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LENGUAJE, MÚSICA Y TEXTO:
ANÁLISIS DE UNA RELACIÓN
INTERDISCIPLINAR
Mª DOLORES ESCOBAR MARTÍNEZ
1ª Edición 2013
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© Universidad de Murcia, Servicio de Publicaciones, 2.013
ISBN: 978-84-695-8301-2
A mi abuelo Manuel Martínez Linares,
quien tanto amó a las personas y a los libros
5
6
ÍNDICE
I.
PRÓLOGO...................................................................................9
II.
RELACIÓN MÚSICA-LENGUAJE...........................................11
III.
CARACTERÍSTICAS Y FUNCIONES......................................17
IV.
RETROSPECTIVA HISTÓRICA..............................................24
A) POESÍA Y MÚSICA EN LA ANTIGUA GRECIA.........................25
B) MÚSICA Y TEXTO LITERARIO EN LA EDAD MEDIA...........31
C) TEXTO Y MÚSICA EN EL RENACIMIENTO...........................36
D) LA RETÓRICA MUSICAL Y LA MONODIA EN
EL BARROCO..............................................................................40
E) TEXTO Y MUSICA VOCAL EN EL CLASICISMO.....................46
F) INTERDEPENDENCIA MÚSICA-TEXTO VS. MÚSICA
ABSOLUTA EN EL ROMANTICISMO........................................50
G) LENGUAJE Y MÚSICA EN LOS SIGLOS XX Y XXI..................56
V.
CONCLUSIONES......................................................................70
VI.
BIBLIOGRAFÍA.........................................................................73
7
8
I.
PRÓLOGO
Son numerosas las especulaciones que han proliferado en torno a la naturaleza de
la relación existente entre el lenguaje y la música. Entre otros interrogantes se cuestiona la
posibilidad de un origen común o la influencia de cada una de estas disciplinas en el
nacimiento de la otra, lo que demuestra la antigüedad inmemorial de este fascinante
vínculo.
La posibilidad de explorar los diferentes niveles de interacción música-texto a lo
largo de la historia, estableciendo la naturaleza interdisciplinar de las relaciones sintácticas,
semánticas, mimético-retóricas, referenciales, etc. resultaba de gran interés no sólo teórico
sino práctico, en la medida en que estos conocimientos pudieran contribuir al desarrollo y
aplicación de un modelo didáctico basado en la interacción de lenguaje, música y texto.
Por tanto, el origen de esta investigación era establecer un marco teórico riguroso
basado en el conocimiento profundo de dichas relaciones entre lenguaje y música a través
de la historia, capaz de inspirar y justificar el diseño de intervenciones didácticas musicales
para la educación literaria, abriendo la puerta al desarrollo de nuevas propuestas
pedagógicas en la línea de la colaboración y cooperación entre disciplinas afines como lo
son la música y el lenguaje.
Por último, quiero expresar mi agradecimiento a Pedro Guerrero cuya incansable
labor investigadora y docente inspiró la búsqueda de las conexiones interdisciplinares
entre literatura y música que se recogen en la presente obra.
9
10
II.
RELACIÓN MÚSICA-LENGUAJE
Teniendo en consideración que nos proponemos realizar un análisis histórico de la
relación interdisciplinar existente entre el lenguaje, la música y el texto, parece ineludible
abordar previamente algunos aspectos acerca de los innegables vínculos manifiestos entre
las mencionadas disciplinas.
El punto de partida imprescindible para la definición conceptual de la presente
investigación es sin duda la acotación de límites y concomitancias que pueden establecerse
entre la música y el lenguaje, dado que el lenguaje es la materia prima que una vez
elaborada dará como resultado la disciplina artística conocida como literatura.
Rubén López Cano, en su artículo “Música y retórica. Encuentros y desencuentros
de la música y el lenguaje”1 señala que:
“Las relaciones entre la música y el lenguaje son longevas y cercanas. Ambos son
objetos culturales, artefactos producidos por el hombre con poderes específicos para
expresar, comunicar e interpretar el mundo. Diversas investigaciones aseguran que es
muy probable que hayan tenido un origen común y que evolucionaran de forma
paralela2. Lenguaje y música además son dos grandes aparatos modelizadores de las
habilidades simbólicas fundamentales del ser humano. Sin duda alguna, ambos han
servido de catapulta para el ascenso del homo sapiens como la especie más exitosa
de los seres vivos. Y todo ello gracias a que ambos logran la expansión de los
mecanismos simbólicos que, paradójicamente, nos han dotado de mejores
posibilidades para apropiarnos de lo terreno. Música y lenguaje también colaboran,
aunque de manera distinta, a organizar las redes neuronales del cerebro. Así mismo,
la práctica de ambos trasciende los límites de la comunicación y nos permiten
ejercitar habilidades cognitivas superiores que luego se plasmarán en funciones
básicas como la abstracción, la proyección metafórica, el pensamiento analógico, la
organización de emociones, etc.”
1
LÓPEZ CANO, R., “Música y retórica. Encuentros y desencuentros de la música y el lenguaje”,
Eufonía, Didáctica de la música 43 (Número especial sobre música y lenguaje), 2008, pp.87-99. Versión
on-line: www.lopezcano.net consultado el 19 de junio de 2009.
2
Véase por ejemplo MITHEN, S. (2005): Los neandertales cantaban rap: los orígenes de la música y el
lenguaje, Barcelona: Critica, 2007 (Nota de López Cano).
11
López Cano, recoge así algunas de las funciones esenciales que comparten
música y lenguaje: la función comunicativa y la función expresiva, las cuales serán
un referente constante a lo largo de nuestra investigación; más adelante hablaremos
en profundidad de las diferentes consideraciones acerca de la semanticidad y otros
aspectos relevantes en la comunicación lingüística y musical a lo largo de la historia
e igualmente intentaremos abordar las diversas relaciones existentes entre texto y
música en la evolución de los estilos musicales.
Por otro lado, la referencia al ejercicio de las habilidades cognitivas superiores que
luego se plasmarán en funciones básicas como la abstracción, la proyección metafórica, el
pensamiento analógico, la organización de emociones, etc., nos muestra algunos de los
campos que podemos desarrollar mediante el diseño de actividades basadas en la
combinación e interacción entre música y lenguaje.
En relación al posible origen común de música y lenguaje, Enrique Blanco en su
artículo “Especulación sobre la influencia del lenguaje en el origen de la música”3 afirma
que nada podemos saber sobre los orígenes de la música. No obstante, añade:
“Sin acceso al conocimiento de cómo nació la música, todo lo que podemos hacer es
especular de la forma más informada posible. No dispongo de datos que demuestren
que se haya dado una cultura musical en la historia que no disponga de canciones. Sí
que los tengo de culturas con poco o ningún uso de instrumentos. Quizá eso apunte
a la idea de que la música y lo vocal y por ende lo lingüístico estén, como mínimo,
interrelacionados.
Muchas han sido las teorías al respecto. Qué la música colabora en la creación del
lenguaje, que el lenguaje colabora en la creación de la música, que no tienen que
ver…” (sic)
Ciertamente, la vinculación entre el lenguaje y la música procede de la más remota
antigüedad, de la que por desgracia, tal como señala Enrique Blanco nos han llegado
pocos datos demostrables, siendo nuestro único instrumento posible la elaboración de
teorías mediante la aplicación de sistemas deductivos y especulativos.
3
Artículo de Enrique Blanco perteneciente a la interesantísima serie de artículos del mismo autor
(compositor, pedagogo y profesor del conservatorio de Amaniel) titulada Música y lenguaje, consultada
en su blog (potsdam 1747): http://imaginarymagnitude.net/eblanco/ el 15 de marzo de 2009.
12
El propio Enrique Blanco expone su particular teoría especulativa que nos parece
bastante fundamentada y verosímil:
“Más afortunada puede ser la especulación sobre el desarrollo de la música. Una
característica de ésta es que no ha sido concebida para transmitir contenidos
concretos, por lo que la única manera de comunicarse acerca de ella es empleando
otro canal de comunicación. Una idea tan sofisticada como el uso de una partición
regular del tiempo como base de un sistema notacional, necesitaba, entre otras cosas,
de la invención de la escritura para ser efectiva. Así, obviamente, en los primeros
tiempos en que se intercambiase información sobre música, tuvo que ser por medio
del lenguaje. Esto crearía desde el principio una fuerte dependencia entre ambos
medios. De hecho, (...) en Occidente no llegamos a tener una terminología analítica
autosuficiente hasta bien entrado el clasicismo, por lo que se empleaban como guía
las nomenclaturas de la retórica.”
Las teorías acerca del origen común de la música y el lenguaje experimentaron un
indudable auge durante el siglo XVIII, según señala Fubini en su obra Los enciclopedistas y la
música:
“Ciertamente, no es Rousseau el primero que ha llevado a cabo un intento de
explicar la naturaleza, tanto del lenguaje como de la música, remitiendo a sus
orígenes comunes, poniendo entre paréntesis el concepto de imitación sustituido por
el de expresión y de creación, acentuando el carácter imaginativo más que racional de
la lengua poética, su carácter individual y nacional más que el universal, la inflexión
musical y al tiempo poética de la expresión primitiva respecto a la convencional y
racional de las civilizaciones más evolucionadas.”4
Desde luego el interés de Rousseau por el origen común de música y lenguaje no
era un hecho aislado en su contexto, ni mucho menos algo que pudiera considerarse
anecdótico sino que más bien se hallaba inmerso en una corriente que fomentaría la
proliferación de estudios al respecto, como recoge Fubini:
“En los años en los que escribía su Lettre y en los inmediatamente posteriores –
cuando reelaboraba y profundizaba en las mismas tesis en el Essai sur l´origine des
4
FUBINI, E., Los enciclopedistas y la música, Publicacions de la Universitat de València, Valencia,
2002, pp. 109-110.
13
langues-, Rousseau, ciertamente no era un precursor, ni siquiera podía sentirse aislado
o incomprendido. La simiente sembrada por Dubos5 no había quedado infecunda:
Condillac, en 1746, publicaba el Essai sur l´origine des connaissances humaines, en el que,
reconectándose explícitamente con Dubos, desarrollaba el concepto de música como
expresión originaria del hombre, de la que sólo se habría separado el lenguaje;
mientras que Diderot, en la Lettre sur les sourds et muets en 1752, profundizaba en la
misma problemática, contraponiendo los nexos lógicos del lenguaje a los nexos
musicales y expresivos”6.
Resultan muy interesantes, sin embargo, las reflexiones de Rousseau acerca del
encuentro entre música y poesía, cuya relación deja de ser planteada como relación de
dependencia para definirse como relación de integración, esta integración recíproca según
Rousseau tiene su base precisamente en el origen común de ambas:
“En el fondo, considerar la música estrechamente unida y dependiente del lenguaje
es un lugar común en todo el XVIII, y adoptando este punto de vista, así como
limitando su análisis al melodrama, Rousseau no hace sino atenerse a la tradición
clásica. La novedad de su discurso consiste sobre todo en juzgar la lengua no como
una entidad abstracta e inmutable, el producto de una razón eterna e igual en
cualquier tiempo y lugar, sino como fiel y viva imagen del carácter de cada lugar.
Este concepto está apenas apuntado en la Lettre, pero será desarrollado algunos
años después con mucha mayor amplitud y profundidad en el Essai sur l´origine des
langues. Sin embargo, el motivo de interés de la Lettre es haber considerado sobre
nuevas bases el encuentro entre música y poesía: incluso reemergiendo con
frecuencia un trasfondo clasicista y racionalista, se intuye ya un nuevo tipo de
relación entre estas dos artes, relación ya no de dependencia sino de integración
recíproca, basada en una afinidad originaria; ya no el acercamiento de dos bloques
inmóviles e incompatibles, sino la fusión de dos organismos vivos con su propia
historia, una evolución que puede favorecer u obstaculizar este encuentro.”7
Quizá la aportación más innovadora de Rousseau en este sentido no se refiera al
origen común de música y lenguaje, sino especialmente a su evolución ya que postula que
5
Dubos había esbozado una teoría respecto al lenguaje con el fin de poner de manifiesto su origen
poético y expresivo, no racional y convencional.
6
Ibidem, pp. 110-111.
7
Ibidem, p. 106.
14
la civilización ha propiciado un progresivo alejamiento entre el lenguaje verbal y el musical
en detrimento de la expresividad de ambas:
“De hecho la civilización ha llevado a un progresivo alejamiento del lenguaje musical
respecto al lenguaje verbal; este alejamiento se ha verificado con la progresiva
introducción en ambos lenguajes de factores convencionales y por ello racionales,
útiles por un lado, pero que obstaculizan la expresión. El lenguaje de las palabras se
ha hecho duro y articulado por la necesidad de la comunicación; el musical se ha
convertido de melódico en armónico, y así se ha introducido con la armonía un
elemento convencional y racional; igual como la articulación ha hecho independiente
al lenguaje verbal en detrimento de su expresividad, la armonía ha hecho
independiente a la música, en detrimento también de su expresividad.”8
Más adelante nos referiremos de nuevo a esa característica de la música de no
transmitir contenidos concretos frente a la capacidad expresiva mucho más precisa del
lenguaje, aquí sólo apuntaremos una breve referencia a lo que entendemos por “expresión
musical”9.
En cuanto a las especulaciones a las que hacíamos referencia respecto a la posible
influencia de la música en la creación del lenguaje y viceversa, nuevamente recogemos las
hipótesis de Enrique Blanco:
“Caben dos hipótesis como explicación, o la más razonable de que ambas tuvieran
que ver:
8
Ibidem, pp. 106-107.
Según el Diccionario Harvard de la Música, el término “expresión musical” puede tener dos
significados: a) Con respecto a las obras musicales: se refiere a la representación o transmisión de algo
extra-musical, bien sea una idea o emoción o algo sobre el compositor con lo cual la obra se convierte
en la auto-expresión del mismo. En general el término “expresión musical” se utiliza en este sentido
para distinguir entre aquella música que causa una cierta respuesta emocional en el oyente, de aquella
que consideramos más abstracta o intelectual, también conocida como “música pura”. b) Con respecto a
la interpretación musical: el término “expresión musical” se refiere a los efectos derivados de la
ejecución musical, que no están contenidos en la notación del ritmo y la altura en las composiciones
musicales, concretamente alude a los efectos que producen la dinámica, el tempo y la articulación.
Conscientes de ello, los músicos han ido incluyendo a lo largo de la historia una serie de indicaciones
interpretativas en sus partituras para precisarlos. Nosotros por supuesto, nos referiremos a la primera
acepción, que es la que interesa comparativamente con las cualidades, recursos y capacidades
expresivas del lenguaje.
9
15
1. La música toma prestada su forma de la de la lengua hablada, apropiándose de sus
pausas, cadencias, ritmos, etc… Analogías que pueden apoyar esta idea las tenemos:
en la producción occidental, que hace esto hasta el Renacimiento —y de forma
esporádica hasta nuestros días—; en la tradición hindú, cuya métrica es tan
fuertemente dependiente del texto que tiene un concepto aditivo del ritmo; y, en
general, en la música vocal de cualquier cultura. Ya tendremos ocasión de abundar en
este tipo de relaciones.
2. La música aparece como subproducto de una búsqueda distinta, que, siendo
sonora, tiene casi por necesidad que estar ligada al lenguaje hablado. Como analogías:
la comunicación en África con los tam-tams, que frecuentemente tratan de imitar el
contenido silábico de lo que se pretende decir; o los divertidos juegos musicales de
los inuit (a los que por aquí llamamos esquimales).”10
Desde luego, ambas hipótesis están ampliamente extendidas y gozan de multitud
de adeptos capaces de identificar posibles analogías en las más diversas tradiciones
musicales de los más recónditos lugares de la tierra, aunque sea prácticamente imposible
deslindar una hipótesis de la otra, ya que ambas beben de una misma fuente: la íntima e
indiscutible relación existente entre la música y el lenguaje, cuyo origen sigue siendo muy
difícil de precisar. Por el momento tendremos que continuar a la espera del hallazgo y
estudio de algún resto arqueológico que dé un nuevo sentido a las tradicionales
especulaciones acerca de esta cuestión.
10
Artículo “Especulación sobre la influencia del lenguaje en el origen de la música” de Enrique Blanco
perteneciente a la interesantísima serie de artículos del mismo autor (compositor, pedagogo y profesor
del conservatorio de Amaniel) titulada Música y lenguaje, consultada en su blog (potsdam 1747):
http://imaginarymagnitude.net/eblanco/ el 15 de marzo de 2009.
16
III.
CARACTERÍSTICAS Y FUNCIONES. ¿ES LA MÚSICA
UN LENGUAJE?
Empezaremos abordando algunas cuestiones preliminares que explican la estrecha
relación que existe entre la música y el lenguaje y por qué estas dos disciplinas son tan
compatibles. En primer lugar:
¿Es la música un lenguaje? como podemos observar en la siguiente tabla, son
muchas las características comunes que comparten música y lenguaje:
LENGUAJE
MÚSICA
ES COMÚN A TODOS LOS
SERES HUMANOS
ES COMÚN A TODOS LOS
SERES HUMANOS
APARECE EN LA INFANCIA Y APARECE EN LA INFANCIA Y
SE PERFECCIONA CON LA
SE PERFECCIONA CON LA
PRÁCTICA
PRÁCTICA
SIRVE PARA COMUNICAR
SIRVE PARA COMUNICAR
SE COMPONE DE:
SE COMPONE DE:
FONÉTICA
SONIDOS
SINTAXIS
ESTRUCTURAS
SEMÁNTICA
SIGNIFICADOS
Dada ese íntima e innegable relación existente entre música y lenguaje, las teorías
más extendidas intentan definir la naturaleza de dicha relación. Según expresa Eric F.
Clarke en su artículo Consideraciones sobre el lenguaje y la música11, existen dos tendencias
11
CLARKE, E. F., “Considérations sur le langage et la musique”, artículo incluido en Mc ADAMS, S. y
DELIÈGE, La musique et les sciencies cognitives, ed. Pierre Mardaga, Liege-Bruxelles, 1989.
17
investigadoras: una pretende demostrar la base común de los modos de comunicación
humanos y la universalidad de algunas características cognitivas fundamentales, mientras
que la otra muestra un interés metodológico en demostrar la existencia de vínculos entre
el lenguaje y la música que legitimen transferir al área musical las herramientas
conceptuales y procedimentales propias de las ciencias lingüísticas.
En la primera tendencia, se enmarcan las investigaciones de John A. Sloboda
quien tras realizar un estudio comparativo sobre el lenguaje y la música12 (Musique. Langage
et sens) alcanzó las siguientes conclusiones:
a) Tanto el lenguaje como la música son características de la especie humana que
parecen a la vez universales a todos los humanos y específicas de los mismos.
Decir del lenguaje y de la música que son universales es decir que los seres
humanos una aptitud general para adquirir una competencia lingüística y musical.
Decir que el lenguaje y la música son características específicas del ser humano es
algo que ha sido más contestado desde el punto de vista lingüístico que desde el
punto de vista musical.
b) El lenguaje y la música son capaces de generar un número infinito de nuevas
secuencias. Al igual que los individuos son capaces de producir frases que nunca
han oído antes, los compositores tienen la capacidad de escribir melodías que
nadie ha producido antes. Los lenguajes de los animales, por el contrario,
contienen normalmente un conjunto finito (y reducido) de emisiones que agotan
el repertorio comunicacional.
c) Los niños parecen tener una aptitud natural para aprender las reglas de la lengua y
de la música. Es más o menos simultáneamente (entre un año y dos años) que se
manifiestan por primera vez el hablar y el cantar espontáneos. El desarrollo del
lenguaje procede por etapas intermedias para modelarse sobre la gramática adulta
hacia la edad de cinco años. Los estudios demuestran que la progresión es análoga
en música.
d) Tanto para el lenguaje como para la música, el medio natural es audio-vocal. Es
decir, que el lenguaje y la música son esencialmente percibidos como secuencias
de sonidos producidos por movimientos vocales que crean sonidos. La más
universal de todas las formas musicales es el canto, que combina íntimamente
palabra y música.
12
SLOBODA, J. A., L´esprit musicien. La psychologie cognitive de la musique, ed. Pierre Mardaga,
Liege-Bruxelles, 1985, pp. 23-96.
18
e) Aunque el modo audio-vocal (transmisión oral) sea primero, numerosas son las
culturas que han desarrollado procedimientos de notación de la música. Si la
mayor parte de los individuos adquieren la capacidad de comprender y utilizar el
lenguaje hablado sin tener una enseñanza específica, la lectura y la escritura deben
generalmente ser enseñadas después de que una persona se haya convertido en un
utilizador competente del lenguaje hablado. Numerosas culturas no poseen
ningún sistema de notación, ni para el lenguaje, ni para su música. Aunque la
adquisición de un grado de aculturación sea de un acceso difícil, puede modificar
profundamente el funcionamiento cognitivo. Sin ella, actividades como la
memorización exacta de largos pasajes o de reales composiciones, serían
imposibles13.
f) En los procesos de desarrollo mental, las competencias receptivas preceden a las
competencias productivas. Las formas que toman el lenguaje natural y la música
natural difieren entre las distintas culturas, aunque a pesar de ello están regidas por
algunas características universales.
En cuanto a la segunda tendencia investigadora, cuyo interés radica el hallar nexos
que permitan aplicar al estudio de la música los procedimientos de las ciencias lingüísticas,
destaca la relación que puede observarse entre las teorías de Chomsky aplicadas a la
lingüística y Schenker en el campo de la música.
Chomsky, sobre cuyas teorías se sustenta toda la psicología cognitiva del lenguaje,
llevó a cabo un estudio en profundidad acerca del problema de la descripción de la
estructura del lenguaje (1957-1965-1968). Según Chomsky todas las lenguas naturales
tienen, en un nivel profundo, la misma estructura, y esta estructura nos señala alguna cosa
universal sobre la inteligencia humana. Podemos observar un cierto paralelismo con las
numerosas teorías musicológicas que afirman que existen universales en la música, aunque
estos universales sean más o menos discutibles14. Quizá las teorías musicales más
próximas a las teorías lingüísticas de Chomsky, sean como decíamos, las teorías de
Schenker, quien sostiene que en un nivel profundo toda composición musical de calidad
tiene el mismo tipo de estructura, y que esa estructura nos revela algo sobre la naturaleza
de la intuición musical.
13
Aunque es cierto que en las culturas orales existen casos de memorización sorprendente de obras
literarias o musicales de gran extensión, donde la métrica es más importante que la forma léxica.
14
Como es el caso de la corriente musicológica que afirma los fundamentos naturales en la tonalidad.
19
Igualmente interesantes son las afirmaciones de Juan José Pastor Comín, quien en
su artículo titulado “El discurso musical: aproximación a una caracterización lingüística”15
proponía un recorrido por algunos de los trabajos que durante la segunda mitad del siglo
XX han examinado desde una perspectiva lingüística los elementos constitutivos propios
del discurso musical. En dicho artículo Pastor señala:
“Hay que destacar la importancia de los trabajos que, desde una sólida justificación
histórica, han adoptado los recursos procedentes de las retóricas clásico-clasicistas
para afrontar el análisis de la música en el último renacimiento y primer barroco,
considerando la condición textual de unas obras que se adaptan a los principios de
producción y condiciones pragmáticas condicionadas por el triple imperativo
horaciano: movere, docere, delectare. El rendimiento de las operaciones de inventio,
dispositio y elocutio ha sido investigado en el discurso musical dentro del ámbito
histórico citado, pero aún queda por ver la configuración de una Neo-retórica
entendida en el sentido que propone García Berrio como Retórica general o ciencia
de la expresividad, que integre, al igual que en la creación poética, todo el
instrumental analítico y hermenéutico relativo a la creación musical. Estos
planteamientos que se sostienen sobre criterios retóricos constituyen un excelente
apoyo para los estudios orientados hacia una posible Lingüística del texto musical”.
Volviendo a la tabla comparativa de música y lenguaje, hacíamos referencia a tres
componentes esenciales que parecen comunes tanto al lenguaje como a la música, nos
referimos a los conceptos de fonética-sonidos, sintaxis-estructuras y semánticasignificados (quizá el más discutible y polémico de los niveles).
Podemos definir la fonética siguiendo a Crystal como “Ciencia que estudia las
características de los sonidos humanos, especialmente aquellos sonidos que se utilizan en
el habla y que proporcionan métodos para su descripción, clasificación y transcripción”16
A su vez, Quilis señala que “La fonética estudia los elementos fónicos de una lengua
desde el punto de vista de su producción, de su constitución acústica y de su
percepción”17. Precisamente atendiendo a estos puntos de vista se concretan las tres ramas
de la fonética: fonética articulatoria o fisiológica que estudia la producción de los sonidos
15
PASTOR COMÍN, J.J., “El discurso musical: aproximación a una caracterización lingüística” en
Interlingüística, nº 9, 1998, pp. 247-252.
16
CRYSTAL, D., Diccionario de lingüística y fonética, ed. Octaedro, Barcelona, 2000, p. 238.
17
QUILIS, A., Principios de fonología y fonética españolas, Arco-libros, Madrid, 2000, p. 9.
20
del habla, fonética acústica que se encarga de los sonidos del habla desde la perspectiva de
su transmisión y fonética perceptiva o auditiva que considera los sonidos del habla desde
la perspectiva de su percepción. En concreto, la fonética acústica es posiblemente la rama
que más nos interesa al establecer paralelismos entre los sonidos del habla y los sonidos
musicales, ya que según Yule: “Trata de las propiedades físicas del habla como onda
sonora en el aire”18. Si consideramos las propiedades físicas y las características que
presentan los sonidos del habla como onda sonora, observaremos que responden a los
parámetros de altura, intensidad, timbre y duración, coincidiendo plenamente con las
cualidades del sonido musical.
En cuanto a la sintaxis, esta es definida por la Real Academia Española como
“Parte de la gramática que enseña a coordinar y unir las palabras para formar las oraciones
y expresar conceptos”19. Esta idea podría trasladarse a la música ya que efectivamente,
también existen una serie de reglas melódicas, rítmicas y armónicas que rigen la
composición musical y el modo en que las notas se combinan coherentemente entre sí
para producir estructuras musicales equivalentes a las oraciones en el lenguaje. Por tanto,
podríamos hablar de la existencia de una cierta gramática musical, si bien la capacidad de
estas estructuras musicales para expresar conceptos es muy discutible, lo que nos lleva al
siguiente término comparativo lenguaje-música que hemos definido como semánticasignificado musical.
La semántica hace referencia precisamente a la significación de las palabras (según
la Real Academia Española20), y aquí el problema es si existe la posibilidad o no de
establecer una relación inequívoca entre determinados motivos musicales y significados
extra-musicales concretos. Por supuesto, en este punto los investigadores discrepan y no
existe una única teoría.
Juan José Pastor afirma al respecto:
“Desde Jakobson hasta hoy, las distintas formalizaciones semióticas han coincidido
en esta cualidad sintáctica de la música, pero no ha habido consenso acerca de sus
condiciones semánticas (Swain, 1996) y pragmáticas, lo que ha supuesto que quedara
18
YULE, G., “Los sonidos del lenguaje”, en YULE, G., El lenguaje, Cambridge University Press,
Cambridge, 1998, p. 53.
19
REAL ACADEMIA ESPAÑOLA, Diccionario de la lengua española, consultado en
http://www.rae.es el 20 de abril de 2009.
20
Ibidem
21
mermada la posibilidad de considerar un sistema musical como auténtico lenguaje.
(...) Aún así hubo una serie de intentos más o menos rigurosos que procuraron
configurar un sistema de análisis común para aquellas obras híbridas donde texto y
música convivían. Éste es el caso de los primeros trabajos de Ruwet, quien, a
principios de los setenta, y antes de propugnar una gramática generativa para los
textos musicales, elaboró un sistema de procedimientos fonológicos presentados
tanto por las producciones verbales como musicales.”21
Muchos autores afirman que sí es posible asociar significados concretos a la
música. Algunos abogan principalmente por relacionar contenidos musicales con
diferentes emociones. En este sentido, destacan las teorías de Deryck Cooke (1959) quien
sugiere que los intervalos o motivos melódicos de la escala diatónica sugieren diferentes
cualidades emocionales: la tercera mayor es asociada a la alegría, la quinta y octava a la
neutralidad...otros autores se refieren a una semanticidad musical más amplia, atribuyendo
contenidos semánticos explícitos a estructuras musicales más extensas.
Por otro lado estas teorías han sido contestadas aludiendo al innegable hecho de
que existe una gran parte de la producción musical que carece por completo de significado
concreto. En estas teorías profundizaremos más adelante cuando hagamos referencia al
enfrentamiento teórico de los partidarios de la denominada “música absoluta” (como
Hanslick, E.T.A. Hoffmann o Wagner) frente a los partidarios de la música programática.
(Hegel, Berlioz, Liszt...).
Otra de las más interesantes investigaciones acerca de si existe un vínculo real
entre la facultad lingüística natural y el conocimiento que forma la base de la percepción
musical es la desarrollada por Lerdahl y Jackendoff en su obra A generative Theory of Tonal
Music (1983) en la cual exponen algunas relaciones precisas entre las estructuras
temporales de la música y las características prosódicas del lenguaje concluyendo que
ambas participan de un origen cognitivo común, fundamentando su teoría en la lingüística
generativa.
Juan José Pastor señala otros estudios aplicados al discurso musical desde la
lingüística o la gramática:
21
PASTOR COMÍN, J.J., op. cit., pp. 247-252.
22
“Roland Harweg incorporó el discurso musical a las coordenadas más o menos
consensuadas de las distintas propuestas de gramáticas textuales, es decir, el texto
musical presenta al menos la existencia de dos formas de estructuración (“profunda”
y “superficial”); por otro lado, se debe considerar el integrar en él los elementos
sociales, culturales y pragmáticos que determinan en diversos grados cada uno de los
niveles del texto; (...) En nuestro país, González (1996-1997:191-192) ha desarrollado
en música las unidades constitutivas que determinara Petöfi en cuanto a la
estructuración jerárquica de la obra de arte: texto completo, unidades básicas
composicionales, unidades independientes más pequeñas y elementos básicos. En
función de esta jerarquía, el texto musical podría explicarse a través de un conjunto
de reglas: la formación de las unidades independientes más pequeñas a partir de los
elementos básicos constituiría la “microsintaxis”; la suma de reglas estructurales
internas que articulan la formación de las unidades básicas compositivas se
denominaría “macrosintaxis”, y, finalmente, si asistimos al estrato de las unidades
compositivas estaríamos en presencia de una “sintaxis composicional.”22
En cualquier caso, el principal nexo que relaciona esencialmente a música y
lenguaje es sin duda su función comunicativa, capaz de transmitir ideas y sentimientos.
Algunos consideran que en ocasiones el poder comunicativo de la música va más allá de
las propias palabras. Wagner afirmaba: “que la esencia de la más elevada música
instrumental consiste en expresar con sonidos lo que es inefable con las palabras”23.
En cierto modo, podríamos decir que los mensajes emitidos mediante el lenguaje
son más precisos, pero que los emitidos mediante la música conectan más profundamente
con nuestra parte emocional o instintiva y es precisamente esa capacidad la que
pretendemos utilizar como recurso didáctico para promover entre nuestros alumnos el
interés y la participación en el aprendizaje. La música es un estímulo muy eficaz para
producir determinadas sensaciones y esta cualidad también la aprovecharemos, como
veremos más adelante, para estimular la creatividad y la producción literaria del alumnado.
Por último cabe destacar que existe un género o forma musical en el que se
funden la música y el lenguaje. Este género es la música vocal, es decir: las canciones.
Pocos materiales existen tan versátiles y motivadores para el alumno como las canciones.
22
Ibidem, pp. 247-252.
WAGNER, R., Escritos y poemas completos, ed. de Wolfgang Golther, Berlín y Leipzig, vol. II, p.
56.
23
23
IV.
RETROSPECTIVA HISTÓRICA
Para tener una visión global del marco teórico en el que se desenvolverá nuestra
investigación, es preciso realizar una retrospectiva histórica que muestre la relación entre
música y texto a través de las diferentes épocas hasta llegar a nuestros días, no como
discurso erudito, sino con el objetivo de mostrar los distintos niveles de interacción entre
música y lenguaje relevantes para sus posibles aplicaciones posteriores en el campo de la
didáctica.
Como ya hemos hecho referencia anteriormente a las diversas teorías existentes
acerca del origen de la relación entre la música y el lenguaje, así como las posibles
influencias del lenguaje en la creación de la música y viceversa, nuestra retrospectiva
histórica comenzará en la época que tradicionalmente se ha considerado como origen de
la civilización occidental. Por su importancia y sus aportaciones al desarrollo de nuestra
cultura, esta época es sin duda la Antigüedad greco-romana.
Nuestra trayectoria histórica abordará la relación música-lenguaje en las siguientes
épocas:
-
Antigua Grecia
-
Edad Media
-
Renacimiento
-
Barroco
-
Clasicismo
-
Romanticismo
-
Siglos XX y XXI
24
A) POESÍA Y MÚSICA EN LA ANTIGUA GRECIA
El papel social de la música en la Antigüedad greco-romana no se limitaba al nivel
estético como sucede predominantemente hoy en día en nuestra sociedad. La música
desarrollaba un papel esencial en la cultura y la sociedad de la antigua Grecia. Sus
funciones eran muy diversas y alcanzaban prácticamente todos los ámbitos de la vida
griega ya fuese pública o privada. El propio Arístides Quintiliano afirma en su tratado
sobre música: “Verdaderamente no hay acción entre los hombres que se realice sin
música”24.
Se interpretaba música en muchos acontecimientos del ciclo vital, para celebrar
nacimientos, para lamentar muertes, existían cantos de bodas, canciones de trabajo
destinadas principalmente a aliviar las fatigas de la agricultura, guerreros y atletas se
entrenaban al son de la flauta y por supuesto, la música desempeñaba una importante
función religiosa, acompañando las plegarias a los distintos dioses, los ritos mistéricos o
iniciáticos, las celebraciones procesionales, pero también se utilizaba en festivales
teatrales, en tratamientos terapéuticos y era una parte fundamental de la educación e
incluso de la política.
En la antigua Grecia el término música incluía también a la poesía y a la danza.
De hecho, la palabra “música” se deriva del término griego “mousiké” que significa “arte
de las Musas” y lo que entendían por “arte de las Musas” era precisamente esa fusión
entre melodía, texto y movimiento que se daba en la unión de la música, la poesía y el
gesto.
Las nueve musas. Grabado del S. XVII
24
ARÍSTIDES QUINTILIANO, De musica libri tres, traducción al castellano por COLOMER, L. y
GIL, B., ed. Gredos, Madrid, 1996, libro II, p. 119.
25
En Grecia, realmente se produce una íntima unión entre música y poesía que
forman unidad. El ritmo del verso es flexible y no conoce los acentos de intensidad, sino
que se rige por la longitud de las sílabas (largas o cortas).
El ritmo musical es libre y ajustado a la prosodia del texto, de manera que verso y
música van unidos. En la época de su decadencia el verso griego se sistematizó
didácticamente originando los pies métricos basados en la duración larga o corta de las
sílabas y se usaban tanto en la composición del texto como de la música.
Los pies métricos fundamentales
Troqueo: __U
Yambo: U__
Tríbraco: UUU
Dáctilo: __ UU
Espondeo: __ __
Anapesto: UU__
Crético: __U__
Baquio: U__ __
Jónico mayor: __ __UU
Jónico menor: UU__ __
Coriambo: __UU__
Moloso: __ __ __
(sílaba breve: U; sílaba larga: __)
En la entonación del verso existe un movimiento de elevación de la altura del
sonido que abarca aproximadamente una quinta, con todo lo cual la lengua se convierte
en melodía y el poeta es a la vez músico. Hasta el punto de que según Henry Lang, estas
conexiones entre lengua y música permiten afirmar que la historia de la música griega es
la historia de la literatura griega.
26
Esta unidad conceptual que expresa el término “mousiké” se desintegró al final del
periodo clásico al establecerse una división entre lengua (prosa) y música (principalmente
música instrumental).
Las fuentes que nos informan acerca de la música en la antigua Grecia son
diversas:
-
La mitología griega.
-
Los documentos musicales hallados.
-
Las obras literarias.
-
Los tratados musicales, científicos o filosóficos.
-
Otros restos arqueológicos
Cada una de estas fuentes se expresa mediante un lenguaje diferente (lenguaje
simbólico, matemático, musical, lógico, metafísico, artístico...etc.) o incluso mediante la
combinación simultánea de varios de ellos. Esto complica considerablemente la
interpretación de la información que nos aporta, ya que la fiabilidad de los datos
obtenidos dependerá en gran medida de nuestra capacidad para identificar e interpretar
correctamente el lenguaje en que se expresa la información.
Todo parece indicar que la música en las épocas arcaica y clásica nunca fue
escrita, sino que se transmitía a través de la audición y memorización hasta al menos el s.
IV a. C. Así que los documentos musicales que nos han llegado son tardíos, escasos, en
un estado deplorable de conservación y en una notación alfabética compleja y algo
ambigua. Lo cierto es que no sabemos exactamente cómo sonaba la música griega, pero
afortunadamente conocemos bastante acerca de los fundamentos de su teoría musical a
través de otras fuentes.
Epitafio de Seikilos. Muestra de la compleja notación alfabética griega
27
Hemos aludido a la mitología como fuente de información, de hecho algunos de
los mitos musicales de la antigua Grecia hacen hincapié en la importancia del factor
lingüístico o logos en la música griega.
La mitología griega es una de las más antiguas fuentes de información de que
disponemos para conocer el pensamiento griego de las épocas más remotas y según
Enrico Fubini: “Mitos y leyendas no deben descartarse por el hecho de ser tales, dado que
constituyen uno de los medios más auténticos a través de los cuales los griegos
expresaban sus concepciones musicales”25
Estas narraciones míticas se transmitieron oralmente, perpetuando las tradiciones
ancestrales de la época prehomérica y aún están muy presentes en el pensamiento de la
época helenística. Evidentemente, el lenguaje de estas narraciones míticas era
principalmente simbólico, por lo que la interpretación de los mitos generalmente no
puede realizarse de una manera literal, pero aún así, es abundante la información que nos
transmiten acerca del papel desempeñado por la música en la sociedad griega, su
importancia, sus funciones y los efectos que se le atribuían en la cultura de la antigua
Grecia.
El mito que mejor expresa la importancia del factor lingüístico en la música griega
es el mito de la competición musical entre Marsias y Apolo.
Este mito musical, recogido entre otros por Píndaro o Plutarco, atribuye a Atenea
la invención del aulós26. La leyenda afirma que cuando Atenea vio reflejado su rostro en el
agua y observó cómo su cara se deformaba al tocar el aulós, lo rechazó lanzándolo lejos. El
mito de Atenea enlaza con el de Marsias, ya que, según la leyenda, cuando la diosa lanza el
instrumento lejos de ella, éste cae en Frigia, donde es encontrado por Marsias.
El mito narra que el sileno Marsias, maravillado por su descubrimiento del aulós,
desafió a Apolo a una competición musical. Por supuesto, la cítara de Apolo se mostró
superior (en evidente alusión a la superioridad de lo autóctono de la Hélade frente a lo
25
FUBINI, E., La estética musical desde la Antigüedad hasta el siglo XX, ed. Alianza, Madrid, 1988,
p.37.
26
El aulós era un instrumento musical que estaba formado por uno o dos cilindros con agujeros y estaba
provisto por una lengüeta de caña; su timbre sería parecido al de nuestro oboe. Era habitual la
clasificación de los aulós en femeninos y masculinos en función de su tesitura.
28
extranjero de importación asiática) y Marsias, en castigo a su arrogancia, fue desollado
vivo y convertido en odre.
Apolo, Marsias, Midas y Pan de Melchior Meier (1582)
Quizá la cuestión más interesante de este relato es la importancia del factor
lingüístico en la música griega. Precisamente uno de los motivos por los que Apolo vence
a Marsias, según la tradición, es debido a que Apolo canta mientras toca la lira, cosa que a
Marsias le resulta imposible en su ejecución del aulós.
La palabra (logos) tenía una gran importancia en la cultura griega y de forma
especial en la música, cuyo ritmo se regía por la métrica de la poesía. De hecho este es
otro de los factores que determinaban la superioridad de los instrumentos de cuerda
frente a los de viento.
Pero esta importancia de la palabra (logos) no era en absoluto exclusiva de la
música: resulta igualmente llamativa su vinculación con la magia y con la curación. Según
Laín Entralgo: “Bajo nombres diversos –epodé o <<ensalmo>>, thelkterion y kelema o
<<hechizo>>, paieon o <<peán>>, apórreta o <<palabras secretas>> y teletaí o <<ritos
iniciáticos>>- la grecia arcaica usó ampliamente, frente al penoso evento de la
enfermedad humana, fórmulas verbales de carácter mágico, meramente recitadas en
ocasiones, cantadas casi siempre. (...) El pueblo griego – y no sólo el bajo pueblo – creyó
en la magia y recurrió a ella con frecuencia, desde los tiempos prehoméricos hasta el fin
de la época helenística; es decir, a lo largo de toda su historia”27.
27
LAÍN, P., La curación por la palabra en la Antigüedad clásica, rev. de Occidente, Madrid, 1958. (1ª
edición en Anthropos editorial, Barcelona, 1987. 2ª edición en Anthropos editorial, Barcelona, 2005, p.
63.
29
Si palabra y música eran considerados elementos de cuya asociación podía surgir
un benéfico efecto curativo, no es de extrañar la importancia que la cultura griega
adscribía tanto al lenguaje como a la música y muy especialmente a su combinación. En
las siguientes épocas veremos a qué distintos niveles se desarrolla esta combinación entre
música y lenguaje.
30
B) MÚSICA Y TEXTO LITERARIO EN LA EDAD MEDIA
Esta época resulta sumamente interesante en lo que se refiere al nivel sintáctico de
la combinación entre música y lenguaje. Con esto no queremos afirmar que el nivel
sintáctico sea el único nivel de combinación visible en la música medieval, sino que es el
más evidente.
A lo largo de la Edad Media se desarrollaron dos corrientes musicales de gran
importancia: una corriente musical religiosa desde la que se difundiría el canto gregoriano
y una corriente musical profana, ambas profundamente ligadas a la estructura y contenido
del texto literario.
Según expone Juan Carlos Asensio en su obra El canto gregoriano. Historia, liturgia,
formas: “De las múltiples formas posibles de música litúrgica, el canto gregoriano y los
repertorios afines tienen en común que no sólo son música: son la unión de música y
palabras. Éstas, sacadas de los libros sagrados, con el canto han recibido un revestimiento
especial.”28
De hecho en el canto gregoriano el texto es lo más importante, tanto es así, que la
música no se compone simplemente para adaptarse al texto, sino que la música se extrae
de las propias palabras, amoldándose a sus acentos, cadencias y la dirección aproximada
de su pronunciación fonética.
Canto gregoriano. Antífona con notación neumática
28
ASENSIO, J. C., El canto gregoriano. Historia, liturgia, formas, Alianza Editorial, Madrid, 2003,
p.139.
31
Además el gregoriano es una música ligada a un texto, sin el cual no tiene sentido.
Los músicos procuraban que la disposición de intervalos describiesen en la medida de lo
posible el contenido del texto, haciendo coincidir el clímax melódico con la palabra más
importante del texto, diseñando una línea melódica ascendente cuando se mencionaba el
cielo o la gloria de dios y una línea melódica descendente cuando se aludía al pecado o a la
muerte. Todo esto configurará una cierta retórica musical incipiente que culminará en el
Barroco.
Cantiga de Santa María de Alfonso X
Mano guidoniana. Manuscrito medieval
Existen otros factores que nos dan una idea de la importancia de la relación entre
la música y el lenguaje para el desarrollo del canto gregoriano, uno de ellos es la
clasificación formal de los diferentes estilos gregorianos, que se basa precisamente en la
relación silábica existente entre el texto y las notas musicales, a esto nos referimos cuando
aludimos a la función sintáctica en la combinación de música y lenguaje29.
Podemos clasificar el canto gregoriano en cuatro grupos o estilos según el número
de notas que coincidan con cada sílaba del texto, dichos estilos pueden aparecer en estado
puro o mezclados entre sí. Richard Hoppin en su obra La música medieval30, alude a estos
cuatro estilos:
-
Estilo silábico: cuando cada sílaba coincide con una nota, cada nota de la melodía
se corresponde con una sílaba del texto. Es habitual en los Himnos.
29
A pesar de que los distintos estilos gregorianos se basen en la relación silábica entre texto y nota
musical, el nivel de la combinación no es fonológico puesto que repercute en la organización del
sintagma entero y no en diferencias de significado.
30
HOPPIN, R., La música medieval, ed. Akal, Madrid, 1991, pp. 98-102.
32
-
Estilo salmódico: sobre una misma nota recitativa aparecen muchas sílabas del
texto. Es un estilo profusamente utilizado en la salmodia y en las lecturas
recitativas de la epístola y del evangelio.
-
Estilo neumático: cuando cada sílaba del texto corresponde a dos o tres notas
musicales.
-
Estilo melismático: cuando cada sílaba del texto coincide con más de tres notas
musicales. Esto es frecuente en los aleluyas, en las sílabas finales del Kyrie, o en el
Ite Misa est, ya que se realizaba con la intención de ornamentar y embellecer
especialmente estos textos para dar mayor solemnidad.
Dentro de la corriente musical religiosa también existía un tipo de piezas fruto de
un proceso de elaboración musical, conocidas con el nombre de “Tropos”.
Los tropos aparecen en torno al siglo IX (hacia el año 860) y consisten en la
ampliación de un canto litúrgico por medio de adiciones y sustituciones, es decir, se
añaden palabras a los melismas convirtiendo la melodía en silábica. Otro procedimiento
consiste en insertar un texto con su propia música en un canto ya existente, o
simplemente cambiar el texto de una pieza preexistente.
Jacques Chailley31 clasifica los tropos en los siguientes tipos:
-
Tropo de adaptación: forma esencial del tropo en la que se adapta un texto a la
melodía litúrgica ya existente sin modificarla.
-
Tropo de desarrollo: un antifonario de Jumièges cayó en manos de un monje de
San Gall, Notker, que quiso perfeccionar el procedimiento. En lugar de colocar
simplemente las sílabas bajo las notas, Notker desarrolló las células melódicas
dotándoles de nuevas cadencias y estructuras. Este fue el tropo de desarrollo o
secuencia primitiva, adaptado exclusivamente al Alleluia. La secuencia evolucionó
rápidamente y terminó por perder toda relación con el Alleluia inicial,
convirtiéndose en un género aparte.
-
Tropo de interpolación: se interpolan palabras y música nuevas en medio del
canto antiguo.
-
Tropo de encuadre: el tropo de interpolación dio origen al tropo de encuadre; ya
que la interpolación podía colocarse al principio, al final o en medio.
31
CHAILLEY, J., Compendio de Musicología, Alianza Música, Madrid, 1999 (passim)
33
-
Tropo de sustitución: los tropos tomaron en algunos casos tales proporciones que
vinieron a reemplazar completamente al texto primitivo, del cual no queda ni la
música ni las palabras literales.
Una propuesta didáctica para Educación Primaria o Secundaria con tropos podría
realizarse no a partir de cantos litúrgicos de la Edad Media, sino sobre canciones en
castellano de la actualidad, preferiblemente elegidas por los alumnos. Podemos utilizar el
sistema del tropo de adaptación o incluso de sustitución, para que comiencen a escribir
sus primeros poemas siguiendo la estructura métrica de una canción popular.
En cuanto a la corriente musical profana, también estaba fuertemente ligada al
texto literario. La relación texto-música era de carácter silábico y los géneros musicales, así
como tipos de canciones, coinciden plenamente con los géneros literarios y tipos de
poemas estróficos, cuya métrica y temática era similar, lo que sugiere que el mismo tipo de
expresiones
literarias
podían
ser
declamadas,
cantadas
o
interpretadas
con
acompañamiento instrumental.
Claro ejemplo de ello son los cantares de gesta, poemas épicos que comenzaron a
producirse en el siglo X y que solían cantarse con acompañamiento de arpa o vièle. Estos
cantares eran normalmente estróficos, a cada estrofa se le llamaba laisse y eran de longitud
irregular. Los laisses estaban generalmente constituidos por versos de diez sílabas con rima
asonante, la música de esta forma exigía un material musical sencillo y capaz de adaptarse
a las repeticiones, la parte musical parece haber resultado tan sencilla y fácil de memorizar
que no se conserva ningún testimonio gráfico musical de ninguna Chanson de gest. Sin
embargo, estas no fueron las únicas piezas poético-musicales que se desarrollaron en la
Edad Media.
Entre los tipos de canción trovadoresca destacan: la cansó o chanson, que es el
tipo más importante según afirma Hoppin32. Era exclusivamente una canción de amor, en
la que los trovadores establecieron los convencionalismos del amor cortés, que bebía de
las fuentes platónicas aunque reelaboradas por el pensamiento de la época; el sirventés es
una canción de servicio para el noble en cuya corte el trovador era un sirviente, eran de
temática satírica, política, etc.; la tensó era un tipo de canciones de disputa; la pastorela era
32
HOPPIN, R., op.cit., p. 284.
34
un tipo de poesía en que un caballero intentaba seducir a una pastora; las canciones de
alba narraban líricamente las despedidas de los amantes al amanecer; y las baladas o dansas
son canciones de danza que invitan a disfrutar la vida y a vilipendiar a los maridos celosos.
Entre ellas está una de las canciones provenzales más conocidas, la canción Kalenda maya
(el primero de mayo), que tiene forma de estampié.
Por último cabe mencionar un hito sin precedentes en la música de la cultura
occidental. Entre los siglos IX y X se produce el nacimiento de la polifonía. La polifonía
es un procedimiento musical que consiste en la ejecución simultánea de varias voces o
partes musicales que suenan a la vez.
Según Hoppin33 el nacimiento de la polifonía se debe al deseo de efectuar un
embellecimiento musical de la liturgia. Comenzó siendo un acompañamiento no escrito
del canto llano. Podemos afirmar que su invención es el acontecimiento más significativo
de la historia de la música occidental, ya que es precisamente la organización de los
sonidos verticales34 lo que la distingue de todas las demás.
Esta polifonía se irá complicando paulatinamente, dando lugar a una menor
comprensión del texto, que irá perdiendo importancia frente a la elaboración musical.
33
Ibidem, p. 203.
En la música occidental se distingue un aspecto horizontal (la melodía que es la sucesión de notas en
el tiempo) y un aspecto vertical (la armonía, o las notas interpretadas simultáneamente en el tiempo). La
idea de horizontal y vertical es una metáfora relacionada con la disposición de las notas musicales en
una partitura: verticalmente se escriben las notas que se interpretan a la vez y horizontalmente se
escriben las notas que se interpretan de forma sucesiva.
34
35
C) TEXTO Y MÚSICA EN EL RENACIMIENTO
Si algo caracteriza a la época renacentista en lo que a música se refiere, es sin duda
el triunfo de la polifonía, proliferando las composiciones a varias voces con
independencia melódica y textual. Esta independencia esconde una combinación
semántica entre música y lenguaje pseudo-referencial, cuya función es en esta época de
redundancia.
Podemos decir a grandes rasgos que los dos procedimientos compositivos
fundamentales que caracterizan el estilo polifónico son: la homofonía y el contrapunto
imitativo. Aunque cada una de estas técnicas podía resultar predominante en diferentes
composiciones, lo más frecuente era la combinación de ambas en secciones sucesivas de
una misma obra polifónica.
La influencia que tenía cada una de estas técnicas compositivas era determinante
para la comprensión del texto literario.
La homofonía facilitaba la comprensión del texto ya que consistía en la
superposición de voces (entre cuatro y ocho) que transcurrían con un diseño melódico
más o menos paralelo frecuentemente asociado a un único texto para todas las voces,
mientras que el contrapunto ampliaba la independencia de las líneas melódicas
dificultando la comprensión del texto, ya que cada una de las voces tenía su propio
desarrollo musical generalmente de carácter imitativo, y podía tener su propio texto que
era cantado simultáneamente a los diferentes textos de las otras voces.
Por otro lado, las diferentes escuelas de composición, a pesar de cultivar ambos
procedimientos polifónicos, se decantarán por el predominio de uno u otro dando lugar a
dos estilos compositivos muy diferentes:
-
La escuela franco-flamenca, que dominará el panorama musical hasta bien entrado
el siglo XVI, se desarrollará en dos fases: a) una primera fase borgoñona en la que
se produce el tránsito hacia el nuevo estilo del Renacimiento; y b) una segunda
fase franco-flamenca (también conocida como “neerlandesa”) que se inicia hacia
36
1440 con Dufay y que se desarrollará a lo largo de sucesivas generaciones35.
Esta escuela hará hincapié en el uso del contrapunto, las texturas densas,
subordinando la claridad de la estructura a la exhuberancia y complejidad de la
polifonía.
-
La escuela italiana, que experimentará un auge a partir del siglo XVI con la
elaboración del madrigal y el triunfo de las escuelas romana y veneciana que
contarán con los grandes compositores Grabieli (en Venecia primero Andrea y
posteriormente su sobrino Giovanni) y Palestrina (en Roma), se inclinará por
texturas claras y homofónicas, imponiendo la supremacía de la claridad de la
estructura frente al uso del contrapunto.
Kyrie. Missa Papae Marcelli. Giovanni Pierluigi da Palestrina
Una referencia a parte por su importancia en la relación música-texto y por su
influencia en el desarrollo de tendencias posteriores, merece el madrigal.
El madrigal renacentista, que es una composición musical constituida por
secciones de imitación libre, desarrolla un estilo contrapuntístico y se considera la
composición más audaz del momento, debido a la libertad que brinda al compositor, la
audacia armónica que lo caracteriza y principalmente por su preocupación por la relación
35
MICHELS,U., Atlas de Música, 2 vol., ed. Alianza, Madrid, 1992. Establece la división de la escuela
franco-flamenca en cinco generaciones: 1ª generación (1420-1460) Dunstable, Dufay, Bichois; 2ª
generación (1460-1490) Dufay, Ockeghem, Busnois; 3ª generación (1490-1520) Obretch, Isaak,
Josquin, Mouton; 4ª generación (1520-1560) Willaert, Gombert, Clemens non papa, Jannequin; 5ª
generación(1560-1600) De Monte, Lasso.
37
entre música y texto. El madrigal se basa en un texto puramente poético, y por primera
vez se muestra un especial interés en ilustrar musicalmente el sentido de las palabras,
originando los conocidos “madrigalismos” que consisten en una serie de recursos
musicales empleados para producir efectos descriptivos y expresivos del texto literario.
En su época de esplendor (1550-1580) el estilo del madrigal es plenamente
polifónico, su composición suele realizarse a cinco voces y los “madrigalismos” proliferan
imitando cacareos de gallinas, tañidos de campanas, fragor de batallas, al igual que se
extienden los efectos visuales que relacionan la música con el texto, como el
ennegrecimiento de la partitura mediante la notación correspondiente para representar la
noche, o el uso de cinco semibreves huecas para indicar “cinco perlas”36.
Los textos utilizados por los madrigales son obras poéticas de Petrarca, Boccacio,
Pietro Bembo, Ariosto y otros petrarquistas, lo cual muestra la íntima relación que existía
entre poesía y música.
El desarrollo del madrigal se produce paralelamente a otro fenómeno musical
renacentista conocido como “música reservata” y enmarcado en la misma corriente de
impronta músico-textual. Un principio estético esencial en el arte de Renacimiento es la
admiración e imitación de la naturaleza. La música, respondiendo a este principio, debe
imitar referencialmente la naturaleza del texto reproduciendo su contenido emocional y
expresivo con medios musicales facilitando la comprensión de los textos a través de la
redundancia.
Original partitura de música reservata
36
Ejemplos de MICHELS,U., op. cit., p. 255.
38
Esto originará infinidad de recursos musicales como los “madrigalismos” o los
“figuralismos”, así como al nacimiento de la “música reservata”. Según el Diccionario
Harvard de música resulta difícil dar un sentido preciso al término, aunque podría
defirnirse como: “todo el espectro de técnicas aplicables a la expresión del texto, al
fenómeno sociológico de la música para un público limitado y educado privadamente, y a
las corrientes culturales que a veces se describen con el término manierismo”37.
A raíz de esto, algunos especialistas han hablado de la existencia de una “teoría de
los afectos” renacentista, muy diferente de la propia de la estética barroca (a la que nos
referiremos en profundidad en el próximo apartado), ya que el Renacimiento pretende la
expresión de los textos desde un ideal estético de mesura y equilibrio, mientras que el
Barroco buscará los afectos extremos y contrastantes.
Melancolía, grabado de Durero (1514)
En cualquier caso, es innegable la importancia que va adoptando paulatinamente
la búsqueda artística de una combinación íntima entre los sentimientos e ideas del texto
literario y su plasmación mediante la expresión musical. Este hecho alcanzará su clímax
durante el Barroco, convirtiéndose esta búsqueda en el eje central de la creación musical y
evidenciando un nivel de combinación entre música y lenguaje no sólo semántico-pseudoreferencial sino que basándose en este nivel también mimético-retórico, cuya función no
es sencillamente redundante sino de desarrollo expresivo.
37
Diccionario Harvard de música, ed. Alianza, Madrid, 1997, p. 685.
39
D) LA RETÓRICA MUSICAL Y LA MONODIA EN EL BARROCO
Los factores esenciales que durante el Barroco transformarán la relación músicatexto son tres: la aparición y paulatina expansión de la teoría de los afectos generando una
auténtica retórica musical, el desarrollo de la monodia acompañada, y el surgimiento de la
ópera.
La retórica musical que emerge de la teoría de los afectos cristalizará en la Música
poética. Según la división que establece Bukofzer sobre los tratados de música en el
Barroco, “Música poética” alude a aquellos tratados que se ocupan del arte de la
composición. Entre dichos tratados destaca el tratado Musica poetica de Joachim
Burmeister (1606) en el cual se desarrolla toda una analogía entre las figuras retóricas y los
elementos y técnicas musicales.
Según Bukofzer38 la principal diferencia en cuanto a la relación música-texto que
existe entre la perspectiva renacentista y barroca radica en que mientras en el
Renacimiento se desarrolla una “Representación limitada de las palabras, música reservata
y madrigalismo” a los cuales aludimos en el apartado anterior, en el Barroco se produce
una “Representación expresiva de las palabras, el texto es el rey”. Esta afirmación nos da
una idea del papel capital que ahora más que nunca desempeñará el texto en la obra
musical, dando lugar a la elaboración de toda una teoría musical basada en la relación
entre música y poesía, así como en la teoría de los afectos aristotélica, e incluso propiciará
el nacimiento de un género de singular importancia en cuanto a la expresividad musical
del texto: la ópera.
La teoría de los afectos que será el centro de la estética musical barroca tiene su
origen en Aristóteles, quien en su obra Retórica sostiene por primera vez la existencia de
diferentes estados de ánimo identificados con los nombres de amor, odio, miedo, cólera,
etc. Esta teoría fue recogida y reelaborada en 1597 por Lorenzo Giacomini definiendo los
afectos como un movimiento espiritual u operación de la mente en la cual ella resulta
atraída o repelida por un objeto que ha conocido. Al mismo tiempo afirmaba una fe
subyacente en el poder de la música, o en el deber de la misma de movilizar los afectos.
38
BUKOFZER, M., La música barroca: 1600-1750. De Monteverdi a Bach, Alianza editorial, Madrid,
1987.
40
La expresión de las pasiones, afectos o movimientos del alma, será una
preocupación común de filósofos, músicos y artistas en general. Uno de los tratados que
abordarán el estudio de esta cuestión en profundidad será Les passions de l´âme (1649) de
René Descartes, quien distingue seis afectos: amor, odio, deseo, admiración, alegría y
tristeza, los cuales resultan de las diferentes combinaciones de los cuatro humores del
cuerpo: sangre, flema, bilis amarilla y bilis negra39, produciendo los diferentes
temperamentos: sanguíneo, flemático, colérico y melancólico.
Sería Kircher en su tratado Musurgia Universalis (1650) quien sentaría las bases de la
teoría de los afectos, estableciendo ocho: amor, dolor-llanto, alegría-exaltación, furorindignación, compasión-lágrima, temor-aflicción, presunción-audacia, y admiraciónestupor, los cuales formaban parte de tres aspectos esenciales: alegría, quietud y tristeza.
39
Hipócrates (460-377 a.C.) desarrolló su doctrina médica en torno a la teoría de los humores que se
mantendría vigente hasta el Reacimiento. Según Hipócrates, los cuatro elementos (tierra, aire, agua y
fuego) corresponden a su vez a cuatro humores del organismo, cuya mezcla, en distintas proporciones,
origina todos los elementos biológicos. La idea de la teoría humoral surge al observar la coagulación de
la sangre. Esta es la identificación que establece entre los diferentes humores, órganos y elementos: el
suero es la bilis amarilla o colé, se localiza en el hígado y vías biliares y corresponde al fuego; la fibrina
es la flema o pituita, se localiza en el cerebro y nervios y corresponde al elemento agua; la parte roja del
coágulo o hema está en el corazón y en los vasos sanguíneos y se relaciona con el aire; finalmente, la
parte oscura del coágulo, melancolé ab atrabilis, se encuentra en el bazo y estómago y corresponde a la
tierra. Esta teoría daría lugar a numerosas especulaciones sobre la posible acción de la música sobre los
diferentes órganos, como se observa en el tratado De Musica de Aristides Quintiliano e incluso en otros
tratados musicales posteriores: De Institutione Musica de Boecio o Institutiones de Casiodoro.
41
La cuestión esencial en la teoría musical del siglo XVII consistía en relacionar los
diferentes afectos con diferentes elementos y técnicas musicales para lograr una
expresividad total de los mismos, para lo cual se servirán finalmente de los fundamentos y
recursos de la retórica.
La retórica es el arte de controlar la expresión de los conceptos; su función es dar
al lenguaje eficacia para deleitar, persuadir o conmover. Estos principios así, como sus
recursos estilísticos propios, fueron adaptados al campo de la música mediante la
elaboración de una retórica musical. Joachim Burmeister (1564-1629) desarrollaría en su
tratado Musica poetica (1606) una analogía entre figuras retóricas y motivos musicales. A
continuación citamos algunos ejemplos:
-
Anabasis: melodía ascendente traduciendo la idea de elevación.
-
Antítesis: contraste u oposición de tesitura, matiz o efecto.
-
Elipse: omisión de un elemento esencial en la línea melódica.
-
Exclamatio: salto de sexta ascendente.
-
Interrogatio: fin sobre un grado no conclusivo.
-
Metabasis: crecimiento de las voces según la imagen de la cruz.
-
Suspiratio: silencios repetidos que fraccionan la línea melódica a la imagen del
sollozo.
-
Sinonimia: repetición de un mismo motivo sobre diferentes grados.
El empleo de esta retórica musical fue común hasta aproximadamente 1750.
Fragmentos del tratado de Burmeister
42
Otro acontecimiento musical que incidirá determinantemente en la relación entre
texto y música en el Barroco será el cultivo de la monodia acompañada como estilo
preferente frente a los estilos contrapuntístico y homofónico cultivados profusamente
durante el Renacimiento.
La monodia acompañada consiste en una línea melódica principal con una
acompañamiento de acordes y una voz extrema inferior que será el cimiento armónico
conocido como bajo continuo. Este estilo compositivo se aleja de la polifonía propia de la
época anterior en la que existen varias voces superpuestas de igual importancia, lo que
dificultaba considerablemente la comprensión del texto. De hecho, el objetivo principal
de la monodia acompañada será la mayor claridad del texto que permita una comprensión
óptima del mismo a través del predominio de una sola voz.
El origen de esta práctica parece remontarse a la Camerata florentina40 que
aproximadamente hacia el año 1600 comenzó a plantear la cuestión de la melodía
acompañada en su intento de recuperar y revitalizar la tragedia griega en la que se
combinaba música y verso mediante unas leyes de retórica, sin que la música predominase
sobre el texto.
El cambio de las relaciones música-lenguaje vendrá marcado por dos tratados: Dialogo della
musica antica e della musica moderna de Vincenzo Galilei y Nuove Musiche de Caccini
40
La Camerata florentina o Camerata Bardi, estaba formada por un grupo de eruditos, músicos, poetas
y teóricos (Bardi padre e hijo, Peri, Caccini, Rinuccini, Galilei, Gagliano, Artusi y Doni) liderados por
los condes Bardi y Corsi, que rechazaban la práctica polifónica por su ineficacia para expresar el
contenido de los textos.
43
La primera referencia teórica a este nuevo estilo aparece en la obra Dialogo della
musica antica e della musica moderna (158141) de Vincenzo Galilei. En este tratado, la
denostación de la técnica del contrapunto, así como la exaltación de la música griega
(prácticamente desconocida en esta época) preconizaban una transformación de las
relaciones entre palabra y música.
El paso definitivo en el establecimiento de la nueva teoría lo dio otro miembro de
la Camerata, Caccini, quien en su obra Nuove Musiche critica el sistema polifónico y defiende
la emergente monodia acompañada.
Desde luego, el cambio del predominio del estilo polifónico al de la monodia
acompañada no fue un cambio abrupto, ya que existían en el Renacimiento ciertos
precedentes, tales como el canto del solista con acompañamiento de laúd o vihuela.
Además tanto en el Renacimiento como en el Barroco se practicaba la representación de
las palabras del texto en la música, la principal diferencia consistía en que mientras en el
Renacimiento la música reservata pretendía una descripción de pasiones mesuradas,
elegantes y equilibradas, la música barroca preferirá una expresión de las pasiones
extremas, mostrar la agitación profunda de los estados emocionales con gran intensidad
afectando a los estados afectivos y emotivos del oyente mediante fuertes contrastes. Por
tanto, necesitará de unos recursos musicales más ricos y elaborados que cristalizarán en la
retórica musical a la que nos hemos referido anteriormente.
Por último, no podemos hablar de la importancia de la relación entre palabra y
música en el Barroco sin aludir al género vocal por excelencia que surgirá en esta época: la
ópera. La ópera, al igual que la monodia acompañada, tuvo su origen en el seno de la
Camerata florentina alrededor del año 1600. Desde luego existían manifestaciones musicales
anteriores que combinaban texto, música y dramatización, como el drama litúrgico
medieval, el drama pastoril o el intermezzo, pero en estilo e intencionalidad están aún
muy alejadas del género operístico.
El rasgo fundamental que caracteriza a la ópera y la distingue de otros géneros
musicales anteriores es que en la ópera la música participa de forma activa y esencial en el
drama, así como en la descripción de las emociones y sentimientos de los personajes,
41
En el nacimiento de la monodia la especulación teórica precedió a la implantación práctica, un suceso
poco frecuente en la historia de la música.
44
convirtiéndose en un vehículo expresivo insustituible donde los sentimientos de los
personajes corresponderían a referentes semánticos.
Representación de la ópera Alceste de Jean-Baptiste Lully en el Palacio de Versalles (1674)
según un grabado de Jean Lepautre
La música en los albores de la ópera era, por tanto, fiel servidora de la palabra,
aunque alrededor de 1630-1640 nació un nuevo estilo conocido como Bel canto42 que se
rebelaba ante los dictados de la poesía, estableciendo una nueva relación música-texto en
la que melodía y armonía no se subordinaban a la palabra sino que buscaban una
coordinación íntima entre ambas.
42
El bel canto es un estilo de canto tradicionalmente italiano, cuyas características fundamentales son la
agilidad en la voz, el fraseo legato, la pureza del sonido y el virtuosismo técnico. No obstante, el bel
canto barroco es un estilo profusamente ornamentado y recargado muy diferente del bel canto del siglo
XIX.
45
E) TEXTO Y MÚSICA VOCAL EN EL CLASICISMO
En el Clasicismo asistimos a una renovación total de los cánones estéticos,
produciéndose una recuperación de los ideales renacentistas de equilibrio y mesura frente
al gusto barroco por el contraste, la tensión y la agitación. El género vocal más relevante
seguirá siendo la ópera, pero su objetivo será lograr una mayor verosimilitud expresiva lo
que producirá una simplificación del estilo en pos de la naturalidad y expresividad sencilla
de los sentimientos, sin artificios.
La ópera clásica se cultiva en dos vertientes antagónicas: la seria y la cómica
(conocida también como ópera bufa) y entre éstas se establece una diversidad estilística
que culminará en un enfrentamiento entre los partidarios de ambas corrientes en la
denominada “Querella de los bufones” en 1752.
Según Michels43 el incidente sucedió en París a raíz de la reposición en 1752 de La
serva padrona de Pergolesi, que había sido anteriormente representada sin ninguna reacción.
Sin embargo, en esta segunda ocasión el ambiente burgués estaba tan preparado y
definido en sus gustos, que sólo necesitó un pretexto para decantarse por la ópera bufa
(de la cual La serva padrona era un claro exponente). Se desencadenó así una fuerte
polémica que enfrentó a los partidarios de la ópera francesa aristocrática, tradicionalista y
afín a Rameau, con los partidarios de la ópera bufa italiana abanderada por los
progresistas liderados por Rousseau. Esta nueva generación encontró en la ópera bufa la
deseada naturalidad y la expresividad de los sentimientos en oposición a la rígida
tradición.
43
MICHELS,U., op.cit., p. 379.
46
Jean Jacques Rousseau (1712-1778) es una figura esencial en el panorama musical
del Clasicismo y desarrolló diversas teorías acerca de la relación entre la música y el
lenguaje durante la Ilustración44. Colaborando con Diderot en la elaboración de la
Enciclopedia escribió varios artículos sobre música, dichos artículos serían el punto de
partida de su obra posterior Diccionario de música de 1768. Según Rousseau la lengua
francesa es inadecuada para el canto, y la música francesa, artificiosa y seria según afirma
en sus Cartas sobre la música francesa de 1753.
Según Downs45 tras la querella de los bufones se hicieron patentes varias cosas:
uno, que la naturaleza del drama había cambiado en toda Europa y ya no era necesario
acudir exclusivamente a argumentos históricos o mitológicos; dos, que los personajes
humanos en situaciones no forzadas también eran capaces de generar situaciones
dramáticas y conseguir no sólo la compasión humana, sino también generar situaciones de
crítica social , de acuerdo con las corrientes sociales de la época. El papel de la música en
este nuevo contexto operístico estaba claramente subordinado al drama, dejando de ser
importante en sí misma para estar al servicio de la descripción psicológica o anímica de los
personajes o para expresar situaciones del argumento. Si existe alguien capaz de sacar el
óptimo rendimiento descriptivo a la relación música-texto en la ópera, ese es
indiscutiblemente Mozart.
44
Revisadas en una investigación realizada por Thomas en 1995.
DOWNS, P.G., La música clásica. La era de Haydn, Mozart y Beethoven, ed. Akal, Madrid, 1998, p.
221
45
47
Mozart en primer lugar fue capaz de resolver en sus obras la imbricación entre voz
y orquesta de forma que se entendiese perfectamente el texto, gracias a la claridad de sus
texturas y sin que la orquesta quedase reducida a un mero sostén redundante de la voz. En
las óperas de Mozart música y texto cooperan de manera indisoluble. Quizá uno de los
mejores ejemplos de este aspecto sea su obra La flauta mágica.
Papageno. Grabado (1791)
Joseph y Peter Schaffer: Tamino toca la flauta mágica
En La flauta mágica Mozart utiliza diferentes estilos musicales para describir a los
diferentes personajes dotando a la obra de una profundidad y una riqueza expresiva
incomparable. La obra con libreto de Schikaneder fue estrenada en Viena en 1791 y en
ella los personajes son descritos mediante dos medios: el lenguaje y la música que utilizan
para expresarse. Vamos a analizar brevemente esta descripción de los personajes:
-
La Reina de la noche: usa la técnica vocal típica de las arias de la ópera seria, algo
pretenciosa y muy efectista, combinada con un lenguaje culto y retórico. La
mezcla logra una perfecta definición del personaje.
-
Sarastro: utiliza la canción estrófica con carácter de himno, estilo muy apropiado
para un erudito que difunde su saber, ya que ésta era la función original de los
himnos y se adecua perfectamente al personaje de Sarastro que es un líder
espiritual. Su lenguaje es claro y directo aunque no exento de un cierto misticismo.
-
Pamina y Tamino: cantan en el lenguaje del Singspiel, un género de gran
expresividad y emotividad propias de los amantes, su texto rezuma poesía y
lirismo, como podría esperarse de dos enamorados.
48
-
Papageno: se expresa mediante la canción popular, simple, alegre y algo pícara,
como el propio personaje.
De este modo observamos la maestría de Mozart al desarrollar una asombrosa
caracterización textual y musical de los personajes, haciendo gala en todo momento de la
naturalidad y verosimilitud que destacábamos como los rasgos más buscados y valorados
en la ópera durante el Clasicismo.
49
F) INTERDEPENDENCIA MÚSICA-TEXTO VS. MÚSICA
ABSOLUTA EN EL ROMANTICISMO
Está claro que la palabra Romanticismo surgió para designar a un fenómeno
literario que se expandiría y aplicaría más tarde al resto de las artes, incluida la música. El
término se aplicó en primer lugar a un grupo de escritores alemanes como Goethe o
Schiller que desarrollaron su labor literaria en torno a 1795-1816. Este vocablo pasaría a
Francia en el siglo XIX, aproximadamente en 1824 para designar a otro grupo de
escritores cuya figura más representativa era Víctor Hugo. Los historiadores de la
literatura incluirían más tarde en el Romanticismo a señalados autores ingleses como Lord
Byron, Keats o Shelley por la afinidad de rasgos estilísticos que presentaban. No obstante,
el Romanticismo mostró diferentes particularidades según el país en el que se desarrollase.
Según Fubini:
“La voz Romanticismo es un término muy polivalente en el nivel semántico. No
siempre coincidieron entre sí los significados que adquirió en uno y en otro país de
Europa en su momento de vigencia. Concretamente el modelo alemán de
Romanticismo, que daba la primacía a un gran anhelo de infinitud, era bien diferente
de aquel otro -de rasgos muy difíciles de definir por ser más vagos- que se había
configurado en Francia y en Italia, especialmente en Lombardía, en el que se
mezclaban los recuerdos provenientes de la Revolución francesa, de las empresas
napoleónicas y del catolicismo de Manzoni, con los amplios residuos que habían
quedado del sensismo iluminista”46.
Sin embargo, también existen unos rasgos comunes que permiten definir al
Romanticismo, según Chailley, como “la revancha de lo irracional, de la sensibilidad, de
los sentimientos sobre la razón, de la hipérbole sobre lo comedido, del movimiento sobre
el equilibrio, del individuo sobre la sociedad”47.
Bajo estas premisas es fácil comprender la revalorización que experimentará la
música como arte durante el siglo XIX. De hecho durante el Romanticismo, la música
será objeto de estudio y especulación teórica, filosófica y estética, por parte de grandes
46
FUBINI, E., op.cit., p. 297.
CHAILLEY, J., Cours d´histoire de la musique, ed. Alphonse Leduc, París, 1983, Tome III-XIXe
siècle.
47
50
pensadores, filósofos, literatos y compositores que la encumbrarán como arte absoluto,
según se extrae de las siguientes afirmaciones48:
-
Beethoven: “En la música vive una substancia eterna, infinita, que no es del todo
aprehensible ”.
-
E.T.A. Hoffmann: “La música es la más romántica de todas las artes, puesto que
tiene por objeto lo infinito”.
-
Wagner. “La música tiene un acceso directo a la esencia de las cosas”.
-
Hegel: “La música es revelación del Absoluto bajo la forma del sentimiento”.
-
Schopenhauer: “El compositor revela la esencia íntima del mundo mediante un
lenguaje que su razón no entiende”.
Por tanto, la música por primera vez en la historia conquista su autonomía y se
disipa la idea de que debe estar subordinada al texto. Por un lado la música empieza a
considerarse como un arte asemántico, que no expresa contenidos conceptuales (como el
lenguaje) sino pseudo-referencialmente emocionales. Por otro lado, la relación música–
texto se aglutina en dos tendencias: una, la propia de las formas vocales (Lied y ópera) en
que literatura y música se convierten en una realidad indisociable, los textos escogidos son
de gran calidad literaria (obras de Goethe, Schiller, Heine, Shakespeare, Puschkin, Víctor
Hugo, Walter Scott...) y se adaptan a la música en una relación de interdependencia
profunda e íntima sin precedentes. La otra tendencia será la propia de las formas
instrumentales, en torno a las cuales surge la teoría de la música absoluta o pura que
prescinde por completo del soporte textual. No obstante encontraremos el singular caso
de la música programática, que se servirá de un programa extra-musical como veremos en
la obra de Berlioz o Liszt.
Delacroix, Fausto e Margarida (1828)
48
Véase FUBINI, E., op.cit., 1988, pp. 268, 273, 278, 279, 307 y ss.
51
Como decíamos, las principales formas vocales del Romanticismo son el Lied y la
ópera. En ellas triunfó el ideal romántico de la fusión entre las artes combinando música,
literatura y drama de manera indisociable y esencial en su búsqueda de la expresión de ese
algo intangible que iba más allá de las palabras.
El término Lied en alemán significa canción y aludía a múltiples manifestaciones
artísticas: a las canciones medievales de los trovadores, a un estilo de poemas estróficos y
en el siglo XIX comienza a utilizarse para designar a un tipo de pieza musical culta
compuesta sobre un poema literario cuyo sentido es ilustrado musicalmente por el
compositor. El Lied se caracterizaba por una melodía cercana a la canción popular capaz
de expresar el significado del texto, dotada a su vez de un acompañamiento con
frecuencia descriptivo. Probablemente el auge del Lied vino precedido por un auge de la
poesía lírica en el contexto del Romanticismo, proporcionando a los compositores
excelentes textos de una gran calidad literaria y una singular naturaleza musical que los
hacía muy proclives a ser musicalizados.
Existieron grandes compositores de Lieder: Hiller, Graun, Schulz, Reichard,
Schumann, pero entre todos destaca la figura de Schubert, quien escribió unos seiscientos
Lieder entre 1814 y 1828. Schubert musicalizó poemas de Goethe, Schiller y Müller,
mostrando una inigualable habilidad para profundizar en las sensaciones y sentimientos,
para recrear las impresiones generadas por el poema, así como un talento admirable para
entretejer acompañamientos descriptivos mediante motivos musicales recurrentes.
Fragmento del Viaje en invierno de Franz Schubert.
En cuanto a la ópera en el Romanticismo, se convierte en un género
extendidísimo y muy demandado, quizá debido a que sus temas y protagonistas son un
producto de la sociedad de su tiempo y un reflejo de la misma. Según Marschall, existen
52
ciertos temas característicos como la rebeldía del héroe ante el poder político, la liberación
de un amor desesperado y la tensión que experimenta el hombre sometido al poder
combinado de la naturaleza, la superstición y la religión, y la mujer y su dualidad de
carácter. Igualmente hace hincapié en la unión íntima entre literatura y música que se
produce en el siglo XIX, a la que nos referíamos anteriormente, señalando que la
interdependencia entre texto y música tanto en lo prosódico como en lo semántico será
condición indispensable de la nueva ópera.
Por último, en cuanto a la tendencia propia de las formas instrumentales,
mencionábamos que la emancipación de la música instrumental respecto a los dictados del
texto tendrá su clímax en el siglo XIX, debido en parte a que la subjetividad romántica
encontró en la música instrumental un vehículo de expresión más allá de los límites de lo
lingüístico, declarándose arte autónomo, reivindicando su poder sobre lo irracional y
constituyéndose en expresión suprema de lo inefable. Así expresaba E.T.A. Hoffmann su
idea de que el lenguaje era en cierto modo un “añadido exterior” del que la música debía
emanciparse: “Cuando se habla de la música como un arte autónomo, debemos referirnos
siempre sólo a la música instrumental, la cual, desdeñando toda ayuda, toda mezcolanza
con otro arte, expresa con pureza y sólo en sí misma lo propio del arte y dilucida su ser”49.
La historia del término “música absoluta”50 refiriéndose a una música pura, alejada
de significados o contenidos conceptuales y por tanto superior y absolutamente ajena al
factor lingüístico o semántico, según Dalhaus, no procede como se ha afirmado tantas
veces de Eduard Hanslik, sino de Richard Wagner, quien aseguraba: “que la esencia de la
más elevada música instrumental consiste en expresar con sonidos lo que es inefable con
las palabras”51 motivo por el cual podía ser considerada un arte superior al literario. Esta
idea sería posteriormente recogida y popularizada por Hanslick, quien llegó a afirmar: “Lo
que la música instrumental no puede, no puede decirlo jamás la música; así pues, sólo ella
representa el arte musical puro, absoluto”52.
Por el contrario, dentro de la música instrumental se desarrolló paralelamente una
corriente conocida como “música programática” que contradiciendo los principios de la
49
HOFFMANN, E.T.A., Escritos sobre música, ed. de Friedrich Schnapp, Munich, 1963, p.34.
DALHAUS, C., La Idea de la Música Absoluta, ed. Idea Books, Barcelona, 1999, p. 22.
51
WAGNER, R., op.cit., p. 56.
52
HANSLICK, E., De lo bello musical, Leipzig, 1854, reed. Darmstadt, 1965, p.20.
50
53
música absoluta, se sirvió de programas extra-musicales, preferentemente literarios53. Es el
caso de la Sinfonía Fantástica de Berlioz (1830) y de los poemas sinfónicos de Liszt.
Héctor Berlioz gran amante de la música y la literatura, admirador ferviente de
Beethoven y Shakespeare, conjugó en su producción musical la fusión entre la música y la
literatura que se materializó en su obra programática más célebre: la Sinfonía Fantástica.
Su sinfonía estaba basada en un programa extra-musical literario que fue facilitado
al público a la entrada del concierto en una octavilla, el cual narraba la delirante historia de
un joven artista enamorado que sufre una serie de visiones producidas por el opio, en las
que siempre está presente su amada. La existencia del programa sirve para dar cohesión a
la obra, a la vez que su contenido es fuente de múltiples referencias y descripciones
musicales, por ejemplo: el segundo movimiento es un vals y la acción transcurre en un
baile, o cuando el artista sueña con su propia muerte hay una alusión musical al Dies irae,
secuencia propia de la Misa de difuntos.
En cuanto a Liszt, aplicó a sus obras instrumentales las teorías expuestas por
Hegel, el cual en su Estética afirmaba que todas las artes eran semejantes en su contenido,
animando a los compositores a incluir elementos literarios dentro de su música. Liszt
compuso bajo estas premisas algunas obras excepcionales originando un nuevo género
musical: el poema sinfónico.
Los elementos literarios podían ser diversos para la producción de poemas
sinfónicos: podía tratarse de un guión, podía tratarse de un texto usado a modo de
inspiración, podía describirse musicalmente un paisaje, una idea, una leyenda, podía usarse
una narración, etc. Todos estos sistemas pueden servirnos de inspiración para desarrollar
interesantes actividades músico-literarias para Educación Secundaria.
Liszt compuso un total de doce poemas sinfónicos de lo más variopintos, entre
ellos destacan: Los Preludios, Hamlet, Años de peregrinación y Mazzepa.
53
Aunque también los hubo inspirados en las artes plásticas, como por ejemplo la Suite Cuadros de una
exposición de Mussorgski, quien llevó a cabo la descripción musical en 1874 de una exhibición de
pinturas del arquitecto Hartmann
54
Así pues, podemos destacar como rasgo fundamental del Romanticismo la fuerte
interdependencia música-texto presente en las formas musicales vocales como el Lied y la
ópera, así como en la música instrumental programática, frente a la negación de esta
relación mantenida por la música absoluta, o música instrumental ajena al factor
lingüístico.
55
G) LENGUAJE Y MÚSICA EN LOS SIGLOS XX Y XXI
Durante los siglos XX y XXI la relación entre música y lenguaje viene marcada
por las múltiples tendencias estéticas que se desarrollan dando lugar a una diversificación
total de los estilos. En primer lugar se produce una profunda división entre música culta y
música popular (esta última experimentará un auge como consecuencia del impulso que
recibirá por parte de los nacionalismos musicales que revalorizarán los materiales
folclóricos y los recursos de las canciones populares a partir de finales del siglo XIX).
En la música culta, la música y el lenguaje se complican paulatinamente dando
lugar a interesantes e innovadoras técnicas vocales como el Sprechgesang ideado por Arnold
Schönberg al que nos referiremos más adelante, mientras que en la música popular, la
música y el lenguaje se simplifican a medida que avanza el siglo XX, produciéndose no
obstante una enorme diversificación de los estilos como pop, rock, punk, rap, reaggy, etc.
A continuación, realizaremos una breve panorámica de la evolución que
experimenta la música desde finales del XIX, porque consideramos que es imposible
comprender la situación actual de la música y el lenguaje, sin tener en cuenta fenómenos
tan trascendentales como el surgimiento de los nacionalismos musicales o el
expresionismo que daría lugar a la ruptura con la tonalidad, que era hasta el momento el
sistema que regía la composición en toda la música occidental.
El Romanticismo del siglo XIX experimentó una evolución estilística
profundamente ligada a la situación histórico-política que vivía el viejo continente. De
este modo, surgieron los estilos nacionalistas54 como resultado de la intensa búsqueda de
identidad nacional y de la exaltación patriótica de algunos países considerados
tradicionalmente periféricos en lo que a cultura y música se refiere: Rusia, Hungría,
Checoslovaquia, Finlandia, Noruega, España, Inglaterra y Estados Unidos asistirán a un
florecimiento de su folclore, sus tradiciones y sus leyendas que configurarán sus
particulares estilos nacionales, plasmados magistralmente en las obras de Balakirev, Cui,
Borodin, Mussorgski y Rimski- Korsakov en Rusia; Bartók y Kodaly en Hungría;
54
Según el Diccionario Harvard de música,el nacionalismo musical es definido como “La utilización en
la música culta de materiales que tienen un carácter identificablemente nacional o regional. Puede
tratarse de auténtica música folclórica, melodías o ritmos que simplemente recuerdan a la música
folclórica, y elementos musicales no programáticos tomados del folclore, los mitos o la literatura
nacionales”, op.cit., pp. 690-691.
56
Smetana, Dvorák y Janácek en Checoslovaquia; Sibelius en Finlandia; Grieg en Noruega;
Albéniz, Granados y Falla en España; Elgar, Vaughan y Holst en Inglaterra; Ives,
Gershwin y Copland en Estados Unidos.
Estos estilos nacionalistas se prolongaron hasta comienzos del siglo XX,
convergiendo con multitud de estilos musicales diversos que coexistieron durante las dos
primeras décadas del siglo. Esta diversidad estilística ponía de manifiesto la búsqueda de
una nueva sensibilidad artística, la necesidad de nuevos vehículos de expresión en una
época convulsa, decadente y cambiante que desembocaría en la Primera Guerra Mundial.
En este contexto, nace una corriente estética que dejará una impronta indeleble en
la historia de la música: el expresionismo.
El movimiento artístico conocido como expresionismo será un fenómeno
multidisciplinar que se desarrollará en el ámbito de las artes plásticas, la literatura y la
música, cuyo objetivo esencial será expresar la angustia vital del ser humano, sus impulsos
inconscientes, sus pasiones más violentas y sus instintos más primitivos, con una clara
influencia de las teorías psicoanalíticas freudianas que estaban en boga. Su origen aparece
ligado a dos grupos alemanes: Die Brücke y Der Blaue Reiter. Entre las filas de este último se
aglutinan en torno a 1911 artistas como los pintores Kandinsky, Kokoschka y Franz
Marc, los poetas Stefan George o Richard Dehmel y los músicos Schönberg, Alban Berg y
Anton Webern. Todos ellos presentan un rasgo común en sus respectivas disciplinas: los
lenguajes artísticos distorsionan la realidad mediante diferentes recursos que pretenden
expresar emociones exacerbadas, la constante búsqueda de una hiperexpresividad que
incida especialmente en la tensión, el dolor, lo macabro y lo grotesco, en una deformación
sistemática de la lógica, lo que excluye toda función referencial.
Kandinsky: paradigma del expresionismo abstracto
57
Consideramos que Arnold Schönberg merece un tratamiento aparte dentro del
expresionismo, no sólo por ser un innovador trascendental para la historia de la música,
sino por su interés en teorizar acerca de diversas cuestiones musicales, entre ellas las
relaciones entre la música y el lenguaje, tema sobre el que escribió interesantes artículos
que merece la pena conocer pormenorizadamente y a los que haremos referencia más
adelante.
Como decíamos, el pionero del expresionismo musical y padre de la atonalidad55
fue Arnold Schönberg (1874-1951) quien tras una breve época post-romántica a la que
pertenecen sus obras: Noche transfigurada, Pelleas und Melisande y Gurrelieder, de las cuales las
dos primeras son obras instrumentales programáticas (inspiradas en obras de Richard
Dehmel y Maerterlinck respectivamente) y la tercera una cantata con orquesta, en las
cuales ya observamos el interés de Schönberg por las obras vinculadas a un texto literario;
hacia 1909 comienza a experimentar un profundo cambio estilístico que dará lugar a su
etapa atonal-expresionista.
Su primera obra de esta etapa será precisamente El libro de los jardines colgantes Op.
15 (1908) obra constituida por quince canciones compuestas a partir de poesías
expresionistas de Stefan George. De esta misma época es su monodrama Erwartung (La
espera, 1909) compuesto sobre un texto de Marie Pappenheim; pero su obra más
interesante, calificada por muchos autores como un hito para la música del siglo XX será
Pierrot Lunaire Op. 21 (1912) que es la musicalización de veintiún poemas surrealistas de
Albert Giraud (traducidos al alemán) para recitante femenina y ocho instrumentos.
Esta obra introduce un tipo de línea vocal a medio camino entre la declamación y
el canto56, cuya entonación, de altura aproximada, servirá para ilustrar los aspectos más
introspectivos, delirantes, macabros y psicoanalíticos del expresionismo.
55
La atonalidad o atonalismo propugnado por Schönberg consiste en un sistema compositivo que niega
categóricamente los principios fundamentales del sistema tonal: niega la atracción y supremacía de la
tónica, la diferenciación y jerarquía de los grados, la supremacía de la consonancia, las leyes cadenciales
y las relaciones funcionales entre los acordes. En cambio postula: la abolición de la polaridad tonal, la
equivalencia de los doce semitonos de la escala cromática y ante todo la emancipación de la disonancia.
56
Schönberg lo denominó Sprechstimme o Sprechgesang que significa voz parlante o recitadoentonado.
58
Arnold Schönberg, Pierrot Lunaire nº 18
La preocupación de Schönberg por la relación entre música y texto quedó patente
no sólo en su profusa utilización de obras literarias como base para algunas de sus más
célebres composiciones musicales, sino que él mismo abordó el tema en algunos de sus
artículos que fueron reunidos junto a otros escritos suyos bajo el título de El estilo y la
idea57.
En uno de sus artículos titulado “La afinidad con el texto”58 afirmaba:
“Son relativamente pocas las personas capaces de comprender, en términos
puramente musicales, lo que la música expresa. El suponer que una pieza de música
debe acumular imágenes de una u otra especie y que si estas faltan la pieza no ha sido
entendida o carece de valor, es algo tan extendido como solamente puede serlo lo
falso y lo vulgar. Nadie espera tal cosa de cualquier otro arte, sino que se contenta
con los efectos de sus elementos; aunque bien es verdad que en las demás artes el
tema material, el objeto representado, se ofrece por sí mismo automáticamente al
limitado poder de comprensión del intelectualmente mediocre. Puesto que la música
como tal, carece de tema material, hay quienes buscan a través de sus efectos la
belleza de la forma exclusivamente, y otros, procedimientos poéticos”
Este pensamiento pertenece a una etapa temprana en la que el compositor creía
profundamente en la autonomía artística de la música, independientemente de sus
57
58
SCHÖNBERG, A., El estilo y la idea, ed. Idea Books, Barcelona, 2005.
Ibidem, p. 25.
59
relaciones interdisciplinares con otras artes como la literatura, las cuales servían
únicamente como apoyo para aquellos que no lograban comprender la música en sí,
además de soporte o inspiración para el compositor, aspecto en el que profundizaremos
más adelante.
Otra muestra de la idea de Schönberg respecto a la superioridad casi metafísica de
la música como arte supremo de la expresión la encontramos en este fragmento:
“Hasta Schopenhauer, que empieza diciendo algo realmente exhaustivo acerca de la
esencia de la música en este maravilloso pensamiento: <<El compositor revela la
esencia íntima del mundo y expresa la sabiduría más profunda en un lenguaje que su
razón no comprende; exactamente igual que una médium hace revelaciones sobre
cosas de las que no tiene ni idea cuando despierta>>, hasta él se extravía luego,
cuando trata de traducir a nuestra terminología los detalles de ese lenguaje que la
razón no comprende. Para él, sin embargo, debe estar claro que en esa traducción a
la terminología del lenguaje humano
–que es abstracción, reducción a lo
reconocible– lo esencial, el lenguaje del mundo –que quizá haya de permanecer
incomprensible y perceptible tan solo– se pierde.”59
Si en los fragmentos anteriores Schönberg teorizaba filosóficamente acerca de la
capacidad expresiva de la música con independencia respecto al lenguaje poético, aquí
analiza su experiencia desde el punto de vista del oyente:
“Hace algunos años quedé profundamente asombrado al descubrir en varias
canciones de Schubert que conocía muy bien, que yo no tenía la menor idea de lo
que sucedía en los poemas en que estaban basadas. Pero cuando hube leído los
poemas saqué la conclusión de que con ello nada había conseguido para aumentar la
comprensión de las canciones, ya que no me hicieron cambiar en lo más mínimo mi
concepción sobre la interpretación musical. Por el contrario, parecía que, sin conocer
el poema, yo había captado el contenido –el contenido real– y quizá de manera aun
más profunda que si me hubiera aferrado a la simple superficialidad de los
pensamientos expresados por palabras”60
59
60
Ibidem, p. 25.
Ibidem, p. 27.
60
Otro interesante argumento es el que expone basándose en su propia práctica
compositiva, dado que él mismo compuso numerosísimas obras inspiradas en textos
literarios:
“inspirado por el sonido de las primeras palabras del texto, yo había compuesto
muchas de mis canciones de un tirón hasta el final, sin preocuparme lo más mínimo
por seguir el acontecer poético y sin adaptarme a él siquiera durante el éxtasis de mi
labor. Solamente días después pensé en volver la vista atrás para percatarme de lo
que había del contenido poético en mi composición. Quedó entonces de manifiesto,
para mi asombro, que nunca podía yo hacer mayor justicia al poeta que cuando,
guiado por mi primer contacto directo con el sonido del principio, adivinaba todo lo
que era obvio que tenía que seguir inevitablemente de acuerdo con aquel tono.
Por tanto, llegó a estar claro para mí que la obra de arte es, como cualquier otro
organismo completo, tan homogénea en su composición que en cada pequeño
detalle revela su esencia más íntima y verdadera. Al separar cualquier parte del
cuerpo humano, siempre brota lo mismo: sangre. Al escuchar un verso de un poema,
un compás de una composición, estamos en disposición de comprender el todo (...)
Y así, yo había comprendido completamente las canciones de Schubert a la vez que
sus poemas, solamente por la música, y los poemas de Stefan George solamente por
su sonido, y en tal grado de perfección, que difícilmente podría lograrse mediante
síntesis y análisis y que desde luego estos no superarían”61
Quizá uno de los textos más significativos en cuanto a la íntima relación existente
entre la música y el texto es este, en el cual Schönberg critica aquellos que pretenden
encontrar un paralelismo superficial, casi narrativo, entre la música y el texto poético,
mientras que el verdadero vínculo, según Schönberg es de una naturaleza mucho más
profunda e intangible:
“en toda música compuesta sobre poesía, la exactitud en la reproducción de los
acontecimientos es tan ajena a la valoración artística como lo es el parecido que
tenga un cuadro con el modelo; después de todo, nadie ha de poder comprobar este
parecido después de cien años, en tanto que el efecto artístico permanecerá
inalterable (...) Percibido esto, es también fácil de comprender que la
correspondencia externa entre la música y el texto, como se muestra en declamación,
tiempo y dinámica, tiene muy poco que ver con la correspondencia interna (...) Las
61
Ibidem, pp. 27-28.
61
aparentes divergencias superficiales pueden ser la necesaria consecuencia de un
paralelismo en nivel más importante”62
A pesar de que durante gran parte de su vida, Schönberg defendió como hemos
visto, la superioridad comunicativa y expresiva de la música frente a las palabras, en sus
últimos años comprendió la importancia de que música y texto se complementasen el uno
al otro, llegando a admitir que la música debía realzar el contenido de los textos, tal y
como se extrae de su artículo titulado “Mía es la culpa” en el cual Schönberg afirmaba:
“había por entonces (en la época posterior a la Primera Guerra Mundial) canciones,
ballets, óperas y oratorios en los que el objetivo del compositor consistía en una total
aversión hacia lo que en el texto se exponía. ¡Qué absurdo! ¿Con qué finalidad se le
pone música a un texto? (...) no existirían canciones, óperas ni oratorios si no se
añadiese música que realzara la expresión de los textos. Además, ¿cómo se puede
tener la seguridad de que esta música no ha de expresar algo provocado por el
63
texto?”
Es importante tener en cuenta que paralelamente al desarrollo de la música culta
durante los siglos XX y XXI, se produce un enorme auge y expansión de la música
popular, que se mantiene distante respecto a las complejas técnicas compositivas
empleadas por Schönberg y sus sucesores, así como de sus profundas elucubraciones
acerca de la naturaleza filosófica de la relación entre música y texto. Podemos afirmar que
en la vertiente moderna de la música de los últimos siglos, la relación entre música y
lenguaje se simplifica considerablemente, pero este hecho dependerá en gran medida del
estilo o la corriente musical a la que aludamos, dado que si algo caracteriza esta época es la
diversificación de los estilos musicales en lo que a música popular se refiere.
Por consiguiente, consideramos oportuno realizar un breve recorrido por los
diferentes estilos musicales populares para analizar la relación entre música y texto en cada
uno de ellos, determinando cual de estos elementos prevalece en cada corriente musical.
En primer lugar, debemos señalar que las raíces de la música popular que a partir
de los años cincuenta se expandirían por todos los continentes tienen su origen y gran
62
63
Ibidem, p. 28.
Ibidem, p. 189.
62
parte de sus influencias en los estilos musicales que se desarrollaron en Estados Unidos a
partir de la fusión musical de elementos de las culturas africana y europea, especialmente
del blues. Los esclavos africanos llevaron consigo sus tradiciones musicales que se
mezclaron con los estilos musicales europeos propios de los colonos, dando lugar a
interesantes estilos y géneros musicales, como por ejemplo las work songs (canciones de
trabajo) y los espirituales.
Como decíamos una de las primeras manifestaciones de esta nueva cultura musical
negra son las canciones durante el trabajo, en las cuales en principio el texto no es lo
importante, sino el ritmo, ya que cuando este se acelera, se acelera también el trabajo.
Según Colin Cripps:
“Las canciones de trabajo se inventaron para ayudar a sobrellevar el aburrimiento de
faenas duras y monótonas,. Tenían una pulsación regular que se adaptaba al ritmo de
las tareas. En las canteras, o en las cuadrillas que construían carreteras, gran parte del
trabajo se realizaba manejando picos, martillos y palas que seguían un ritmo
constante. Los cantos de trabajo se adaptaban a la velocidad de los martillos y eran
liderados por un miembro de la cuadrilla, al que después se unían los demás. Ésta es
una forma de cantar canciones típicamente africana”64.
Otro género fruto de la mezcla de elementos musicales africanos (como la
polirritmia, la síncopa y los patrones de llamada-respuesta) y elementos musicales
europeos (como las melodías de los himnos) fueron los espirituales, también conocidos
como música gospel. Estos espirituales eran cantos religiosos en los que la música servía
de vehículo al fervor religioso de los negros quienes alimentaban su esperanza de una vida
ultraterrena mejor y quizá de una posible liberación como la del pueblo de Israel.
Evidentemente, en estos cantos el texto cobraba una importancia simbólica, singular y
trascendente, mientras que la parte musical era un mero embellecimiento externo del
contenido.
Sin embargo, si algún estilo musical de origen afro-americano marcó
definitivamente el curso de las corrientes musicales de la música popular, éste fue sin duda
el blues. Colin Cripps afirma:
64
CRIPPS, C., La música popular en el siglo XX, ed. Akal, Madrid, 2001, p. 8.
63
“Otro estilo de música negra de principios de siglo fue el blues. Se trataba de una
música popular que surgió de la misma mezcla de ideas africanas y europeas que
habían dado lugar a los cantos de trabajo y a los espirituales. Como éstos, el blues
contaba los sentimientos, temores y esperanzas de los cantantes, pero lo hacía de una
forma más personal.”65
En cuanto a la temática y carácter de los textos añade:
“Las letras de estos blues son simples, honestas, profundamente sentidas y tienen
que ver con la vida del cantante. Ciertas palabras tienen un doble sentido de
naturaleza sexual. Algunas letras tratan de la pobreza, otras de la religión y del
pecado, y otras de los lugares en los que el cantante ha estado o a los que quisiera
ir.”66
Por tanto, en el blues encontramos por primera vez al intérprete compositor que
canta acerca de sus sentimientos e intereses, en ocasiones denunciando injusticias sociales,
cantando a la tristeza, la pobreza o el desamor, temas que serán frecuentemente
revisitados desde entonces. El canto profundiza en su esencia poética y gana en lirismo.
El blues fue el género musical que abrió la puerta a la revolución de la música popular de
masas que estaba a punto de producirse, y precisamente esta revolución la supondría la
aparición y desarrollo de otro género muy deudor y heredero de las estructuras del blues:
el rock´n´roll. Según Colin Cripps:
“Cuando comenzó en 1954, el rock´n´roll fue un shock total, una explosión de poder,
un ultraje y, sin embargo, su desarrollo era predecible. Estados Unidos, al igual que el
mundo occidental, se sentía optimista ya que había acabado la Segunda Guerra
Mundial. Por primera vez los “teenagers” (palabra que se inventó en los años 50 y
que significa adolescentes, es decir jóvenes de entre 13 y 19 años) tenían dinero para
gastar y empezaban a buscar su identidad como grupo, algo en lo que basar sus
modas, algo que fuese “suyo”, algo excitante. ¡El rock´n´roll era todas esas cosas!
El rock´n´roll era especial porque unificaba las numerosas y diferentes tendencias
de la música popular. Alcanzó su máxima popularidad en 1955-1956, aunque hacía
tiempo que existía música con muchos de sus ingredientes.”67
65
Ibidem, p. 15.
Ibidem, p. 19.
67
Ibidem, p. 42.
66
64
Por tanto, podríamos afirmar que el rock´n´roll fue importante para la historia de
la música no sólo como estilo musical (dado que en general aglutinaba características de
estilos preexistentes y por tanto no era especialmente innovador en ese sentido), sino
especialmente como fenómeno de masas.
En esta corriente musical resultaron igualmente decisivas no sólo la parte musical
sino también la estética y los textos de las canciones que fueron esenciales para empatizar
con las preocupaciones juveniles y crear una identidad generacional como no había
existido hasta el momento. En cuanto a la actualización de los contenidos de las letras de
las canciones Chuck Berry desempeñó un papel fundamental, tal y como Cripps señala:
“Uno de los primeros cantantes negros de rock´n´roll que alcanzó el éxito a nivel
nacional fue Chuck Berry, quien, además, dio al rock´n´roll muchas de sus letras “de
adolescente”. Cantaba con estilo y humor acerca de las cosas por las que los
adolescentes se interesaban y por primera vez creó una música que era de ellos y de
nadie más. Cantaba sobre “conducir coches” con “mi chica en el asiento de al lado”,
sobre el amor entre los jóvenes, los autocines, el vestir a la moda, divertirse.”68
En este estilo musical el texto adquiere nuevamente relevancia aunque no por su
profundidad ni su lirismo, sino por su capacidad de generar un fenómeno de empatía
admiración e identificación multitudinaria, dando lugar a un incipiente negocio
discográfico basado en la popularidad y rentabilidad del artista como producto, que
perdura hasta nuestros días.
No obstante este inédito fenómeno de masas declinó progresivamente debido a
diversas circunstancias cediendo el paso a otros estilos que también habrían de perdurar
hasta la actualidad. Colin Cripps69 describe así el auge y declive del rock´n´roll:
“Cuando el rock´n´roll llegó por primera vez a tener una audiencia de masas, en
1955, la reacción fue increíble y de histeria. Las estrellas del rock´n´roll eran
aclamadas y acosadas, y los padres pensaban que la música corrompía a sus hijos. En
la televisión se hacían campañas en contra del rock´n´roll, y los predicadores
enseñaban que esta música era una manifestación del mal.
68
69
Ibidem, p. 43.
Ibidem, p. 45.
65
En poco tiempo, una serie de catástrofes precipitaron el final del rock´n´roll, y en
el espacio de dos años todos los intérpretes importantes fueron puestos “fuera de
combate”70
Según Cripps, las compañías de discos y las emisoras de radio querían algo más
seguro y respetable, y así, de 1958 a 1963 tuvimos la era del “teen idol” (ídolo de los
adolescentes) y con dicha imagen surgió otro estilo musical ampliamente difundido y
perdurable (a la par que rentable): el pop adolescente.
El pop adolescente fue la respuesta comercial a las demandas de una sociedad
juvenil que deseaba divertirse y enamorarse sin otras preocupaciones existenciales, por
tanto sin ánimo de rebelarse contra lo establecido, y cuyas únicas aspiraciones vitales y
musicales eran la búsqueda de la diversión, alejada del peligro, la protesta y los problemas.
En este estilo musical, el texto perdía importancia, dado que trataba en general de
temas superficiales, mientras que la parte musical era fundamental ya que debía enganchar
al oyente con su estilo ligero, alegre y bailable, para lograr el éxito comercial.
No obstante, tanto el texto como la propia música de las canciones fue
evolucionando paralelamente a la situación social y política, convirtiéndose en los años
sesenta en un eficaz vehículo de expresión del descontento social naciendo así la canción
protesta y un nuevo género musical: el folk. Algunos artistas como Joan Baez y Bob
Dylan comenzaron a criticar en sus letras las injusticias sociales desencadenando entre
otras cosas un movimiento antibelicista contra la guerra de Vietnam. De nuevo la
importancia del texto eclipsaba la parte instrumental, lo esencial era lo que se decía, no
cómo se decía.
En esta época proliferaron otros estilos fruto de diversas influencias, como el folkrock o el rock psicodélico inspirado por el consumo de LSD. Esta diversificación
estilística aumentó durante la década de los setenta, según Cripps:
70
En 1957 Little Richard dejó el rock´n´roll para convertirse en predicador; en 1958 Elvis Presley se
alistó en el ejército y Jerry Lee Lewis produjo un gran escándalo al casarse con una menor, mientras que
Chuck Berry fue encarcelado por violar las leyes de inmigración; en 1959 Buddy Holly y Ritchie Valens
se mataron en un accidente de avión y ese mismo año Alan Freed el pinchadiscos que en gran medida
había vendido el rock´n´roll a América fue declarado culpable de haber aceptado sobornos para poner
determinados discos.
66
“A principios de los años 70, el pop comenzó a dividirse en diferentes estilos, cada
uno con sus propios seguidores incondicionales y con su propia forma de desarrollar
los temas de los años 60. Una cosa que compartieron muchos de los estilos fue el
sentido de la extravagancia, con los fans idealizando a sus héroes. Los conciertos de
rock se convirtieron en acontecimientos a gran escala, y de gran ostentación, que se
celebraban en enormes salas de concierto, arenas o estadios deportivos.”71
Entre estos estilos espectaculares y con multitud de seguidores destacan el heavy
rock, basado en el virtuosismo instrumental (especialmente de la guitarra, cuyos solos se
expanden y aceleran) y en letras de temática mística, mítica o fantástica con abundantes
referencias a obras literarias; o el glitter rock que desapareció alrededor de 1975 dando
paso a otros estilos.
Quizá el estilo más original y rompedor de la segunda mitad de los setenta sea el
punk. Y con él, el texto recuperó su supremacía sobre el virtuosismo instrumental. Colin
Cripps afirma:
“A medida que la música de rock se volvía más artificial, y las entradas para los
conciertos cada vez más caras, con superestrellas que cantaban canciones que tenían
poco que ver con la vida de los adolescentes en las calles y con la recesión
económica que empezaba a hacerse notar, debería haber sido muy obvio que se
avecinaba un cambio. Pero, cuando este cambio llegó finalmente en 1976, cogió a
todo el mundo por sorpresa. La explosión del punk, al igual que la llegada del
rock´n´roll y la de los Beatles cambió la música pop.
El punk puso en palabras los sentimientos de los jóvenes corrientes. Las letras
expresaban el disgusto con la sociedad de la que formaban parte. Adoptando una
línea anarquista, el punk decía que los gobiernos eran muy corruptos y que la gente
debía gobernarse a sí misma; que la cultura de plástico de la tele era aburrida y que
los jóvenes estaban aburridos; que la sociedad debía ser destruida; que las
condiciones de la vivienda de la clase trabajadora eran inaceptables; que el desempleo
significaba que los jóvenes de la clase trabajadora no tenían ningún futuro; que la
autoridad era fascista; que la guerra era criminalmente estúpida. El punk decía todas
estas cosas cruda y simplemente. Eran los sucesores de la idea de canción protesta
que se remontaba a Guthrie y antes, pero expresada de una forma nueva, venenosa y
directa.”72
71
72
Ibidem, p. 71.
Ibidem, pp. 74-75.
67
Con este estilo convivirían entre otros el new wave que fue en cierto modo una
vuelta a la música pop especialmente en lo que a los textos se refiere, aunque con una
parte musical más elaborada. El reggae, la música disco y el funk, fueron las ramas
principales de la música negra en los años setenta. Según Cripps el sonido Tamla
Motown73 se transformó en disco74, el sonido soul75 se convirtió en funk76, y llegaron
nuevos sonidos de Jamaica en la forma de reggae y ska77. El reggae es la música propia de
los rastafaris de Jamaica, Cripps afirma:
“Los Rastas creen que algún día la gente negra regresará a su tierra prometida, el país
de Etiopía en África. También creen en la paz, el amor y la fraternidad, y fuman
marihuana (cannabis), a la que consideran una “hierba sagrada”. Las canciones de
reggae comenzaron reflejando estas cosas, así como la lucha contra la injusticia y la
civilización occidental corrupta (llamada Babilonia por los Rastas), que la sociedad
industrial blanca, con su competencia exagerada y su corrupción representa.”78
La música reggae adquirió un fuerte componente político, así como de denuncia y
protesta, por lo que el texto prevalecía sobre la música que por lo general se basaba en
patrones muy sencillos, esta sencillez musical contribuyó a la enorme difusión de este
género.
Por último podemos afirmar que estos estilos musicales populares continúan
evolucionando y fusionándose desde el siglo XX hasta la actualidad dando lugar a
numerosas tendencias como el rap, el house, la música indie, el tecno, etc.; aún perdura
igualmente su carácter de fenómeno de masas, mientras que la música culta
contemporánea ha ido convirtiéndose paulatinamente en un fenómeno minoritario,
73
Tamla Motown era una compañía de discos fundada en Detroit en 1960, en la cual directivos, artistas,
compositores y productores eran todos de color. Desarrollaron un sonido distintivo que alcanzó mucho
éxito e hicieron avanzar la canción pop de forma revolucionaria, caracterizándose por un estilo bailable
y pegadizo.
74
El estilo musical denominado disco comenzó alrededor de 1974, era propio de las discotecas y los
bares de las grandes ciudades y su mayor rasgo era el carácter bailable del ritmo.
75
La música soul tenía fuertes influencias del gospel (espirituales) y del Rithm and Blues, fue
promocionada por la casa de discos Stax de Memphis que produjo grabaciones sencillas pero con mucha
fuerza.
76
La música funk es deudora de numerosas influencias, entre ellas el soul, el jazz, el rock y el blues; se
caracteriza fundamentalmente por el sonido “sucio” y el ritmo sincopado.
77
El ska es un estilo musical que nació en la capital de Jamaica (Kingston) y más tarde llegó al Reino
Unido con los inmigrantes afroantillanos, siendo adoptado por los cabezas rapadas (skinheads). Se
caracterizaba por ser una mezcla de Rithm and blues con ritmos de la música popular jamaicana.
78
Ibidem, p. 84.
68
probablemente debido a su complejidad. Por este motivo, las canciones populares propias
de la música moderna, sean quizá un medio sumamente eficaz para atraer la atención de
nuestros alumnos sobre el uso del lenguaje y la producción de textos mediante técnicas
interdisciplinares e intertextuales, analizando parámetros de combinación sintáctica,
semántica y retórica entre música y lenguaje, como los anteriormente referidos (contenido
de las letras, importancia del texto y adaptación a la música, diversidad de estilos,
diferentes medios para la expresión de ideas, recursos literarios, alusiones y referencias a
otros textos, etc.)
69
V.
CONCLUSIONES
A la luz de la investigación desarrollada las conclusiones finales que hemos
alcanzado son las siguientes:
1. La profunda relación existente entre la música, el lenguaje y la literatura a través de
la historia se ha manifestado en diversos niveles de interacción (sintáctico,
semántico, mimético-retórico, referencial...) capaces de inspirar y justificar el
diseño de intervenciones didácticas musicales para la educación literaria.
2. En la antigua Grecia, realmente se produce una íntima unión entre música y
poesía que forman unidad. El ritmo del verso es flexible y no conoce los acentos
de intensidad, sino que se rige por la longitud de las sílabas (largas o cortas). El
ritmo musical es libre y ajustado a la prosodia del texto, de manera que verso y
música van unidos. En la época de su decadencia el verso griego se sistematizó
didácticamente originando los pies métricos basados en la duración larga o corta
de las sílabas y se usaban tanto en la composición del texto como de la música.
3. La Edad Media resulta sumamente interesante en lo que se refiere al nivel
sintáctico de la combinación entre música y lenguaje. Con esto no queremos
afirmar que el nivel sintáctico sea el único nivel de combinación visible en la
música medieval, sino que es el más evidente. En el canto gregoriano el texto es lo
más importante, tanto es así, que la música no se compone simplemente para
adaptarse al texto, sino que la música se extrae de las propias palabras,
amoldándose a sus acentos, cadencias y la dirección aproximada de su
pronunciación fonética.
4. Si algo caracteriza a la época renacentista en lo que a música se refiere, es sin duda
el triunfo de la polifonía, proliferando las composiciones a varias voces con
independencia melódica y textual. Esta independencia esconde una combinación
semántica entre música y lenguaje pseudo-referencial, cuya función es en esta
época de redundancia. La homofonía facilitaba la comprensión del texto ya que
consistía en la superposición de voces que transcurrían con un diseño melódico
70
más o menos paralelo frecuentemente asociado a un único texto para todas las
voces, mientras que el contrapunto ampliaba la independencia de las líneas
melódicas dificultando la comprensión del texto.
5. En el Barroco es innegable la importancia que va adoptando paulatinamente la
búsqueda artística de una combinación íntima entre los sentimientos e ideas del
texto literario y su plasmación mediante la expresión musical. Este hecho
alcanzará su clímax convirtiéndose esta búsqueda en el eje central de la creación
musical y evidenciando un nivel de combinación entre música y lenguaje no sólo
semántico-pseudo-referencial sino que basándose en este nivel también miméticoretórico, cuya función no es sencillamente redundante sino de desarrollo
expresivo. La cuestión esencial en la teoría musical del siglo XVII consistía en
relacionar los diferentes afectos con diferentes elementos y técnicas musicales para
lograr una expresividad total de los mismos, para lo cual se servirán finalmente de
los fundamentos y recursos de la retórica.
6. En el Clasicismo asistimos a una renovación total de los cánones estéticos,
produciéndose una recuperación de los ideales renacentistas de equilibrio y
mesura frente al gusto barroco por el contraste, la tensión y la agitación. El género
vocal más relevante seguirá siendo la ópera, pero su objetivo será lograr una
mayor verosimilitud expresiva lo que producirá una simplificación del estilo en
pos de la naturalidad y expresividad sencilla de los sentimientos, sin artificios. Si
existe alguien capaz de sacar el óptimo rendimiento descriptivo a la relación
música-texto en la ópera, ese es indiscutiblemente Mozart. Mozart en primer lugar
fue capaz de resolver en sus obras la imbricación entre voz y orquesta de forma
que se entendiese perfectamente el texto, gracias a la claridad de sus texturas y sin
que la orquesta quedase reducida a un mero sostén redundante de la voz. En las
óperas de Mozart música y texto cooperan de manera indisoluble.
7. En el Romanticismo la música por primera vez en la historia conquista su
autonomía y se disipa la idea de que debe estar subordinada al texto. Por un lado
la música empieza a considerarse como un arte asemántico, que no expresa
contenidos conceptuales (como el lenguaje) sino pseudo-referencialmente
emocionales. Por otro lado, la relación música–texto se aglutina en dos tendencias:
71
una, la propia de las formas vocales (Lied y ópera) en que literatura y música se
convierten en una realidad indisociable, los textos escogidos son de gran calidad
literaria (obras de Goethe, Schiller, Heine, Shakespeare, Puschkin, Víctor Hugo,
Walter Scott...) y se adaptan a la música en una relación de interdependencia
profunda e íntima sin precedentes. La otra tendencia será la propia de las formas
instrumentales, en torno a las cuales surge la teoría de la música absoluta o pura
que prescinde por completo del soporte textual.
8. Durante los siglos XX y XXI la relación entre música y lenguaje viene marcada
por las múltiples tendencias estéticas que se desarrollan dando lugar a una
diversificación total de los estilos. En primer lugar se produce una profunda
división entre música culta y música popular. En la música culta, la música y el
lenguaje se complican paulatinamente dando lugar a interesantes e innovadoras
técnicas vocales como el Sprechgesang ideado por Arnold Schönberg, mientras que
en la música popular, la música y el lenguaje se simplifican a medida que avanza el
siglo XX, produciéndose no obstante una enorme diversificación de los estilos
como pop, rock, punk, rap, o reaggy.
72
VI.
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