Europa medieval el color amarillo adoptó
por la fruta o viceversa. Se cree que la fruta
connotaciones negativas. Cuando en una
ciudad ondeaban banderas amarillas quería
decir que la peste negra estaba allí en su
máximo apogeo.
Solo vas a necesitar dos tonos de amarillo
era originaria de Asia y probablemente era muy
común en Europa después del Renacimiento. La
ciudad francesa de Orange (que tiene naranjas en
su escudo) también puede haber sido el epónimo,
ya que está cerca de las canteras de ocres de
en la caja de pinturas: amarillo de cadmio, o
Roussillon, de las se han extraído pigmentos
amarillo puro, y amarillo Nápoles. En realidad,
naranjas y rojos durante siglos.
el componente blanco del amarillo Nápoles
Durante mucho tiempo, el naranja no se
hace que se descomponga en un tono pálido al
consideró un color por sí mismo, sino más bien
mezclarse con otros colores, dando lugar, por
un amarillo rojizo, y se categorizaba como uno de
ejemplo, a grises muy apropiados para pintar
estos dos colores según la saturación que
cielos de tormenta.
presentara. El naranja no debutó como
La historia del pigmento naranja empieza en
color independiente hasta que Vincent
la antigüedad, concretamente en el siglo I, en un
Van Gogh y Edvard Munch empezaron a
incendio en el puerto de Atenas. Se dice que en
usarlo de forma habitual en sus obras.
el desastre ardieron unos barriles de pigmento
El naranja es fácil de mezclar, pero es
blanco de plomo y que, cuando los capitanes del
mejor tener uno ya mezclado en la caja
puerto estudiaron los daños una vez apagado el
para pintar con rapidez.
Consejo: el amarillo es muy
sensible a las impurezas.
Cuando pintes, antes de
mojar el pincel en el
amarillo asegúrate de que no
está manchado con ninguna
otra pintura. Al trabajar
con este color, emplea mucha
agua fresca y limpia.
16
ROJO Y PÚRPUR A
De bichos y caracoles
Percibimos el color rojo cuando
Otra fuente de color rojo
una luz de intensidad superior a
la aportó una planta conocida
los 600 nanómetros incide en las
como rubia. Utilizada desde
células fotorreceptoras cónicas de nuestra retina.
la antigüedad, aún la puedes
Pero el color rojo —por lo menos en su forma más
encontrar hoy en día en las cajas de
básica— es de lo más terrenal.
acuarelas en forma de carmesí de alizarina
o rosa madder.
La tierra roja que contiene un óxido de hierro
El púrpura, color que los
denominado hematita se ha utilizado desde la época
romanos utilizaban para teñir
neolítica. Según el tono deseado, se puede usar tal y
sus togas, también era difícil
como está, o se puede quemar para obtener rojo indio
de obtener. Antiguamente se
o rojo inglés.
utilizaban las secreciones de un
No obstante, el rojo fuerte no se puede obtener
pequeño caracol de mar para crear
por medio de la simple extracción minera. El rojo ocre
el tinte púrpura conocido como
siempre es un poco terroso, un tono entre el óxido y las
púrpura de Tiro.
hojas de otoño, pero nunca lo
que consideraríamos un rojo
En este caso, la proporción
de color por bicho era incluso
fuerte. Aunque suene
menos favorable que la de la
raro, durante miles
cochinilla: para obtener unos
de años el rojo
100 gramos de color había
se obtuvo de la
que sacrificar cerca de
cochinilla. Y no
100.000 caracoles de mar.
estamos hablando
Por cierto, a pesar de las
de un solo bicho,
connotaciones que tiene el color rojo
sino de miles: para hacer
como señal de alerta, la mayor parte
unos 100 gramos de color, se necesitaban unas
de los mamíferos no lo pueden ver. En
14.000 cochinillas, que se recolectaban de las plantas
ese sentido, los seres humanos somos
(normalmente en algunos tipos de hierba o en el
la excepción.
nopal). Cuando se secaban y pulverizaban constituían
Sin embargo, los pájaros ven muy
la materia prima para fabricar el púrpura, el carmesí
bien el rojo, lo cual podría explicar por qué vuelan
y el escarlata.
como locos a la fruta roja.
Los rojos y púrpuras
más aconsejables para
una caja de acuarelas
de tamaño medio
son: el rojo de
cadmio, el carmesí
de alizarina, el
magenta y el violeta
de manganeso.
INTRODUCCIÓN
18
Antiguamente, el azul
venía de muy lejos. El
índigo de buena calidad
provenía de la India y el
ultramar brillante solo
se podía obtener en
Afganistán.
AZUL
De lapislázuli,
índigo y añil
Antes, el azul suponía un
del índigo azul apagado producía un olor nauseabundo.
problema para los pintores, no
A partir de la Edad Media, el índigo empezó a traerse
solo por ser un color melancólico
de la India, donde se descubrió una variedad de añil
(de ahí el término inglés blues), sino
que teñía con mucha más facilidad que la variedad
fundamentalmente por su precio
elevado. No había nada tan caro
como el azul puro, brillante.
originaria de Europa central. Este índigo acabó
sustituyendo al añil tradicional.
Como color primario para pintar, el azul es
irreemplazable. En mi opinión, un buen set de pintura
El azul era el color de los
debe incluir el azul cobalto, el ultramar y el índigo.
príncipes, las estatuas de
El azul turquesa también es conveniente ya que es
madonas vestían túnicas azules
un color difícil de obtener mezclándolo uno mismo.
y, por supuesto, el nombre
P. D.: Se dice que una persona es de “sangre azul”
“azul real” no era una
cuando no ha de trabajar al aire libre, al sol, y a través
denominación casual. Antaño,
de la palidez de su piel se adivinan sus venas.
el azul puro solo se podía
obtener de dos maneras:
una era mezclar las hojas
de la planta de añil con orina y
fermentar la mezcla; la otra era obtener el pigmento
molido de una piedra preciosa que provenía
exclusivamente de una mina afgana increíblemente
remota. El ultramar, o lapislázuli, era más preciado
que el oro, y, hasta que llegaba a manos de los
pintores, tenía que pasar por muchas otras manos.
Es decir, que el azul suponía un problema. El azul
intenso era prácticamente inalcanzable y la fabricación
Consejo: los azules tienen un
color muy intenso y por ello
ofrecen una maravillosa gama
tonal. Un azul oscuro (como
el índigo) puede parecer
casi negro, mientras que los
tonos más delicados pueden
asemejarse al blanco. Por ello
el azul es excelente para retratar
matices sutiles de color.
INTRODUCCIÓN
20
Consejo: un buen set
de pintura necesita
por lo menos dos
verdes distintos. Dos
tonos buenos son el
verde savia y el verde
Winsor.
VERDE
De plantas
y venenos
El verde no es solo el color
que domina en el paisaje,
los árboles y los campos,
sino que juega un papel
esencial en la marcha
de la naturaleza.
La clorofila verde que
contienen las hojas produce
oxígeno, que es lo que hace
posible la vida en la tierra.
Por ello, no es de extrañar
que el verde se considere
un color sagrado en
muchas culturas. En los
lugares en los que el verde
escasea en el paisaje,
como por ejemplo las zonas
desérticas, es un color
especialmente apreciado.
Aunque el verde se considere el color
de la naturaleza, durante siglos se ha asociado
también con algo mortífero.
En ocasiones, el veneno se retrata en tonos
verdes, una asociación que se remonta a la época
Por ejemplo, si pintas un árbol
utilizando solamente un verde
claro, parecerá de plástico.
Así, es conveniente intentar
en que los pigmentos verdes se hacían con óxidos de
romper un poco el verde, sobre
metal, como el óxido de cobre disuelto en arsénico.
todo para cuadros de naturaleza.
En los viejos tiempos, chupar o morder un pincel podía
Prueba a mezclar una pequeña
costar la vida a los pintores.
gota de amarillo o de rojo, el
Hoy en día se especula con la teoría de que fue
color complementario del verde,
el diseño de interiores escogido por Napoleón lo que
en la pintura y tus prados tendrán
acabó por matarlo, ya que el papel pintado de la pared
un aspecto mucho más natural.
de su casa era verde y había sido tratado con un tinte
que contenía arsénico.
El verde es más difícil de utilizar de lo que puede
parecer a simple vista. En un cuadro, si no se mezcla
bien puede verse poco natural.
INTRODUCCIÓN
22
INTRODUCIR
COLOR EN
LOS DIBUJOS
¿A qué responde ese cambio tan impactante
que se produce al pasar del blanco y negro
al color? ¿Cómo se puede explicar la gran
diferencia que hay entre un dibujo y un
cuadro?
Exceptuando los dibujos hiperrealistas, la técnica
del dibujo resulta más útil para hacer bocetos
o modelos de imágenes coloreadas.
En comparación con una pintura, un dibujo puede
parecer a veces inusitadamente falto de
La pintura es un medio arriesgado, pero
color, el panorama cambia radicalmente.
también maravilloso. El color es muy exigente y
El color está vivo, está cargado de emoción
enriquece nuestros cuadros con un aspecto sensual.
nuevo. Si echas un vistazo a un dibujo y luego a
quiero decir.
pintura es el propio mundo. Así que salgamos de
captar, algo que hace que parezca indeterminado.
Podría decirse que al añadirle color nos adentramos
que los colores enfatizan
en el “mundo real”.
Esto puede deberse a que los dibujos en blanco y
negro operan en un nivel sorprendentemente distante
y limitado. Por medio de líneas y contornos, el dibujo
el dibujo. Además de
define el mundo de un modo muy diferente de como lo
crear una sensación
hace la pintura. El dibujo pertenece al ámbito de la
de espacio, la pintura
planificación y el borrador. La realidad es multicolor.
también produce un
efecto sensual: la galleta
se vuelve apetitosa.
pero un cuadro de una tarta conseguirá que se te
haga la boca agua. Un dibujo es un modelo. Una
hecho con tinta o lápiz— tiene algo que es difícil de
en esos lugares en los
Un dibujo de una tarta solo describirá su forma,
una imagen en color, entenderás en seguida lo que
Un dibujo —y mucho más si se trata de un boceto
La galleta “cobra vida”
que el dibujo pretende explicarnos algo.
sentimiento. Pero en cuanto se le añade
y nos transporta a un lugar completamente
Dibujar con color añadido
La pintura quiere crear una ilusión, mientras
nuestro escondite.
P R IME R O S IN T E N T O S
24
SELECCIÓN MÚLTIPLE
Diseñar es decidir
En pintura, no hay nada correcto o incorrecto.
Todas las decisiones de diseño contienen múltiples
posibilidades y matices.
Por ello, mi consejo es no pensar en términos de
resultados, de “cuadros acabados”, sino más bien en
En primer lugar, el proceso de diseño implica tomar
una serie de decisiones y debemos entender cómo
términos de cientos de pequeños pasos intermedios.
En cuanto te pongas en camino, el cuadro
las tomamos. El resultado final evolucionará según el
crecerá solo. Y normalmente las decisiones solo son
camino que decidamos tomar. Más azul, más amarillo.
difíciles de tomar en los estadios iniciales: en cuanto
Es tu obra y solo tú decides lo que esta va a incluir.
empiezas, todo te parece más fácil, y resulta
asombroso ver qué fácil puede ser pintar. Con un
Todo eso hace que diseñar una imagen sea, desde
poco de práctica, también llevarás esta facilidad
luego, algo difícil. Los artistas crean mundos y los
a tu siguiente obra, con todas sus innumerables
pueblan con temas. De este modo, toman un sinfín
decisiones.
de pequeñas decisiones: el color de un jersey o de
un coche, el tamaño de cada uno de los elementos
individuales, la importancia de cada color o forma
concretos...
Así, tu dibujo será el resultado de una serie de
decisiones. Solo quienes la vean desde fuera verán
una obra cerrada, acabada. Tú, sin embargo, la
percibirás más como una cadena de decisiones que
forman parte del proceso creativo.
Ahí radica precisamente la dificultad del arte,
porque las decisiones a veces son muy difíciles de
tomar.
¿Y esto por qué?
Nuestra visión general del mundo es lo que
dificulta tanto la toma de decisiones. Desde la
antigüedad, nuestro modo de ver las cosas ha estado
marcado por las polaridades. Pensamos en términos
de luz y oscuridad, del bien y el mal, el cielo y el
infierno; y suponiendo que todas las monedas tengan
dos caras, desarrollamos de modo inconsciente la
idea de que todo lo que no sea la decisión “correcta”
es “incorrecto”.
¡Basta!
P R IME R O S IN T E N T O S
26
Cuaderno de Jordania.
Medio: rotuladores negros
de punta fina y de punta más
ancha sobre papel. Las
zonas grises fueron unos
discretos añadidos rápidos.
Cuaderno de Jerusalén.
En este caso se utilizó un
rotulador para rellenar las
zonas grises (gorra y jersey).
DE LA NOCHE A LA MAÑANA
Sombras y luz
Es muy sencillo: las sombras se producen allí donde
no incide la luz directa. Esto explica casi todo lo que
tienes que saber sobre pintura.
Cuando pintes con acuarela, para producir una
sensación de espacio lo importante es sobre todo
saber pintar las sombras. No te preocupes demasiado
por pintar la luz, porque el color más luminoso de una
acuarela será siempre el blanco del papel.
Los contornos se establecen con el dibujo, y el
acabado glasé es lo que une la luz con los contornos.
Con el objetivo de practicar un poco y desarrollar
un buen instinto en lo tocante a la técnica del glaseado,
nuestro primer paso no será apagar la luz usando
mucha pintura. Lo que haremos, por el contrario,
será empezar con una pequeña sombra.
Para este sencillo ejercicio necesitarás un
rotulador. Prueba a dar un segundo tono a los dibujos
que ya tienes en tu cuaderno de bocetos; un tono
medio, por ejemplo. Utiliza un rotulador de un tono
medio-gris (como el gris claro) y de punta más o menos
ancha para añadir zonas grises al dibujo. Para captar
mejor las sombras del modelo real que estás
dibujando, prueba a achinar un poco los ojos. Este
gesto simplifica tu mirada, intensifica los grises
y hará más fácil que puedas copiarlos en el papel.
Al hacerlo, descubrirás cómo realzan el dibujo.
Además, el glaseado otorga a las formas
una sensación de espacio y dimensión
y el dibujo adquiere profundidad.
Consejo: un modo
de desarrollar tu
instinto para las
zonas grises o de
tonos medios es
estudiar viejas fotos
en blanco y negro.
P R IME R O S IN T E N T O S
28
BLACK IS
BACK
Glasear con
tinta china
A grandes rasgos, la tinta china es como un rotulador
mágico de los de antes. Las zonas grises que se
pueden crear con un rotulador también pueden
hacerse con un pincel y tinta diluida. No solo eso,
sino que además la tinta tiene una ventaja añadida
muy poco valorada: te evita la necesidad de tener todo
un surtido de rotuladores en varios tonos.
Con la tinta china puedes mezclar tú el tono y obtener
diferentes matices de claro y oscuro. Cuanta más
agua utilices, más claro será el tono. Con este
método, y con un solo bote de tinta, se pueden crear
innumerables tonalidades.
Por eso la tinta china es un buen paso intermedio
para trabajar con acuarelas, ya que funciona como un
glaseado pero también te permite experimentar con
tonos y con distintos valores.
La tinta china está compuesta por una mezcla de
hollín, agua y un aglutinante como la laca, el acrílico o
la goma arábiga. Para obtener el color negro, antaño
se usaba madera quemada o hierro, y los huesos
quemados y el marfil chamuscado daban tonos
negros muy oscuros. Para los marrones, se empleaba
ceniza de madera de haya, denominada bistre. Otros
dos tipos “clásicos” eran la tinta sepia —un marrón
elaborado con tinta de sepia— y la tinta de oro, de
tonos dorados y elaborada con arsénico y mercurio.
Desde luego, estos materiales que suenan
tan rústicos son cosa del pasado. Pero pocas
cosas han cambiado en el transcurso de
las generaciones en lo que se refiere a la
funcionalidad y la versatilidad de la tinta
como material de dibujo y pintura.
El único inconveniente son las manchas de
tinta. Quizá por eso los pintores siempre van
de negro.
P R IME R O S IN T E N T O S
30
CAPA A CAPA
El glaseado
Los ejemplos del coche y del cubo ilustran cómo se
utiliza el glaseado. Dejamos blanca la capa más clara,
pintamos la segunda capa, dejamos que se seque y
añadimos otra capa por encima de esta para crear
zonas oscuras.
A grandes rasgos, el acabado glasé se puede
comparar con un par de gafas de sol, en el sentido
de que aporta una capa oscura sobre la luz.
Pero demos unos pasos atrás.
Como las acuarelas son hasta cierto punto
translúcidas, detrás de cada capa de pintura podemos
percibir no solo el blanco del papel, sino también
Si te pusieses un par de gafas encima de otro,
todas las capas de color subyacentes. Y como cada
notarías que todo se oscurece un poquito más con
una de ellas es igual que una película de color, las
cada par. El glaseado funciona, básicamente, del
múltiples capas van creando tonos cada vez más
mismo modo: vemos nuestro dibujo (o partes de él)
oscuros. Cuando pintamos dos capas del mismo color,
a través de una capa de color.
una sobre otra, este se va oscureciendo, efecto que se
hace más intenso con cada nueva capa que se añade.
Esto es lo que hace que la acuarela sea tan
especial. Con cualquier otro medio de pintura, el
espacio blanco de apoyo se cubre con medios opacos.
En una pintura a la acuarela o un dibujo, este espacio
blanco desempeña un papel de gran importancia —si
no decisivo— en el glaseado: se convierte en la luz de
la pintura, y lo que pintas es la sombra.
El autobús escolar también
se ha pintado utilizando dos
capas de acuarela amarilla.
Para las ventanillas se ha
empledo un poco de azul.
P R IME R O S IN T E N T O S
32
MEZCLAR
COLORES CON
GLASEADOS
En pocas palabras, la diferencia principal entre tinta
y pintura se hace evidente cuando mezclamos colores.
Cuando superponemos capas de pintura, el color se va
intensificando progresivamente. Con la tinta, ocurre
igual.
Pero la pintura hace algo más, se mezcla con otros
colores. Si las capas superpuestas son del mismo
color, el color, desde luego, se intensificará con cada
nueva capa. Pero cuando al glasear empleas colores
distintos, estos se afectan unos a otros y se mezclan,
creando tonos nuevos. Con la tinta no ocurre esto,
y cuando se mezcla así no se obtienen resultados tan
buenos.
El glaseado es el equivalente del modo
“multiplicar” de Photoshop.
Imagínate que estuvieses trabajando con cristal
o con transparencias coloreadas. Si superpusieras
muchas transparencias unas sobre otras, los tonos no
solo se verían más oscuros, como sucede con la tinta,
sino que se mezclarían. Una capa azul y una capa
amarilla superpuestas surtirían el mismo efecto que
si se mezclasen los colores en la paleta: darían como
resultado el verde.
Esto hace que al principio trabajar con acuarelas
sea un poco más difícil. Debes pensar no solo en los
valores, sino también en los tonos, teniendo en cuenta
que los glaseados se mezclan en el papel y crean
nuevos colores. Por eso es aconsejable empezar a
pintar empleando unos cuantos colores relacionados.
Con un poco de práctica, enseguida cogerás el
tranquillo y serás capaz de sacarte de la manga
mezclas nuevas de un modo relativamente rápido
y sencillo.
Consejo: cuando dos zonas
pintadas se superponen en
el glaseado, la saturación y el
color se ven afectados. Las
pinturas se mezclan en el
papel igual que en una paleta.
Por eso el azul y el amarillo
en este caso dan verde.
P R IME R O S IN T E N T O S
34
PR ACTICAR
EL GLASEADO
Sopa de pescado
Para practicar la técnica del glaseado, un buen
ejercicio es pintar tu comida favorita. Hay alimentos
de casi todos los colores y tienen la gran ventaja
de que su espectro cromático parece natural, no de
plástico (esperemos). Por eso, pintar tu plato favorito
es un ejercicio ideal.
Así que, ¿por qué no pintar una receta antes de
cocinarla? ¡Pinta los ingredientes, pinta los utensilios
de cocina y pinta el plato resultante! Añade una capa
tras otra y observa cómo tus dibujos evolucionan con
cada pincelada. Te sorprenderás de cuántos colores
contienen, por ejemplo, las escamas de pescado o la
piel de una cebolla.
Pintar tu plato favorito, como verás, no sirve solo
como ejercicio de pintura, sino que también aporta un
placer visual y culinario.
Consejo: en la mayoría de los casos,
para obtener un glaseado con color
y profundidad, dos o tres capas de
pintura son suficientes. Acuérdate
de dejar que cada capa se seque bien
antes de añadir la siguiente.
P R IME R O S IN T E N T O S
36
LAVADOS
La pintura hace
lo que le place
Splash, splash. A medida que empiezas a usar una
mayor cantidad de agua en tus acuarelas, la cosa se
pone interesante. Sin embargo, las dificultades que
entraña “abrir el grifo” se harán patentes después
de las primeras pinceladas: te darás cuenta de que
la pintura hace lo que quiere.
No hay manera de controlarla, pero te abrirá un sinfín
de posibilidades si eres capaz de dejarla “pintar” a sus
anchas.
Hay dos técnicas básicas de acuarela: el glaseado
y la aguada o lavado. Todas las otras técnicas son,
en realidad, combinaciones de estas dos.
Glasear, o añadir la pintura a capas, implica pintar
con control. El lavado, también llamado en ocasiones
aguada, funciona de otro modo. La pintura muy diluida
se niega directamente a comportarse con la precisión
de un rotulador; se rige más bien por la casualidad.
Puede ser que en una parte del cuadro se seque más
rápido
y en otra haga charcos. Y del mismo modo que la
pintura se seca de manera irregular, sucederán otras
cosas irregulares en el dibujo. Sin embargo, lo que
a primera vista te puede parecer una fea mancha de
pintura, es en realidad una preciosa característica de
la acuarela. Cuando se acumula mucha agua en una
zona y mucha pintura en la otra, se crea una transición
cromática difuminada y sutil de la que te puedes
beneficiar.
En realidad, este fenómeno se asemeja mucho
a la forma natural en la que percibimos la luz. La luz
Consejo: los botes o
tazas con tapa de rosca
(por ejemplo, los botes
usados de mermelada
o los frascos de
pastillas de la
farmacia) resultan
prácticos cuando se
pinta fuera de casa.
aporta sutiles matices intermedios, no es un objeto
que está presente (o no) como las bombillas en las
lámparas de nuestro salón. Si empleas la técnica del
lavado evitarás que tus acuarelas retraten la realidad
con graduaciones de color duras y carentes de
matices, y ganarás profundidad entremezclando
los tonos.
Así que… ¡no tengas miedo al agua!
P R IME R O S IN T E N T O S
38
A LA FUGA
Lavados en degradado
La pintura húmeda tiene un comportamiento extraño.
No se seca de modo predecible como un rotulador, sino
que cambia. Unas veces se contrae, otras se expande.
Su comportamiento es especialmente peculiar cuando
en su camino encuentra más pintura húmeda: entonces
los colores se mezclan y crean tonos intermedios,
zonas de transición y márgenes. De esta forma, los
colores se mezclan sin necesidad de una paleta.
Este tipo de comportamiento es precisamente el
que necesitamos para crear un lavado degradado en
un cuadro. La luz aporta profundidad porque no llega
a todas las partes de una estancia del mismo modo.
Las zonas donde esta incide quedan iluminadas, las
zonas en las que no incide permanecen oscuras. Crea
gradaciones de grises y de colores entre el blanco y
el negro. Esto es lo que intentamos reproducir con la
pintura. Colocamos juntos ciertos colores para crear
zonas más oscuras y dejamos —especialmente con las
acuarelas— que el blanco del papel asuma la función
de las zonas más claras.
En el capítulo anterior hemos visto que podemos
emplear glaseados para crear matices y transiciones.
Ahora vamos a crear tonos intermedios dejando que
algunas zonas del cuadro se unifiquen. No importa
que para ello mezclemos la pintura o que simplemente
aclaremos una zona empleando, por ejemplo, agua. En
ambos casos, para crear las transiciones dependemos
de la tendencia que tiene la pintura a moverse a su
antojo por el papel.
En la práctica, esto implica dejar que las zonas
pintadas se unan con cuidado allí donde queremos
que los colores se mezclen (por ejemplo, para aportar
profundidad con dos sombras). Por el contrario, en
aquellos lugares donde las transiciones no están
indicadas —como entre el vestido y la piel de la
bailarina— dejamos un poquito de blanco como borde.
P R IME R O S IN T E N T O S
40
Técnicas de lavado en
el cuaderno de dibujo.
Arriba: Cúpula de la roca,
Jerusalén. Abajo: Zeche
Zollverein, Essen. .
LAVADOS
¡Otra vez, con
sentimiento!
Al dejar que la pintura se mezcle, la dificultad estriba
en alcanzar la proporción adecuada entre agua
y pintura.
“Eso es fácil de decir”, pensarás. Ojalá pudiese darte
una receta para la mezcla perfecta de agua y pintura.
Algo como “coge dos cucharadas de agua y cuatro
cucharadas de pintura y bátelas a toda velocidad
durante 15 minutos”. Por desgracia, tal receta no
existe.
Insisto, el control es esencial. Tan inútil es usar
agua en exceso como quedarse corto. Tampoco ayuda
que un color simplemente elimine a otro o se lo coma.
Debes desarrollar un instinto especial. Es una
combinación entre dejarse llevar y mantener el
control. La manera más fácil de aprender es
sencillamente intentarlo una y otra vez.
Puedes utilizar un pincel de acuarela para aplicar
la pintura y retirar la que sobra. Yo normalmente
manejo el pincel con la mano derecha y en la izquierda
tengo un trapo o pañuelo de papel. Cuando quiero
añadir pintura, la mezclo antes con agua. Cuando he
usado demasiada, seco el pincel en el trapo y luego lo
utilizo para absorber el exceso de pintura del papel.
Es sorprendente lo bien que funciona este método.
Consejo: la pintura a la
acuarela debe diluirse bien.
No puede estar demasiado
seca, pero si está demasiado
húmeda es difícil de
controlar. Con el tiempo,
desarrollarás el instinto
necesario para calcular las
cantidades justas.
P R IME R O S IN T E N T O S
42
UN TOMA Y DACA
Añadir y eliminar pintura
Primero intenta darle intensidad a una zona
determinada del cuadro. Moja un poquito de pintura
y aplícala con una única pincelada. Ya verás: los
colores adquieren intensidad.
Si te parece que hay demasiada pintura húmeda
en una zona, usa el pincel seco para quitar un
poco. Observa el comportamiento de la pintura
cuando intervienes de este modo y deja que
te sorprenda. Con cada intento aprenderás
un poco más. Cuando ya te sientas cómodo
aplicando y quitando pintura con un pincel
seco, verás que es una técnica muy rápida
y muy útil para añadir a tu arsenal.
Unas cuantas pinceladas y
podrás lograr maravillosos efectos
de color, textura y profundidad.
Consejo: también puedes
distribuir la pintura
húmeda sosteniendo
el papel en ángulo.
Si lo inclinas un poco,
conseguirás que las zonas
pintadas se mezclen unas
con otras.
P R IME R O S IN T E N T O S
44
HÚMEDO
SOBRE
HÚMEDO
Llevar la técnica de lavado degradado al extremo es
lo que se conoce como “húmedo sobre húmedo”. En
esencia, el método funciona tal y como su nombre
indica: la pintura húmeda se añade directamente sobre
una base húmeda.
Nubes en húmedo sobre
Esta técnica se usa normalmente para temas que
húmedo.
tienen bordes borrosos y fluidos, como el cielo, las
Colores utilizados: ultramar e
nubes, el aire y el agua. Para ser sincero, el húmedo
índigo para el cielo, mezcla muy
diluida de ocre oscuro y ultramar
para las sombras de las nubes.
sobre húmedo puede resultar un poco kitsch. Pero
también hay algo bello en la vaguedad de esta técnica,
porque el ambiente, el color y el tono no se pueden
transmitir igual de bien con ningún otro método.
Para el húmedo sobre húmedo empapamos
completamente el papel con agua —si quieres
puedes teñirla con un poco de color para
obtener un tono de base— y a continuación
añadimos la pintura directamente sobre la
superficie mojada. Esto crea zonas difuminadas
cuyo control y dominio exige cierta práctica.
La pintura se extiende suavemente y todas
las transiciones transmiten una naturalidad
sorprendente. La mayor dificultad del húmedo
sobre húmedo estriba en aclarar todos los
contornos de las formas y hacer que lo que era
“insípido” vuelva a adquirir solidez.
¿Y esto cómo se hace?
Un modo de hacerlo es esperar a que la pintura
esté casi seca para solidificar las formas usando el
pincel.
Otro método eficaz es dejar pequeñas zonas de
blanco entre las áreas pintadas para evitar que los
colores converjan. Pero lo más sencillo es utilizar
húmedo sobre húmedo en los estadios iniciales del
Consejo: al aplicar la técnica de
húmedo sobre húmedo notarás
que la acuarela parece que
resplandece mucho más,
algo característico de este tipo
de pintura. Sin embargo, la
intensidad del color se perderá
un poco cuando se seque. Lo
mejor es tener esto en cuenta de
antemano y usar un poco más
de pintura desde el principio.
cuadro. Primero se utiliza esta técnica para crear un
ambiente nebuloso y vago y luego, cuando la pintura
se seca, se añaden los detalles más específicos del
cuadro. El húmedo sobre húmedo se convertirá
en tu fiel aliado a la hora de pintar cuadros
cada vez mejores.
Lonja de pescado en Corea:
para esta imagen, primero
humedecí la superficie
entera y utilicé una técnica de
húmedo sobre húmedo para
que los colores se deslizaran
sobre ella. Dejé algunos
detalles en blanco, como la
cara de la mujer o las letras,
y les añadí color más tarde.
P R IME R O S IN T E N T O S
46
COMBINAR
TÉCNICAS
Un poco de
esto y aquello
Si te limitas a emplear exclusivamente una de estas dos
técnicas, el glaseado o el lavado, pronto te darás cuenta
de que, por separado, y por muy prestigiosas que sean,
ni cubren todas tus necesidades.
A estas alturas es muy probable que ya hayas
comprobado que cada una tiene sus ventajas, pero
que no sirven para solventar según qué problemas
pictóricos.
El lavado es un método ideal para crear transiciones
y obligar a los colores a que se mezclen, mientras que
el glaseado es mucho más apropiado para delimitar
y tratar zonas específicas o reproducir texturas.
¿Qué hay que hacer?
Mi solución es tirar por la borda la idea de “una sola
técnica”. Alcanzarás tu objetivo mucho antes si combinas
los dos. Por ello, mi consejo es que te olvides de la
técnica pura y que pruebes un poco de esto y de aquello.
Normalmente, cuando un lavado ya está seco
aguanta muy bien otra capa de glaseado, que sirve para
matizar y definir mejor el tema de la composición. El
resultado final del cuadro también mejorará si dejas que
en algunas zonas los bordes del glaseado se mezclen
con partes aún húmedas del lavado. A primera vista
esta alternancia de técnicas puede parecer poco
ortodoxa, pero es precisamente su combinación lo que
da vida a la acuarela.
Consejo: combina técnicas
de lavado y glaseado. En el
ejemplo de la izquierda se
añadió un lavado y luego
se acentuó con elementos
glaseados.
¿DE DÓNDE VIENEN
LOS COLORES?
Ciencia básica
Los colores pueden acariciarnos o atacarnos.
está compuesto de todos los colores, que, vistos todos
Pueden superponerse para crear puestas de sol
juntos, parecen blancos. Cuando una superficie se
o incluso incrementar el precio de un coche. Los
traga todas las partes de un rayo que incide en ella y
colores son completamente maravillosos, pero la
refleja, por ejemplo, solo las partes azules, vemos azul.
respuesta a la pregunta de qué son en realidad aún no
Únicamente percibimos los elementos del rayo de luz
está del todo clara.
que no se absorben.
Por eso, que veamos un color u otro depende
¿De qué está hecho eso que da vida a nuestro mundo?
de la forma que tiene de absorber los rayos de luz
Demos paso a la ciencia: la luz del sol, producto de una
cada superficie en concreto. Puede resultar difícil
fusión de hidrógeno que ocurre a millones de grados,
imaginárselo, pero a nuestro alrededor todo está
contiene una mezcla de ondas electromagnéticas.
iluminado con miles de millones de elementos que
Como sucede con el calor o los rayos ultravioletas,
se lanzan por el espacio e iluminan nuestro mundo
nos llega en primer lugar como parte de una oleada
o —por decirlo de un modo más poético— crean una
de energía. Los colores que vemos proceden de esas
explosión de rojo, azul o amarillo, dependiendo de qué
ondas electromagnéticas. Son elementos minúsculos
alcancen.
que atraviesan veloces el espacio como trozos de una
A lo mejor es un tópico, pero hay un par de razones
onda más grande y que, al encontrarse con nuestros
que explican la gran diferencia que existe entre los
ojos, desencadenan señales eléctricas en nuestros
colores que vemos y los colores que usamos para
nervios ópticos. Pero ¿qué determina cada color?, ¿por
qué son rojas las manzanas?, ¿por qué es azul el mar?
Tras su viaje por el espacio, la luz llega aquí como
una onda de energía con un espectro visible y uno
invisible. Al principio, toda la parte visible del espectro
aparece blanca. Los colores no entran en juego hasta
que el espectro no se encuentra con una superficie,
pongamos por caso una molécula de agua, un trozo de
carbón o una manzana. En ese momento, el rayo de luz
que hasta entonces era blanco se absorbe o se refleja.
Cuando el rayo de luz se absorbe completamente, las
pintar. Esto también es un fenómeno físico: el color
superficies nos parecen negras, y cuando se refleja
luminoso y el no luminoso (o de superficie).
del todo nos parecen blancas. En algunos casos, sin
Podemos ver que la luz blanca contiene todos los
embargo, algunas partes del rayo de luz se reflejan y
colores cuando, en su camino desde las nubes, de
entonces vemos un color en concreto. Cada rayo de luz
pronto se rompe para formar un arcoíris. Debido a este
fenómeno de refracción, la luz se fragmenta en cada
mayor del espectro, lo cual hace los colores más
uno de los colores posibles.
oscuros.
Pero el reflejo y la absorción de las ondas de luz no
lo explica todo. En términos físicos, la luz de color y los
Pero ya basta de teoría.
Te voy a contar un secreto. La clave para entender
colores que empleamos para pintar son cosas muy
y saber usar los colores no radica tanto en conocer
distintas.
su estructura o cómo llegan a nuestro mundo sino en
Para comprobar la diferencia basta con mezclar
entender cómo los percibimos y qué significan para
pintura de distintos colores. Cuando mezclas los
nosotros. La teoría siempre será teórica, pero la
colores entre sí te das cuenta de que siempre que
práctica es multicolor.
añades un tono nuevo la mezcla se oscurece. Cuantos
más colores utilices, más oscura resultará la mezcla
(en realidad, si mezclases todos los colores de la caja,
obtendrías un color casi negro).
Curiosamente, la luz de color se comporta
exactamente al revés.
Si mezclases luz de color, todos los colores del
espectro se acabarían uniendo para crear una luz
blanca.
Puede parecer extraño, pero esto explica mucho
sobre la estructura de los colores. La luz es energía.
A medida que añades un color de luz diferente,
tal y como una estancia iluminada se hace más
resplandeciente, el espectro de color se hace más
completo, produciendo así una luz blanca brillante.
Como he dicho, en los colores “sólidos” (como los
de una manzana o las pinturas de una caja) se da el
fenómeno contrario. En estos casos, el color viene
determinado por las partes específicas de la onda de
luz original que se reflejan. Recuerda, el color es lo
que queda cuando se absorbe parte del rayo original.
Cuando mezclamos pintura, estamos contribuyendo
a crear la sustancia que absorbe el espectro. Por
supuesto, esto lleva a que se absorba una parte aún
Consejo: la diferencia entre
colores luminosos y no luminosos
se ejemplifica muy bien en la
impresión. Los colores mezclados
de nuestras pantallas son aditivos,
o lo que es lo mismo, una mezcla de
colores luminosos. Por el contrario,
los colores impresos o pintados
sobre el papel son sustractivos,
es decir, una mezcla de colores no
luminosos.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
50
Rueda cromática según
Goethe, 1809 (detalle).
Abajo: rueda cromática
de Newton de 1704.
Arriba, izquierda:
rueda cromática
simplificada hecha
de colores primarios
y secundarios.
ORGANIZAR
LOS COLORES
Arriba, derecha: rueda cromática de Itten. Los colores
primarios están en el medio y junto a ellos están los
colores secundarios rodeados por un círculo de colores
primarios, secundarios y terciarios.
La primera rueda cromática apareció en un libro médico
ejemplo, nuestro color de luto es el negro, mientras que
publicado en Inglaterra a finales de la Edad Media.
en Japón la pérdida se simboliza con el color blanco.
Su autor, Robert Fludd, recomendaba su uso para
detectar anomalías en la orina de los pacientes.
Entonces ¿por qué necesitamos un sistema para
organizar el color?
Un vistazo a tu caja de
pinturas te dará la
Los primeros estudios certeros sobre la naturaleza
respuesta.
del color se los debemos a Isaac Newton, que fue
La sistematización
el primero en relacionar luz y color. En 1704
publicó su rueda de color de Opticks (izquierda), en
facilita el trabajo. La
la que organizaba los colores primarios en círculo,
rueda de color es de
poniendo los colores complementarios entre cada
gran ayuda porque
primario y obteniendo así una rueda cromática
proporciona un
de aspecto muy moderno, aunque incluía siete
sistema simple y fácil
de entender que nos
colores en asimetría.
permite derivar los
Otro ejemplo, la muy citada rueda simétrica
contrastes y las armonías
de color de Goethe,
de color. Por ejemplo: en
representaba seis
colores. Durante
la rueda de color los colores complementarios siempre
toda su vida,
están enfrente unos de otros.
Goethe
—quien,
por cierto,
Además, la mayoría de los sistemas de armonía de
color también se basan en la rueda cromática.
La rueda cromática no solo organiza, sino que
consideraba
también cartografía la percepción humana de los
su trabajo
colores.
en ciencias
La rueda de color más útil para nuestros propósitos
naturales, y no
es una versión simplificada de la que diseñó el profesor
en poesía, su obra
de la Bauhaus Johannes Itten (ver arriba). Su modelo
definitiva— se opuso
consistía en tres colores primarios (rojo, amarillo y azul)
con vehemencia a las enseñanzas de Newton.
y sus combinaciones (colores secundarios) de naranja,
Arguyó que los colores están asociados con estados
verde y púrpura. El anillo exterior incluía la combinación
emocionales (“la razón y la bondad son amarillos”),
de tonos primarios y secundarios, llamados colores
teoría que, aun siendo interesante, no gozó de mucha
terciarios. Sin embargo, para nuestro trabajo, el modelo
aceptación, ya que nuestra percepción de los colores es
simplificado de seis colores que reproducimos a la
sumamente subjetiva. Newton, por su parte, sí iba bien
izquierda es suficiente.
encaminado con su análisis exclusivamente científico de
los colores. Vocablos como “belleza” y “estética” tienen
mucho que ver con la cultura en la que vivimos. Por
Volveremos luego sobre esto.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
52
Consejo: los colores
complementarios son
aquellos que percibimos
como más desiguales
y por eso se ubican en
lados opuestos de la
rueda cromática.
CONTRASTES
DE COLOR
Los opuestos
se atraen
Los contrastes crean diferencias llamativas: pequeño
cuanto se mezclan los tonos; como vecinos, los colores
y grande, frío y caliente, negro y blanco. Podemos
complementarios se intensifican mutuamente.
utilizarlos para enfatizar nuestros dibujos. Piénsalo:
Cuando se mezclan, se neutralizan unos a otros.
un gigante no parece muy grande a no ser que lo
La teoría del color define siete tipos de contrastes,
pongamos junto a un niño. Solo podemos conseguir una
“los siete magníficos”, que puedes utilizar para resaltar
noche muy oscura si está junto a un cielo estrellado.
e iluminar tus dibujos.
En otras palabras, utilizamos elementos opuestos
1. Contraste luz-oscuridad es el efecto de contrastar
para hacer que se intensifiquen mutuamente. Para
los brillos, especialmente en el negro, el blanco y los
las pinturas que no están muy pigmentadas, como la
grises.
acuarela, es un buen truco.
2. Contraste cálido-frío es el resultado de contrastar
Los colores complementarios se intensifican
colores cálidos y fríos en la misma composición.
mutuamente. Por eso, si queremos acentuar,
3. Contraste de color puro es el efecto de contraste que
por ejemplo, el tono de una puesta de sol de un
se da entre los colores puros que no se han mezclado
naranja fuerte, basta con añadir un poco de azul
con otros.
complementario en las sombras que pintemos en
4. Contraste de calidad es el efecto que se da en
primer plano. Las fresas rojas parecen mucho más
aquellas superficies que se tratan de modo distinto;
frescas con tallos y hojas verdes. Y un pequeño toque
por ejemplo: zonas luminosas y difuminadas, saturadas
de púrpura resalta considerablemente un dibujo
y no saturadas, definidas con precisión y borrosas, etc.
dominado por amarillos y naranjas. En definitiva,
5. Contraste de cantidad es la oposición entre
cuando ponemos colores complementarios unos junto
superficies coloreadas de distintos tamaños.
a otros, sus tonos y su brillo se intensifican.
6. Contraste simultáneo es el efecto recíproco que los
Ahora bien, si mezclamos directamente colores
colores adyacentes ejercen entre sí.
complementarios este efecto iluminador desaparece.
7. Contraste complementario es el efecto intensificador
Si mezclamos rojo y verde obtendremos un marrón
de los colores complementarios colocados juntos.
oscuro; el púrpura y amarillo o azul y naranja
también dan como resultado tonos marrones
grisáceos. Es como si el intenso efecto de los colores
complementarios se invirtiese por completo en
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
54
TIPOS DE COLOR
De South Park a los
semáforos
Cuando hablamos de colores, vale la pena analizar
primero de qué manera podemos utilizarlos.
Básicamente, distinguimos tres tipos de color:
color local, color iconográfico y color verdadero.
Lo primero es lo primero. De los tres tipos, el color
local es el más sencillo de todos: crea una imagen
comics suelen usar con profusión este tipo de color. La
gráfica simple, sin gradación de sombras que puedan
chaqueta del Tío Gilito es de un rojo plano, no supeditado
añadir profundidad. La luz y las sombras no tienen
a luces ni sombras ni matizado por diferentes tonos. Del
cabida: la hierba es verde y el cielo es azul. Los
mismo modo, el cohete de la portada de Hergé o la ropa
de los personajes de South Park no aparece en distintos
tonos. El color del objeto simplemente se transfiere en
dos dimensiones a la imagen, sin cambios.
El color local es una buena herramienta de trabajo
cuando queremos que las cosas sean sencillas sin
renunciar por ello a un efecto llamativo, o simplemente
cuando no tenemos tiempo para mezclar las pinturas.
En lo relativo al esfuerzo, el color local te da el
máximo rendimiento: es sencillo pero a la vez
transmite con precisión la naturaleza del tema
o sujeto escogido.
El segundo tipo de color, el color iconográfico,
va en otra dirección completamente distinta, sin
preocuparse de la apariencia externa del color.
El color iconográfico apela al significado social de
un tono (la palabra griega eikon significa “imagen”,
la palabra graphein significa “escribir”).
El color iconográfico es un viejo principio
que, curiosamente, desde el punto de vista
contemporáneo se antoja arcaico y moderno
a la vez.
Este tipo de color tiene que ver más con el
significado de los colores que con la apariencia real del
sujeto o tema retratado. El color iconográfico relaciona
tonos con contenido o significado.
Por ejemplo, en la época medieval la pintura más
cara era la azul. El pigmento azul era algo precioso
porque provenía de las lejanas minas de lapislázuli
de Afganistán y era tan caro como el oro. También era
sinónimo de calidad y rango: los reyes iban vestidos
de azul (de ahí viene la expresión “azul real”) y en las
imágenes de la época, la Virgen María siempre lleva
un manto de este color. Por aquel entonces en pintura
también se utilizaba el oro, y no un simple color
dorado: los artistas pintaban con polvo de oro.
Por tanto, en los cuadros de esta época asociamos el
azul y el dorado con la opulencia y la luminosidad.
Al asociar el color con un significado, abrimos
otro nivel de interpretación al espectador.
Este principio asociativo aún existe hoy
en día. Piensa en los colores de los partidos
políticos, los colores de duelo, el verde de los
semáforos o términos como “barrio rojo”.
Todos son ejemplos de color iconográfico.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
56
COLOR VERDADERO
El efecto de la luz
Las cosas se complican más con el color verdadero,
la luz sobre el color y la verdadera impresión de
que usamos cuando queremos pintar “en condiciones”
ambos en el artista.
o intentamos retratar la realidad tal y como se nos
A priori, parece que el uso del color verdadero
ofrece. En este caso los colores ya no son meras
debería ser sencillo, pero la cosa se complica porque
zonas planas, sino que están sujetos a la influencia
puede ser completamente subjetivo: cada uno de
de la luz.
nosotros parece tener una idea muy clara del aspecto
que deberían tener las cosas, pero, por extraño que
En general, desde el Renacimiento toda la pintura ha
parezca, esta imagen pocas veces se corresponde con
intentado captar la ilusión de la luz y el espacio
su apariencia real.
haciendo uso del color verdadero.
El cuadro La joven de la perla (abajo) es un
ejemplo clásico de esto. Deja patente la influencia de
Nos parece evidente que un tomate es rojo y que
tiene un tallo verde, y nos arriesgamos a pintarlo de
esta manera. Si lo hacemos, acabará pareciendo
de plástico. Con demasiada frecuencia, pintamos
las cosas como nos imaginamos que son y no como
las vivimos a partir de la observación. Aprender
a ver como pintor es un primer paso esencial. El
color verdadero nos obliga a mirar. En el mundo real,
Los retratos
aparentemente
realistas se suelen
crear a partir de
estudios de modelos
reales y no de la
los colores no son los campos planos y delineados
propios del color local. Si te fijas bien, te darás cuenta
de que el aspecto de un color depende en realidad de
los juegos de luz y sombra. El rojo del tomate
no es solo rojo. Puede que la piel del tomate tienda
un poco hacia el púrpura en la zona de sombra
imaginación. Hacer
y puede que el verde del tallo no sea solo verde hierba
uso de esta práctica
sino que refleje otros colores de su entorno. Los
nos enseña a
contrastes de color, en concreto, no parecen recortes
observar y a ver.
de distintas procedencias, sino que en realidad
funcionan juntos. Si incorporas estas observaciones
a tus cuadros, tus obras empezarán a tener vida
propia y a parecer creíbles y armónicas. Pero claro,
los cuadros no son fotografías…
Ejemplo de color verdadero
Se pintan los colores tal como se ven.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
58
CADA COLOR CUENTA
UNA HISTORIA
Intensificar los dibujos
Asumámoslo: nadie te puede obligar a aplicar
colores a un dibujo exactamente tal y como los ves.
Esta es una de las ventajas de la pintura frente
Tu dibujo está hecho exclusivamente de los
fragmentos que quedan de tus impresiones.
La realidad exacta, verificable, no existe ni por
a la fotografía.
un segundo.
Por supuesto, querrás darles a los elementos
la luz habrá cambiado y nadie volverá para comprobar
formales de tu cuadro un pequeño empujoncito, pero,
si el rojo era tan rojo. Lo que importa es cómo lo
insistimos, todo lo que retratas es más que su forma
percibes. Si lo que te gusta es medir, pesar o contar,
externa y su superficie. Toda silla tiene una historia,
entonces el arte no es el medio indicado para ti.
Cuando te vayas a casa, el pájaro habrá volado,
todo paisaje puede transmitir una emoción. Por eso
tiene sentido intensificar los elementos narrativos de
Así que agarra el momento antes de que vuele y se
lleve consigo todos los colores.
una imagen, y el color es un buen lugar para empezar.
Deja que los colores te digan cosas. Lo más
probable es que en la vida real la mujer del ejemplo
de la izquierda no tuviera el pelo de un rojo tan
llameante, ni el hombre que bebe en el cuaderno de
la derecha la boca tan roja. Pero en arte esto no es
problema. Incluso si el color de un sujeto no es de un
rojo tan fuerte como parece, exagerar tu percepción
te puede ayudar a transmitirlo. Es simplemente una
cuestión de lo que significa para ti. Quizás intensificar
un color tiene sentido en tu dibujo y cuenta una verdad
visual que una fotografía no sería capaz de transmitir.
Una página de mi cuaderno dibujada
de madrugada en una vinoteca.
Incluso si el hombre no tenía una
complexión tan roja en realidad, tiene
sentido narrativo describirla de este
modo en la imagen.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
60
LOS EFECTOS DE LOS COLORES
Todo es relativo
Si te pidiese que retratases la pasión, la emoción y la
lo acompañe. Al lado del rosa, por ejemplo, el rojo
calidez, probablemente pintarías un cuadro dominado
nos sonríe amistosamente. Pero al lado del negro nos
por el rojo. El rojo representa el sentimiento y la
golpea con fuerza.
emoción. El rojo es el color del amor.
Nuestra historia evolutiva puede ofrecer una
explicación para esto. En realidad, nuestro cerebro no
Pero, curiosamente, seguro que también me creerías
está “programado” para percibir los colores de manera
si te dijese que el rojo puede simbolizar odio, violencia
aislada, ya que estos no se dan prácticamente nunca
y hostilidad. ¿Una contradicción?
aislados en la naturaleza, sino que casi siempre se
Lo mismo se puede decir del verde. Desde luego,
nos presentan en relaciones complejas. Por ejemplo,
el verde representa esperanza, armonía y fiabilidad.
el rojo de una cereza en un cerezo está conectado al
El verde se suele considerar el color de la primavera
verde de las hojas o al marrón del tronco del árbol.
y el rejuvenecimiento. Por otro lado, el veneno también
Tanto si hablamos del rojo de la sangre de una herida
suele representarse con ese mismo color, al igual que
o del rojo del fuego, el entorno del color siempre es
la falta de experiencia o la inocencia. Fijémonos en el
distinto. Por lo tanto, dependiendo del contexto, un tono
azul: claridad, lealtad pero ¿también depresión?
puede sugerir asociaciones positivas o negativas. Esto
Visto de cerca, todo lo que creíamos saber sobre
también explica por qué la observación de colores
el color se vuelve paradójico. ¿Por qué algunos
aislados da una impresión extrañamente abstracta.
colores pueden evocar al mismo tiempo sentimientos
Cuando los colores se desvinculan y se separan
radicalmente opuestos?
de otros, se convierten en un lienzo en blanco para
En realidad, la respuesta se encuentra en los
nuestros pensamientos y pueden provocarnos
demás colores de la composición. Que el rojo transmita
cualquier tipo de sentimiento. Por el contrario, si
agresividad o el verde implique esperanza no es
los colores están entretejidos con tonos o imágenes,
una cuestión que atañe únicamente a estos tonos.
conllevan asociaciones.
Los colores pueden tener sus propios efectos, pero los
Esto nos permite entender por qué el rojo puede
colores que los rodean también influyen sobremaner
significar amor y también odio. Así que hay razones
a en cómo los percibimos. Por ello, que el rojo sea o
suficientes para que miremos más de cerca los
no agresivo dependerá en gran medida del color que
contextos del color.
Nada, ni siquiera los colores, es una isla.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
62
Consejo: la percepción de
la belleza y de contextos
cromáticamente bellos
también está vinculada a
la cultura. En Asia o en la
India se consideran bellas
composiciones de color
muy diferentes de las
que se aprecian en
Escandinavia, por ejemplo.
La apreciación del color
siempre depende del
contexto cultural desde el
que percibe el individuo.
ARMONÍAS
DE COLOR
Sencillas
y complejas
Entonces, ¿qué colores van bien juntos? Como sucede
con todas las preguntas candentes de la vida, Internet
ofrece una respuesta sorprendentemente sencilla:
generadores de color.
Existen webs que te permiten introducir colores
y, mediante un programa, generar los tonos que
combinan bien con ellos. El resultado funciona
y es atractivo.
O sea, que puedo dejar de escribir sobre esto.
Es decir, si trabajamos exclusivamente con color
en pantalla, estos generadores funcionarán muy
Rueda cromática:
bien, igual que las tablas de mezclas o las ruedas
Disco de cartón para mezclar colores. Con un
cromáticas.
“generador de armonías” al otro lado (triádicas,
Pero en la vida real, para imágenes reales, estas
tetrádicas y complementarias divididas).
herramientas son solo una ayuda. Pintar un cuadro no
consiste únicamente en componer de forma calculada
unas cuantas zonas de color, sino que exige manejar
sistemas de color complejos.
Enseguida te darás cuenta de esto cuando dibujes.
A pesar de toda esta teoría, me gusta pensar en
el color como un sentimiento. El mundo no está hecho
de superficies planas, esquemas y dibujos mecánicos
La imagen se transforma con cada pincelada. Por
calculados: está hecho de olores, sonidos, texturas
ejemplo, cuando aplicas un segundo color junto
y sabores.
al que ya tenías, el efecto del primero cambia
inmediatamente. Los colores relacionados se
El mundo está hecho de luz y de color.
Por tanto, examinemos primero las armonías de
atenúan mutuamente, los colores complementarios
color, empezando con las que nos encontramos con
se intensifican.
más frecuencia en la pintura.
Aspectos como la intensidad del color y el
tamaño de una zona coloreada desempeñan un papel
fundamental en la pintura.
En definitiva, cuando pintes, estarás lidiando con
sistemas complejos de color que las herramientas
digitales solo nos pueden presentar brevemente.
Generador de color de Internet
(monocromático).
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
64
ARMONÍAS ANÁLOGAS,
MONOCROMÁTICAS Y
COMPLEMENTARIAS
La manera más sencilla e ingeniosa de crear colores
armónicos en una composición consiste en usar tan
pocos colores como sea posible. Empleando un solo
color no hay margen de error.
Así, por ejemplo, puedes combinar un tono más claro
o uno más oscuro con tu color principal. De esta forma
obtendrás una armonía monocromática.
Te aseguro que así conseguirás casi siempre
colores armónicos. También que los resultados serán
la mayor parte de las veces poco espectaculares. Las
imágenes monocromáticas a menudo parecen haber
La coloración de la
estatua maya solo incluye
un tono. Por eso se
denomina armonía
monocromática.
sido pintadas en la niebla.
Sin duda el resultado será más interesante si
combinas el color principal con dos o tres colores
adyacentes en la rueda cromática. Esto se llama
armonía análoga. Cuando unos de estos tonos domina
ligeramente a los otros, esta combinación enseguida
tiene una apariencia armónica.
Pero obtener un bonito retrato de familia no pasa
solo por colocar juntos a los parientes. Los opuestos
también pueden quedar bien. Si empleas colores
complementarios en distintas proporciones (como una
pequeña mariquita en una gran hoja verde), el efecto
puede parecer armónico. La transición entre tonos
complementarios también produce armonías (como en
el ejemplo de la izquierda, donde la oscuridad separa
los colores complementarios azul y naranja).
Puede que sea un poco difícil meterte en la cabeza
las armonías complementarias, pero su efecto es
sorprendente y mágico.
Consejo: una variación de la
armonía complementaria es
la armonía complementaria
dividida. En lugar de depender
del complemento de un color, los
sistemas complementarios divididos
emplean los colores que están a la
izquierda y a la derecha del color
complementario (tal y como
aparecen en la rueda cromática). Por
ejemplo, una tríada complementaria
dividida podría ser verde con
naranja rojizo y púrpura rojizo.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
66
ARMONÍAS
TRIÁDICAS Y
TETR ÁDICAS
Estos términos parecen sacados de La guerra de
las galaxias, pero no te asustes. Las palabras triádico
y tetrádico, aunque suenen inquietantes, quieren decir
que los colores están situados a intervalos fijos en la
rueda cromática.
Las armonías triádicas se refieren a tres colores
y las tetrádicas a cuatro.
Imagínate un triángulo o un cuadrado en medio de
la rueda cromática de doce colores (que incluye los
colores primarios, secundarios y terciarios). Cada
vértice descansaría sobre colores que son armónicos
entre sí.
En la práctica, esto solo significa que los colores
que están a la misma distancia en la rueda cromática
generan espectros de color más armónicos que
aquellos organizados en torno a distancias distintas
entre sí.
Una cosa más:
A pesar de toda esta teoría del color, siempre
hay cosas que encajan con facilidad en cualquier
estructura. Hasta los colores chillones pueden
resultar maravillosos en armonías análogas, triádicas
y tetrádicas.
En mi opinión, mucho de esto es sencillamente
cuestión de gustos y depende de qué y cómo pintemos.
Quizás una página repleta de mariposas de colorines
alegres sea bella y armónica porque las mariposas
son un tema bello y armónico, independientemente del
color del que las pintemos.
Así que no cumplas siempre las normas. Si sales
por ahí equipado solo con herramientas de color
y ruedas de mezclas podrías perderte unas vistas
preciosas.
Consejo: una regla de oro es
que si dos colores producen
un color marrón o gris
apagado al mezclarse,
entonces es posible que
armonicen bastante bien al
usarse por separado.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
68
ARMONÍAS
FRÍAS-FRÍAS Y
CÁLIDAS-CÁLIDAS
Los nombres “colores fríos” y “colores cálidos” son
parecen más cálidos (por ejemplo, el ultramar
un poco equívocos. Desde luego, los estudios han
con tintes rojos) y otros que parecen más fríos (por
mostrado que las habitaciones pintadas con tonos rojos
ejemplo, los tonos azules con un brillo turquesa).
o naranjas les suelen resultar a sus ocupantes unos
Cuando compras una caja de acuarelas, los tonos
grados más cálidas que las habitaciones blancas. Del
ya están clasificados en fríos y cálidos. Normalmente
mismo modo, en un entorno azul o verde tendemos a
en esas cajas suele haber una versión fría y otra cálida
sentir más frío, independientemente de la temperatura
de cada color.
ambiente.
A menudo aprovechamos los efectos cálidos y fríos
de los colores para transmitir una emoción concreta
Esta reacción tiene que ver, probablemente, con
en nuestros cuadros. Evidentemente, solemos escoger
nuestro proceso evolutivo, y se ha transmitido desde
colores cálidos para crear un ambiente amistoso y
la época en que nuestros antepasados se sentaban
acogedor. O, por ejemplo, si necesitamos evocar una
junto al fuego: los colores que nos recuerdan a fuentes
emoción melancólica, puede que recurramos a colores
de calor nos parecen más cálidos, mientras que los
fríos.
colores que nos recuerdan a la nieve, el agua o la
Recuerda bien esta regla tan sencilla: los
lluvia parecen fríos. De ahí que el rojo, el naranja y
colores fríos siempre parecen armónicos cuando
el amarillo surtan un efecto más cálido en nosotros.
los combinamos con otros colores fríos y los colores
Dentro de cada familia de color también hay tonos que
cálidos son armónicos con otros cálidos.
tienen un efecto más frío o más cálido. Hay azules que
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
70
Farbklänge finden
sich unterwegs.
Unten: Farbskizze
der Stadt an einem
Abend in Frühsommer.
COLECCIONAR
COLORES
Las armonías de color no forman parte únicamente
de la teoría del color, sino que también se pueden
encontrar en el día a día de la vida real, un poco al
modo en que Juan descubre por casualidad la casa
del gigante en el cielo (y también su riqueza) en Juan
y las habichuelas mágicas.
Las acuarelas se pueden emplear fácilmente para
esbozar armonías de color, y prácticamente en todas
partes descubrirás combinaciones que merece la
pena guardar. Al igual que los dibujos de tu cuaderno,
estas mezclas se pueden desarrollar más tarde y con
más precisión en otras obras. Reúne en tu cuaderno
una colección de posibles combinaciones de color que
te gusten e intenta reciclar alguna de ellas en nuevos
cuadros y dibujos.
Yo pienso en esto como si se tratase de recordar
la melodía (o los acordes) de una canción para
después tocarla con una letra nueva (por algo se
llaman “armonías de color”).
Así que ya sabes, a por ellas. Encontrar
combinaciones bonitas y estimulantes es gratis.
Solo tienes que abrir los ojos.
Consejo: desde luego,
también puedes
recopilar armonías
cromáticas de revistas,
fotografías o cuadros.
Cuando se sacan de
contexto, dan lugar a
algo totalmente nuevo.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
72
Consejo: la ventaja de
los códigos de color,
o códigos de barras de
color, es que puedes ver
de antemano qué colores
funcionan de forma
armónica y cuáles no.
DISEÑAR ARMONÍAS
DE COLOR
Trabajar con tiras de
códigos cromáticos
Por supuesto, también puedes inventar tus propias
armonías de color. Los códigos de color (muestras
de color que representan cada una un tono distinto
dentro de una combinación general) son sumamente
útiles y proporcionan de un solo vistazo una impresión
general de un esquema de color.
Esta herramienta es sumamente útil y se emplea a
menudo en producción cinematográfica, por
ejemplo para probar por anticipado el efecto de
la combinación de colores de un decorado.
Cuando estás planificando un cuadro, un
diseño o una ilustración es conveniente tomar
previamente notas de los colores para no tener
que diseñar las combinaciones cromáticas
directamente en el dibujo de preparación. Es mejor
que intentes “ensayar” primero el cuadro.
Empieza dibujando unas cuantas tiras de los
colores que estás seguro que quieres utilizar, y a
continuación añade gradualmente otros colores que
creas que son armónicos. Es mejor que utilices dos
hojas de papel: una de borrador para mezclar colores
y probar cosas y otra para tus códigos de color. La
armonía resultante puede servir de modelo para el
cuadro que quieres pintar.
La técnica de las tiras de colores no solo te
permite probar por anticipado las combinaciones de
colores, sino determinar qué cantidad de
cada color va a aparecer en el cuadro.
Cuantas más tiras del mismo color tengas
en tu código de color significará mayores
zonas de color en la obra final.
Te darás cuenta de lo valioso que es el
papel de borrador cuando empieces a crear
combinaciones de colores.
Consejo: ten a mano
papel de borrador.
Organizar primero las
armonías de color te
pondrá las cosas mucho
más fáciles.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
74
SAL DE TU ZONA
DE CONFORT
CROMÁTICA
De igual manera que uno tiene una música o una
comida favorita también tiene unos colores
predilectos que utiliza una y otra vez. A mí, por
ejemplo, me encanta el índigo; me gustan también
el amarillo Nápoles, el rojo, el azul montaña y el
turquesa.
Tener colores y armonías de color favoritos es
natural; todos los artistas tienen sus paletas
personales. Échale un vistazo a tu caja:
¿qué pinturas estás siempre reponiendo
y cuáles te duran mucho? Los colores
favoritos son aquellos cuyos pocillos
o tubos están siempre vacíos.
Por un lado, preferir un color u otro es
cuestión de gustos, pero también tiene que
ver con la comodidad: nos sentimos a gusto
con colores que nos resultan familiares.
Y lo que pasa con la comodidad es que nos
cuesta salir de ella. Por eso, “otros sitios” quedan
sin explorar y no los frecuentamos con asiduidad.
La comodidad es comprensible pero peligrosa
para los artistas. Si miramos a nuestro alrededor,
nos damos cuenta de que otras combinaciones de
color que no nos resultan tan familiares también son
magníficas.
Te aconsejo que de vez en cuando des un rodeo y
salgas de la carretera principal que son tus colores
favoritos para adentrarte en las vías secundarias.
Deja que la moda, las películas o las revistas te den
nuevas ideas; fíjate en las armonías de color de otros
artistas o copia algunas de la naturaleza.
Verás que las armonías de color desconocidas
pueden inspirarte y abrirte nuevas perspectivas.
¡Y si te quedas bloqueado del todo, intercambiar
cajas de pintura con alguien puede ser una gran
experiencia!
Consejo: esta escena
de playa la pinté con
las acuarelas de otro
artista y, por tanto,
con su paleta de
color.
E XC U R SI Ó N A L A T EO R Í A D E L C O L O R
76
COLOR Y PERSPECTIVA
Las montañas
Blue Ridge
¿Cómo se retrata algo que está lejos? ¿Y algo que
está cerca? Olvídate de la perspectiva lineal; el color
también nos permite transmitir distancia.
Fíjate, por ejemplo, en
las montañas Blue Ridge
en los Apalaches, en las
Montañas Azules de Nueva
Gales del Sur o en cualquier
conjunto de cordilleras del
mundo que se denominen
“montañas azules”. En
realidad, deberían llamarse
las montañas Azul Pálido.
Quizá las hayas visto
en fotos: una cadena
montañosa al fondo,
lejos, borrosa, azul, y que
compensa con suavidad los
contornos claros del primer
plano. ¿Por qué tienen
esta apariencia? ¿Acaso
las laderas no son por
definición marrones
Cuaderno de bocetos, Francia, Costa
Azul. La distancia hace que las montañas
del fondo se vean de color azul claro.
y verdes?
La explicación nos la da la física. Como ya hemos
señalado anteriormente, la luz es una mezcla de
ondas electromagnéticas que van desde el rojo de
las ondas largas al azul y el púrpura de las más
cortas. El aire y sus partículas dispersan mejor las
ondas de longitud más corta que las de longitud más
larga. Por ello, cuando un rayo de luz conecta con
nuestros ojos desde lejos —por ejemplo, desde una
cordillera montañosa distante— lo que nos alcanza
son las ondas de longitud corta. Por eso las montañas
parecen azules desde lejos. Además, la intensidad
de los rayos de luz disminuye con la distancia. En
su trayecto hacia nosotros, la luz pasa a través de
capas de aire cada vez más espesas, lo que reduce la
Las montañas del
horizonte parecen azules
en la lejanía, pero en
realidad sus colores
dominantes son el verde
o el marrón.
intensidad de los rayos. Esto hace que los colores nos
parezcan pálidos. Podemos hacer un muy buen uso de
este efecto para retratar las distancias: cuanto más
lejos estamos de algo, más pequeño, pálido y azul
deberíamos pintarlo. Los colores cálidos avanzan a
primer plano y los fríos quedan relegados al fondo.
Además, las capas de aire hacen que los objetos
más distantes se vean borrosos. Los objetos que
están lejos pierden sus colores característicos y su
contraste. Mientras que las cosas cercanas abarcan
un espectro de contrastes que va desde los tonos muy
claros hasta los muy oscuros, las cosas alejadas se
quedan con lo intermedio, con el tono medio. Por lo
tanto, los objetos en primer plano están enfocados
Las montañas deberían llamarse las “montañas
y delineados y los objetos del fondo están más
pequeñas, borrosas, de bajo contraste, frías, azul
borrosos.
pálido”. Pero eso es más fácil de pintar que de encajar
Esto es especialmente beneficioso para la pintura
a la acuarela, porque nos resulta muy fácil retratar
la palidez y lo borroso si usamos mucha agua. Para
dejar constancia de la distancia de una cordillera
montañosa, solo tenemos que añadir un tono de azul
al papel usando la técnica de húmedo sobre húmedo.
El componente borroso del húmedo sobre húmedo
y el tono concreto de azul producen un efecto de
profundidad fantástico.
como nombre en un mapa.
E S T IL O P R O P I O
78
No hace falta que el
tejado de la casa esté en
color, porque los ojos del
espectador completan la
imagen.
MENOS
ES MÁS
Dosifica bien los colores. Con frecuencia lograrás
un efecto mucho mejor si no pintas todos los
espacios vacíos del cuadro.
Intenta reducir las zonas pintadas y deja algunas
partes sin tocar. Utiliza el blanco del papel como
elemento pictórico. Si te atreves a dejar en blanco
las zonas en las que incide la luz y solo usas color
en las sombras, tus ojos entenderán el cuadro
de inmediato. Ten presente este consejo: las
zonas blancas del cuadro se bañan de luz y se
convierten en zonas reflectantes que acentúan
aún más las sombras de color.
Ya lo verás: menos es más.
Figuras humanas que
se han beneficiado
especialmente de un uso
económico del color.
E S T IL O P R O P I O
80
YO, YO Y YO
Encontrar tu estilo
Uno de los procesos más importantes para los
artistas es el de desarrollar un estilo propio.
Porque las palabras “esto me recuerda a fulanito…”
En el arte las cosas suelen ser un poco más
complicadas. Por lo general los movimientos se
desarrollan de la mano de un grupo de artistas que
pueden ser una sentencia de muerte artística.
trabajan juntos. Hazañas culturales construidas las
Todos tenemos la necesidad de ser únicos
unas sobre las otras. Los nuevos caminos se pueden
e inconfundibles. ¿Pero de qué va todo esto?
abrir incluso a partir de lo que parecen obstáculos
o pasos intermedios.
¿De ser algo nuevo, de destacar, de descollar entre
la multitud? ¿De encontar un hueco en el mercado?
¿De alcanzar la inmortalidad?
Es bastante raro que todos sintamos que en
tus miras. Habla con otros pintores, aprende sobre
momento de deshacerse de los tocadiscos.
Cuando aparecieron los libros electrónicos todo
el mundo se preocupó por si iban a desaparecer
los libros en papel.
Nuestra sociedad valora notablemente el
progreso, y los inventores han puesto el listón muy
nuevo y moderno
también va a
envejecer. Pero
lo esencial nunca
desaparece.
te inspiren (que no es lo mismo que copiar) y
evoluciona a partir de ahí. Intenta ampliar siempre
inmediato se desató un debate sobre si era el
Lo que ahora es
no inventar la máquina de vapor. Déja que otros
lo anterior queda obsoleto, que toda novedad artística
Por ejemplo, cuando apareció el CD, de
esencia de las cosas.
En última instancia, lo que tú quieres solo es pintar,
cuanto surge un nuevo movimiento o tendencia, todo
automáticamente sustituye a lo previo.
Céntrate en la
Así que, en realidad, la cosa no es para tanto.
alto a lo largo de la historia: la imprenta y la penicilina
se inventaron en Europa; el corazón artificial y el avión
en América. Además, pensamos en términos de éxito
personal. Seguimos cada desarrollo hasta llegar a su
creador. Colón descubrió América y Newton descubrió
la gravedad. Es sencillamente un modo más fácil de
pensar.
movimientos y vete a exposiciones de arte y diseño.
Todo esto va a influir en tu estilo.
Y un secreto más: probablemente serás el
último en reconocer tu “estilo inconfundible”,
simplemente porque nos resulta muy difícil
distanciarnos de nuestro propio trabajo. Pero al
final verás que tu estilo es tan inconfundible como
lo eres tú.
E S T IL O P R O P I O
82
ESTILO Y
CREATIVIDAD
Otro comentario sobre este tema: tu estilo personal
crece solo; no debe convertirse en una camisa de
fuerza. Aunque parezca raro, “tu estilo” y “creatividad”
con frecuencia son principios opuestos.
De un artista se espera que sea creativo, que se le
La razón de ser de la innovación y la inspiración
ocurran nuevas ideas y que siga nuevos caminos.
es no saber de antemano cuál va a ser el resultado
Curiosamente, también se espera que sea reconocible.
(algunos fans de Bob Dylan aún no le han perdonado
El artista ha de ser innovador y tener un estilo único.
que siguiera probando cosas nuevas en 1967).
Esto facilita la clasificación del arte a lo largo de
la historia y nos enseña cómo funciona el mercado
del arte.
En resumen, se espera que el artista A sea
inmediatamente diferenciable del artista B. La gente
espera que Picasso pinte algo que “parezca” un
Picasso. Y esto esconde una trampa: innovar y cumplir
las expectativas estéticas de todo el mundo tiene poco
que ver con los procesos creativos.
La creatividad es impredecible: en última instancia,
¡estamos creando algo nuevo!.
Por tanto, la ambición de crear siempre algo nuevo
y, al mismo tiempo, no cambiar nada no tiene mucho
sentido. Este tipo de nichos pueden beneficiar a los
críticos de arte, pero inhiben la creatividad.
Debes pintar cuadros porque te apetece pintarlos,
no porque los demás quieran que los pintes.
E S T IL O P R O P I O
84
RELAJAR
EL CUADRO
Tirar pintura
“¡Venga, relájate!” es una orden muy estúpida. El
esfuerzo consciente por estar relajado y natural suele
llevarnos a lo contrario. Las expectativas nos causan
tensión. No puedes ser natural a propósito.
La idea de satisfacer el deseo de otros o una demanda
que nos hacemos a nosotros mismos extingue hasta
la chispa de creatividad más pequeña. Aconsejar
a los pintores que tiren sin más un poco de pintura,
que desarrollen una línea suelta, demuestra una
colosal falta de comprensión de la naturaleza
humana. Solo nos soltamos cuando sabemos que algo
Así que lo mejor es que intentes establecer
no tiene importancia. En cuanto queremos cumplir
un poco de distancia entre tus expectativas
con expectativas, las cosas se vuelven relevantes de
y tú. Sé pillo contigo mismo. Por ello debes
inmediato.
intentar crear tus obras en cuadernos de dibujo
Desde luego, esto no quita para que las acuarelas
o en papel liso y no en paneles gigantes de dos
se empleen con espontaneidad, cómodamente. Buena
metros. Pelearse con materiales como pinceles
parte de esto se debe a la propia naturaleza del
de pelo de marta siberiana que cuestan casi
medio. La pintura a la acuarela alcanza su máxima
como un coche nuevo no va a relajar la tensión.
luminosidad cuando la aplicamos con gesto rápido
sobre el papel y no pasamos mucho tiempo pintando.
Siempre que pintamos una nueva capa o la volvemos
a humedecer un poco más, la imagen pierde algo
de vida.
Pero claro, saber esto no hace las cosas más
fáciles. Hace que cada pincelada cargue con una
presión increíble: “sin fallos, concéntrate,
concéntrate, tengo que, tengo que, tengo
Consejo: si ves que solo
pintas cuando estás bajo
presión, distráete un poco
con otras cosas. Vete a
correr. Después serás capaz
de concentrarte mucho
mejor en la pintura.
que…”. Es un verdadero dilema.
A pesar de la supuesta importancia de los
buenos materiales, nos intimidan.
Pinta tus cuadros como si estuviesen en proceso
de ser creados. En realidad, cuando haces footing
por las mañanas no vas con un cronómetro ni hay
espectadores ni retransmisión en directo. Intenta
pasar un buen rato. Esto es mucho más importante que
hacer que parezca, a ojos de los espectadores, que te
lo estás pasando bien. Y como consecuencia,
te darás cuenta de lo bonitos y frescos que
resultan tus cuadros cuando no estás
esforzándote muchísimo en pintar cuadros
bonitos y frescos.
Y aún es
peor si somos
conscientes de cómo se van a
usar luego nuestros cuadros.
Si ya sabes quién podría
colgar tu cuadro en su pared cuando esté
acabado o qué críticos lo van a analizar,
te encontrarás con un obstáculo mental
enorme. Te arriesgas a pintar obedeciendo
de antemano a los críticos futuros. Es
evidente que esto no va a hacer que tu
proceso sea más espontáneo o relajado.
Libérate de esto. Cuando empieces,
piensa en tu cuadro como un estudio o
boceto. Ten siempre en cuenta que pintas
para ti, como ejercicio, y que nadie más
tiene que verlo. (Por ejemplo, yo
hago como que mi cuadro es solo
el boceto y que voy a pintar la “obra
real” en mi segundo intento).
E S T IL O P R O P I O
86
Consejo: uno de los
momentos más prolíficos
para el pensamiento creativo
es cuando estás medio
dormido por la mañana.
Si aún estás “con un pie allá”,
tienes menos probabilidades
de estorbar a tu propia
creatividad. Por eso, debes
guardar lápiz y papel junto
a la cama.
LA IMAGINACIÓN
VS
INTERNET
Si no buscas,
encontrarás
Otra observación sobre la creatividad: naturalmente,
todos trabajamos con imágenes. Y naturalmente,
en vez de ponerte manos a la obra cuanto antes
es mucho más tentador buscar en Google algunas
imágenes de referencia.
No obstante, no deberíamos olvidar que una búsqueda
en Internet no puede sustituir al proceso creativo.
Cuando buscas imágenes en Google, solo
encuentras lo que ya existe, lo que otra persona ha
visto antes que tú y ha puesto online. Google es un
motor de búsqueda, simplemente organiza lo que ya
existe. Por tanto, no se puede encontrar nada nuevo
más frecuencia, hay muchas posibilidades de que
en un motor de búsqueda, solo las imágenes de otras
todos estemos vagando por Internet usando las
personas. Esto empeora mucho las cosas, porque
mismas rutas. Como consecuencia, absorbemos
estás utilizando un camino ya andado.
la misma información y vemos las mismas cosas.
En esencia, Internet es una biblioteca en la
Esto hace que los procesos creativos se vuelvan
que los libros que se toman prestados con más
especialmente indispensables en la era de
frecuencia están situados justo a la entrada. Eso es
Internet.
precisamente lo que hace que saquemos estos libros
En pintura, cuando dibujas y concibes algo,
cada vez más. Ya que la estructura de los motores de
estás creando algo nuevo, algo que hasta ahora
búsqueda suele favorecer aquello que se busca con
solo estaba dentro de tu cabeza.
Esfuérzate en crear algo nuevo en lugar
de reproducir lo que ya existe. La creación de
elementos inesperados y nuevos es inherente
al propio proceso artístico, que no debe estar
orientado hacia unos objetivos concretos. Dirigirse
en una dirección específica desde el principio no
es aconsejable. Si ya sabes cuál quieres que sea el
resultado final de tu cuadro, normalmente este no
va a producirse. Más bien lo contrario: no busques
y encontrarás.
E S T IL O P R O P I O
88
HAZ QUE TE IMPORTE
Lo que uno siente cuando está pintando tiene mucha
más importancia de lo que normalmente se cree.
Si te pones a copiar una fotografía de un desconocido,
por ejemplo, obtendrás como resultado un cuadro
completamente distinto que si te pones a pintar a tu
madre.
Un retrato de tu querido gato será distinto del estudio
de una tortuga cualquiera que has visto en una tienda.
La relación con el sujeto marca una gran diferencia.
Que un cuadro sea bueno o no, por tanto, no
depende exclusivamente de una cuestión técnica. La
composición, el color y la proporción pueden revelar
cuánto te importa el sujeto. Lo que decide si un cuadro
es bueno o malo es fundamentalmente cómo te sientes
tú respecto a él.
Así que, si quieres que tu cuadro transmita un
significado, su tema o sujeto debe ser significativo
para ti. Si tienes una relación personal o emocional
con el sujeto que vas a pintar, este vínculo se colará
en la obra casi por arte de magia y también alcanzará
a los espectadores.
Haz que importe. Entonces el tema dejará de ser
solo un tema y adquirirá alma.
El modo en que miras lo que
ves influye en el cuadro. Para
pintar cuadros realmente
interesantes, el tema ha de
importarte de verdad.
E S T IL O P R O P I O
90
PRIORIDADES
Pero el significado que tenga para nosotros el tema no es lo
único que determina la calidad del cuadro. También resulta
estimulante mirar un cuadro o un dibujo y ser capaz de
recodar las cosas que nos importaban cuando lo estábamos
pintando.
Arriba: una calle de
Rumanía.
Todo cuadro tiene varios elementos. Los cuadros tienen temas
Especialmente cuando
principales y secundarios y también elementos y añadidos
“pasan muchas cosas”
en los cuadros, parece
difícil establecer las
prioridades.
poco significativos; tienen primeros planos, planos medios
y fondos. Y aunque parezca gracioso, si tratamos todos estos
componentes de la misma forma y con la misma atención,
nuestros cuadros carecerán, paradójicamente, de significado.
El hiperrealismo absoluto resulta difícil de mirar. Te aconsejo
que establezcas prioridades en tus cuadros. Las imágenes
son mucho más interesantes si transmiten algo, si permiten
distinguir qué partes del cuadro le importaban más al pintor.
Esto se puede conseguir mediante distintas opciones de color
o composición o ejecutando de forma más intensa y más
precisa los elementos individuales. También puedes optar por
atenuar algunos elementos para enfatizar otros. Por ejemplo,
difuminar el fondo puede beneficiar al tema principal. Todos
estos recursos permiten centrar la vista y guiar los ojos del
espectador. En definitiva: no trates igual todas las partes de tu
cuadro, muestra dónde están tus prioridades.
E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S
92
CAJAS DE PINTUR AS
Las cajas de acuarelas son, desde luego, un objeto
de lo más cuco: negras, brillantes, impolutas. Suelen
estar hechas de metal resistente y en su interior
albergan pequeñas cavidades para las mezclas y
pocillos para las pinturas. Como regalo son ideales: se
guardan en algún sitio recóndito y se las deja envejecer
dignamente.
Ahora en serio.
Una caja de acuarelas te permite trabajar rápido,
Desde luego, hay cajas de acuarelas de todos
tal y como exige el medio, porque las pinturas están a
los tamaños —de seis a 48 pocillos— y de todos los
mano y disponibles en un solo movimiento, sin que haga
precios. Cuál escoger depende de tus gustos y de tu
falta desenroscar tapones, revolver o apretar tubos.
presupuesto. Las cajas estándar de 12 pocillos son más
Por eso una caja de acuarelas es una buena
que suficiente. Como sabes, en teoría puedes conseguir
inversión. El mercado ofrece una gran variedad de
todos los colores a partir de la mezcla de tres colores
modelos, todos de distinta calidad. La marca más
primarios. En última instancia, es cuestión de destreza
conocida (y la mejor) es la británica Winsor & Newton,
y de tus necesidades, no de ganar un premio a los
pero Daniel Smith, fabricada en Seattle, también es una
mejores materiales (“mi casa, mi yate, mi caja de
muy buena opción. Ambas ofrecen excelentes pinturas
acuarelas…”).
y cajas equipadas con surtidos de colores listos para
mezclar, que en la mayoría de los casos incluyen un
tono frío y otro cálido de cada color.
Consejo: antes de empezar,
humedece todas las pinturas de
tu caja con unas gotas de agua
limpia (incluso las que puede
que no necesites, nunca se
sabe). De esta forma ya tienes
diluidas todas las pinturas, y si
necesitas una mientras pintas
no interrumpirás tu ritmo de
trabajo.
Recuerda, los grandes materiales por sí solos no
garantizan la calidad de un cuadro.
Consejo: una vieja falacia de
artistas dice que “no hace falta
limpiar la caja de pinturas”.
Al igual que con tu lugar de
trabajo, no deberías permitir
que tu caja de pinturas esté
sucia. Un poco de limpieza
de vez en cuando hará que el
amarillo resalte otra vez como
si fuera nuevo.
Tubos o pastillas
La pintura a la acuarela también está disponible en
tubos. No hay ninguna diferencia entre las dos, al
menos en las pinturas de alta calidad. Las pastillas
contienen la misma pintura que los tubos, pero está
seca. También puedes rellenar los pocillos con los
tubos de pintura, si quieres, pero entonces tendrás
que dejarlo secar bastante tiempo.
Aun así, la pintura a la acuarela en pastillas es
mucho más rápida y más fácil de manejar. Puedes
pasar de una a otra con comodidad y usar la pintura
directamente de la caja. Los tubos ofrecen una gran
cantidad de pintura y por ello son perfectos si quieres
pintar zonas muy grandes o de colores muy vivos.
Utilizar pastillas para pintar una superficie que sea
mayor que 28 x 40 cm sería muy laborioso. Los tubos,
por lo tanto, son material de estudio. Para el aire libre
y los dibujos rápidos son mejores las pastillas.
E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S
94
LÁPICES DE ACUARELA
“Guárdate los lápices de acuarela para tu hermanita”
es una frase desagradable pero muy extendida entre
artistas e ilustradores. Por muy apreciados que sean
estos lápices entre los aficionados, son un material
Consejo: también es muy
agradable dibujar con lápices
de acuarela en una zona
húmeda. Si humedeces el
papel, por ejemplo con un
pulverizador de agua para
plantas, se creará una
superficie fantástica para
pintar.
polémico.
Esto se debe principalmente a que los lápices de
Pero los lápices de acuarela son aún más
acuarela no son ni una cosa ni la otra. No se trata solo
interesantes si los utilizamos directamente en zonas
de escoger entre lápices y pintura (la solución a eso
húmedas. La línea se rompe y se suaviza, pero, a
es fácil). En un primer vistazo pueden parecernos
diferencia de las pinceladas en zonas húmedas, todavía
inferiores tanto a los lápices de colores como a las
mantiene su solidez. Las pinceladas se disuelven
acuarelas. Ni aportan la luminosidad de los primeros
cuando se aplican en húmedo sobre húmedo; los
ni ofrecen la cobertura de las segundas, sobre todo en
lápices de acuarela utilizados para el mismo propósito
grandes superficies.
mantienen mucho más la forma. Esto hace que sean
Para empezar hay que señalar que el término lápiz
de acuarela es un poco engañoso. Los lápices de
acuarela no contienen ninguna pintura a la acuarela.
una gran técnica para acentuar matices. Además, la
combinación de ambos medios, los lápices de acuarela
con pintura a la acuarela, resulta verdaderamente
No están hechos de goma arábiga y pigmentos,
interesante. Por ejemplo, si se desea que dentro de
sino que son lápices de cera con un aglutinante
una zona pintada algún elemento resulte un poco más
hidrosoluble. Por ello, no debería sorprender que
sólido, o si se quiere realzar parte de un color, no hay
también funcionen como pinturas de cera. Los
colores
nada mejor que un lápiz de acuarela.
En aquellos lugares en los que la pintura
no se disuelven con la misma transparencia y se
simplemente se desvanecería, las líneas hechas
secan con mucha más opacidad. Su capacidad de
con lápices de acuarela no solo se quedan donde
cobertura es bastante distinta de la de la pintura.
están sino que además mantienen su luminosidad.
Son un término medio, pero ofrecen otras ventajas.
Y además, como se suavizan un poco, no chocan
Por ello, me gustaría romper una lanza en
cuando se combinan con acuarelas; todo lo contrario,
favor de los lápices de acuarela, porque ofrecen
se acomodan a tu cuadro lo suficiente como para
posibilidades fantásticas cuando se utilizan
darle un aspecto natural y ayudarte a superar algunos
correctamente.
obstáculos propios del trabajo con acuarelas.
Está muy bien tener la opción de poder
combinar colores y líneas. Los lápices de
acuarela te permiten utilizar un poco
de agua para suavizar las líneas
que has dibujado y transformarlas
en zonas de color. Esto es muy
valioso como efecto añadido
y como método de corrección.
Si tienes la oportunidad, te sugiero que utilices los
lápices de acuarela de tu hermanita de vez en cuando.
E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S
96
COMPR AR
PINTUR AS
La elección de las pinturas que incluyas en tu caja
Lo más grande no siempre es lo mejor, como
responde fundamentalmente a una cuestión de
descubrirás cuando tengas que cargar por ahí con la
gustos. No obstante, hay un par de cosas que creo que
caja. Personalmente, yo prefiero cajas más pequeñas
deberías tener en cuenta cuando elijas tu surtido de
por este motivo. Si tienes que dejar fuera algunos
pinturas.
colores para que las cosas quepan en una caja
más pequeña, siempre los puedes mezclar tú en
La primera caja que compres probablemente
contendrá pinturas. Sin embargo, el surtido que se
un santiamén utilizando colores que sí lleves.
Aun así, lo que tampoco tiene mucho sentido
incluye es, lógicamente, un término medio entre
es llevar solo los colores primarios. Las cajas de
tus preferencias de color y las del fabricante. Para
pinturas están hechas para el trabajo espontáneo. En
empezar, la pintura de este tipo de set suele ser
lugar de pasarte todo el tiempo mezclando, supongo
pintura para principiantes, lo que significa que no
que también querrás pintar de vez en cuando.
tiene la mejor calidad. Ello no es un problema para
A medida que pintas más y más, tus necesidades
los primeros intentos, pero notarás la diferencia
harán que vayas cambiando lo que incluyes en la caja.
si, cuando tengas que sustituir ciertas pinturas,
Utiliza un surtido de colores básicos y compleméntalo
te pasas a pinturas profesionales. La densidad
con una mezcla de tus colores favoritos basada en el
del pigmento es más alta y la luminosidad de los
tamaño de la caja.
colores mucho mejor.
Los colores mezclados en los sets de
Hay un aspecto adicional que para mí es
de suma importancia, y es comprar colores que
pinturas se suelen coordinar para que tengan la
resultan difíciles de conseguir mezclando tonos
mayor compatibilidad entre sí.
ya existentes. Como sabes, hay colores fáciles de
Normalmente, recibirás un surtido de
mezclar, pero otros resultan casi imposibles
colores básicos, con tonos cálidos y fríos de
de conseguir. El verde aceituna, por ejemplo,
cada color. Esto te resultará suficiente durante
se puede mezclar en poco tiempo a partir
un tiempo, pero pronto necesitarás colores
del marrón y el verde hierba. Sin embargo,
suplementarios.
Estos sets pueden incluir todo tipo de tonterías.
un turquesa fuerte o un magenta no se
pueden reproducir, o si se hace, es con
Por lo que a mí respecta, puedes desterrar el blanco
gran dificultad. Por lo tanto, te aconsejaría
y el negro de tu set de pintura. El blanco viene del
que, además de los colores
blanco del papel, y puedes mezclar un negro mucho
primarios, compres colores
mejor a partir de tonos azules y marrones (como el
como estos, que no son tan
sepia y el índigo). Por supuesto, qué colores elijas
fáciles de mezclar a
también va a depender del tamaño de tu caja.
partir de otros tonos.
Consejo: en mi opinión,
puedes deshacerte del
blanco y el negro de la
caja y nunca los echarás
de menos.
Los símbolos de las
pinturas significan:
Cuadrado: transparencia
Cuadrado vacío:
transparente
Cuadrado medio vacío:
semitransparente
Cuadrado lleno: opaco
Estrella: resistencia a la luz
¿Cuánto resiste tu pintura
a la luz? (hasta cinco
estrellas)
Triángulo: capacidad
de reutilizar el tono
Triángulo vacío:
completamente
reutilizable
Triángulo medio lleno:
un poco reutilizable
Triángulo lleno:
difícilmente reutilizable
El número del círculo:
categoría de precio
(ascendente)
Fuente: Surtido de
Schmincke
E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S
98
MEZCLAR PINTUR AS
Ya sabes que puedes obtener cualquier color a partir
de la mezcla de los tres colores primarios. La pintura
a la acuarela en particular es muy indicada para esto,
porque con los colores transparentes en teoría puedes
producir un número inagotable de tonos.
No obstante, hay unas cuantas cosas que debes tener
en cuenta cuando mezcles. Como hemos dicho antes,
no todos los colores se pueden reproducir con buenos
resultados. Los colores como el oro y el plata son
difíciles, porque su efecto no se deriva directamente
del color sino de partículas de metal.
Lo mismo se puede decir de las pinturas
luminiscentes y fluorescentes, que suelen contener
aditivos de reflectores químicos. Ya que estos aditivos,
por supuesto, no están disponibles para mezclarlos
con los colores primarios, estos colores son difíciles de
imitar (y además tampoco se mezclan bien con otros).
Sin embargo, mezclar colores es una práctica
en extremo valiosa e importante, ya que no siempre
tenemos (o queremos tener) todos los colores a mano.
Pero fíjate en lo siguiente:
Como regla básica, es mejor no mezclar más
de dos colores a la vez. Desde luego, más adelante
sensible a los cambios, es mejor que lo utilices como
(cuando incluso combines mezclas de colores) valdrá
color de base cuando mezcles.
todo, pero, en principio, has de saber que la mezcla de
Prueba a practicar unas cuantas mezclas para ir
más de dos colores suele producir resultados confusos
entendiendo el proceso. Empieza con un color claro y
y difíciles de controlar.
añade poco a poco el color oscuro hasta que consigas
Cuando mezcles también es importante añadir el
tono más oscuro al más claro, y no al revés. Esto se
el tono deseado.
Verás que la vieja técnica de mezclar colores,
debe a que un tono más oscuro se puede comer a
un poco olvidada debido a la cantidad de tonos ya
uno más claro sin cambiar mucho, mientras que solo
preparados que incluyen nuestros sets, es un paso
necesitas una pequeña cantidad del color más oscuro
decisivo en el desarrollo de un buen instinto para el
para alterar al más claro. Como el más claro es más
color.
Consejo: primero, haz
muestras de los colores
ya mezclados en papel
borrador. Esto te evitará
sorpresas desagradables
en el cuadro acabado.
Pinceladas
Cómo trabajas con el pincel influye en cómo
aplicas la pintura. Presionar más fuerte en la punta
del pincel produce una pincelada distinta que si solo
rozas el papel con la punta.
Además, la anatomía de nuestros brazos hace
más fácil el movimiento desde el centro de nuestro
cuerpo hacia afuera que el gesto contrario. Por eso
es mejor pintar así. No tenses los músculos. Usa la
brocha como si fuese una extensión natural de tu
mano.
Y no dudes en girar el papel. Es mucho mejor
pintar con el tema hacia abajo que darte tú la vuelta
en una postura imposible.
Por cierto, una vez secas, puedes reutilizar
todas las pinturas que hayas mezclado si las vuelves
a humedecer, incluso meses después.
Consejo: puedes mezclar
colores en la paleta de tu caja
de acuarelas, pero si quieres
conseguir tonos muy puros sin
mácula alguna es mejor utilizar
pocillos pequeños y limpios
o platos de vidrio. Aunque las
paletas adicionales de las tiendas
tienen muy buena pinta, un
plato grande funciona igual
de bien.
E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S
100
TONOS IMPOSIBLES
Colores vivos
No nos engañemos: si lo que buscas son colores fuertes,
la pintura a la acuarela no da la talla. No puede competir
con los colores luminosos de una pantalla de ordenador,
y también le va a la zaga a su hermano, la pintura al
óleo, a su hermana, la pintura acrílica, y a su prima,
la tinta.
Si queremos colores vivos, saturados y vistosos en
nuestros dibujos, este no es el medio adecuado. La
pintura a la acuarela es famosa por su capacidad para
crear tonos delicados y pastel, ya que las zonas pintadas
con acuarela no se pigmentan tanto como aquellas
pintadas con medios no transparentes. La pintura al
óleo, por ejemplo, se puede aplicar como una pasta en
capas de poco más de un centímetro de grosor, mientras
que la pintura a la acuarela es siempre una pintura
delicada que crea un efecto delicado.
Como la mayoría de las pinturas a la acuarela
contienen pigmentos naturales, no descubrirás muchos
colores artificiales o chillones en la caja.
Además, cuando pintas, los colores se superponen
e influyen entre sí porque la acuarela es transparente.
Cuando aplicas una capa de pintura sobre otra, se
mezcla visualmente con el color que tiene debajo,
creando así un tono nuevo. Por ejemplo, si aplicas una
capa de rojo encima de una capa de verde, obtendrás
marrón. Esto no sirve con pinturas más espesas
y opacas como las acrílicas, y puede parecer una
desventaja de la acuarela.
Pero, visto más de cerca, un medio que se mezcla
con tanta facilidad tiene sus ventajas. Si echas un vistazo
a tu alrededor, te darás cuenta de que nuestro entorno
no se caracteriza precisamente por los colores muy
vivos e intensos. Mira por la ventana. Si no vives en
Times Square o no estás en un campo de amapolas en
mitad del verano te darás cuenta de que los colores
dominantes no son tonos chillones.
102
TUNEAR LAS
ACUARELAS
Que resalten
los colores
Normalmente, cuando la luz incide sobre una
superficie, se refleja, se disipa en el aire y se mezcla
con otros colores circundantes. Los colores, al
pertenecer al mismo entorno, cuadran entre sí
y trabajan juntos para crear una emoción o un
ambiente general.
La mayoría de los colores vivos que nos
encontramos en la realidad no provienen de
luz reflejada, sino de fuentes de luz artificial,
ya sean estas lámparas, monitores, luces
LED, luces de neón, etc. Esto subraya la
ventaja de usar pinturas a la acuarela: como son
traslúcidas, se entremezclan y se superponen, y
el color final de una pintura a la acuarela imita el
reflejo de la luz “de verdad”. Por eso podemos usar
acuarelas para retratar tan bien la luz.
Al mezclar distintos colores, estamos
simulando cómo se comporta la
sino que no deberías seguir pintando capa
luz natural. Esta es una de las muy
sobre capa. Al volver a humedecerlas,
alabadas “cualidades naturales” de la
las acuarelas pierden luminosidad.
paleta de acuarelas.
Cuanto menor sea la manipulación
Sin embargo, la cosa se pone
difícil cuando intentas representar
objetos de colores muy intensos, como
harías si te cansases de pintar paisajes
más vivos parecerán los colores.
Otra opción para hacer resaltar tus
acuarelas es mezclar la pintura con otros
colores más luminosos. Existen distintos
otoñales. En primera instancia, pintar con acuarelas
tipos de pinturas, tintas y lápices de colores
una calle llena de luces de neón puede parecer como
disponibles en tonos vivos. Muchos
pedir peras al olmo. Sin embargo, existen trucos,
de estos medios se desplazan al
y en el próximo capítulo daremos cuenta de algunas
fondo del cuadro acabado, de modo
técnicas que te pueden servir para dar vida a tus
que no dominan la acuarela pero
colores.
sirven para enfatizar notablemente
Lo primero que puedes hacer para que las
pinturas resplandezcan es usarlas con eficiencia. Con
esto no quiero decir que debas trabajar más rápido,
los colores de tus cuadros.
Utilizar lápices de colores
te permite dar intensidad
a los elementos pequeños
con buenos resultados.
Empecemos con algo sencillo.
Los lápices de colores son la mejor manera
de intensificar las zonas pintadas con acuarela,
especialmente las zonas pequeñas. Además,
podemos utilizarlos para añadir elementos gráficos
interesantes.
Al contrario que los lápices normales, que
contienen grafito, los lápices de colores están hechos
de pigmentos comprimidos y de aglutinantes con
una base de aceite o de cera. Como hay una gran
variedad de tonos y producen líneas de diverso
espesor dependiendo de la presión que se ejerza,
son un complemento ideal para las pinturas a la
acuarela. Los hay buenos, como por ejemplo los
Polychromos de la marca alemana Faber-Castell,
o los Prismacolor, de la marca americana Sanford.
104
ACUARELAS
LÍQUIDAS
Ahora vivo,
pálido más tarde
Otra forma de dar un empujón a tus pinturas es
mezclarlas con otras acuarelas. Las acuarelas líquidas
van muy bien para esto; no se compran en pastillas
sino en formato líquido.
Normalmente son pigmentos artificiales que se utilizan
tal cual vienen o mezclados con agua. La empresa
holandesa Royal Talens, por ejemplo, ofrece toda
una paleta de colores bajo el nombre Ecoline. La
principal ventaja de estos colores es su luminosidad.
Pero cuidado, los pigmentos artificiales esconden
una trampa: suelen ser de todo menos resistentes
a la luz. Reaccionan con especial sensibilidad a la
luz de sol. Por ello, los dibujos que se han “tuneado”
con Ecoline son más prácticos para la reproducción
Una cruz hecha con pintura a la
acuarela tradicional (pincelada
horizontal) y pintura líquida
Ecoline (pincelada vertical).
La diferencia de intensidad de
los colores es evidente.
(imprimir múltiples copias) que para colgar en la
pared. Si estás pintando un cuadro para utilizarlo en
una presentación o para imprimirlo, no hay problema.
Pero si estás pensando en colgarlo en una pared, la
luz pronto le robará sus vivos colores. Por lo tanto, si
buscas pinturas vivas y coloridas, puede que esta no
sea la mejor estrategia.
La pintura líquida a la acuarela es un poco como
una llama: cuanto más brilla, antes se apaga.
No obstante, hay que destacar que las pinturas
líquidas a la acuarela (no digamos ya las tintas, los
tintes para retocar, las pinturas con aerógrafo y otros
productos similares) no son tan fáciles de manejar
como la pintura tradicional de pastilla. Ecoline, por
ejemplo, vuelve a disolverse con mucha facilidad, lo
cual es una desventaja cuando se trabaja con capas
glaseadas. Esto también hace que se corra fácilmente
en las zonas adyacentes si la tocas sin querer con
el pincel cuando aplicas la pintura. A pesar de esto,
no hay duda de que con estas pinturas se pueden
conseguir efectos estupendos en un cuadro, sobre
todo con Ecoline. Solo tienes que asegurarte de
que lo utilizas al final si estás glaseando y de que
no vuelves a pintar zonas con él.
106
PINCELES
Desde que empezó a pintar, y de esto hace mucho
tiempo, el ser humano ha empleado pinceles.
Hasta en la Edad de Piedra se utilizaban ya pinceles
Los antiguos egipcios utilizaban tallos de juncos
y pelo de las orejas del ganado para colorear sus
jeroglíficos y las pinturas de
las tumbas, y los romanos
empleaban plumas y pelos de
cabra para pintar los frescos
de las paredes de sus casas.
La primera descripción
escrita de algo parecido a un pincel
primitivos para pintar, en las paredes de las cavernas,
profesional proviene de Il libro dell’arte (“El libro del
bisontes, ciervos y caballos con pigmentos hechos con
arte”), en el que el pintor italiano del siglo XV Cennino
hematita roja y ocre. En las cuevas de Altamira, por
Cennini explica con detalle su fabricación. De hecho,
ejemplo, se han encontrado pinceles hechos a partir
de huesos huecos, plumas y pelo.
Los espacios que hay dentro del denso haz de pelos del
pincel son los que permiten tanto atrapar como soltar
la pintura líquida. Aunque este principio se conoce
desde hace mucho tiempo, costó un poco conseguir
que los pinceles alcanzasen la calidad necesaria para
pintar con acuarelas.
Consejo: hay un truco poco
convencional para hacer que el
pincel recobre la punta después
de pintar y de lavarlo: métete
el pincel en la boca y afílalo
dándole vueltas con la lengua.
Eso sí, hazlo solo con pinceles
completamente limpios, sin
restos de pintura. No olvides
que hasta la pintura a la
acuarela puede contener
pigmentos tóxicos.
hasta el fin del siglo XIX, los pintores no solo
fabricaban las pinturas que usaban, sino
también los pinceles.
Hoy en día existen innumerables tipos
de pinceles y las tiendas de material artístico
tienen una cantidad ingente de existencias.
Por ello, la pregunta se hace evidente:
¿qué pinceles necesitamos de verdad?
¿Es necesario tener un valioso pincel de
marta Kolinsky o es suficiente con un pincel
sintético que cuesta lo mismo que un café?
Consejo: un buen pincel
no solo suelta pintura, sino
que también la vuelve a
absorber. Cuando seques
el pincel en un pañuelo
de papel, puedes utilizarlo
para absorber otra vez
pigmento.
E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S
108
Aún más pinceles
Quizá debamos empezar sistemáticamente.
A grandes rasgos, todos los pinceles se pueden
categorizar en dos formas básicas: redondos y planos.
La diferencia fundamental es la forma de la virola del
pincel, que determina si el mechón tiene una forma
redonda o plana.
Los planos pueden resultar muy apropiados para zonas
amplias, y se pueden sustituir por pinceles redondos
anchos, pero no al revés. Hablemos primero de los
redondos.
Los pinceles redondos están disponibles en todo
tipo de materiales y tamaños. Cuando cojas el pincel,
lo primero que te llamará la atención es un número
que figura en el mango, y que es el que determina su
tamaño. Este baremo normalmente abarca desde el
cero hasta el 24. Para los principiantes las diferencias
son tan sutiles que estos incrementos no importan
demasiado. Sin embargo, con el tiempo entenderás
por qué la mayoría de los pintores tienen clarísimo
qué tamaños quieren utilizar cuando pintan.
En mi opinión, para alguien que está empezando,
6
12
dos pinceles, uno grande y uno pequeño, son
suficientes.
Qué significa exactamente grande y pequeño (y de
qué material está hecho el pincel escogido) dependerá
de tu presupuesto. Ten en cuenta que incluso aunque
inviertas en un pincel Kolinsky (hecho con pelo de
marta siberiana) más grande y más caro, ello no te
dará la destreza necesaria para resolver todos los
problemas pictóricos. Mi recomendación es que, para
empezar, te hagas con dos pinceles, uno de tamaño
seis y otro de tamaño diez.
Un buen pincel de acuarela debe ser suave y
maleable. Debe recoger bien la pintura y tener una
punta muy afilada. El mango no debe ser demasiado
Consejo: los pinceles
desmontables con
tapa que hace las
veces de mango son
fantásticos para ir de
viaje.
largo y la virola debe tener una forma precisa sin pelos
sueltos que se desmarquen. Lo mejor es un pincel
de pelo natural, pero ya que son caros, al principio
los sintéticos pueden servir (sobre todo cuando se
Los mejores pinceles son los Kolinsky de marta.
trata de pinceles más grandes y, por lo tanto, más
Estos pinceles son muy caros, pero si se cuidan
caros). También puedes encontrar pinceles que
duran mucho. Si lavas siempre los pinceles con jabón
mezclan pelos sintéticos con pelos naturales. Otras
después de usarlos, los podrás utilizar durante mucho
alternativas son el pelo de ardilla o de buey, con un
tiempo. Eso sí, no te dejes engañar pensando que no
precio relativamente bajo. Cuando estás empezando,
puedes pintar con pinceles más baratos. A veces la
no necesitas un gran surtido de pinceles. Más
gente compra pinceles de pelo de marta pensando
adelante puedes ir aumentando tu colección poco
“bueno, si es marta…”, y enseguida se da cuenta de
a poco.
que el pincel no soluciona todos los problemas como
Este criterio se extiende también a la compra de
ellos creían. Un buen pincel sintético puede ser mejor,
pinceles planos para glaseado y a pinceles petit gris
y desde luego más asequible. Pero esto es un poco
para aplicar grandes formas o lavados. Estos pinceles
como el buen vino: necesitas tener mucha experiencia
son útiles, pero ya que sus características específicas
para notar la diferencia. Por ello te aconsejo que
se pueden sustituir por el uso de pinceles grandes
empieces con pinceles sintéticos.
redondos, no deberían constituir una prioridad de
En cualquier caso, lo importante es lo que hagas
compra (como tampoco deberían serlo los tipos más
con los pinceles. Los pinceles son solo una extensión
especializados, como los pinceles de abanico o los
de tu mano, y tu mano es, en definitiva, la responsable
largos y finos de marta).
de lo que pintas.
E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S
110
PAPEL
Aunque se tardó otros quinientos años en
desarrollar las máquinas de papel de hoy en
día, que pueden producir más de dos kilómetros
de papel al minuto, el papel de acuarela que
El papel es un invento de los egipcios. La palabra
utilizamos nosotros es aún muy parecido al
procede del papirus egipcio, una planta acuática y
que se hacía en China hace veinte siglos.
fibrosa del delta del Nilo que se dejaba secar y que los
faraones utilizaban como soporte para la escritura.
El papel de acuarela casi no contiene madera
y está hecho fundamentalmente de lino o algodón.
Ello lo hace más resistente a la rasgadura y le da
Por su parte, los mayas también desarrollaron un
la capacidad de absorber mejor la pintura. Suele
sistema parecido, el papel amate, fabricado con las
estar hecho a mano (como atestiguan los bordes
fibras vegetales de un higo salvaje que se prensaban
irregulares, o barbas, de las hojas) y venderse
y se secaban en capas para elaborar hojas más
en hojas individuales o en blocs pegados.
grandes. Ambos tipos se parecen un poco a la corteza
de un árbol trenzada.
Este tipo de papel puede presentar distintos
acabados: áspero, medio o suave. El papel suave
Pero el primer papel que verdaderamente se
se seca en una prensa de cilindros calientes
respuesta no es una o la
parecía al papel que usamos hoy en día se desarrolló
(de ahí que también se conozca como “papel
otra, sino ambas. Los dos
en China hace casi dos mil años.
prensado en caliente”) y es adecuado sobre todo
¿Hojas o blocs? La
tienen sus ventajas. En
El papel está hecho de celulosa (que está
para ilustraciones. Los acabados más ásperos,
primer lugar, los blocs
presente en fibras y madera). Se limpia, se hierve,
o papeles prensados en frío, tienen la ventaja de
se mezcla con pegamento y se seca en capas. Se han
que la pintura se adhiere mejor y de que ralentizan
encontrado documentos del siglo I, durante la dinastía
el tiempo de secado. Sin embargo, es más difícil
Han, en los que el ministro chino Cai Lun describe
borrar la pintura en esos papeles más ásperos.
son más fáciles de
manejar. Además, los que
vienen ya pegados por los
cuatro lados son útiles
para viajar y para el
el proceso de elaboración del papel con todo lujo
Escoger una textura es una simple cuestión
de detalles (para el siglo v, en China ya existían los
de preferencia, ya que las pinturas se comportan
si quieres trabajar con
pañuelos de papel y el papel higiénico). La pulpa de
de modo distinto según el tipo de papel. Muchos
formatos más grandes
celulosa hecha de residuos de seda y fibra vegetal,
papeles, además, tienen un lado suave y otro
y prefieres utilizar un
que es una fibra que se extrae del tallo interno de las
áspero, y se pueden usar ambos para pintar.
papel más barato, te
plantas, se cocinaba y secaba sobre unas pantallas.
trabajo espontáneo. Pero
aconsejaría que utilizases
hojas sueltas. Si te
molesta la facilidad con
que se arruga o se rompe
este papel cuando está
mojado, puedes estirarlo
con cinta de montaje, tal
y como se describe en la
página 113.
En la Baja Edad Media, el método chino de
Sin embargo, lo que no es cuestión de
preferencia sino algo muy importante es que los
elaboración de papel llegó a Europa a través de la
papeles de acuarela que elijas sean libres de
ruta de la seda y del mundo árabe. Hasta el momento,
ácido. Los ácidos que se usan para blanquear el
en Occidente se había empleado pergamino o pieles
papel producido en masa acaban destruyéndolo al
secas de animales suavizadas con piedra pómez.
Las ventajas del papel eran evidentes: era
más barato que el pergamino, estaba disponible
en grandes cantidades y su nivel de calidad era
constante.
Los europeos utilizaron este nuevo saber y
enseguida desarrollaron la tecnología adecuada
para producir papel. Rápidamente, nuevos tipos
de pantallas y fábricas de papel hidráulicas
empezaron a facilitar la producción masiva.
cabo de un tiempo y también ejercen una influencia
considerable sobre el aspecto de la pintura en el
papel.
Como verás, en el mercado existen papeles de
gramajes muy distintos. Cuanto mayor sea el gramaje,
mayor la cantidad de agua y la manipulación que
puede tolerar. El papel de oficina normal, por ejemplo,
pesa 80 gramos por metro cuadrado (gm²). El papel
de acuarela es mucho más grueso, y suele pesar
entre 200 y 300 gm². Por supuesto, puedes comprar
Las marcas de agua son
papel mucho más grueso, pero a un precio más alto.
capas más finas del papel
que se reservan o graban en
relieve durante el proceso de
fabricación para garantizar
su autenticidad. Aquí
reproducimos una serie de
marcas de agua de marcas
conocidas.
Este tipo de inversiones no contribuyen mucho
Arriba: Azul ultramar en
a hacer que desaparezca el miedo a la hoja en
“papel lujoso” (Arches
blanco. Desde mi punto de vista, las soluciones más
650 g/m²) y su derecha
económicas son lo suficientemente buenas. En mi
caso, utilizo con frecuencia papel comercial mate de
185 gramos (Hahnemühle o Arches), que estiro yo
mismo.
Te enseñaré a hacer esto en la página 113.
Sea quien fuere quien inventara el papel, los
chinos, los egipcios o los mayas, a quien de verdad
debemos agradecer su existencia es a la naturaleza.
Las avispas y los avispones llevan toda la vida
construyendo sus nidos a partir de fibras vegetales
masticadas, una pulpa de celulosa y almidón que se
seca al sol y crea delicadas estructuras de papel.
en “papel normal”
(Hahnemühle 200 g/m²).
E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S
112
ESTIR AR EL PAPEL
La onda permanente
Es exasperante: humedeces el papel (pintas encima
con demasiada agua) y ya se empieza a combar (o a
deformar). En un segundo la superficie suave y blanca
se transforma en un paisaje cenagoso. Por si esto no
fuese suficiente, el material que hace un momento era
fácil de manejar ahora se niega a cooperar.
Para intentar prevenir que el papel se deforme, primero
hay que entender por qué ocurre este fenómeno. El papel
contiene fibra; normalmente está hecho de celulosa, fibra de
madera, papel reciclado o tela, materiales que se deshacen
en las fábricas de celulosa hasta quedar convertidos en una
pulpa que luego se seca. Estas fibras forman la base del
papel, que se une con pegamento y se prensa en capas.
Si humedecemos otra vez el papel, las fibras se
La pintura se acumula en charcos en los valles que se han
empiezan a hinchar y cada fibra empuja un poquito a la que
formado y deja manchas feas al secarse. Cuanto más pintas
tiene al lado. A su vez, esta fibra —que también está ocupada
encima, peor, porque da igual lo que hagas, no hay manera de
hinchándose— mueve a su fibra vecina. Como todas las fibras
eliminar estos valles con un pincel.
se comportan así al mismo tiempo, en el papel se producen
La gente prueba constantemente nuevas alternativas
ondas, valles y colinas. Además, el agua se acumula en los
para evitar este problema. El papel fino tiende a combarse
valles, causando que las fibras de esa zona se hinchen aún
con más facilidad, así que puedes probar con un papel más
más, lo que acentúa estas depresiones. La reacción en
grueso; aún así, esto no te garantiza completamente que el
cadena está en marcha, y cuanto más desigual sea la
papel no se deforme. Teniendo en cuenta lo que cuestan, no
distribución del agua, mayor será su efecto.
se puede decir que los blocs de papel de acuarela sean una
Descrito de este modo parece un desastre, pero existe
gran alternativa. Aunque el papel se deforma menos, estos
una solución eficaz: estirar el papel. Si usas este método
blocs pueden resultar engorrosos. Resulta difícil colocarlos
podrás incluso utilizar papeles de menor gramaje (y por lo
en una mesa de dibujo para, por ejemplo, preparar un dibujo
tanto menos caros) para pintar a la acuarela. Funciona así:
preliminar. Por muy útiles que parezcan cuando estás de
ya que cada fibra se expande cuando está húmeda y se
viaje, no siempre se adecuan a trabajos más elaborados.
contrae otra vez cuando se seca, nos aseguramos de que
todas las fibras del papel estén mojadas por igual. Para ello,
primero sumergimos el papel en agua fría unos minutos: lo
mejor es utilizar una cubeta grande y plana de plástico de una
tienda de fotografía, pero la bañera también sirve. Esto hace
que todas las fibras absorban agua y se expandan por igual.
Después de humedecer el papel durante un minuto,
Para estirar el papel haz lo siguiente:
ponlo en una tabla de madera y fíjalo con tiras adhesivas
o cinta de enmascarar en los bordes.
De esta manera, cuando el papel se seque y se vuelva a
contraer, la cinta hará que las fibras se mantengan tirantes,
como si fuera la piel de un tambor. Cuando pintes y
humedezcas otra vez el papel, las fibras ya no tendrán la
capacidad de expandirse y deformarse. Los profesionales
siempre estiran el papel. Lo único que necesitas es una tabla
de madera contrachapada (como las de contrachapado de
1. Sumérgelo completamente en agua durante más
abedul de las ferreterías), un trapo o papel de cocina, tiras
o menos un minuto.
adhesivas, unas cuantas chinchetas y hojas de papel de
cualquier gramaje.
2. Sácalo rápido y deja que gotee un poco (no tardes
mucho, la velocidad es crucial).
3. Coloca el papel en una tabla de madera y estíralo,
alisándolo con ambas manos. Sécalo un poquito con
un trapo o papel de cocina.
Consejo: yo siempre
estiro por adelantado
unas cuantas hojas de
papel en tablas y las dejo
secar por la noche. Así
ya tengo el papel listo
cuando lo necesito.
4. Fija los cuatro lados del papel a la tabla empleando
tiras de cinta adhesiva húmedas y asegura las
esquinas con chinchetas.
E L E ME N T O S B Á SI C O S / HE R R A MIE N TA S
114
LO QUE HAY
EN MI BOLSA
Las tiendas de material artístico pueden impresionar
bastante. Los materiales se apilan en metros y
metros de estantes y parecen sugerir que necesitas
una cantidad ingente de equipamiento básico. Pero
¿qué es realmente necesario?
¿En qué útiles de pintura estamos gastando
dinero innecesariamente? He traído algunas
cosas para ayudarte a decidir qué necesitas.
Ya que la acuarela es la técnica clásica para
pintar al aire libre, en mi opinión todo lo que
necesitamos para pintar es lo que llevamos
en la bolsa de viaje. Cuando viajamos, llevamos
lo necesario y nada más. Después de todo, no
queremos que el peso de la bolsa limite el tiempo
que podemos emplear en buscar un tema. Lo ideal
es que en la bolsa solo lleves aquello que sea
absolutamente necesario para pintar.
Aplica esta misma idea a tu estudio y verás
que por lo general no se necesita mucho más para
pintar. A lo mejor en casa añades un lápiz o un
pincel, quizá un secador de pelo o cosas
como cinta adhesiva o líquido
enmascarador, y puede que allí tengas a
mano más pinturas o papeles. Aunque, desde luego,
es cuestión de gustos, el contenido de nuestras
bolsas muestra qué es lo realmente necesario y útil
en la práctica.
Así que vamos a echar un vistazo a lo que hay en
mi bolsa.
Consejo: una silla plegable
puede ser muy cómoda para
sentarte, pero también la tienes
que acarrear contigo. Una
esterilla pequeña es más fácil
de transportar.
Consejo: aunque no
se necesitan en el
estudio, sí son útiles
cuando estás fuera de
casa: protección solar,
un pequeño paraguas
plegable y un spray
para picaduras.
C A L L E J E A ND O
116
PINTAR AL AIRE LIBRE
Mal tiempo
A veces la gente dice: “no existe el mal tiempo, existe la
En resumen: el mal tiempo sí existe, sobre todo
ropa inadecuada” cuando quieren referirse a que dejes
cuando se trata de acuarelas, porque no puedes
de quejarte y que es culpa tuya no llevar un traje de
trabajar al aire libre cuando hay temperaturas
nieve para el paseo dominical por el parque.
bajo cero.
¡Tonterías! Si miras por la ventana un día cualquiera
sorprendente, pero es muy simple: sustituye el agua
de noviembre probablemente pienses que hace mal
por alcohol.
La solución a este problema puede parecer
tiempo, a veces incluso muy malo. Ya que la acuarela
está especialmente recomendada para pintar
al aire libre, es oportuno hablar un poco sobre
y fuertes (como el vodka, el schnapps o el alcohol
pintar en el exterior cuando hace mal tiempo.
de grano) solo empiezan a congelarse cuando la
La expresión que he recogido antes tiene
Dibujo realizado
durante unas
vacaciones
esquiando,
usando
schnapps de
genciana.
El punto de congelación del alcohol es más bajo
que el del agua. Los licores claros, transparentes
temperatura baja considerablemente de cero, y
razón al señalar que te puedes proteger con el
funcionan muy bien para pintar. Básicamente, se
equipamiento adecuado. Ni que decir tiene que
utilizan igual que el agua, pero asegúrate de que usas
la ropa impermeable y abrigada ayuda mucho.
solo alcohol transparente (no Jägermeister ni nada
En invierno necesitas guantes (sin dedos, o sea,
por el estilo, por supuesto) y lava bien los pinceles
mitones) y gorro para que trabajar al aire libre sea
con agua al llegar a casa. Siempre y cuando no tomes
soportable. Desde luego, es igualmente importante
demasiados tragos de tu “agua”, este método te puede
proteger el material y el dibujo. Lo único que debe
garantizar un invierno productivo en lo que a pintar
incluir humedad es tu técnica. No hay nada más inútil
se refiere. Y es que sobre el mal tiempo una cosa está
que un papel mojado por la lluvia (si bien la lluvia
clara: puede que no sea muy agradable, pero no hay
como tema crea un ambiente encantador). Por ello,
duda de que es precioso.
es esencial que lleves siempre un paraguas.
Pero las cosas se vuelven verdaderamente
problemáticas cuando hace mucho frío.
Los paisajes nevados son temas fantásticos, pero,
a cero grados centígrados, el agua se congela. En un
santiamén, las finas capas de glaseado se convierten
en capas de hielo sobre el papel. Además, la pintura
se solidifica en el pincel y se vuelve inservible.
C A L L E J E A ND O
118
CAMBIAR LA PERSPECTIVA
El otro punto de vista
—¿Ves la luna sobre el Soho?
—La veo, cariño.
Macheath y Polly en La ópera de los tres centavos.
Nunca vemos lo mismo que los demás. Siempre
percibimos el mundo desde nuestra perspectiva.
Dos personas que van andando por la calle ven
cosas totalmente distintas.
Cuando hablamos de una experiencia compartida,
normalmente cada interlocutor pone el acento en un
aspecto distinto. Macheath y Polly no ven la misma
luna; cada uno ve una distinta.
Al principio, esto puede parecer extraño, pero
también reconfortante en cierto modo. Como el
mundo es diverso y variado, nuestra perspectiva
personal es tan válida como la de los que nos rodean.
Por eso es una tontería preguntarnos si nuestros
dibujos representan o no de manera realista el
tema elegido. En pintura no existe un punto de vista
objetivo, los cuadros únicamente reflejan el modo
de mirar de cada uno.
Así que no te vuelvas loco. Es tu cuadro y lo único
que importa es que desarrolles tu propia visión. Solo
te tiene que satisfacer a ti; a fin de cuentas, satisfacer
a todo el mundo es imposible.
C A L L E J E A ND O
120
PINTAR EL AGUA
Lo más interesante del agua es que es capaz de unir
Otro aspecto destacable es que el agua en esencia
luces y sombras. Normalmente, las superficies están
es incolora. Piensa en un vaso de agua: su único color
dominadas o por la luz o por la sombra, pudiendo
procede de las impurezas.
sumirse la una en la otra. Sin embargo, en el caso del
Podrías afirmar que el agua es azul, pero
agua los dos fenómenos se producen a la vez.
eso no siempre es verdad. En concreto, el agua
fresca (ríos y lagos, estanques, etc.) suele
La luz y las sombras se reflejan simultáneamente
estar dominada por tonos verdes y
la una junto a la otra sobre su superficie. Esto
marrones. El azul que vemos en el océano,
hace que el agua sea un tema sumamente
por ejemplo, suele deberse únicamente al
atractivo pero difícil. El agua es un espejo
reflejo del cielo en la superficie del agua.
inquieto que nuestros ojos a veces son
capaces de penetrar. Mana a
borbotones, fluye, gotea, se filtra,
corre y rompe en las orillas.
Por lo tanto, la acuarela es
perfecta para retratar el agua.
Gracias a la espontaneidad del
medio se puede captar la fluidez
Por tanto, casi siempre podemos
escoger un color similar para el cielo y
para el agua. Si sigues pintando el cielo en
la parte inferior de la página y pintas
en él pequeños reflejos de árboles,
nubes o lo que sea, habrás creado el
agua. Si reservas puntos
de papel en blanco a modo de
y el movimiento constante del
pequeñas olas o reflejos,
agua.
el resultado será bastante
El aspecto más notable
del agua es su condición
convincente.
Asegúrate de que los
reflectante. Por ello es
reflejos más vivos de la
relativamente sencillo retratar
superficie del agua
el agua sin retratar el agua en sí,
sino los elementos que vemos
reflejados en ella. El agua resulta
especialmente convincente si
estos reflejos no son copias
directas de los objetos.
Por ejemplo, pinta un palo
recto hasta que se encuentra con el
agua y luego rompe su reflejo en
corresponden a las partes más
luminosas del cielo.
Imagínate un cubo hecho de
espejos y expuesto al sol. Una de las
caras mira hacia el sol y la otra en el
sentido contrario. El lado que mira al sol
es muy claro y el que mira en sentido
contrario es oscuro. Esto se parece
un poco a cómo aparecen las olas
curvas que sigan el movimiento del
en el agua. Es fácil pintarlo si
agua. Cuanto más lejos se deslice su
empiezas con un tono medio.
reflejo, más se distorsionará con el ritmo
de las olas. Si pintas bien los reflejos, ya
estarás a medio camino de dibujar bien el
agua.
El modo más sencillo de pintar agua
es pintar lo que se refleja en ella.
Como siempre con las acuarelas, no pintes las zonas
Si incluyes los reflejos de las pendientes de las orillas
más claras, simplemente deja que el blanco del papel
de los ríos, los árboles, los edificios o cosas similares,
se ocupe de la cresta de la ola.
obtendrás un buen retrato del agua.
El segundo paso es pintar los valles. Por definición
Míralo así: lo bueno de la pintura a la acuarela es
toda montaña tiene un valle, y así es como debes pintar
que en esencia se parece mucho al agua. Las capas
las pequeñas olas del agua. Las crestas blancas van
glaseadas la hacen igual de transparente. Colocar
seguidas de valles más oscuros.
con destreza las zonas lavadas y las profundidades
glaseadas te permite retratar el agua en poco tiempo.
Si todo lo demás falla, siempre puedes incluir algo
nadando en el agua. Añade un pato o un barco y tu
agua se reconocerá como tal pase lo que pase.
Consejo: el cielo
y el agua a menudo
tienen el mismo
color, porque el
primero se refleja
en la segunda.
C A L L E J E A ND O
122
AIRE, NIEBLA,
HUMO
Aunque parezca raro, uno de los temas pictóricos
En el terreno pictórico, el retrato del aire —capas
más maravillosos que existen es invisible. Aunque en
de aire y bruma— es muy valioso, ya que lo que
la vida real normalmente no lo podemos ver, el aire
llamamos “atmósfera” crea ambiente. El aire
queda fantástico en un cuadro.
transmite emociones. La niebla, el humo, la neblina
o la borrosidad tienen fuerza narrativa. Así que,
Todo lo que hace que los paisajes y los espacios sean
mágicos, la niebla que se despliega sobre la tierra, un
velo de nubes, un hilo de humo, una neblina, todo lo
que describimos como ambiente es aire. El aire es
materia. Y cuando se llena de nubes, humo o niebla
pasa a ser un aire sumamente visible.
Se dice que en el siglo XVI, el navegante sir Walter
Raleigh apostó con la reina Isabel I que podía pesar
el humo de un puro. Desde luego, las apuestas fueron
altas. ¿Pesar el humo de un puro? ¡Imposible! Raleigh
sonrió, hizo girar el puro entre sus dedos y lo depositó
en la pesa. Escribió el peso en su cuaderno y encendió
el puro. Cuando acabó de fumarlo, pesó la ceniza y
calculó la diferencia. La diferencia, afirmó, era el
peso del humo. No estaba equivocado. Si pudiésemos
pesar el aire, podríamos afirmar que un metro cúbico
de aire pesa un poco más de un kilogramo.
El término “pintura atmosférica”
no ha surgido de la nada; el aire
tiene una gran influencia sobre
nuestras pinturas. Sobre todo
cuando se le une la bruma, la
niebla o el polvo, el efecto es muy
visible: cuanto más densas sean
las capas de aire, más pálido
resultará el tema que está detrás
de ellas, porque atenuará sus
contornos e intensidad y perderá
la luminosidad original del color.
¿cómo representarlo?
C A L L E J E A ND O
124
SMOG Y
ATMÓSFER A
La mayoría de los medios de dibujo y pintura
hacen difícil captar los fenómenos nebulosos y
fantasmagóricos del aire. En cambio, la pintura a la
acuarela tiene sus ventajas a la hora de crear la ilusión
del aire en un cuadro, porque funciona de la misma
manera que él.
Ambos son materia transparente en la que flotan
partículas, como el humo o la niebla (en el caso del
aire) o los colores (en el caso del agua). Retratar
atmósferas es, por ello, sencillo, ya que son muy
similares a la naturaleza física de nuestro medio.
Además, la pintura se comporta del mismo modo en
el agua que la bruma, el humo o las nubes en el aire:
flota en las zonas húmedas y descansa en el papel en
transiciones nubosas. Al mismo tiempo, la pintura
diluida tiene casi la misma apariencia transparente
que las nubes en el aire.
Así que para captar la bruma, lo único que
tenemos que hacer es aplicar zonas de agua limpia y
dejar que una cantidad mínima de pintura flote en ella.
Empezamos dejando que entre “aire” en la zona;
es decir, la mojamos. El segundo paso es añadir con
cuidado la pintura y permitir que avance flotando
como humo o niebla hacia las zonas más húmedas.
Dependiendo de la dirección que tome nuestro
cuadro, la imagen se va haciendo más tangible
paso a paso.
Entre otras cosas, es aconsejable seleccionar
elementos individuales de un cuadro para difuminarlos
en la bruma y que los contornos más definidos queden
en primer plano.
Esto se consigue dejando que nuestra
primera “capa de niebla” se seque por completo y
colocando formas más concretas en primer plano
al aplicar la segunda capa. Si quieres pintar nubes
resplandecientes
o columnas de humo, asegúrate de que haces sus
contornos un poco más sólidos.
Pintar aire es mucho más fácil de lo que
probablemente te habrías imaginado. Aunque parezca
paradójico, el mejor modo de retratar el aire es usando
agua.
Planta siderúrgica en Estados Unidos; la versión
de la izquierda muestra técnicas de húmedo sobre
húmedo que incorporan atmósfera, bruma y humo.
C A L L E J E A ND O
126
Y ADEMÁS, ¿QUÉ
ES LA BELLEZA?
Si algo es bello o no debes decidirlo tú. Muchas
veces se espera de los acuarelistas que pinten viejas
granjas en Provenza, yates de recreo en puertos
mediterráneos o molinos en Holanda. Claro que estos
temas son bonitos, pero, al final, no tiene mucho
sentido pintar siempre lo que otros esperan que
pintes.
En realidad, Provenza era más idílica en la década
de 1960, cuando un cappuccino no costaba seis euros
y no había hileras de coches renqueando por las
ciudades viejas perfectamente restauradas. Así que,
¿por qué tenemos que pintar las mismas cosas una y
otra vez solo porque la gente una vez pensó que eran
bellas?
Mi consejo es que busques tus propios temas.
Si estás planeando pintar algo, deberías
Dentro de veinte años,
te aseguro que sentirás
pintarlo por lo que es y no por las expectativas de
más placer viendo el
generaciones pasadas. A plena luz del día, puede que
cuadro del supermercado.
personalmente una casa en Provenza te diga muy
Probablemente “qué tiempos
poco. Puede que sea bonita, pero ¿es tan importante
aquellos” no van a ser tus
como la casa de tu primer amor o la casa en la que
primeras palabras cuando
creciste?
eches un vistazo a tu
Por otro lado, puede que pensemos que el
cuadro de Provenza, sino
supermercado de la esquina es un tema aburrido,
más bien algo del tipo
pero ¿de verdad lo es? Si miras bien igual encuentras
“¿Y esto dónde era?”.
algo interesante. Además, pasamos en ellos buena
En resumen,
parte de nuestras vidas, mucho más que en un
pinta lo que está a tu
destino turístico masificado. Entonces ¿hay temas
alrededor: las cosas
malos simplemente porque a nadie se le ha ocurrido
que son una referencia
pintarlos?
para ti. Los artistas
deben ser auténticos y
expresar algo sobre su
mundo. No importa si lo que
pintas es un bloque de viviendas
prefabricadas en Rumanía
o un supermercado en el estado de Nueva
York. Lo que importa es que pintes cuadros y no
meras reproducciones.
C O N SE J O S Y T RU C O S
128
COMPOSICIÓN
Y DISEÑO
Para pintar un buen cuadro grande antes tienes que
practicar con muchos cuadros pequeños. En otras
palabras, es imprescindible diseñar antes el cuadro.
El que una composición sea buena o mala no depende
solo del tema, sino también de cómo se organizan los
elementos individuales.
Que un objeto esté cerca o lejos, que una cordillera
roce el borde del cuadro, que el edificio del primer
plano esté a la izquierda o a la derecha no es casual.
La composición es fundamental y nunca deberías
dejarla al azar.
En muchos sentidos, podemos decir que los
cuadros viven a través de sus partes individuales. Cada
línea, cada zona y cada color de un cuadro influyen en
su equilibrio visual. Todos los elementos que añadas
al tema transformarán el resultado final. Con cada
elemento adicional de diseño alteramos la tensión
interna del cuadro. Esto hace que el diseño sea un
tema muy importante.
Consejo: usa
dibujos pequeños
o miniaturas para
probar qué hacer con
tus composiciones.
¿Por dónde empezamos?
Es cuestión de desarrollar el instinto en lo que
tiene que ver con el diseño y la composición. Aprender
soluciones de memoria solo te ayudará a resolver los
mismos problemas.
Consejo: la distancia a la
que se encuentra el objeto
retratado influye de
forma determinante en la
composición de la imagen.
Así que aprende una lección
cinematográfica y trabaja
con “planos”.
En lugar de ello, educa tu mirada: una vez que
puedas confiar en tu instinto, serás capaz de enfrentar
nuevos problemas de diseño sin utilizar los mismos
recursos de siempre. Así que deja el dique seco
y aprende de tus experimentos.
Empieza con cosas pequeñas.
La composición y el diseño de la imagen se pueden
Aquí tienes cuatro tipos de
planos usando el ejemplo de mi
gato Juri:
planificar por adelantado utilizando dibujos en
miniatura.
Las miniaturas son vistas muy pequeñas que nos
permiten probar de forma rápida varias combinaciones
Panorama: Juri está
lejos. Desaparece como
un punto en el paisaje.
en tamaño reducido. De este modo se puede resolver
fácilmente si un sujeto debe estar a la izquierda o a
la derecha de la composición. Por lo tanto, antes de
empezar a pintar haz una serie de dibujos pequeños
(quizá al borde de la imagen o en una página de tu
cuaderno de dibujo) en los que puedas probar todas
las posibilidades. La composición es visible incluso
Plano largo: Juri en su
ambiente.
en estas versiones pequeñas, y así ahorrarás tiempo
y trabajo.
Ya verás. Este sistema de trabajo te permitirá
resolver por adelantado problemas importantes de
composición sin hacerte perder el tiempo, los nervios
y gastar papel.
Por cierto, los artistas muchas veces hacemos
como si fuésemos omniscientes.
Algunos dicen: “el arte es sinónimo de destreza”.
Plano medio, enfoque corto:
Juri llena el encuadre, quizá
con la parte superior del
cuerpo cortada.
Yo digo: ¡libérate de eso! En realidad, la destreza viene
de la práctica, y para practicar hay que intentarlo.
La buena composición no se puede memorizar. Prueba
cosas distintas con tanta frecuencia como puedas:
Primer plano: Juri está
tus cuadros se beneficiarán de ello.
muy cerca, su cara llena el
encuadre y se reconocen
todos los detalles.
C O N SE J O S Y T RU C O S
130
BORRONES Y MANCHAS
Manchas, borrones y salpicaduras de pintura —cosas
que generalmente arruinan un cuadro— pueden
causar un efecto fantástico en obras a la acuarela.
Una salpicadura o unas gotas en el lugar indicado le
darán un empujón a la imagen.
La dificultad de hacer manchas no reside tanto en
manchar (eso lo solemos aprender antes de pintar)
como en trabajar con seguridad. Como ya sabemos,
la técnica de la acuarela implica un difícil equilibrio
entre controlar y el dejarse llevar.
Otra opción, claro, es añadir las manchas por
separado en Photoshop, pero para insertar las
manchas con destreza haciéndolo tú mismo tendrás
que conocer un buen puñado de trucos.
En primer lugar, no hay que dejar que las gotas
de pintura caigan sin más. Si queremos influir sobre
la dirección que toman, por ejemplo, las podemos
controlar muy bien soplando despacito con una pajita.
La cosa se pone más interesante si queremos
utilizar las manchas y salpicaduras para imitar texturas.
Algunas texturas son muy difíciles y laboriosas de
imitar usando acuarelas de la manera tradicional. Estoy
pensando, por ejemplo, en texturas rugosas, como
piedras, polvo o vegetación, pero también en superficies
finas como la piel. En estos casos, un diseño hecho con
salpicaduras puede ser muy útil.
Si golpeamos el pincel contra los dedos, la pintura
se pulveriza sobre el papel en salpicaduras desiguales,
creando texturas similares a las de la vegetación.
Muchos pintores pintan así los arbustos. Si quieres
conseguir texturas más pequeñas y más finas, utiliza
un cepillo de dientes para salpicar. Los cepillos
de dientes son indispensables para imitar con
salpicaduras prácticamente cualquier elemento,
Consejo: puedes controlar
fácilmente la dirección en la
que fluye una gota soplando
con cuidado por una pajita.
Las gotas más finas y los
diseños se pueden salpicar
con un cepillo de dientes.
desde la arena hasta las pecas.
Consejo: los estampados
o impresiones hechos con
hojas, tela o esponjas también
son perfectos para imitar
superficies y texturas (por
ejemplo, árboles o arbustos)
o para dar un toque alegre
a tus cuadros.
Puede resultar difícil
proteger las zonas que no
quieres manchar cuando
estás creando texturas con
salpicaduras. En mi caso,
suelo usar plantillas que
hago yo mismo con papel más
grueso. Pero las plantillas que
están perfectamente cortadas
tienen un aspecto muy poco
natural, así que prueba a rasgarlas
en lugar de recortarlas.
Nadie tiene zonas con pecas que
terminan como si las hubiesen cortado con tijeras (si
de verdad quieres reservar una zona con bordes bien
diferenciados, como los ojos, puedes emplear cinta de
enmascarar).
Da igual cómo consigas controlar tus manchas,
cuando se manipulan con habilidad, las manchas
y salpicaduras no son un defecto. Al contrario, son
precisamente esos elementos aleatorios sometidos
a cierto control los que hacen que la acuarela sea un
medio tan fascinante.
C O N SE J O S Y T RU C O S
132
ESPACIO NEGATIVO
Pintar lo que no está ahí
Algunas cosas son tan evidentes que no nos damos
cuenta de que están ahí. Pero hay muchos aspectos
que dependen de lo que no vemos. Estoy hablando del
espacio negativo. En un cuadro, no solo son
significativas las cosas que pintamos. Las partes que
no pintamos también son enormemente importantes.
No obstante, es importante que el espacio negativo no
“resulte” sin más. Debes componerlo conscientemente.
Así que, cuando pintes, presta atención a lo que está
ahí y a lo que no está. El éxito de un cuadro o de una
composición depende a partes iguales de ambos
aspectos.
No vemos las cosas que vamos a pintar tal y
como son. Aunque no nos percatemos, el espacio
negativo que resulta de ellos también forma
parte de nuestro análisis.
Trata de imaginarte siempre tanto la forma
del sujeto o tema que vas a pintar como la de sus
espacios negativos.
Seguro que estás familiarizado
con las ilusiones ópticas del tipo
“si miras mucho tiempo un cáliz se
convierte en dos caras”. Intenta
pensar así cuando pintes. Pon un
poco de distancia entre el tema y tú y fíjate en
si las formas negativas son atractivas desde el punto
de vista de la composición. Reduce los temas a formas
planas y luego estudia qué aspecto tienen los espacios
negativos. Te sorprenderás de cuánto se enriquecen
tus cuadros con esto.
Consejo: para componer
el espacio negativo,
primero tienes que mirar
el positivo. Simplifica el
tema. Redúcelo
mentalmente a una
superficie o forma plana:
el resto sucederá solo.
Consejo: estos principios sobre el
espacio en blanco son aplicables
también a otros campos del diseño.
La forma negativa de una letra, de un
logotipo u otro elemento de diseño
también es significativa. Aquí
también, lo que vemos no es lo
que decide si la pintura es “buena”
o “mala”: las formas negativas
resultantes también contribuyen
a ello.
C O N SE J O S Y T RU C O S
134
BLANCO
Un caso
especial
Blanco como la nieve, blanco como la luz, blanco como
el papel. En la acuarela, el blanco, ese color inocente,
es un asunto mucho más complejo de lo que podría
parecer.
El problema reside en la naturaleza del glaseado: cada
capa que aplicamos oscurece la imagen. No importa
qué color añadamos después ni lo claro que sea: con
cada capa la imagen se oscurece y cada paso que
damos nos aleja un poco más de la luz.
Al contrario que otras técnicas pictóricas,
la acuarela es una calle de una sola dirección. La
transparencia de la pintura hace prácticamente
imposible aplicar un tono más claro sobre uno más
oscuro. Retocar la pintura añadida resulta difícil, y una
vez que un tono se ha oscurecido no se puede volver
a aclarar. Con medios opacos como óleos o acrílicos,
basta con utilizar un tubo de pintura blanca, pero con
la acuarela estamos un poco desvalidos. La pintura a la
acuarela blanca usada directamente de la paleta tiene
un aspecto sucio y poco natural. Por eso la regla
de la acuarela es la siguiente: el blanco no se pinta.
El blanco se omite, se “reserva”. Esta es una de las
razones por las que la acuarela no es una técnica fácil:
no podemos hacer correcciones. El blanco de nuestras
imágenes es el papel, y esto nos obliga a saber de
antemano dónde queremos exactamente que esté
presente su resplandor.
En la pintura a la acuarela, el blanco de la imagen
nos obliga a planificar el cuadro de antemano.
Así que ¿cómo lo hacemos? ¿Simplemente pintando
a su alrededor y reservando el tono más claro?
En la práctica, esto es de todo menos sencillo,
porque con frecuencia las partes más claras de la
Consejo: el líquido de enmascarar
tiene la desagradable cualidad de
hacer grumos en el pincel. Por ello,
no uses nunca pinceles de acuarela
caros para aplicarlo. En su lugar,
utiliza modelos más baratos, como
los pinceles para artesanía.
También es aconsejable mojar un
poco el pincel en agua con jabón
antes de pintar con este líquido.
imagen son solo cositas muy pequeñas, como la luz que
Cuando trabajas con acuarelas, el líquido o fluido
se refleja en un cristal, el blanco de un ojo o un mechón
enmascarador es el mejor material para este
de pelo.
propósito.
Evidentemente, en estos casos no podemos estar
El líquido de enmascarar es una película de látex
“dando rodeos” por estas zonas, más aún si están
hidrosoluble que se aplica a las zonas que se quieren
incluidas en áreas de color más amplias.
proteger de la pintura. Se aplica como un líquido y
Para estos casos tan exigentes, las máscaras, o
luego se deja secar. Una vez seca la película, puedes
zonas reservadas, son una buena solución. La máscara
pintar sobre ella. Los lugares a los que se adhiere el
más sencilla se puede hacer con cinta de enmascarar.
líquido no se pigmentan. Más tarde, puedes frotar la
Las máscaras de papel también se pueden usar, pero
película con el dedo o con una goma de borrar hasta
se adhieren con dificultad al papel.
eliminarla. Por suerte, la película de enmascarar se
Otro truco es pintar de antemano las partes
blancas de la imagen con ceras o velas. Las acuarelas
no se adherirán a los lugares tratados con antelación,
y estos quedarán blancos. No obstante, este método no
es muy preciso y una vez aplicada la cera no se puede
eliminar.
puede sacar sin dejar residuos y puedes pintar otra vez
en zonas que habían estado enmascaradas.
C O N SE J O S Y T RU C O S
136
ESTUDIOS,
SKETCHES
Y BOCETOS
La pintura a la acuarela es una técnica transparente.
Las capas de pintura no se tapan unas a otras, y su
transparencia garantiza siempre que las capas
subyacentes sigan visibles.
Esto es cierto no solo en relación con las capas de
pintura, sino también con los bocetos y estudios que
podemos haber pintado debajo.
Esto es motivo suficiente para examinar más de
cerca los bocetos y las acuarelas.
Puedes hacer un boceto preliminar utilizando casi
de todo, por supuesto, pero lo suyo es que emplees
las propias acuarelas. Para ello, utilizaremos pintura
diluida de un tono claro —beige o amarillo, por
ejemplo— para hacer un dibujo rápido en el papel y
luego pintar la imagen sobre él. Esto hará que parte
del boceto inicial se disuelva en la pintura, creando una
cierta ligereza.
Hacer el dibujo preliminar a lápiz crea una imagen
ligeramente más visible. No obstante, el lápiz tiende
a fijarse con la pintura a la acuarela, y por muy fina
que sea la capa de pintura, una vez aplicada ya
no podremos borrar las líneas de lápiz que hay
debajo. Hay lápices de colores hidrosolubles
que se borran o desaparecen cuando entran en
contacto con el agua, pero en la mayoría de los
casos, la línea permanece y forma el andamiaje
de la imagen.
Aparte de usar lápiz, puedes dibujar utilizando
cualquier tipo de rotuladores permanentes.
Personalmente, yo prefiero trabajar con rotuladores
permanentes de punta fina, como Kohl-Noor, Copic,
Sakura o similar.
Un buen método para transferir un boceto
preliminar a papel de acuarela es utilizar una mesa
luminosa.
Para ello, haz un boceto rápido en una hoja de
papel fino y luego cálcalo en el papel de acuarela
en la mesa luminosa. Si no tienes una mesa de
este tipo o una mesa de dibujo, puedes utilizar una
ventana por la que pase la luz del día. Es buena idea
pegar las dos hojas de papel para que estén juntas y no
se separen.
Por desgracia, ni la mesa luminosa de luz más
intensa será capaz de iluminar a través de un cuaderno
o libreta encuadernados en cartón o de un papel
estirado en una tabla. En esos casos, vas a tener que
encontrar otra solución.
Prueba a trabajar con papel Saral. Es un tipo de
papel carbón para calcar dibujos que, a diferencia
del papel carbón de verdad, está disponible en varios
colores. Las líneas calcadas, además, se pueden
borrar.
Pero también puedes fabricar papel de calco tú
mismo.
Primero hay que ennegrecer el reverso del
boceto con un lápiz blando (3B o más blando). Cuando
pongamos este dibujo sobre el papel de acuarela y
dibujemos encima con un lápiz más duro, las líneas se
transferirán al papel que hay debajo y obtendremos una
copia exacta a lápiz del dibujo en el papel de acuarela.
La ventaja principal de calcar, en mi opinión, es
que hace que nos sintamos más tranquilos respecto
a nuestros dibujos y no nos arriesguemos a dañar la
acuarela si hay que borrar el boceto. Con frecuencia,
la actitud de “si no funciona, lo intento otra vez” te
llevará precisamente a no tener que intentarlo de
nuevo. Parece raro, pero el simple hecho de tener
la opción de rehacer un cuadro disminuye las
probabilidades de tener que hacerlo.
Calcar en tres pasos
1. Cuaderno de dibujo
2. Copia o papel de calco
3. Papel de acuarela
C O N SE J O S Y T RU C O S
138
DESHACER
Un cepillo de cerdas duras también nos puede servir
para retirar pintura. Sin embargo, siempre va a
quedar, como mínimo, un leve resto de color visible en
el papel, así que usar agua para eliminar la pintura no
es siempre conveniente.
Otro método consiste en intentar sacar la pintura con
una técnica en seco. Por ejemplo, puedes utilizar una
cuchilla de afeitar o papel de lija para rascar capas de
pintura. Esto funciona especialmente bien en tabla
de acuarela suave y dura, pero solo en zonas
pequeñas. Una goma dura de borrar puede eliminar
pigmentos que hayan calado en el papel, pero puede
resultar muy agresiva con el papel, así que borra con
cuidado.
Sin embargo, hay algunos colores (muchos tonos
rojos y verdes, especialmente) que penetran tan
a fondo la superficie del papel que son difíciles
de sacar. Así que no esperes unos resultados
perfectamente limpios.
En la práctica, se ha comprobado que una
combinación de técnicas secas y húmedas funciona
bien para sacar la acuarela. Pero si primero intentas
sacar la pintura con agua, asegúrate de que el papel
se seque por completo antes de intentar quitarlo con
una técnica seca, porque se puede rasgar.
Por supuesto, lo mejor que puedes hacer es ser
fiel a tus fallos.
La pintura a la acuarela
puede ser obstinada
cuando intentas
eliminarla.
Algunos tonos se pueden lavar
sin que dejen resto alguno.
Para eliminarlos de la manera
más limpia, humedece un poco
la pintura y utiliza una esponja
o cepillo sintético para sacarla
al cabo de unos segundos.
Algunos tonos dejan una
sombra porque los pigmentos
han penetrado mucho en el
papel. En este caso, una goma
de borrar dura puede ayudar,
pero solo en papel de buena
calidad. Izquierda, arriba:
pinturas que se han lavado.
Izquierda, abajo: después de
utilizar una goma además del
lavado.
También puedes eliminar
restos de pintura a la
acuarela con un cuchillo,
una cuchilla o papel de lija.
Estos materiales también
son útiles para crear efectos
como, por ejemplo, briznas
finas de hierba en un
prado, nubes algodonosas
o reflejos en el agua.
C O N SE J O S Y T RU C O S
140
FUSIONAR
LOS COLORES
Trabajar a partir
de un color
y también unifica otros tonos. Los grises como el
gris payne, por ejemplo, funcionarán muy bien
con esta estrategia si se aplican rápido con un
pincel grande. No obstante, existe el riesgo de
que la nueva capa humedezca la que está debajo
y emborrone todo lo que hayas dibujado hasta
ese momento.
Hay un velo gris sobre la ciudad /
Que mi madre no ha lavado aún.
Por lo tanto, yo prefiero empezar siempre
con la capa subyacente de color antes de trabajar
Die Fehlfarben, 1980
en los detalles.
Cuando fusiones colores, también puedes
¿No crees que un día de junio a las 19:52 de la tarde
aplicar primero gradaciones de húmedo sobre
el mundo muestra su versión más bonita? ¿Cuando
húmedo. Puedes crear destellos de luz o
el sol está bajo y lo impregna todo de un resplandor
sombras en la primera capa unificadora,
amarillo? ¿O cuando la niebla entra en el puerto
obteniendo así un elemento gráfico sobre el
y extiende un tono lechoso en el horizonte? ¿Y qué me
que construir la imagen. Por ejemplo, un punto
dices del crepúsculo: cuando las estrellas aparecen
oscuro añadido al papel en los estadios iniciales
en el cielo de la tarde y la noche lo baña todo de azul
de un cuadro puede evolucionar hacia las
y violeta?
sombras de una habitación o el centro de
Un tono común en la luz no es solo precioso a
la vista, sino también sumamente importante en la
pintura, ya que unifica los colores.
Un buen modo de crear una paleta de color
una flor.
Estas técnicas producen
unos excelentes efectos y
establecen el tono general
armónica y coherente es fusionar los colores. Esto
y el ambiente del dibujo
significa crear la ilusión de que todo el cuadro está
desde el principio.
bañado por un solo tipo de luz.
Lo mejor es pintar de un solo color toda la
superficie del papel antes de ponerse con los
detalles. Esto establece un tono, un ambiente
general sobre el que pintar la imagen. Aquí funciona
muy bien una técnica de húmedo sobre húmedo.
Como las sucesivas capas de pintura a la acuarela
se mezclan unas con otras, este tono inicial estará
presente en todo el cuadro: todas las capas de color
que añadas después se mezclarán con este color
inicial único, y por lo tanto serán armónicas. El tono
subyacente unificará los colores que se apliquen
sobre él.
También lo puedes hacer al revés y aplicar una
última capa de color sobre la obra acabada. Esto
atenúa los colores que no hayan funcionado muy bien
Página anterior:
la capa unificadora
se ha pintado
primero.
Abajo:
la capa unificadora
se ha añadido al
final.
C O N SE J O S Y T RU C O S
142
Consejo: el papel de
color va muy bien para
hacer collages, porque
el contraste con el fondo
nuevo produce una
plasticidad convincente.
TR ABAJAR CON
PAPEL DE COLOR
Otro truco estupendo para fusionar los colores es
escoger el papel a propósito. Prueba a pintar en papel
de color en vez de en papel blanco. Es aún más fácil
crear armonías de color agradables sobre fondos de
color que sobre hojas blancas de acuarela.
Al igual que un lavado de pintura inicial unifica los
colores, el papel de color aporta un ambiente o tono
básico, cohesivo, que guía visualmente todas las capas
de pintura en una dirección. Los papeles de tonos
básicos crean contextos lumínicos por sí solos.
Los papeles que mejor funcionan en estos casos
son los amarillos, grises o marrones. El papel reciclado
también puede resultar muy efectivo. Los sobres viejos,
páginas de libros, papel pintado de pared, papel de
regalo y papel viejo de estraza son opciones excelentes.
En realidad, lo que importa es que el color del papel
tenga la suficiente intensidad como para unificar los
colores con los que pintas, pero no tanta como para que
se coma el glaseado de acuarela. Suena simple, pero lo
cierto es que el papel de color crea un contexto básico
que facilita el trabajo con colores, ya que le da a la
imagen un color natural, unificador.
Consejo: sobre el papel
de color puedes utilizar
incluso pintura de acuarela
blanca opaca, porque
se ve mucho más pura e
inmaculada que cuando se
pinta sobre papel blanco.
C O N SE J O S Y T RU C O S
144
EFECTOS ESPECIALES
Existen una serie de aditivos y de trucos que alteran
el efecto de las acuarelas. La hiel de buey es muy
común, y algunos fabricantes la añaden a sus sets de
pintura como elemento fijo.
Está hecha con vesícula biliar de ganado vacuno
(no chupes el pincel, sabe fatal)
y se utiliza sobre todo para
mejorar el flujo, retrasar el
secado y eliminar las manchas
de grasa que puedan haber
ensuciado el papel (marcas de
huellas dactilares, por ejemplo).
Sinceramente, no me
parece que la hiel de buey sea muy necesaria. En mi
opinión, a no ser que tengas muchísimo espacio en
la caja de pinturas, puedes prescindir de ella sin
problema.
Hay un par de elementos que no vienen en la caja
de pinturas y que sí pueden influir de forma decisiva
en el resultado de tus cuadros. Por ejemplo, si
quieres crear manchas y salpicaduras, puedes
espolvorear sal o salpicar con saliva (¡en serio!)
el cuadro. También puedes sacar la mina de los
lápices de acuarela y espolvorear las virutas
sobre el papel cuando la pintura aún esté
húmeda para conseguir texturas fantásticas.
Esta técnica produce efectos sumamente
interesantes y enfatiza el color de los
cuadros de manera notable.
Naturalmente, este tipo
de trucos por sí solos no
garantizan la calidad de un
cuadro, pero son maneras
estupendas de realzar una
imagen. En un cielo de
invierno, la saliva puede
parecer nieve, y las virutas
de los lápices de acuarelas
texturas orgánicas como
plantas o rocas. Bien
utilizados, estos trucos
son muy valiosos.
C O N SE J O S Y T RU C O S
146
LETR AS Y ESCRITUR A
Los dibujos y los caracteres han sido esenciales para
el desarrollo humano desde tiempos inmemoriales.
Todos los caracteres escritos empezaron siendo
Su uso permitió transmitir ideas y mensajes de una
pictogramas o dibujos que encarnaban su significado.
persona a otra sin que fuera necesario el habla,
Los jeroglíficos egipcios eran pictogramas, aunque
y de esta forma hicieron posible que la información
también se asociaban con consonantes. En algunos
se pudiera almacenar y transportar: el tiempo
tipos de escritura, aún se pueden reconocer los
y el espacio habían dejado de ser un obstáculo.
pictogramas originales. Por ejemplo, la antigua
forma del carácter chino correspondiente a “persona”
Sin imágenes ni caracteres escritos, probablemente
realmente se parece un poco a una figura humana,
aún estaríamos persiguiendo manadas de renos por el
y el carácter correspondiente a “luna” recuerda a una
monte. El desarrollo del mundo moderno y todos sus
luna creciente.
avances, desde la impresión de libros a la invención
A lo largo de los siglos, los pictogramas iniciales
de la tostadora, únicamente han sido posibles gracias
fueron perdiendo gradualmente su forma, se
a nuestra capacidad para preservar y transmitir el
convirtieron en fonemas y sílabas y se abstrajeron
conocimiento de unos a otros.
hasta convertirse en lo que hoy reconocemos como
Hace aproximadamente cinco mil años, los sumerios
letras y caracteres. No obstante, la escritura no solo
de la ciudad de Uruk (hoy Irak) dieron un enorme salto
sirve para transmitir información. También tiene su
cualitativo hacia el perfeccionamiento de la transmisión
belleza intrínseca.
de información al pasar de los pictogramas a la escritura
Al igual que podemos utilizar bolígrafos y
cuneiforme, una forma temprana de escritura. Como ya
lápices tanto para escribir como para dibujar, los
deberíamos saber, las imágenes y la escritura están
pinceles no solo tienen que usarse para pintar,
íntimamente relacionadas.
también se puede escribir con ellos.
Consejo: si alguna vez has intentado
utilizar sellos de letras con pintura a la
acuarela, te habrás dado cuenta de que
la pintura no se adhiere muy bien a los
sellos normales. Una buena alternativa
es hacer un sello de toda la vida con una
patata. Las pinturas a la acuarela se
adhieren bien al almidón de la patata,
haciendo así que sellar sea viable en los
experimentos tipográficos con acuarela.
Las letras a pincel son
un buen modo de aunar
escritura y dibujo, como
si de un reencuentro entre
parientes se tratara. Si
complementamos nuestras
imágenes con caracteres
escritos a mano o pintamos
acuarelas caligráficas,
estaremos, en cierto modo,
volviendo a un único elemento: nos
acercamos a la imagen y nos alejamos de la
abstracción de la escritura. Además, con la escritura
a mano tendemos un puente que une la escritura con
algo personal.
Así que usa también el set de acuarela para escribir.
Te darás cuenta de que la escritura a mano es preciosa,
y aún más, de que te sirve para expresarte de forma
muy personal. El camino que enlaza tu mente y tu mano,
tus pensamientos con tu estilo personal, es muy corto,
y está muy bien usarlo para muchas más cosas que una
simple firma en la parte inferior de un cuadro.
C O N SE J O S Y T RU C O S
148
MAQUETAS,
GAR ABATOS Y
STORYBOARDS
Hoy en día, en diseño aplicado no se emplean muchas
técnicas de dibujo a mano por una razón muy sencilla:
las revisiones.
Las maquetas y los storyboards se modifican mucho más
de lo que te podrías imaginar. Los anuncios más pequeños,
En esta página:
las ilustraciones, las animaciones y las películas pasan
storyboards e
por una auténtica metamorfosis hasta que se consideran
ilustraciones
presentables.
de maquetas.
En el transcurso de las revisiones, la mujer que está
Página siguiente:
en el primer plano de un anuncio, por ejemplo, puede verse
ilustración
sustituida por un hombre, el cual a su vez se puede ver
garabateada para
comunicaciones
internas y
presentaciones
a clientes.
Cliente: Factor
Design, Hamburgo.
reemplazado por un coche, al que cambian por un niño, que,
en la siguiente reunión, vuelve a mutar y ser de nuevo una
mujer (pero con un vestido de otro color en la versión final).
No se trata tanto de cambiar la estética sino de tener
la capacidad de revisar. Y es evidente que las técnicas
digitales son más indicadas para esto que las analógicas.
Aun así, todo depende de la fase del proyecto de la que
estemos hablando. Si estamos en el campo, en una reunión
o una presentación, la balanza se inclina enseguida a favor
de las técnicas tradicionales de dibujo a mano. Para
explicar algo rápido, para proponer una idea, el dibujo
es insuperable. Las acuarelas también son una
muy buena opción en estos casos. No tienes
que cargar con un surtido de rotuladores de
muchos colores. En su lugar, simplemente
sacas el set de pintura en miniatura y das
color a tus ideas. En presentaciones y
sobre todo en reuniones, un pequeño
garabato puede subrayar lo que se está
diciendo, consiguiendo así un efecto
fantástico.
Como todos sabemos, al final lo que importa son
las ideas. El vehículo que utilices para darles forma debería
escogerse de acuerdo con la situación.
Consejo: los pinceles con depósito
de agua están especialmente
indicados para el trabajo de
campo, en reuniones, etc.
Evitan las manchas y que tengas
que ir por ahí con vasos de
agua. Estos pinceles incluyen
un depósito de agua, que fluye
si ejerces una ligera presión.
Puedes encontrarlos en tiendas de
material artístico bien provistas
o en Internet, y son una excelente
opción transportable para tener
a mano.
C O N SE J O S Y T RU C O S
150
ILUSTR ACIONES
CON ACUARELAS
Hay un componente anárquico en la pintura a la
acuarela. Siempre hace lo que quiere y por ello no
es tan predecible como, por ejemplo, los vectores
gráficos hechos con ordenador.
Las acuarelas y las correcciones, por lo tanto, no
se llevan muy bien. Cuando pintamos con acuarela,
borrar algo es prácticamente imposible, y lo que
es peor, tampoco podemos pintar encima. Aunque
podemos intervenir utilizando programas de
procesamiento de imágenes como Photoshop, corregir
acuarelas a mano es más difícil. Este problema no
lustración en acuarela
es nuevo: desde su invención, las acuarelas han
para la revista Mare
sido difíciles de retocar, aunque bien es cierto
(Hamburgo).
que la revolución digital ha facilitado las cosas y,
Arriba: boceto inicial.
Centro: boceto más
preciso, usando aún una
paleta de color totalmente
distinta.
Abajo: resultado final,
después de muchas fases
de revisión.
lógicamente, la demanda de revisiones ha aumentado
considerablemente.
Aun así, la pintura a la acuarela es excelente para
hacer ilustraciones, porque la naturaleza indomable
de la pintura tiene algo espontáneo y bello. Por eso las
acuarelas son indispensables para algunos tipos de
ilustración, por ejemplo, la literaria, en especial libros
infantiles.
Así que te recomiendo que hagas cuidados dibujos
preliminares. Si les das a tus clientes dibujos en color
que ya contengan toda la información pictórica que
necesiten, aún podrás realizar después correcciones,
pero te será más cómodo llevarlas a cabo.
Consejo: cuando ilustres
con acuarela, ofrece
a tus clientes dibujos
informativos. Las posibles
correcciones se pueden
tomar en consideración
y aplicar a continuación.
C O N SE J O S Y T RU C O S
152
¿CUÁNTO VALE
TU OBR A?
Curiosamente, casi todos los artistas plásticos y
diseñadores gráficos nos sentimos incómodos con
este tema.
Lo evitamos por completo, damos precios demasiado
precio. Del mismo modo, independientemente de
altos o demasiado bajos y estamos encantados cuando
sus precios, los cuadros, las páginas de un cuaderno
otras personas (galeristas, agentes o amigos) tasan las
de dibujo o las notitas poseen un valor especial.
obras. No es que se nos den mal los negocios, pero con
demasiada frecuencia no vemos los precios como el
equivalente material del reconocimiento de los otros.
Los cuadros casi siempre tienen valor, pero eso no
significa que sean siempre productos rentables.
Incluso si el valor es mucho más importante que
Erróneamente, vemos el precio como indicativo de
el precio, el arte y el diseño son, desde luego, trabajo.
nuestra calidad artística.
Así, una obra de arte también debería tener valor
Si el precio es demasiado bajo, nos imaginamos
esfumándonos hacia la irrelevancia; si es demasiado
económico.
Pero curiosamente, tanto la sociedad como los
alto, la presión de no defraudar nos sofoca. No se trata
artistas tienden a precipitarse a los mismos extremos:
del precio, sino de nosotros mismos. Curiosamente,
enseguida inflamos o bajamos más de lo necesario
eso es lo que hace que sea tan difícil poner precio
nuestros precios porque no hay referencias universales
a nuestro trabajo.
que sirvan para equiparar monetariamente valores
Dicen que el mercado establece el precio. Cuanta
más gente quiera colgar este cuadro en la pared
(o en el caso de los derechos de uso, cuanta más gente
quiera reproducir la obra), más alto será el precio. Por
personales.
Los precios bajos a menudo se justifican con
“he disfrutado haciéndolo”.
Yo fijo así mis precios: el factor decisivo es si estoy
eso, un precio alto debe significar que la obra le gusta
vendiendo el cuadro o solo los derechos. En caso de
a mucha gente.
que sean los derechos, quedarse con un royalty me
Es muy destacable que permitamos que nuestro
parece lo más práctico, porque así, sin tener que citar
valor como artistas dependa tanto de este principio
cifras reales, retienes una fracción considerable de
de valor de mercado, ya que el mercado no tiene
los beneficios.
necesariamente la mirada más educada. El valor
de mercado también puede hacer que algo
intranscendente sea caro y viceversa.
Una buena obra puede carecer de valor
en el mercado porque nadie la reconoce.
Resumiendo, yo personalmente
no creo que precio y valor sean
lo mismo. Al revés, las cosas
verdaderamente significativas
suelen ser imposibles de vender: los
buenos recuerdos, los días de verano
y los primeros amores no tienen
Consejo: no te olvides
de que el precio no es el
valor del cuadro. El valor
no se puede medir.
Si quieres vender un cuadro, el precio debería
incluir la destreza en la ejecución, la calidad, la
idea, el esfuerzo y el tamaño. Además, no está de
más que tengas en cuenta, en cierta medida, el
presupuesto del comprador.
Personalmente, no creo que un cuadro deba ser
más caro que el sofá sobre el que está colgado. Así
que quizá debas adaptar el precio en función de si va
a colgarse encima de un sofá de Ikea o de una chaise
longue de diseño italiano.
C O N SE J O S Y T RU C O S
154
TODO LLEGA A SU FIN
¿Cuándo se acaba
un cuadro?
La pregunta de cuándo está terminada una imagen
rehumedecen y se pintan por encima se vuelven
nunca surge con una Polaroid. Miras por el visor,
apagadas y pierden su luminosidad.
aprietas el botón, sueltas y la foto está hecha.
En todos los cuadros, llega un momento en el
que seguir pintando no mejora la obra, sino que la
O sale bien o sale mal.
empeora. Los pintores hablan entonces de “pintar un
Con un cuadro las cosas son muy diferentes.
cuadro hasta la muerte”. Un componente importante
Un cuadro evoluciona desde el dibujo preliminar,
del arte —especialmente en la pintura a la acuarela—
la preparación del fondo hasta el resultado final.
es reconocer cuándo va a llegar este momento y soltar
Añadimos un
elemento y
eliminamos otro.
Un cuadro nos
acabado en el
momento en
que sueltas el
deberíamos es que sabemos que en cuanto lo
demos por acabado estaremos sometiendo la obra
a evaluación. Los cuadros inacabados no se pueden
crecimiento. Mientras
juzgar. Mientras el cuadro sea una obra en proceso,
crece, lo vamos
estaremos retrasando ese momento de la verdad.
orientando en una
El miedo a este momento es el que nos fuerza a
dirección u otra.
quedarnos encallados en una especie de purgatorio y
controlarlo, también
fotografía. No está
trabajamos en un cuadro más tiempo del que
tiempo y energía en su
los únicos capaces de
mismo que una
Una de las razones por las que a menudo
acompaña: invertimos
Pero como somos
Un dibujo no es lo
el pincel.
a seguir dedicándole a nuestros cuadros más tiempo
del necesario.
Resulta paradójico que sea esto exactamente
somos la única autoridad que lo puede declarar
lo que hace que un cuadro sea peor. Si tuviésemos
acabado.
el valor de darlo por terminado, podríamos evitar
Este es el dilema. Dedicamos tanto tiempo a
nuestro cuadro que curiosamente también perdemos
la distancia respecto a él.
La pregunta de cuándo se acaba un cuadro es,
obturador; le damos
realmente, muy importante. ¿Deberíamos cambiar
forma a medida que
un elemento o añadir otro? ¿Es esta forma la más
va creciendo.
adecuada? ¿El color indicado? Si seguimos pintando
y somos incapaces de darlo por concluido, nos
arriesgamos a estropearlo. La pintura a la acuarela
en particular parece muerta cuando acumulamos
una capa tras otra sin cesar. Las acuarelas que se
pintarlo “hasta la muerte”.
¿Cuándo está acabado tu cuadro? En el momento
en el que sientas que no puede mejorar, sino
únicamente ir a peor.
156
ÍNDICE
Acabar, 154
efectos de, 22, 48, 60
Acuarela
favorito, 74
actitudes hacia, 7
fríos, 68
Generadores de color, 63
características de, 7, 100
fusión, 141, 143
Goma arábiga, 10–11
historia de, 12
luminoso vs. no luminoso,
Gris, 26–27, 29
tiempo y, 8–9
mezclar colores con, 32–33
Pigmentos, 11, 12–13
practicar, 34
Pinceladas, 99
Acuarelas líquidas, 104–105
mezcla, 32–33, 98–99
Hiel de buey, 144
Agua, pintar, 120–121
perspectiva y, 76–77
Humo, 122
Aire, 122, 124–125
resistencia a la luz de, 13, 97,
Armonía monocromática, 65
Armonías de color
análogas, 65
cálido-cálido, 68
complementaria dividida, 65
104–105
tunear, 102–105
Ilustraciones, 150–151
composición de, 10–13
comprar, 96–97
Ver también colores
combinar glaseados y, 47
diluir, 41
individuales
efectos de, 36
en tubos vs. pastillas, 93
técnicas, 38–45
mezclar, 98–99
Composición, 128–129
Letras, 146–147
frío-frío, 68
Contrastes, 53
Luz
monocromático, 65
Creatividad, 83, 87
no familiares, 74–75
Diseño
tetrádica, 66
composición y, 128–129
triádica, 66
decisiones y, 25
Azul, 18–19, 60, 76–77
sacar, 42–43, 138–139
símbolos de, 97
blanco como, 31, 38
Precios de venta, 152–153
efecto de, 56
Prioridades, 90
sombras y, 26–27
Relajarse, 84–85
Manchas, 130–131, 144
Rojo, 16–17, 60
Maquetación, 148
Ruedas de color, 50–51, 63
Efectos especiales, 144–145
Marcas al agua, 111
Emociones, 60, 89
Miniaturas, 129
Sellos, 131, 147
Enmascarar, 134, 135
Morado, 16–17
Sketches, preliminares, 136–137
Storyboards, 148
Cajas de pinturas, 92, 93
Escribir, 146–147
Códigos cromáticos, 72–73
Espacio negativo, 132–133
Naranja, 15
Color iconográfico, 54–55
Estilo
Negro, 28–29, 96
Color local, 54
creatividad y, 83
Color verdadero, 56–57
encontrar tu propio, 80
Colores
relajarse y, 84–85
cálido, 68
Sombras, 26–27
Niebla, 122
Técnica de húmedo sobre
Papel
Temas
húmedo, 44–45
de color, 142–143
Fallos, 138–139
complementarios, 53, 65
contexto cultural y, 62
características de, 100
Lavado
diseñar, 72–73
ciencia detrás de, 48–49
acuarela líquida, 104–105
Lápices, 95, 103, 144
Comida, pintar, 34
Blanco, 31, 38, 79, 96, 132–135
Pinturas
color de, húmedo vs. seco, 13
complementaria, 65
recoger, 71
Pinceles, 106–109, 149
aplicar, 42–43
tipos de, 54–57
uso económico de, 78–79
149
Pintura al aire libre, 116
48–49
Amarillo, 14–15
Pinceles con depósito de agua,
Glaseado
escoger, 110–111
distancia de, 129
escoger, 89, 126
estirar, 112–113
Tiempo, mal, 116
historia de, 110
Tinta china, 28–29
dar intensidad con, 59
capas de, 31, 34
de pinturas húmedas vs.
combinar lavados y, 47
cambiar, 118
Valor, concepto de, 152–153
con tinta china, 28–29
color y, 76–77
Verde, 20–21, 60
secas, 13
Perspectiva