Cómo hacer arte con palabras. Estrategias lingüísticas

Cómo hacer arte con palabras.
Estrategias lingüísticas
conceptuales y post-conceptuales
en la Colección MUSAC
19 de diciembre de 2015 – 24 de abril de 2016
DOSSIER DE PRENSA
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CONTENIDOS
FICHA TÉCNICA DE LA EXPOSICIÓN…………………………………………….
3
INTRODUCCIÓN………………………………………………………………………
4
SOBRE CÓMO HACER ARTE CON PALABRAS .......................……………….
4
SOBRE LOS ARTISTAS EN EXPOSICIÓN..……………………..………………..
6
LISTADO DE OBRAS EN EXPOSICIÓN………….……………………….……… 15
IMÁGENES DISPONIBLES EN ALTA RESOLUCIÓN……………….…………… 24
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FICHA TÉCNICA DE LA EXPOSICIÓN
Título: Cómo hacer arte con palabras. Estrategias lingüísticas conceptuales y
postconceptuales en la Colección MUSAC
Artistas: Ignasi Aballí, Yto Barrada, Emese Benczúr, Marc Bijl, Iñaki Bonillas, Chus
Domínguez, Claire Fontaine, Nilo Gallego, Dora García, Juan del Junco, Rafael LozanoHemmer, Mangelos, Vlado Martek, Javier Peñafiel, Fernando Sánchez Castillo, Isidoro
Valcárcel Medina, Gillian Wearing, Silvia Zayas
Comisario: Manuel Olveira
Fechas: 19 de diciembre de 2015 - 24 de abril de 2016
Lugar: Sala 1, MUSAC
Inauguración: Sábado 19 de diciembre de 17:00 a 21:00 horas.
Dirección:
Avda. Reyes Leoneses, 24
24008 León
Teléfono: 987 09 00 00
Horario de apertura:
Martes-viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h. / Sábados, domingos y festivos de
11:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 h.
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INTRODUCCIÓN
El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León presenta el 19 de diciembre ‘Cómo
hacer arte con palabras', una exposición que reflexiona sobre la vigencia de las prácticas
conceptuales y post-conceptuales en el arte contemporáneo a partir de veinte obras
pertenecientes a la Colección MUSAC.
En el decenio que transcurre a partir de 1965 surgen en el ámbito del arte contemporáneo
una serie de comportamientos caracterizados por defender la preeminencia de la idea o
del proceso por encima del resultado formal, objetual o sensible, y en cuya base subyace
un cuestionamiento y una crítica al valor de cambio del arte. Esta mercantilización se
quiere contrarrestar desmaterializando la obra, reduciéndola a su mínima expresión
objetual, valorando lo efímero frente a lo durable y la experiencia asociada al proceso, que
luego se da a conocer al espectador a través de documentos textuales, fotográficos o
videográficos. Este tipo de prácticas artísticas, actualmente denominadas postconceptuales puesto que presentan algunas diferencias respecto al arte conceptual de los
años 60 y 70, perviven en nuestros días con un interés creciente, visible tanto en la obra
de nuevas generaciones de artistas, como en las programaciones de los museos y
centros de arte. Es por ello oportuno revisar su presencia en el seno de la Colección
MUSAC a través de la exposición 'Cómo hacer arte con palabras', cuyo título está
inspirado en la conocida conferencia 'Cómo hacer cosas con palabras', impartida por el
filósofo británico John Langshaw Austin en 1955, en la que se expondrán obras de Ignasi
Aballí, Yto Barrada, Emese Benczúr, Marc Bijl, Iñaki Bonillas, Chus Domínguez, Claire
Fontaine, Nilo Gallego, Dora García, Juan del Junco, Rafael Lozano-Hemmer, Mangelos,
Vlado Martek, Javier Peñafiel, Fernando Sánchez Castillo, Isidoro Valcárcel Medina,
Gillian Wearing, y Silvia Zayas.
'Cómo hacer arte con palabras', que podrá visitarse hasta el 24 de abril de 2016, es la
cuarta muestra dedicada a difundir y reflexionar sobre la Colección MUSAC con motivo
del décimo aniversario del museo, celebrado en 2015. La primera de ellas, titulada ‘10
años después: post Emergencias en la Colección MUSAC’, tuvo lugar entre el 20 de
diciembre de 2014 y el 5 de abril de 2015, seguida de 'Visita guiada. Artista, museo
espectador' (16 de mayo - 20 de septiembre de 2015) y 'GOD SAVE THE QUEEN. Sobre
Pintura en la Colección MUSAC' (19 de septiembre - 16 de diciembre de 2015).
SOBRE CÓMO HACER ARTE CON
PALABRAS
Las palabras, textos, frases, mensajes, diálogos, enunciaciones, proclamas y manifiestos
han sido un recurso muy utilizado en proyectos artísticos y producciones
contemporáneas, muy a menudo caracterizadas por un carácter inconformista ante el
statu quo y una vocación transformadora del sistema del arte y de la sociedad, ya que
muchas de ellas intentan insertar la actividad artística en un contexto más amplio de
preocupaciones sociales, políticas, ecológicas e intelectuales.
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El universo de lo lingüístico está en la base de muchas de las prácticas artísticas
conceptuales, bien por sus posibilidades comunicativas, bien por su compromiso con
algunos problemas contemporáneos, bien como instrumento de acción social y política,
bien por su dimensión poética o su uso como herramienta especulativa. Aunque muchas
de estas prácticas tratan de expandir el territorio del arte, paradójicamente también
suponen una suerte de "replegamiento" del arte sobre sí mismo, en tanto en cuanto se
promueven estrategias citacionistas, apropiacionistas y tautológicas. De una manera u
otra, el uso de la palabra y el texto en el arte no trata tanto de buscar las estructuras
lógicas del lenguaje, sino de estudiar cómo se comportan los usuarios de un lenguaje:
cómo aprenden a hablar y para qué les sirve, ya que el sentido del lenguaje está en su
uso. Puesto que el lenguaje "crea mundo" la exposición pretende mostrar el mundo que
las prácticas artísticas post-conceptuales están generando.
En relación a la facultad del lenguaje de "crear mundo" se halla el concepto
“performatividad”, que hace referencia a la facultad de algunas palabras y expresiones de
convertirse en acciones y transformar la realidad. En 1955, el filósofo John Langshaw
Austin (1911-1960) dictó una serie de conferencias en la universidad de Harvard en las
que reflexionaba sobre un tipo de expresiones que más que describir o enunciar una
situación parecían constituir, en sí mismas, una acción. En la primera conferencia, que
llevaba por título 'How to Do Things with Words' (Cómo hacer cosas con palabras), llamó
a dichas expresiones “performativas”. Austin señaló que verbos como “jurar”, “declarar”,
“legar” o “bautizar” producen oraciones que, de por sí, son ya una acción en sí mismas.
Un ejemplo evidente y obvio es cuando un juez dice: “Yo os declaro marido y mujer” y, al
pronunciar la frase, el matrimonio se constituye y, obviamente, esto cambia la realidad y el
estatus anterior a dicha frase.
Visto desde esa perspectiva, escribir es hacer. En su conocido texto "La muerte del autor"
(1968) el filósofo Roland Barthes revisita el citado concepto de performatividad de Austin
para especular sobre el acto de escribir. Para él escribir es, ante todo, una forma de
hacer, de producir distintas realidades generadas no solo por el escritor (léase en este
caso artista o performer), sino también por el lector (o espectador) quien, a través de la
lectura, da sentido, construye e integra en su presente aquello que se ha escrito. Al leer,
el texto se hace realidad como experiencia de quien lo lee. Es de esta manera como se
entiende un aspecto crucial que pone de manifiesto un rasgo más de lo performativo: lo
que las palabras hacen es producir una subjetividad, es decir, una forma concreta de
crear consciencia, de entender el mundo y de transformarlo.
La teórica del arte Mieke Bal ha argumentado a través de sus “conceptos viajeros” que no
conviene tratar por separado la performance (en su sentido anglosajón de actuar) y la
performatividad (que una palabra haga lo que dice). Ambas coinciden en su poder
transformador, en la insistencia en que el sujeto no es anterior al discurso y en que el arte
no es “constatativo”, sino “provocativo”, es decir, performativo. Las prácticas conceptuales
y post-conceptuales nos obligan a preguntarnos por los usos performativos de las
palabras y los conceptos más que por su estricto significado.
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SOBRE LOS ARTISTAS EN EXPOSICIÓN
Chus Domínguez
León, España, 1967
Chus Domínguez trabaja con elementos provenientes directamente de la realidad para
construir a partir de ellos narrativas que se encuentran entre lo documental, lo
experimental y lo poético, siempre a la búsqueda de nuevos modos de representación de
lo real. Parte de su obra profundiza en la relación entre la imagen en movimiento y las
artes escénicas. También está interesado en el desarrollo de talleres y grupos de trabajo
que permitan la reflexión colectiva utilizando los medios audiovisuales.
Sus creaciones se han mostrado tanto en festivales de cine y vídeo como en espacios
expositivos, escénicos y plataformas en internet, entre los que destacan: Internacional
Film Festival ZOOM-Zblizenia, Polonia, Short Dance Films, a crossborder of genres,
Mercat de les Flors, In Shadow, Festival Internacional de Vídeo, Performance e
Tecnologias, Festival Internacional de Cine Mar del Plata, Argentina, Teatro Pradillo,
Madrid, Festival Escena Contemporánea, Museo Reina Sofía, Madrid y Festival de
Avignon. Recientemente ha presentado la exposición Territorio Archivo en la Fundación
Cerezales,
Cerezales
del
Condado,
León.
Participa en proyectos colectivos transdisciplinares como La Glorieta y Orquestina de
Pigmeos.
Silvia Zayas
León, España, 1978
Silvia Zayas trabaja entre los límites de la performance, el vídeo y la coreografía
expandida. Actualmente indaga formas de trasladar el lenguaje fílmico documental a
diferentes dispositivos performativos. Algunas de sus piezas más relevantes son: 'Tríptico
0 at Pushingthe Medium,' en el International ArtisticSymposium (Nodar, Portugal, 2006);
'ART/HURT: heridas en venta', de la identidad artística subsiste [Silvia Zayas y N.A.] y
producido por KREA Expresión Contemporánea (Vitoria, España, 2008) y estrenado en
Off Limits (Madrid, 2009); 'Devenir, devenir', becado por el aula de Danza Estrella Casero
de la Universidad de Alcalá de Henares y estrenado en el festival En Tránsito de La Casa
Encendida (Madrid, 2009).
Dentro de la investigación sobre el colonialismo y lo cinematográfico se encuentran estas
piezas: 'No se habla de política en la mesa', estrenada en el Teatro Albéitar (León,
2011); 'São Tomé Revisitado', Beca de Creación Artística MUSAC 2011, y estrenado
Escena Contemporánea (Madrid, 2012), Picnic Sessions, CA2M, Bulegoa Z/B dentro del
marco Producciones de una pared y Bienal de Nicaragua (Managua, 2014), ambas en
colaboración con su madre Isabel Serra; la performance-película en directo 'Ballets
Roses', en Teatro Pradillo y el Festival In-presentable (La Casa Encendida, 2012).
Dentro de este proyecto de investigación más amplio, que aún continúa en proceso,
produce el vídeo-ensayo 'Pêro Escobar vs. Elvis Presley', y 'This is a lamp' para el festival
ALTERNATIVA 2012, dentro de la exposición 'Materialność / Materiality' en el
WyspaInstitut of Art (Gdansk, Polonia, 2012). Actualmente está produciendo 'El puente de
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Farim no existe (Parallax)', con ayuda del programa Artistas en residencia 2015 de CA2M
y La Casa Encendida.
Pertenece al colectivo artístico Declinación Magnética (con Aimar Arriola, José Bueso,
Diego del Pozo, Eduardo Galvagni, Sally Gutiérrez, Julia Morandeira), con proyectos
como 'Margen de Error' (2013) expuesto en MUSAC dentro de la exposición 'Colonia
Apócrifa' y 'Hasta que los leones no tengan historiadores'... en Matadero (Madrid, 2014).
Producen además el documental 'Margen de error (¿cómo se escribe occidental?)'.
Pertenece al proyecto de investigación escénica El desenterrador de Sofía Asencio y
Tomás Aragay, con Jordi Claramonte, Bárbara Sánchez y Jaime Conde-Salazar desde
2013. Ha trabajado además con Chus Domínguez y Nilo Gallego, en el proyecto
expositivo-laboratorio para artes en vivo del MUSAC 'Laboratorio 987' (2013-2014) y
creado conjuntamente la película-instalación 'En el lugar del apuntador' (2014), producida
igualmente por MUSAC.
Nilo Gallego
Ponferrada, España, 1970
Nilo Gallego realiza performances en las que la experimentación con el sonido es el punto
de partida. Su trabajo, que siempre tiene un componente lúdico, busca la participación del
público y la interacción con el entorno y lo cotidiano. Entre sus producciones más
recientes cabe señalar Pigmeus do Mondego (acción sonora en el río
Mondego), Amanecer desde Montolivet y Fuera de la fábrica Beta (proyecto de ubicación
específica), Felipe vuelve a casa con las ovejas sonando (concierto de ovejas junto al
pastor Felipe Quintana), Canción de éxito mundial (acción sonora participativa), Te invito
a un chino (performanceexperimental junto a Kanito y Óscar de Paz), Concierto de
megáfonos y sirenas y Concierto aspirador (junto a Pablo Rega), Homenaje Cage (junto a
MarkusBreuss),
etc.
Algunos
de
sus
proyectos
colectivos
han
sido:
Yavestruzcomoandamiosparecementerio (música experimental y acción en espacios
públicos), Taller espontáneo de pequeñas nadas (acciones de calle), el proyecto
colectivoFora do tempo (acciones de campo) y los grupos deperformance musical Ciegas
con Pistola, Siempre por Detroit y Blinden mitPistolen. Ha trabajado con la compañía de
teatro de calle La Danaus, las coreógrafas Olga Mesa, MartinePisani, Amalia Fernández,
Marisa Amor y Elena Alonso, así como con los directores de teatro contemporáneo
Rodrigo García, Carlos San Martín y Tomás Aragay. Como músico improvisador, ha
compartido escenario con músicos o bailarines como Patricia Lamas, Africa Navarro,
Chefa Alonso, Gunter Heinz, Vanesa Mackness y WadeMatthews. Ha pertenecido a
grupos musicales como Dadajazz y Los Nadie. Imparte talleres de arte sonoro para niños
y para adultos.
Yto Barrada
París, Francia, 1971
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Yto Barrada (París, 1971) es una artista franco-marroquí actualmente establecida en
Tánger. Estudió Historia y Ciencias Políticas en la Sorbona y ha trabajado para medios de
comunicación como TV5: esa formación determina que sea una artista multidisciplinar que
realiza proyectos con un trasfondo social, histórico y político. Con ellos pretende mostrar
aquello que queda fuera de los estereotipos turísticos y la prosperidad occidental para
desentrañar los significados históricos del mundo en el que vivimos. En sus obras
conceptualiza y saca a la luz pasajes olvidados de la historia, manifestando una fuerte
resistencia a la homogenización globalizada, tanto a nivel cultural como contextual. La
primera exposición de la artista en L"appartement 22 llevaba por título la frase "una
propuesta modesta" y en ella desarrolló su vocabulario personal utilizando la fotografía,
una publicación, un manifiesto, una película y una intervención en un espacio urbano. Los
diferentes elementos empleados en esa exposición configuran la edición A
ModestProposal como una forma de aproximación crítica y activista a aspectos históricos
y culturales relacionados con Tánger y con conceptos tales como cambio social, histórico
y urbanístico, estereotipos turísticos, exotismos, etc. El elemento central alrededor del que
gira este conjunto de imágenes es una palmera en un terreno baldío rodeado de edificios
visiblemente recientes. La palmera evidencia una realidad histórica porque es un vestigio
de lo que fue quizás el jardín de una villa destruida y parcelada hasta dar lugar a los
actuales edificios que rodean la palmera. El descampado o terreno baldío es un elemento
que le interesa a la artista porque relaciona el paisaje urbano y el natural, la historia
pasada y la actual, la realidad y el deseo. En palabras de Barrada, "un terreno baldío solo
funciona cuando está habitado. Es un espacio de juego, abandono o de espera. Es… un
espacio que solo existe a través de lo que se proyecta sobre él. Algún día construiremos
algo nuevo allí un día, pero ahora nos espera mientras la construcción aún no está
terminada. Es el tiempo de la proyección". A través del descampado, la artista aborda el
desarrollo urbano en Tánger, una de las ciudades más afectadas por la especulación
constructiva en el norte de Marruecos en la última década. Barrada presenta estos
espacios residuales entre la ruina presente y el futuro, cuando se convierta en algo más.
El paisaje urbano surge siempre de estos espacios que están ocultos y velados por muros
temporales y carteles publicitarios. La artista atribuye una importancia central a la
periferia, que es todo descampado: "Me interesa también el gesto insubordinado. Es el
punto de vista activista. Me fijo en un lugar interesante que está entre la poesía y la
política. Es este lugar en el que me gusta trabajar. Ofrezco información, pero yo no soy
periodista. Ofrezco la poesía, pero no soy una poeta tampoco. Mi trabajo opera en los
márgenes”.
Rafael Lozano-Hemmer
México D.F., México, 1967
Rafael Lozano-Hemmer trabaja sobre el concepto de intervención e instalación interactiva
desarrollada en lugares públicos, reflexionando sobre el uso de las nuevas tecnologías
como espacio para la expresión artística. Compagina su labor plástica con una importante
trayectoria como ensayista en torno a los problemas de comunicación originados por el
desarrollo
tecnológico.
En sus obras investiga sobre los comportamientos derivados de la relación que se
establece entre el público y una obra controlada informáticamente. Los distintos
acontecimientos determinados por esta relación analizan el papel desarrollado por el azar
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como elemento constructivo de un nuevo universo virtual en el marco de la sociedad
contemporánea.
Ignasi Aballí
Barcelona, España, 1958
La obra de IgnasiAballí ha estado marcada, desde sus inicios, por una relación de
conflicto con el lenguaje pictórico, cuestionando su validez como herramienta que conecte
con la complejidad del mundo contemporáneo. Esto le lleva a plantearse nuevas formas
de relación con su trabajo, en especial con el proceso creativo, que él entiende como una
actitud de observación y reflexión constante en torno a los pequeños detalles de nuestra
vida diaria. En sus trabajos investiga las posibilidades expresivas de la pintura en su
propia ausencia, acercándose así a lugares cercanos al arte conceptual, en los que la
idea cobra más fuerza que la obra misma.
Iñaki Bonillas
México D.F., México, 1981
Desde sus comienzos a finales de los años noventa, el trabajo de Iñaki Bonillas se ha
desarrollado como una exploración analítica del medio fotográfico, una suerte de desglose
a través de dos vías paralelas: por un lado, enumerando exhaustivamente las variantes
técnicas y formales que ofrecía el medio (especialmente en su modalidad analógica,
predominante durante todo el siglo XX); por otro, declinando las múltiples posibilidades de
presentación de un mismo archivo personal (en particular, el de J.R. Plaza, abuelo del
artista) como expresión de una nunca acabada construcción, o puesta en escena, de la
“ficción biográfica”.
Claire Fontaine
París, Francia, 2004
Claire Fontaine se define como "ready-made artist". Sus trabajos, entre los que cabe
destacar sus instalaciones textuales (mensajes, vallas o rótulos realizados en neón o
fluorescente) establecidas indistintamente en espacios urbanos o salas de arte, a menudo
proponen una reflexión abierta y múltiple con acento en la crítica social. Dispositivos que
interpelan al espectador como "Extranjeros en todas partes" o "Please, Come Back"; las
obras de Claire Fontaine pueden entenderse como ejercicios de análisis sobre las
relaciones entre las esferas de poder, el individuo y el posicionamiento del artista en la
sociedad. Como los propios artistas señalan “el arte es simplemente una manera de estar
atento a esas interrupciones, un espacio en el que se habla de cuestiones que de otro
modo estarían enterradas, un campo de intervención formal que ya no se plantea como
un modo de liberación sino como un espacio puramente estético. Pero como tal, capaz de
albergar un enorme potencial crítico sobre la organización general de la sociedad”.
Desde su creación en 2004 Claire Fontaine ha logrado un importante reconocimiento de
su obra, que ha sido exhibida en instituciones como Palais de Tokyo en París, PS1 en
Nueva York y recientemente en el Museo Tamayo en México DF, entre otras.
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Dora García
Valladolid, España, 1965
El trabajo de Dora García está caracterizado por un fuerte contenido conceptual que,
partiendo de los más diversos soportes creativos, investiga en la construcción de ficciones
para descodificar las infinitas relaciones que se producen entre el sujeto y el contexto en
el que se ve inmerso. Transitando continuamente sobre el sutil límite que separa lo real y
lo irreal, y a partir de narraciones y escenografías muy concretas, sus obras reflexionan
en torno a la búsqueda de una identidad. Una identidad que solo se hace posible como
fruto del proceso de negociación del individuo con su entorno. La relación entre estos dos
elementos se produce en un estado de mutua dependencia, que hace indisociables al uno
del otro.
Fernando Sánchez Castillo
Madrid, España, 1973
La obra de Sánchez Castillo reflexiona sobre el pasado histórico y los símbolos del poder,
así como sobre las distintas formas de vigilancia y control que dicho poder ha
desarrollado. Su trabajo integra un amplio abanico de fuentes, desde la iconografía militar
y el situacionismo hasta los orígenes del arte contemporáneo y la violencia inútil generada
por las sociedades postcapitalistas. Sánchez Castillo utiliza su obra como herramienta
para experimentar con procesos de conducta tales como la fascinación que la violencia o
la destrucción ejercen sobre el ser humano. El desarrollo de su obra se basa en prácticas
de resistencia e interferencia y su objetivo es poner en cuestión y en evidencia el sigilo
con el que actúa el poder.
Gillian Wearing
Birmingham, Reino Unido, 1963
La obra de GillianWearing incluye fotografías, vídeos, proyectos para televisión y acciones
en el espacio urbano, en las que investiga sobre el comportamiento social y los conflictos
entre lo público y lo privado a través de la comunicación y la relación que la propia artista
mantiene con la sociedad. Ganadora del premio Turner en 1997, se dio a conocer con su
participación en la célebre exposición Sensation. Wearing pregunta al público, lo hace
partícipe de sus obras y lo convierte en protagonista. Se encuentra con el espectador o lo
cita para que cuente sus intimidades y miedos sin revelar nunca su identidad, utilizando
máscaras a la hora de filmar o fotografiar al personaje y consiguiendo un carácter de
confesión en la obra, que a la vez dota de personalidad a la artista. Nunca interfiere en las
respuestas del público, no las somete a juicios, ni filtros, ni censuras. Con una estética
muy influida por los programas de televisión de los setenta y ochenta, la artista pregunta,
fotografía y graba al espectador con total libertad, e indaga en la psique humana como si
de una psicóloga posmoderna se tratara, dentro del denominado “documentalismo de
ficción”.
Emese Benczúr
Budapest, Hungría, 1969
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La obra de Emese Benczúr se acerca a la realidad a través de las sensaciones táctiles y
el protagonismo que adquiere el objeto artístico manufacturado. Un cuidado tratamiento
de la linguística, a través de referencias textuales explícitas, dotan de una dimensión
conceptual al contenido lúdico siempre presente en sus obras. Estos textos, un
compendio de sentencias y aforismos en torno a la temporalidad, lo cotidiano o la futilidad
de nuestras acciones, interpelan al espectador a través de una mirada hedonista, irónica y
personal de la realidad.
Marc Bijl
Leerdam, Países Bajos, 1973
El trabajo de Marc Bijl, de clara implicación política y social, incluye objetos, instalaciones
e intervenciones en el espacio público para denunciar con ironía los entramados del
sistema neoliberal y las manipulaciones en la esfera de lo político y religioso, así como los
peligros del territorio globalizado en el que actúa. Marc Bijl ataca la superficialidad de los
símbolos y el mito, creando un imaginario personal a partir de iconos de la reciente
historia del arte, que conjuga con movimientos contraculturales como el punk, el gótico o
el anarquismo.
Javier Peñafiel
Zaragoza, España, 1964
Desde una perspectiva poética y con la voz como hilo conductor, Javier Peñafiel
(Zaragoza, España, 1964) propone en el conjunto de su obra un recorrido a través de la
historia, recuperando la presencia –tanto documentada como intuida- de célebres
personajes que apostaron por el pensamiento crítico como forma de lucha y resistencia.
En proyectos de investigación y trabajos de larga trayectoria como ‘Distancia, miento’
sobre la figura de Ruth Berlau (compañera de amor y de producción de Bertolt Brecht) o
‘Locución Merkel-Bachelet’ -presentados en la Galería Joan Prats de Barcelona-, una
ficción sobre la posible coincidencia de Michelle Bachelet con Angela Merkel en un tranvía
de la República Democrática Alemana en los 70, Javier Peñafiel extrae y codifica
materiales en vídeo, textos dibujados o libros con fotografías y textos, dispuestos en una
suerte de instalación que acompaña y matiza la presencia de dichos materiales, que son
reinterpretados en un conferencia dramatizada que realizará en directo junto con la actriz
Rita Só. Formalmente la propuesta se traduce en un montaje, en el sentido
cinematográfico de la palabra, en el que se genera un collage de referencias y
documentaciones visuales y textuales que marcan un recorrido por un momento histórico
y por unos personajes claves para entender el mundo contemporáneo.
Isidoro Valcárcel Medina
Murcia, España, 1937
El Premio Nacional de Artes Plásticas Valcárcel Medina ha desarrollado un cuerpo de
trabajo basado en una investigación crítica de las nociones y las convenciones del
sistema del arte y de las relaciones entre el arte y las personas. Durante casi 50 años de
propuestas y acciones artísticas, muy a menudo de corte conceptual, el trabajo del artista
ha ido evolucionando hasta una desmaterialización que favorece no tanto la
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objetualización del arte cuanto su experiencia, lo que remarca el interés del artista por
interrelacionar la vida y el arte. No en vano muchas de sus propuestas han huido de los
espacios institucionalizados y se han generado en situaciones experienciales cotidianas
que, por ello, determinan que muchas de sus obras hayan de ser experimentadas en
directo, sin posibilidad de repetición. También, por ello, su práctica artística propicia una
reflexión crítica y díscola de la realidad en la que se inscribe.
Mangelos
Šid, Serbia, 1921 - Zagreb, Croacia, 1987
Dimitrije Bašičević , Mangelos (Šid, Serbia, 1921-Zagreb, Croacia, 1987) fue un crítico de
arte, comisario de exposiciones y artista cuya producción creativa incluye libros,
ediciones, esculturas y pinturas. Su trabajo y sus investigaciones contribuyeron en gran
medida al desarrollo del arte contemporáneo en Croacia. En 1959 adoptó el seudónimo
Mangelos, que se deriva del nombre de una pequeña ciudad cerca de donde él nació. Fue
miembro fundador del grupo de vanguardia Gorgona y desde 1975 comenzó a colaborar
con el Grupa Šestorice Autora [Grupo de los Seis Artistas] constituido por VladoMartek,
Mladen y SvenStilinović, FedorVučemilović, Boris Demur y ŽeljkoJerman. Mangelos
produjo obras en relación con los dos grupos mencionados, pero también trabajó en
solitario. Su primera exposición tuvo lugar en 1968 en Belgrado, impulsado por la nueva
generación de artistas conceptuales críticos con el statu quo. Su práctica teórica y
artística estaba comprometida con el uso del lenguaje, el texto y los manifiestos, y con la
voluntad de crear anti-arte, en un intento de negar la irracionalidad del acto de la pintura a
través del acto racional de la escritura. En sus manifiestos discute la posibilidad del
progreso en la sociedad. DimitrijeBašičevićMangelos murió en 1987 a los 66 años, tal y
como vaticinaba su manifiesto-Šid, publicado y expuesto en 1978 en Zagreb, que dividía
su vida en nueve "Mangelos" y medio, y que finalizaba precisamente en el año de su
muerte. En este manifiesto el artista se refería a la "teoría biopsicológica" de la que había
oído hablar por primera vez en la escuela de su ciudad natal. Según esta teoría, las
células del organismo humano se renuevan completamente cada siete años, lo que da
lugar a personalidades completamente distintas en cada ser humano. Mangelos utilizó
esta teoría para explicar las obras de la primera y última época de varios artistas —como
Rimbaud, Van Gogh o Picasso— y su propia producción, clasificando y fechando sus
obras de acuerdo con los nueve Mangelos y medio en que había dividido su vida. Además
de las tendencias espirituales, el trabajo de Mangelos se caracteriza por la ironía, la
intermedialidad, el nihilismo expresionista y la experimentación muy personal de las
tendencias características de los movimientos conceptuales de la época de No-arte o
Anti-arte.
Vlado Martek
Zagreb, Croacia, 1951
La base de la praxis artística de Martek —o, como él diría, su fundamento— se centra en
la escritura, la poesía y el lenguaje. Por vocación y educación —él estudió filosofía y
literatura. y actualmente trabaja en una librería—, VladoMartek (Zagreb, Croacia, 1951) es
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un artista conceptual multimedia, poeta y escritor, y su obra incluye acciones, agitaciones,
ambientes, murales, grafiti, textos sobre su propio arte, impresiones, tarjetas del arte
postal, esculturas, objetos poéticos, pinturas, libros de artista y fotografías. Desde la
década de los setenta ha trabajado en diferentes medios con el fin de renegociar o
reconceptualizar y encontrar nuevas formas de lenguaje artístico. Martek no es un
observador silencioso que da cuenta de la realidad. Por el contrario, a través de su trabajo
él ofrece comentarios analíticos, críticos, irónicos y humorísticos sobre las estructuras y
las construcciones sociales. Por lo general su trabajo se centra en una especie de
subversión lingüística oscilando entre las artes visuales, la poesía y sus propias formas de
arte de pre y post-poesía. El trabajo de Martek se puede ver a través de la lente de la
poesía de vanguardia. Muchos de sus propias intervenciones lingüísticas están inspiradas
en otros poetas experimentales tempranos. Rechazando el paradigma lírico del lenguaje
emotivo y el yo lírico dominante en la literatura europea de la época, él y otros poetas
experimentaron con el sonido y la disposición espacial de las letras individuales.
Siguiendo la idea de que un poema “se hace” y no “es escrito”, Martek abre el poema a
sus componentes materiales obvios, como el papel, el lápiz y la palabra ocasional. El
artista ve el alfabeto, la base de la lengua y por lo tanto también de la poesía (clásica)
como una fuente simbólica de todo conocimiento. Entre la primera y la última letra, "todo
lo que se puede decir" tiene lugar. Desde los inicios de los años setenta Martek quiso
hacer algo más que escribir poemas. El primer trabajo que presentó en público fue una
acción en un gran papel de pared realizada junto con el fotógrafo ŽeljkoJerman y el
estudiante de arte Boris Demur. En 1975 fundó el Grupa Šestorice Autora [Grupo de los
seis artistas] junto con Mladen y SvenStilinović, FedorVučemilović, Boris Demur y
ŽeljkoJerman. Con este mismo grupo colaboró a menudo Mangelos. El trabajo de Martek
se sitúa entre el arte, la literatura y la filosofía. Trabaja tanto con la negación como con la
construcción de las palabras para crear una realidad detrás de las palabras. Él describe
su trabajo como pre-poesía. En sus propias palabras, “pre-poesía es controlar una
evasión en el espacio antes de escribir, controlar mi cabeza, mis razones y los motivos
por los que escribo, mi responsabilidad, una especie de ordenamiento antes de comenzar
a escribir. En este sentido es una provocación en el lenguaje destruyéndolo y
construyéndolo”. Martek utiliza así métodos críticos, analíticos e irónicos en combinación
con un amplio abanico de medios y materiales para cuestionar las estructuras sociales.
Juan del Junco
Jerez de la Frontera, Cádiz, España, 1972
Hijo de un arquitecto y ornitólogo, si observamos la producción artística de Juan del Junco
(Jerez de la Frontera, 1972), ese dato biográfico es revelador para entender el interés del
artista a la hora de analizar la facticidad que nos rodea desde un método científico, de
atender a la realidad de la naturaleza y su clasificación y de la tensión de lo visible y lo
que subyace debajo de lo que vemos. Bajo la apariencia de una construccióncientífica a
partir de un serio y documentado trabajo de campo, en la obra de del Junco se aquilatan
múltiples reflexiones alegóricas que abordan aspectos tan interesantes como la
representación visual de la naturaleza y la construcción del paisaje, los sistemas de
clasificación y jerarquización que utilizamos y que no dejan de ser sino una construcción
cultural, la tendencia de la humanidad a desarrollar representaciones ordenadas y
manejables del mundo y que muy a menudo esconden su complejidad, la propia esencia
ambivalente de la fotografía o el vídeo, que actúan como herramientas para construir
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evidencias y al mismo tiempo como máquinas de fabulación que no dejan sin embargo de
desvelar lo que no es evidente, la ocupación y utilización del espacio natural, el origen y la
genealogía de los objetos y los conceptos, la tensión entre superficie y profundidad, entre
lo que se ve y lo que se descubre, lo que se muestra y lo que se oculta. El lenguaje es
una obra que puede parecer un tanto diferente de otras suyas anteriores, pero, además
de poseer intereses similares —contacto con la naturaleza y el paisaje, interacción entre
lo natural y lo humano, sistemas clasificatorios, etc.—, también se comporta como
muchas otras a través de una especie de metalenguaje que le permite al artistas hablar
de cuestiones ajenas a la propia naturaleza. Efectivamente, el cabrero y su rebaño se
comunican constantemente con un lenguaje críptico y apto únicamente para los iniciados.
Ininteligible para el resto, al no iniciado solo le puede producir asombro y excitación. La
cabra, al igual que un connoisseur, no solo lo entiende, sino que lo acata y lo hace suyo
como parte de su existencia. Si ese tema lo llevamos al mundo del arte, veremos cómo
esta obra se convierte en un metalenguaje. El lenguaje, en palabras del artista, “reflexiona
sobre el propio arte y su sistema, cómo se entiende este y cómo se establecen las
relaciones entre sus agentes. Un artista, como un pastor, produce su trabajo y se
relaciona con su campo y su ámbito en función de convenciones comunicativas; pero
también tiene, como un pastor, momentos de plácida soledad sentado en una piedra
observando lo que le rodea”.
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LISTADO DE OBRA EN EXPOSICIÓN
Mangelos
Manifesto of Manifesto, 1977
Serigrafía sobre papel
71x50 cm
ManifestoonImpressionism, 1977
Serigrafía sobre papel
71x50 cm
Manifesto on the Psychological Life of Picasso and the Assumed Pantha of Altamira, 1977
Serigrafía sobre papel
71x50 cm
Chus Domínguez, Silvia Zayas y Nilo Gallego
En el lugar del apuntador, 2013
Instalación
Medidas variables
Claire Fontaine
Capitalism Kills Love, 2011
Instalación
5 x 30 m
Yto Barrada
A modestproposal, 2010-2013
Grabado
22 cajas serigrafiadas
Edición 25/30
IgnasiAballi
Listados, 1997-2005
Impresión digital
5 impresiones digitales
154 x 105 cm c/u
Iñaki Bonillas
Der Stimmenimitator / El imitador de voces, 2006
Instalación
Políptico de 8 piezas, tinta sobre papel y papel carbón
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Dora García
100 obras de arte imposibles, 2001
Instalación
Listado de cien frases en vinilo sobre muro
Medidas variables
Dora García
Todas las historias, 2003
Libro compuesto por textos de la autora y pastas en piel
6 x 20 x 27 cm
Fernando Sánchez Castillo
Vivo sin trabajar, 2002
Letrero luminoso
1000 x 80 x 15 cm
Gillian Wearing
De la serie Signs that Say What You Want Them to Say and not Signs that Say What
Someone Else Wants You to Say, 1992-1993
4 fotografías color (en principio van 3)
122 x 92 cm c/u
Marc Bijl
Lifestages, 2005
Instalación, 7 flight-cases, pegatinas, letras de vinilo y aerosoles
213 x 207 x 95 cm
Juan del Junco
El lenguaje, 2013
Vídeo color y sonido
Rafael Lozano-Hemmer
33 Preguntas por minuto, Arquitectura relacional 5, 2000-2001
Instalación compuesta por micropantallas de cristal líquido, ordenador portátil y
convertidor
Medidas variables
EmeseBenczúr
Brightenyourmind, 2003
Panel lumínico
780 x 68 cm
Vlado Martek
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Sonnet, 1980
Lápiz y collage sobre papel
29,5 x 21 cm
Técnica Mixta
Javier Peñafiel
Tantosporciento, 2004-2015
10 Pancartas con dos ollaos en las esquinas superiores.
90x60 cm unidad.
Isidoro Valcárcel Medina
La Celosía, 1972
Video de 16mm transferida a dvd.
Imagen en blanco y negro.
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IMÁGENES EN ALTA RESOLUCIÓN
Mangelos
Manifesto of manifesto, 1977
Serigrafía sobre papel 71 x 50 cm
Colección MUSAC
© Mangelos / Cortesía MUSAC
Marc Bijl
Lifestages, 2005
Instalación 7 flight- cases,
pegatinas, letras de vinilo y
aerosoles/ 213 x 207 x 95
cm
Colección MUSAC
Copyright Marc Bijl /
Cortesía MUSAC
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Yto Barrada
A Modest Proposal, 2010-2013
22 cajas serigrafiadas
Colección MUSAC
© Yto Barrada / Cortesía MUSAC
Gillian Wearing
Policeman. De la serie
Signs that Say What You
Want Them to Say and not
Things That Say What
Someone Else Wants You
to Say...,1992-1993
4 fotografías color
122 x 92 cm c.u
Colección MUSAC
© Gillian Wearing / Cortesía
MUSAC
Claire Fontaine
Capitalism Kills Love (Santa María
de León), 2011
Instalación
Colección MUSAC
© Claire Fontaine / Cortesía
MUSAC
Jorge Macchi
Buenos Aires tour, 2003
Instalación compuesta por
mapa, vidrio y textos,
fotografías objetos
encontrados y CD
Medidas variables
Colección MUSAC
© Jorge Macchi / Cortesía
MUSAC
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Fernando Sánchez Castillo
Vivo sin trabajar, 2002
Letrero luminoso
Colección MUSAC
© Fernando Sánchez Castillo /
Cortesía MUSAC
Juan del Junco
El lenguaje, 2013
Vídeo color y sonido
Colección MUSAC
© Juan del Junco / Cortesía
MUSAC
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