Un concierto de mujeres compositoras

Un concierto de
mujeres compositoras
Leonardo Arenas López
Introducción
Después de que ayer se celebrara el día de la mujer trabajadora el concierto de hoy
está dedicado a una serie de mujeres que se dedicaron o se dedican profesionalmente
a la música, algunas de ellas en periodos de la historia en los que la condición
femenina suponía un obstáculo para esta actividad debido a los prejuicios sociales.
Hace unos días un alumno no entendía que los profesores de conservatorio
tuviéramos que incluir como tema transversal en nuestras clases la “Educación por la
igualdad de oportunidades entre sexos”, ya que en su opinión las mujeres tenían
actualmente las mismas oportunidades que los hombres. Aún deseando que mi
alumno tenga razón el problema es más complejo. Actualmente muchas mujeres
compositoras, algunas de ellas de gran éxito, se siguen preguntando por la ausencia
de “grandes compositoras” en la historia de la música, y siguen sufriendo con
amargura e impotencia dicho interrogante. Diarios, cartas y autobiografías de otras
mujeres, así como dedicatorias y prólogos de las publicaciones, se refieren con
frecuencia a la ansiedad producida en tanto que mujeres y compositoras. Como señala
la musicóloga Pilar Ramos López, la imposibilidad de establecer una genealogía de
compositoras ha resultado asfixiante para mujeres enfrentadas a la tarea de
componer. Si nadie recordaba a una compositora brillante no es porque no las hubiera,
como está demostrando la historiografía en las últimas décadas, sino justamente,
porque no han formado parte del canon. Las adolescentes que llenan hoy nuestros
conservatorios y escuelas de música necesitan saber que su sexo no las condena al
ostracismo en la profesión.
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Cécile Chaminade
El primer bloque del concierto está dedicado a la compositora y pianista francesa
Cécile Chaminade, nacida en París en 1857 y fallecida en Monte Carlo en 1944. Si
bien es sorprendente que casi la totalidad de las aproximadamente 400 composiciones
de Chaminade fueron publicadas, lo que es más sorprendente es la fuerte caída de su
reputación conforme avanzó el siglo 20. Esto es en parte atribuible a un generalizado
menosprecio de la conservadora música romántica francesa tardía, pero también es
debido a los condicionantes sociales y estéticos que afectan a las mujeres y su
música.
Chaminade recibió su primera instrucción musical de su madre, pianista y cantante;
sus primeras piezas datan de mediados de la década de 1860. Debido a la oposición
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paterna a que se matriculara en el Conservatorio de París, estudió privadamente con
miembros de esta institución. A principios de la década de 1880 Chaminade comenzó
a dedicarse a la composición más arduamente, y obras como el primer trío para piano,
op.11 y la Suite d'Orchestre op.20 fueron bien recibidas. Compuso una ópera cómica,
La Sévillane, que fue estrenada privadamente. Otras grandes obras de la década
fueron el ballet sinfónico Callirhoë op.37; el popular Concertstück op.40 para piano y
orquesta, y la sinfonía dramática Les amazones. Después de 1890, con la notable
excepción del Concertino para flauta op.107, encargado por el Conservatorio, y su
única Sonata para piano, Chaminade compuso principalmente piezas de carácter y
mélodies (canciones). Aunque los motivos más importantes de este cambio pudieron
ser necesidades económicas, o consideraciones estéticas o discriminatorias, esta
música se convirtió en muy popular, especialmente en Inglaterra y los EE.UU.;
Chaminade ayudó a promover las ventas a través de extensas giras de conciertos.
Desde 1892 se presentó regularmente en Inglaterra y se convirtió en una invitada
bienvenida por la reina Victoria y otros. Mientras tanto, el entusiasmo por esta
compositora crecía en los EE.UU., en gran parte a través de los muchos clubes de
fans de Chaminade formados en torno a 1900, y en el otoño de 1908 decidió hacer
finalmente el arduo viaje hasta allí. Se presentó en 12 ciudades, desde Boston hasta
San Luis. Con la excepción del concierto en la Academia de Música de Filadelfia a
principios de noviembre, que incluyó el Concertstück, el programa constó de piezas
para piano y mélodies. La gira fue un éxito financiero, la valoración de la crítica, sin
embargo, fue diversa. Muchas críticas practicaron una forma de estética sexista que
fue común en la carrera de Chaminade y de muchas mujeres compositoras en los
siglos XIX y XX. Piezas consideradas dulces y encantadoras, sobre todo las líricas
piezas de carácter y las canciones, fueron criticadas por ser demasiado femeninas,
mientras que las obras que hacen hincapié en el desarrollo de los temas, como el
Concertstück, se consideraban demasiado viriles o masculinas y, por tanto,
inadecuadas para la naturaleza femenina de la compositora. Basado también en
supuestos sobre el relativo valor de las obras a gran escala y de las breves, de estilos
complejo y simple respectivamente, y contextos interpretativos público y doméstico,
este entramado crítico fue en gran parte responsable del declive de la reputación como
compositora de Chaminade en el siglo XX. En 1913 recibió la Legión de Honor (la
primera vez que se concedió a una mujer compositora), un premio que llegó tarde
después de cerca de 20 años en gran medida ignorada en Francia. Si bien su
actividad como compositora disminuyó eventualmente a causa de la Primera Guerra
Mundial y el deterioro de su salud, Chaminade hizo varias grabaciones, muchas de
ellas en rollos para pianola, entre 1901 y 1914.
Chaminade fue perfectamente consciente de las dificultades sociales y personales a
las que tenía que hacer frente una mujer compositora. Su producción es notable entre
las mujeres compositores por su cantidad, su alto porcentaje de trabajos publicados y
por el hecho de que una gran parte - sobre todo obras para piano y mélodies - fueron
aparentemente compuestas expresamente para su publicación y su venta. Chaminade
compuso casi 200 obras para piano, la mayoría de ellas piezas de carácter, y más de
125 mélodies; estos dos géneros constituyeron la base de su popularidad.
Estilísticamente, su música es melodiosa y accesible, con melodías memorables,
texturas claras y armonías ligeramente cromáticas. Su énfasis en la gracia y el color es
típicamente francés. Muchas obras parecen inspiradas por la danza. De sus obras a
gran escala, el Concertstück en un movimiento recuerda en determinados aspectos a
Wagner y Liszt, mientras que los tres movimientos de la Sonata para piano muestran
la experimentación formal y expresiva que es típica del género a finales del siglo XIX.
Las mélodies se acomodan perfectamente a la voz y están bien adaptadas expresiva y
poéticamente al ambiente del salón o la sala de recitales, los lugares propios de dichas
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obras. El Concertino ha seguido siendo un elemento básico del repertorio para flauta,
aunque se trata de un trabajo a gran escala y, por tanto, representa una parte
relativamente pequeña de su producción, la obra sigue proporcionando el sentido de la
elegancia y el atractivo de la música de Chaminade.
Hoy escucharemos una muestra de los dos géneros que constituyeron la base de la
popularidad de Chaminade a principios del siglo XX y del ostracismo al que la condenó
posteriormente la crítica sexista, las piezas de carácter para piano y las melodiés.
Alice Gómez, Marilyn Rifé y Keiko Abe
El siguiente bloque del concierto está dedicado a tres compositoras e intérpretes de
música para percusión. Las obras de estas tres compositoras están muy diferenciadas
en la escena del instrumento: mientras que Alice Gómez y Marilyn Rifé componen
música encuadrable dentro de lo didáctico y el minimalismo, Keiko Abe es
indiscutiblemente una de las grandes intérpretes y compositoras del instrumento.
Alice Gómez, nacida en 1960, es reconocida por sus composiciones influenciadas por
la música latina y la de los nativos americanos. Creció en San Antonio, Texas, una
ciudad rica en diversidad cultural. Como compositora, su objetivo es crear obras que
capturen el verdadero espíritu de la música étnica y lo comuniquen al lenguaje musical
contemporáneo. En la creación de nuevas obras se esfuerza por preservar y promover
las tradiciones de su propia cultura hispana, así como las de las muchas otras culturas
que ha adoptado. El premio de compositora en residencia de la Sinfónica de San
Antonio, de 1993 a 1996, le sirvió para crear nuevas obras destinadas a unir a la
sinfónica con la amplia comunidad hispana de San Antonio. Ha tenido la oportunidad
de componer y arreglar obras para diversas orquestas profesionales, bandas y solistas
de todos los Estados Unidos. También ha recibido varios premios de la ASCAP
(Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores). Actualmente es profesora
de música en el San Antonio Community College. Como percusionista ha actuado
profesionalmente con una gran variedad de grupos musicales. Además ha impartido
clases en numerosos congresos nacionales, y en varias escuelas y universidades por
todos los Estados Unidos.
Marilyn Rifé destaca por su actividad como percusionista, habiendo trabajado con
diversas orquestas norteamericanas. También ha trabajado como profesora de
percusión en universidades de San Antonio. En noviembre de 1992 Rifé interpretó
como solista el estreno mundial de "Primitive Echoes" Concierto para Timbales y
Orquesta, de Alice Gómez.
En relación a las obras de estas dos compositoras que escucharemos a continuación
comentar que Marimba flamenca y Gitano son dos obras basadas en la cadencia
andaluza (flamenco al estilo Hollywood). Por su parte, Mbira song emplea un tema
basado en este instrumento africano, al modo en que lo hacían sonar los esclavos
negros que fueron los que lo exportaron a Latinoamérica. La Mbira era tocada
tradicionalmente por hombres, aunque las mujeres poco a poco se van incorporando.
Anasazi y Rain dance, como indican sus nombres, están mas cercanas al ámbito
étnico de las tribus nativas americanas.
Keiko Abe es una compositora e intérprete de marimba nacida en Tokio en 1937.
Después de obtener los títulos de composición y percusión en la universidad de Tokio
inició un trío de marimba que tocaba música popular, pero frustrada por el limitado
alcance del conjunto, en 1962 entró en el mundo de la música clásica contemporánea.
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Durante este período, tuvo su propio show en la televisión japonesa, instruyendo a los
escolares en el xilófono, así como un programa de radio llamado "Good Morning
Marimba". Los comienzos de su carrera discográfica también fueron fulgurantes, con
13 discos en un periodo de cinco años. En 1963, la Yamaha Corporation solicitó su
ayuda en el diseño de sus instrumentos; a instancia suya en la década de 1970
comenzó la producción de una gama de nuevas marimbas que se extendían desde
cuatro a cinco octavas, que se ha convertido en el estándar para los solistas.
Intérprete profesionalmente activa desde 1960, ha viajado ampliamente por Europa,
Norteamérica y Asia, con giras anuales desde 1981. Mediante el desarrollo de nuevas
destrezas técnicas y la ampliación del repertorio con más de 70 encargos a otros
compositores, ha contribuido significativamente al estatus de la música para marimba.
Después de una década de estudio de las obras y la interpretación orquestal, estudió
las interpretaciones de artistas de jazz como Milt Jackson y Lionel Hampton, con el fin
de desarrollar su propio estilo personal de improvisación como una fuente creativa
para la composición. Técnicamente todavía desafiantes para el idiomatismo de la
marimba, sus obras suelen comenzar como improvisaciones y más tarde son escritas.
Sus composiciones incluyen una amplia gama dinámica, técnicas tomadas de las
tradiciones musicales folclóricas y el cuidado en el movimiento de las voces de los
acordes. Usando la técnica de cuatro y a veces seis mazas, a menudo combina una
línea melódica con un fondo impresionista de patrones rítmicos. Sus interpretaciones
de sus composiciones y las de otros compositores japoneses han sido muy influyentes
en la evolución de la música para marimba en los EE.UU., especialmente desde 1969,
cuando Columbia Records lanzó Keiko Abe: Art of Marimba, un álbum de tres discos
de obras de compositores japoneses. Sus composiciones, que incluyen obras para
marimba a solo o como instrumento destacado, se interpretan ampliamente y se han
convertido en estándar del repertorio para marimba. Además de su carrera como
compositora, y sus giras y grabaciones como intérprete, Abe ha sido profesora en la
Toho Gakuen School of Music en Tokio desde 1969. Fue la primera mujer en ser
elegida por la Percussive Arts Society Hall of Fame, en 1993, y la primera interprete en
desarrollar la técnica de seis mazas.
Frogs, la obra de Keiko Abe que escucharemos hoy, es un estudio de nivel superior
cuyo nombre está justificado además de por el tema musical, por los saltos que debe
realizar el intérprete, cuanto más rápido se quiere ejecutar, para llegar a tiempo de un
extremo a otro de la marimba.
Para terminar esta intervención querría agradecer al profesor de percusión Lorenzo
Rodríguez la ayuda que me ha prestado para redactar las notas que acabo de leer.
Rebecca Clarke e Yvonne Anthony
El concierto se cerrará con obras de dos compositoras nacidas o criadas en el Reino
Unido: Rebeca Clarke e Yvonne Anthony.
Rebecca Clarke destacó como compositora e intérprete de viola. Nació cerca de
Londres en 1886 y se crió en Inglaterra, con una madre alemana y un padre
americano. Clarke pasó la mayor parte de su vida adulta en los Estados Unidos, donde
murió en 1979. Su infancia en la tardía época victoriana y, en particular, la crueldad de
su padre, se describen en sus memorias. Si bien es cierto que el ambiente artístico de
su familia le alentó en sus estudios musicales. Clarke se matriculó en la Royal
Academy of Music en 1903, donde estudió violín. Fue abruptamente apartada de la
institución en 1905, cuando su profesor de armonía, Percy Miles, le propuso
matrimonio. En 1907 comenzó un curso de composición en el Royal Conservatory of
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Music, donde fue la primera mujer estudiante de Stanford. Una vez más, no pudo
terminar sus estudios, ya que su padre la desterró de repente de la casa familiar. Para
mantenerse, Clarke se embarcó en una activa carrera como intérprete de violín, y en
1912 se convirtió en una de las primeras mujeres en un conjunto de música
completamente profesional. En 1916 comenzó una estancia en EE.UU. que incluyó
numerosos viajes y conciertos. Con la violonchelista May Mukle, actuó extensamente
en Hawai entre 1918 y 1919 y en una gira alrededor del mundo por las colonias
británicas en 1923. May Mukle fue la primera mujer violonchelista en ganarse una
reputación internacional como intérprete de primera categoría. Durante estos años
Clarke alcanzó fama como compositora con su Sonata para viola y su Trío para piano,
ambas finalistas en el concurso de un festival de música de cámara patrocinado por la
mecenas americana Elizabeth Sprague Coolidge. Coolidge le encargó la Rapsodia
para cello y piano en 1923, convirtiendo a Clarke en la única mujer compositora
financiada por la famosa mecenas. Clarke se estableció en Londres en 1924, donde
actuó como solista y en grupo, participando en emisiones de la BBC, y realizando
varias grabaciones. La cantidad de su producción compositiva disminuyó a finales de
las décadas de 1920 y 1930, posiblemente debido al desaliento al que se enfrentaba
como compositora. Al inicio de la Segunda Guerra Mundial, Clarke permaneció en los
EE.UU. Durante este período regresó a la composición. Su productividad terminó, sin
embargo, cuando aceptó un puesto como niñera en 1942. En una reseña conservada
de las conferencias de 1942 de la ISCM (Sociedad Internacional para la Música
Contemporánea), Clarke describe el Preludio, Allegro y Pastoral que escribió para el
festival, y también menciona las circunstancias de su modesto empleo. Estaba
particularmente orgullosa de que su trabajo fuera incluido, ya que era una de los tres
únicos compositores británicos representados y, como ella y otros señalaron, la única
mujer.
Las primeras composiciones de Clarke precedieron sus estudios en el Royal
Conservatory of Music, consisten en varias canciones de salón y otras con una
estética más avanzada. The Tiger es su canción más oscura, y su tortuoso cromatismo
está próximo al expresionismo. The Seal Man demuestra su interés en los efectos
atmosféricos dentro de estructuras a gran escala, y en la escritura vocal dramática y
declamatoria. Las piezas cortas a solo de Clarke, escritas para tocarlas ella misma o
para sus amigos, pueden ser comparadas con obras similares de Frank Bridge o
Arnold Bax. Sus obras más conocidas, la Sonata para Viola y el Trío para piano, son
poderosos y expansivos ejemplos de la forma sonata post-romántica influenciada por
la tradición alemana. La claridad de la textura y el vocabulario impresionista de estas
piezas sugieren comparaciones con Franck y Debussy. Un artículo contemporáneo
comenta que, en la anónima competición de Coolidge, algunos jueces atribuyeron
erróneamente la Sonata para viola a Ravel, mientras que el Daily Telegraph supuso
que “Rebecca Clarke” era un seudónimo de Ernest Bloch. Las últimas obras de música
de cámara incluyen dos piezas para cuarteto de cuerdas. Sections of Comodo et
amabile ofrece una melodía rítmicamente flotante que rodea una construcción interior
compuesta de breves motivos, ritmos polimétricos, armonías politonales y tensa
escritura contrapuntística. La intensa Poem (1926) fusiona un solo motivo que lo
impregna todo con la armonía y la textura de Debussy, fusionando el color francés con
la profundidad alemana. El Preludio, Allegro y Pastoral para clarinete y viola explora un
estilo neo-clásico. The Dumka, para violín, viola y piano, emplea los ritmos utilizados
en el trío de Dvořák del mismo nombre, e incorpora otros gestos que recuerdan la
música folclórica de Europa oriental, que muestran su familiaridad con la música de
Bartok. Gran parte de la música de Clarke nunca fue publicada y sigue siendo
propiedad de sus herederos. Sus dificultades para publicar su Trío para piano,
documentadas en su diario, pudieron desalentar que persiguiera publicar otras obras
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posteriores. Aunque se ha identificado como uno de los más importantes compositores
británicos de los años de entreguerras, un entendimiento completo de su importancia
sólo se alcanzará cuando más de su música esté disponible para ser estudiada. La
Sonata para viola se ha grabado muchas veces, y el Trio para piano y muchas
canciones también están disponibles en grabaciones. La publicación en 1998 y 1999
de tres de sus muchas obras hasta ahora inéditas aumenta la esperanza de una
mayor disponibilidad de su trabajo en el futuro.
La obra que escucharemos hoy, Lullaby and Grotesque, para viola y cello, es un
ejemplo del tipo de música que solían interpretar la propia compositora con la
violonchelista May Mukle.
El concierto de esta tarde terminará con una obra de la compositora y pianista Yvonne
Anthony. Sin duda la compositora menos conocida de la muestra de hoy. Criada en
Escocia, estudió piano con su abuela y jazz con su padre, que era baterista. Dio su
primer concierto a los 14 años, y a los 20 se mudó a Londres. Después de 6 años de
intenso trabajo (11 conciertos a la semana) se estableció en Australia. Ha trabajado en
la mayoría de los ámbitos de la música incluyendo Big Bands, para la TV, en estudios
de grabación, y como docente.
Bibliografía
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http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/05388
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http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/44728
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consulta: Marzo de 2009).
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Edwards, J. M. "Abe, Keiko." En Grove Music Online. Oxford Music Online,
http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/grove/music/44618
(última
consulta: Marzo de 2009).
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Ramos López, P. (2003). Feminismo y música. Madrid: Narcea.
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La información sobre Alice Gómez está tomada de la propia página web de la
compositora: http://www.alicegomez.com/ (última consulta: Marzo de 2009).
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La información sobre Marilyn Rifé está tomada de la propia página web de la
compositora: http://house-of-music.com/marilynrife/ (última consulta: Marzo de
2009).
-
La información sobre Yvonne Anthony está tomada de su página web:
http://www.sibeliusmusic.com/cgi-bin/user_page.pl?url=spinoffmusic
(última
consulta: Marzo de 2009).
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