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SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla HISTORIA DEL ARTE SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla OPCIÓN A 1A 2A 1. Clasifique y comente la imagen 1 A 3. El arte nazarí: la Alhambra y el Generalife 2. Clasifique y comente la imagen 2 A 4. La escultura del Quattrocento: Donatello y Ghiberti OPCIÓN B 1B 2B 1. Clasifique y comente la imagen 1 B 3. La arquitectura románica: la iglesia de peregrinación y el monasterio 2. Clasifique y comente la imagen 2 B 4. Impresionismo: Monet, Renoir y Degas SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla OPCIÓN A 1.- CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 1 A: EL PARTENON Análisis descriptivo: Estamos ante el exterior de un edificio, el material es el mármol rosado del pentélico. Vemos en su interior sillares uniformes con unión viva, sin argamasa, y afianzados con grapas. Los elementos constructivos responden a un sistema adintelado. En primer lugar tenemos un muro, deteriorado por el paso del tiempo. Los soportes son columnas de orden dórico, que carecen de basa, arrancando directamente de la plataforma o krepis, presentan un fuste estriado y están coronadas con un capitel formado por un equino y un ábaco. Sobre estas columnas descansa un entablamento, integrado por un arquitrabe liso, un friso, dividido en triglifos y metopas y una cornisa. El tejado es a dos vertientes o dos aguas, debía tener tejas y en las esquinas acróteras, éste da lugar a un remate en frontón, cuyo fondo o tímpano incluye restos de algunas esculturas. Los elementos decorativos, por lo que podemos entrever, debían ser relieves y esculturas, distribuidos de manera que no entorpecieran el disfrute visual del edificio. En cuanto a los temas tenían un carácter figurativo. Los valores plásticos presentan gran importancia. Es un edificio proporcionado, responde a una medida común: el módulo. Bastante armonioso y para conseguir esa armonía se recurre a sutiles correcciones ópticas, para compensar los errores visuales: intercolumnios de diferentes tamaños, encurvamiento del estilóbato y del entablamento, éntasis... Es una construcción simétrica. El espacio interno es poco perceptible, debido a su deterioro, pero nos inclinamos a pensar que era menos importante que el externo, pues parece que está concebido como una gran escultura, cuidándose hasta el más mínimo detalle. Posiblemente la pintura debió ser importante aunque no veamos restos de policromía. Clasificación y comentario: Por lo anteriormente señalado sabemos que estamos ante una obra de arte griega, del periodo Clásico (V-IV A. C.), el famoso templo del Partenón, situado en la acrópolis de Atenas, proyectado siguiendo las directrices marcadas por Fidias, por los arquitectos Ictino y Calícrates, quienes comenzaron su construcción en el 447 a. C. y la terminaron en el 432 a. C.. Las obras se iniciaron en tiempos de Temístocles, sobre un viejo templo, pero no paso de su inicio. Fue Pericles el que lo llevó a cabo pero con un nuevo proyecto, debió estar inspirado en las ideas filosóficas de Anaxágoras, amigo de aquél, según el cual la inteligencia ponía en orden a las cosas. Estamos pues en el periodo clásico de la historia de Grecia, Atenas acaba de salir victoriosa de las Guerras Médicas contra los persas, y de la mano de su dirigente Pericles se va a convertir en la polis más importante de este periodo, dirigente de la liga de Delos, con cuyos fondos se embellecerá la ciudad. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla El Partenón es un templo octástilo, anfipróstilo y períptero. En cuanto a su estructura está dividido en tres partes: pronaos o pórtico delantero abierto; nao o cella, era la sala de la divinidad y opistodomo, sala posterior, donde se guardaba el tesoro de la ciudad. Dedicado a Palas Atenea, en su cella se albergaba una estatua de la diosa, criselefantina, marfil y oro, parte de este material desapareció acusando a Fidias de robo, por ello sufrió proceso y deportación. Tan importante como su arquitectura fue su decoración escultural con marcado carácter pedagógico. Haciendo un recorrido por la misma podemos indicar, que en los tímpanos de los dos frontones presentaba el nacimiento de Palas Atenea y la elección del patrono del Ática, todos los personajes tenían idéntica escala, adaptándose con sus posturas a la forma triangular del frontón; las vestimentas aparecen pegadas al cuerpo dejando traslucir la anatomía, esto se llama técnica de los paños mojados. En las metopas aparecen representadas la Gigantomaquia, la Amazonomaquia, la Centauromaquia y la Guerra de Troya. Y finalmente, en el friso del muro exterior se representaba la procesión de las Panateneas. Su historia ha sido muy azarosa, durante bastante tiempo se conservó casi intacto, luego se transformó en iglesia bizantina y posteriormente en cristiana, hasta llegó a ser una mezquita con los turcos, en él estalló un polvorín, posteriormente fue despojado por los ingleses de parte de sus esculturas y actualmente se tiene que enfrentar a un nuevo enemigo: la contaminación atmosférica. Pero a pesar de los pesares conserva su belleza. 2.- CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 2 A: LAS MENINAS DE VELAZQUEZ Análisis descriptivo: Estamos ante una pintura al óleo sobre lienzo. Su composición es genial, el juego de las verticales y de las horizontales (cuadro, pared, techo, suelo y de los propios protagonistas) aparece compensado por la doble curva que va del pintor a la Velasco y de ella a Nicolasito, y los personajes se presentan agrupados de 3 en 3. Además, se nos muestra como una composición que se abre hacia nosotros, parece como si nos quisiera incluir en el evento. La técnica denota una gran modernidad, a base de manchas de color, pinceladas sueltas, anticipándose al impresionismo. La luz, conserva cierta moderación hasta en los puntos más iluminados, dorada o más bien gris cálido, ligeramente amarillenta, se despliega con sutileza, posándose delicadamente sobre los objetos y los personajes, haciendo destacar en especial a la Infanta. Al fondo se abre una puerta fuertemente iluminada, es la luz más viva de la pintura, dando sensación de profundidad. Los colores están amortiguados, lo que predominan son los matices, los grises se aligeran, se tiñen de amarillo, se oscurecen y pasan al azul o al verde. La perspectiva, a parte de la lineal, que la domina maravillosamente, el suelo de la habitación parece que se puede caminar por él; tenemos que concentrarnos en la aérea, vemos que tanto las personas como los objetos están envueltos por el aire, aire que se SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla palpa casi es respirable, y a medida que nos vamos alejando se desdibujan dando la sensación de lejanía. La forma de expresión es figurativa, naturalista y realistas, desde los objetos, pasando por el perro y terminado por los personajes, son auténticos retratos. Clasificación y comentario: Nos encontramos con una obre pictórica del barroco realista, s. XVII español, realizada por Velázquez y conocida con el nombre de las Meninas. Podemos decir que es un cuadro grande, sus figuras son casi del tamaño natural. En cuanto a su nomenclatura, para sus contemporáneas se le conoció como el retrato de la Infanta Margarita; en el siglo XVIII se le llamó la Familia del rey Felipe IV y en s. XIX Madrazo le daría el nombre por el que hoy lo conocemos " Las Meninas”. Su temática, es una escena familiar, sorprendida en un momento determinado como una instantánea fotográfica, vemos representado en primer plano al pintor, a su lado las meninas, Isabel de Velasco y Agustina Sarmiento, y entre ambas vemos a la Infanta Margarita, junto a ella la enana Mariabárbola y el bufón Nicolás Pertusato; detrás doña Marcela de Ulloa y el mayordomo Diego de Azcoitia; en la escalera el aposentador, don José Nieto; y reflejados en el espejo los reyes, Felipe IV y doña Mariana de Austria. ¿A quién pretende pintar? Según Palomino es un retrato de los Reyes, sería un cuadro dentro del cuadro, esta afirmación ha sido discutida. Según Pita Andrade es " una pintura de corte en la intimidad ", una escena doméstica, amable y llena de entrañable sencillez. Esta obra logra traspasar las barreras del propio lienzo adentrándose en el mundo del espectador gracias a la naturalidad que preside la escena y a la espontánea actitud de los personajes, que parecen sorprendidos por los pinceles del pintor en un momento vivo y casual de su existencia. Por otro lado podemos apuntar que nos muestra el autorretrato mas fidedigno del pintor, nos lo presenta como un gentil hombre, de semblante serio y digno, de mirada viva, como si nos quisiera comunicar, la nobleza de su arte, reconocido por reyes y príncipes; la cruz de Santiago, cuyo rojo destaca sobre el traje negro, fue añadida después. Pintura de gran repercusión ha sido objeto de estudios posteriores por otros artistas, por ejemplo Picasso. Centrándonos en nuestro autor podemos decir que nace en Sevilla y muere en Madrid y es el genio más grande del arte español. En cuanto a su formación, a los 12 años sabemos que trabajaba en el taller de F. Pacheco y a los 18 era maestro, niño prodigio, y se convertirá en su yerno. Posteriormente marcha a Madrid para ocupar la plaza de pintor de cámara de Felipe IV. Realizará dos viajes a Italia, donde entrará en contacto con las obras Rafael, Miguel Ángel… Su estilo, podemos decir que su arte es hijo del naturalismo del barroco, pero con un fino sentido naturalista sin estridencias. Se iniciará en el tenebrismo al que abandonará aclarando su paleta y dejando los colores opacos y oscuros de su juventud. El conocimiento de las colecciones reales le pondrá en contacto con Rubens y en su viaje a Italia conocerá el colorido veneciano de Veronés y Tintoretto. En cuanto a su pincelada irá evolucionando hasta desembocar, en una pincelada suelta, de manchas de color, esta técnica, también, la veremos en Goya y en los impresionistas. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla Para concluir podemos señalar algunas de sus obras fundamentales: del periodo sevillano podemos indicar entre otras “La vieja friendo huevos” y “El aguador de Sevilla”. De su etapa madrileña destacarían “Los borrachos”, “La fragua de Vulcano” y “La rendición de Breda”. Y del periodo final “Las Meninas” y “Las hilanderas”. 3.- EL ARTE NAZARÍ: LA ALHAMBRE Y EL GENERALIFE El arte y la civilización musulmana son fundamentalmente religiosos, se basan en el Islam, doctrina monoteísta predicada por Mahoma, y su lugar de origen se encuentra en la península arábiga. Centrándonos en España, la llegada de los musulmanes podemos situarla en el año 711 y permanecieron en nuestro país ocho siglos, hasta la toma de Granada en el año 1492 por los Reyes Católicos. En tan denso tramo cronológico, Al-Ándalus, llamada así por los musulmanes, vivió varias etapas, que también quedaron reflejadas en su arte: Los Emiratos dependiente e independiente, el Califato de Córdoba, los Reinos Taifas, los Imperios Norteafricanos y el Reino Nazarí de Granada. Este último abarcaría los siglos XIII, XVI y XV, siendo el siglo XIV su momentos más importante, donde se realizó la obra más significativa del arte nazarí: LA ALHAMBRA DE GRANADA. El arte nazarí, aún siguiendo las pautas del arte islámico, va a presentar unas características propias: Las columnas de fuste cilíndrico, muy fino, con el capitel en forma de paralelepípedo, decorado con cintas, formas vegetales o mocárabes. Los arcos, en el interior la mayoría de las veces son falsos o decorativos, pero los exteriores no, predominarán los peraltados de numerosos y menudos lóbulos y los de mocárabes. Las cubiertas pueden ser de armadura, de madera, y bóvedas, siendo las más características las falsas de mocárabes. En cuanto a la decoración, nos podemos encontrar con las lacerías, el ataurique y la epigráfica; este repertorio decorativo se plasmará en yeserías, situadas en la parte superior y en los zócalos de cerámica vidriada o alicatado, en la parte inferior. Haciendo un poco de historia podemos apuntar que tras la desintegración del imperio almohade, surgirá en escena el caudillo MUHAMMAD IBN NARS, que se erigirá líder de los musulmanes hispanos y en el año 1237 fundará en Granada la dinastía nazarí. Su sumisión tributaria a los reyes cristianos y sus disputas le permitieron a los nazaríes conservar durante dos siglos y medio este rincón oriental andaluz. Nada más establecerse en Granada, los nazaríes iniciaron la construcción de una acrópolis sobre el cerro de la Sabika, que recibiría el nombre de “Alambra” o “castillo rojo”, por el color ferruginoso de la arcilla utilizada en su edificación. Fue levantada sobre los restos de una fortaleza-palacio del siglo XI. Este exótico recinto se distribuyó en tres núcleos independientes: la alcazaba militar, los palacios reales y una ciudad autónoma, urbanizada con calles estrechas y serpenteantes, en la que residían los altos dignatarios de la corte, funcionarios, artesanos… De tan espléndido complejo, Muhammad solo levantó el circuito defensivo, situando la alcazaba con el patio de armas para la guarnición en el ángulo más alto y saliente de la colina. Previamente, abasteció de agua el enclave, abriendo una acequia con caudal propio desde el río Darro. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla Su heredero Muhammad II, dulcificará la sobria arquitectura militar con la roturación del “Generalife”, finca construida en la ladera del cerro contiguo, con un hermoso pabellón de recreo. Posteriormente, Muhammad III incorporará el agua y la jardinería, ordenando construir el “Partal”, el palacio más antiguo, destinado a recreo, se trata de una residencia formada por un pabellón, una torre, llamada de las Damas, y una amplia alberca. El agua tiene aquí una función estética, que junto con la utilitaria y la religiosa completan las importantes funciones de este elemento. Pero el esplendor de la Alambra llegaría con los mandatos de los sultanes Yusuf I y su hijo Muhammad V. Con ellos triunfará el concepto ambivalente de este monumento: fortaleza y mansión para la alegría, como era relatado por un poeta andalusí. Yusuf I reconstruyó las puertas y las torres de la muralla, entre las primeras destaca la Puerta de la Explanada y con relación a las segundas la más sobresaliente será la Torre de Comares, concebida como salón del trono o de embajadores, revestida de materiales frágiles y pobres como el barro, el yeso y la madera, pero convertidos en obras de arte por artesanos brillantes. Su techo está formado por un artesonado de madera donde aparecen representados los siete cielos del Paraíso musulmán, presididos por el trono de Alá. Junto a esta torre nos encontramos con el palacio del mismo nombre que se estructurará en torno a dos patios, uno llamado del Cuarto Dorado, que comunica con el Mexuar, sala de administración de justicia, y otro, conocido como el de los Arrayanes. Muhammad V otorgará al área de los palacios su configuración actual. Éste llevó a cabo la construcción del Palacio de los Leones, donde se encontraba su trono, organizado en torno al patio del mismo nombre, al que se abrían las principales estancias: al norte, la sala de las Dos Hermanas, con el mirador de Daraxa; al sur la de los Abencerrajes, al oeste la de Mocárabes y al este la de los Reyes EL GENERALIFE o “jardín del arquitecto”, debió ser la finca más destacada de las que se extendían por los aledaños de la Alambra. Como ya dijimos fue realizado por Muhammad II y reformado por Ismael I y concebida como jardín y huerta. Era una residencia veraniega, en ella los jardines, estanques y huertas alcanzaron un esplendoroso desarrollo. La Alambra es uno de los palacios musulmanes mejor conservados de la Edad Media. Su importancia no estriba en las soluciones estructurales que propone, que no son novedosas, sino en el hecho de que el conjunto resultante es una síntesis de las mejores aportaciones artísticas realizadas por la cultura hispanomusulmana y el mejor reflejo de la exuberancia y el refinamiento que llegó a alcanzar esta civilización. La Alambra además de cumplir su función residencial de ciudad-palacio, fue concebida como un edificio simbólico en el que, a través de los elementos arquitectónicos y de la decoración, sobre todo epigráfica, se realiza una exaltación de la religión islámica y de la dinastía nazarí. El conjunto adquiere, así, una clara simbología política y religiosa. Para terminar diremos que en el siglo XVI, el emperador Carlos V se hizo edificar un imponente palacio dentro del recinto de la Alambra, pero respetando las construcciones preexistentes y reafirmando así la importancia de la misma. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla 4.- LA ESCULTURA DEL QUATTROCENTO: DONATELLO Y GHIBERTI Los intelectuales del s. XV llamaron Renacimiento a la recuperación de los valores espirituales y formales de la antigüedad clásica, que habían desaparecido durante la Edad Media. Su cuna será Italia y en determinados núcleos urbanos se desarrollará la nueva cultura: Florencia, Urbino, Mantua, Padua, Venecia y Milán durante le siglo XV. En la centuria siguiente el papel fundamental lo tendrá Roma. Cronológicamente se desarrollará en dos fases: Primer Renacimiento o Quattrocento (s. XV) y Segundo Renacimiento o Cinquecento (s.XVI), con dos etapas, el Clasicismo y el Manierismo. Situándonos en la época podemos decir que a lo largo del siglo XV la civilización europea entrará en un largo proceso de enriquecimiento y expansión, acompañado de profundos cambios sociales, económicos y políticos y, en consecuencia, de un cambio de mentalidad, que cristalizará en el Renacimiento. Tendrá lugar un amplio desarrollo de la circulación monetaria y de la actividad mercantil, que hará posible el crecimiento de una clase media urbana que demandará cultura y arte. Desde el punto de vista artístico podemos indicar que se pone de moda el mundo clásico, se retorna a la medida del hombre, la visión antropocéntrica llevará a tener un especial interés por la representación humana, buscando la belleza y la armonía. Será un periodo de individualidades, de genios, sobresaliendo numerosos artistas en diversos ámbitos, que contarán con el apoyo y la ayuda de personajes importantes de la época, los mecenas. Centrándonos en la escultura señalaremos como características principales las siguientes: El material será variado, pero predominará el mármol y el bronce, logrando una gran perfección técnica. Las composiciones serán simples y geométricas, basadas en el equilibrio y en la proporción de líneas y volúmenes. El movimiento vendrá expresado en muchas ocasiones a través del contraposto. El color no siempre estará presente, en el mármol se potencia sus cualidades propias y en los bronces se añadirán pátinas. La forma de expresión será figurativa, naturalista e idealizada, presentando un gran interés por la belleza, la armonía y la proporción. Los temas se centrarán en el ser humano, se multiplicarán los retratos, tanto reales como heroicos, de cuerpo entero o de busto, ecuestres… Su función puede ser variada: religiosa, política o cívica, exaltando al estado o al individuo. Los dos artistas que estamos estudiando pertenecen al Quattrocento, es decir, al s. XV y comenzaremos por GHIBERTI. Nacerá en Florencia, hijo y aprendiz de orfebre, y será un hombre polifacético, como buen humanista, fue arquitecto, escultor y pintor. En pocas palabras, la personificación del nuevo artista. Pero tenemos que señalar que mantuvo todavía rasgos, en su factura, que nos recordará el estilo gótico. Entre sus características más destacadas podemos señalar: propugnará el retorno a la escultura grecorromana; su técnica favorita será el trabajo en bronce, que lo hará con gran virtuosismo; esculpe como si fuera un pintor, especialmente el relieve, pues utiliza la técnica del schiacciato o aplastado, de esta manera tratará magistralmente la profundidad, el paisaje y los detalles. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla Sus esculturas traslucen una elegancia lírica acompañada de una perfección técnica, así como un interés por la sencillez clásica. En sus primeros trabajos se observan todavía numerosas reminiscencias góticas, pero conforme va avanzando el siglo XV va desarrollando sus nuevas ideas de corte renacentista con mayor intensidad, como se desprende de una observación de la evolución de su obra, que va tendiendo hacia una representación más naturalista del movimiento, el volumen y la perspectiva, así como una idealización mayor de los temas. En cuanto a sus obras más significativas podemos señalar las siguientes: - Segundas puertas del Baptisterio de Florencia: Ganará el concurso para su ejecución compitiendo con Brunelleschi. Debía ajustarse al modelo gótico establecido por Andrea Pisano, cuando realizó las primeras puertas. Las fragmentó en 28 tréboles de 4 hojas y desarrolló en ellos 20 escenas del Nuevo Testamento, más 8 imágenes de los evangelistas y doctores de la Iglesia, que las situó en el zócalo. Fue ayudado por dos jóvenes auxiliares: P. Ucello y Donatello. - Terceras puertas para el Baptisterio de Florencia: Tardó unos 20 años en realizarlas. Suponen la asimilación de los planteamientos clásicos. Los cambios afectan al diseño, al tratamiento técnico del relieve y a las fuentes de inspiración. En la subdivisión de las hojas opta por 10 espacios cuadrados, que permiten tratar con mayor amplitud las escenas del Antiguo Testamento seleccionadas. Adoptará las perspectiva lineal de P. Ucello y los efectos de profundidad de Donatello, mediante la técnica del schiacciato o aplastado. Finalmente en los marcos representará reproducciones de esculturas griegas, festones de flores, frutas y animales. - Esculturas para la Iglesia de Or San Michele: Realizará las imágenes de San Juan Bautista y San Mateo, patronos de los tejedores y de la casa de la moneda. Pero el escultor más influyente del siglo XV sería DONATELLO, considerado por sus contemporáneos como un genio y se le llegó a equiparar con Miguel Ángel y Bernini. Trabajará en el taller de Ghiberti y su producción presentará 3 características fundamentales: Dominio de todas las técnicas y materiales. Profundidad psicológica con que expresa los sentimientos humanos. Y una imaginación creadora para definir tumbas, púlpitos, cantorías, altares, retrato ecuestre... Su obra, también, la podemos fragmentar en tres etapas: Una etapa inicial, de adolescencia y madurez, que trabajará en Florencia y se afanará en decorar edificios importantes de la ciudad: - En la catedral realizará unos apóstoles (San Juan Evangelista) para la Puerta de la Mandorla y profetas (El Calvo o Zuccone) para el Campanile. - Para la Iglesia de Or San Michele, patronos gremiales, nos encontraremos con dos obras señeras: San Marcos, encargado por los pañeros y representa el ideal de ser humano honesto y responsable. San Jorge, realizada para los espaderos, presentándolo como la personificación del héroe y el perfecto caballero cristiano. - También lo veremos trabajando con Michelozzo, haciendo tumbas, como la del Cardenal Reinaldo Brancacci, y púlpitos, como el del Cinturón de la Virgen en la catedral de Prato. - Posteriormente, sin la colaboración de Michellozo, seguirá trabajando para la catedral de Florencia llevando a cabo La Cantoría, especie de tribuna para los niños cantores. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla - También realizará altares como el Tabernáculo de la Anunciación, para la Iglesia de la Santa Croce. - La última obra de esta etapa será el David, escultura realizada en bronce, encargada por los Médici, es el primer desnudo completo del Renacimiento, de modelado suave y fluido. Estamos ante un joven adolescente en línea praxiteliana. En la segunda etapa, lo veremos en Padua, tiene 58 años y es el escultor más famoso de Italia. En este periodo contaremos con una obra fundamental el Condotiero Gattamelata, estatua ecuestre del caudillo Erasmo de Narni, en la línea de la de Marco Aurelio, que al frente de un ejército de mercenarios había defendido a Venecia frente a Milán. En su testamento dispuso que se le enterrara en Padua y el senado veneciano, deseando inmortalizarlo, encargó una colosal imagen que le sirviera de sepultura. En la última etapa de nuevo vuelve a Florencia, donde sufrirá una crisis religiosa y como obra significativa de este periodo podemos señalar la Magdalena Penitente, de madera policromada, enflaquecida por el ayuno y la penitencia, negación de la belleza renacentista. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla OPCIÓN B 1.- CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 1 B: MOISES DE MIGUEL ÁNGEL Análisis descriptivo: Estamos ante una escultura sedente de bulto redondo que representa a un individuo, musculoso, de edad avanzada, con unas tablas debajo de su brazo izquierdo. Presenta una pierna adelantada, tiene una cabeza prominente y girada, con expresión facial fuerte y dura, con una poblada barba entrelazada entre sus manos. Finalmente diremos que se encuentra dentro de un nicho de escasa profundidad. El material es el mármol perfectamente trabajado, la textura es lisa y pulida en algunas zonas y en otras vemos el non finito, es decir, zonas sin acabar. La composición destaca por la gran sensación de movimiento que se consigue a base de la estructura serpentinata, giro posterior de la cabeza y ejes divergentes en la disposición de los brazos. También, es importante la asimetría, el perfil derecho se presenta cerrado con una línea vertical, por el contrario, el izquierdo aparece abierto a través del codo y de la pierna. La luz incide produciendo contrastes claroscuristas entre los paños y la poblada barba. La forma de expresión es figurativa, naturalista y con un rostro cargado de expresividad, que nos muestra un gesto irritado, con el ceño fruncido y mirada furiosa. La anatomía perfectamente estudiada, presenta una poderosa musculatura y cierto aire de majestuosidad. Los paños forman pliegues amplios, que se retuercen con profundos efectos de claroscuro. Clasificación y comentario: Estamos ante una obra de estilo renacentista, Moisés, del Cinquecento italiano, perteneciente a Miguel Ángel y fue realizada en 1513, situada en la Iglesia de San Pedro in Vincoli. El siglo XVI, con la muerte de Lorenzo el Magnifico en 1492, marca el fin de Florencia como capital italiana del arte. Será Roma la que la suceda durante el primer tercio del siglo, dando origen al “Renacimiento clásico”. Es la época de los grandes genios como Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. Roma va a vivir, bajo los pontificados gloriosos de Julio II y León X, una auténtica edad de oro de las artes. Pero en 1527 se producirá una auténtica crisis. El saqueo de Roma, el creciente dominio español en Italia, los avances de la Reforma protestante sembrarán de dudas a los artistas. La escultura que estamos comentando se realizará en esta etapa y será destinada a la Tumba de Julio II, única que se conserva en el Mausoleo. Nos presenta a Moisés como líder del pueblo judío, con barba blanca y pelo largo, con gran potencia expresiva y con un concepto heroico monumental idéntico al de las pinturas de la Capilla Sextina. Alude al momento en el cual regresa del Sinaí con las Tablas de la Ley en la mano, contemplando horrorizado como el pueblo judío adoraba a ídolos antiguos, se le SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla representa pues en un momento de ira contenida: potencia dramática o TERRIBILITÁ, con esto nos quiere expresar el carácter del profeta, su fuerza, tal como nos lo describe el libro del Éxodo. Se ha considerado un autorretrato idealizado con un contenido neoplatónico, la parte derecha, estable, representa lo divino, por el contrario, la parte izquierda es por donde le vendría el peligro y el mal. También tiene cuatro elementos neoplatónicos: la tierra, representada por la pierna, con los pliegues curvados del ropaje; el aire cuando respira, se percibe por las aletas de su nariz; el agua representada por sus barbas a modo de cascada; y el fuego a través de los cuernos que se identifican con rayos de luz. Su inspiración es indudablemente helenística, el grupo del Laoconte, también de Donatello con su San Juan Evangelista, incluso recuerda a los profetas de la capilla Sextina. Está ubicado, como ya hemos indicado, en la sencilla tumba papal que al final se hizo, adosada a uno de los muros de San Pietro in Vincoli, junto a 2 estatuas femeninas, Raquel y Lía, que representan la vida activa y la contemplativa. Centrándonos en nuestro artista podemos decir que dominó todas las formas de expresión y su ideal era realizar una síntesis total de todas las artes a partir del pensamiento neoplatónico. El se sentía principalmente escultor, aunque lo vemos trabajando como arquitecto y como pintor. Entre sus obras escultóricas más destacadas podemos señalar: La Virgen de la escalera, la Piedad del Vaticano, el David, los sepulcros mediceos de Guliano y Lorenzo y en su etapa final las piedades de Florencia y Rondanini. Como arquitecto destacan sus trabajos en la Basílica de San Pedro, su hermosa cúpula. En pintura tenemos que señalar su participación en la decoración de la Capilla Sixtina, su bóveda basada en escenas del Génesis y posteriormente el Juicio Final en el altar. En cuanto a su trascendencia artística podemos decir que a lo largo de su dilatada vida fue amigo de príncipes y papas, así como también de cardenales, pintores y poetas. El mismo llegó a componer versos de indudable calidad. El gran poeta Ludovico Ariosto escribió a cerca de él: " Miguel Ángel, más que mortal, divino", debido a sus extraordinarias dotes y talento. Dos generaciones de pintores y escultores italianos, entre los que se encontraban Rafael, A. Carracci y Tiziano, admiraron su manera de tratar el cuerpo humano. Su cúpula de San Pedro se convirtió en paradigma para todo el mundo occidental. 2.- CLASIFIQUE Y COMENTE LA IMAGEN 2 B: LAS SEÑORITAS DE AVIGNON Análisis descriptivo: Nos encontramos ante una pintura que representa a cinco mujeres de elevada estatura, desnudas y que miran fijamente al espectador. En cuanto a la técnica es un óleo sobre lienzo y presenta unas pinceladas anchas que van creando distintos planos de color. El dibujo es importante, pues las líneas están muy presente en el cuadro, no solo delimitando determinados contornos sino también construyendo las partes fundamentales de las figuras. El volumen entendido a la manera tradicional se pierde, no tenemos el claroscuro que hemos visto en las obras clásicas hasta ahora, muchas de las SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla representaciones son casi planas, como consecuencia el estudio de la luz se aparta también de dichos cánones clásicos y aunque las figuras aparecen iluminadas y tienen sombreadas algunas de sus partes no responden a un estudio lumínico tradicional. La paleta de color es muy sumaria, nos encontramos sobre todo con tonalidades rosas, azules, ocres y blancos, como ya dijimos, aplicadas a grandes manchas y esto acentúa el carácter plano de la representación. En cuanto al sentido del especio se rompe con la visión tradicional renacentista de perspectiva lineal, estamos ante una representación de primeros planos donde la profundidad carece de importancia, pues la obra carece de fondo y de perspectiva espacial. En la composición predominan las líneas oblicuas, aportando un gran dinamismo a la obra. Formalmente el cuadro está dividido en tres partes o franjas: la central es la más clásica de todas, aunque las figuras ya aparecen compartimentadas, incluso presentan diferentes puntos de vista; las otras dos franjas muestran mayor modernidad, la mujer ubicada a la izquierda presenta un rosto en tonalidades más oscura que el resto de su cuerpo y las situadas a la derecha tienen una representación más compleja con relación al arte tradicional, sus rostros traen consigo una clara influencia de las máscaras africanas, teniendo la inferior una concepción más abstracta, e igualmente presentan multiplicidad de puntos de vista en la línea del arte egipcio. Sus formas se limitan a lo esencial y aunque estamos todavía ante una representación figurativa, se van alejando del realismo tradicional, pues la realidad se va descomponiendo en formas geométricas. El resultado es una escena en que las distintas figuras han sido sometidas a un proceso de geometrización, con rostros que recuerdan a máscaras, con bocas apenas insinuadas, narices deformadas y ojos fuera de lugar. Clasificación y comentario: Nos encontramos ante una obra de Pablo Ruiz Picasso cuyo título es “Las señoritas de Avignon”, hace referencia a un prostíbulo situado en la calle barcelonesa del mismo nombre y es considerado por muchos críticos como el comienzo del cubismo, “protocubismo”. El pintor lo conservó varios años en su estudio ante el miedo de que su obra no fuera entendida. En esta pintura se pueden rastrear un sin número de influencias: egipcia, multiplicidad de puntos de vista; ibérica, asimetría y formas ovoides; africanas, las máscaras; pero también podemos encontrar la huella de pintores como Matisse y Cézanne. Centrándonos en el momento histórico podemos decir que estamos en el siglo XX. La historia del arte de este siglo puede explicarse como una ininterrumpida sucesión de nuevos lenguajes plásticos, cada uno de ellos legitimado por su carácter de ruptura, ampliación o transformación del que le precede. La fotografía liberó a la plástica de la función de reproducir la realidad sensible y los artistas se lanzaron a la investigación de la propia esencia del arte, emancipado ya de las servidumbres formales de la imitación. Aparecerán los «ismos» o vanguardias históricas que creen firmemente en el poder de la creación para transformar la realidad. En esta jungla de “ismos” ocuparan un lugar destacado el Fovismo, el Expresionismo, el Cubismo, el Dadaísmo y el Surrealismo. En cuanto a nuestro artista, Picasso, como ya hemos apuntado, es el iniciador del Cubismo junto con Braque, movimiento que descompone las figuras en formas geométricas. La denominación de Cubismo la impuso Louis Vauxcelles, que empleó este término ante unos cuadros de Braque y decía que estaban compuestos por cubos. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla Picasso se nos presenta como uno de los genios del siglo XX. Sus orígenes fueron bastante académicos, su padre era profesor de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Málaga, con el se formará durante su infancia y primera juventud, al acompañarle en sus destinos de La Coruña y Barcelona. En la capital catalana entra en contacto con el movimiento Modernista, llegando a la conclusión de que en París estaba lo nuevo y allí encaminó sus pasos. Su obra ha sufrido una cierta evolución, pasando por diversas etapas: Período azul Tiene relación con el auge de la fotografía en azul, pero este color posee una justificación en sí mismo: es el color de la tristeza. Como ejemplos tenemos La Vida y La Celestina. Período rosa En 1904 conoce a una joven modelo, Fernande Olivier, que le ayudará a dejar atrás la tristeza y a estabilizar su vida. Los temas de sus obras serán extraídos del circo: La familia de saltimbanquis. Período cubista A partir de 1907 visita el Museo del Hombre en París y se siente fascinado por la escultura negra y desarrollará una nueva manera de componer reduciendo la imagen a sus planos fundamentales. Llegará a desarrollar dos tipos de cubismo: analítico, descomponiendo las figuras en formas geométricas, mostrando sus distintos planos, y sintético, incorporando objetos ajenos a la pintura (collage). Como ejemplos: Las señoritas de Avignon, la obra que estamos comentando, Paisaje de Horta del Ebro, Los tres músicos… Período neoclasicista En 1917 va a Italia entrando en un período en que el clasicismo es muy importante. Vuelve a los temas circenses: Pablo de payaso. Época surrealista Picasso se alió al movimiento surrealista en 1925 y en esta etapa las formas se distorsionan: Bañista al borde del mar. Período expresionista Sus obras mostrarán la difícil situación de España a causa de la guerra civil y como los acontecimientos dolorosos influyen sobre él, su temática está impregnada de sufrimiento y desolación. Ejemplos: El Guernica, La mujer llorando (1937)… Período de Antibes Se desarrolla durante la segunda posguerra, etapa más amable: La alegría de vivir y la serie de las Meninas. Finalmente, podemos decir que es considerado como uno de los genios más importantes de la pintura y aunque llevó a cabo muchas tendencias, sin embargo, será su faceta cubista la más excepcional. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla 3.- LA ARQUITECTURA ROMÁNICA: LA IGLESIA DE PEREGRINACIÓN Y EL MONASTERIO El Románico es un estilo que nace y se desarrolla durante los siglos XI y primera mitad del XII, en plena Edad Media, coincidiendo con las Cruzadas, con el renacimiento de la orden monástica benedictina y con el flujo de las peregrinaciones. Por ello sus construcciones más importantes serán las iglesias de peregrinación y los monasterios. LA IGLESIA DE PEREGRINACIÓN En la Edad Media se descubrieron un sin número de reliquias y la fe en ellas iba a promover un gran fenómeno social, la peregrinación penitencial. Tres centros capitalizaron el interés: Los Santos Lugares de Jerusalén, Roma y el sepulcro del Apóstol Santiago en Galicia. Pero el peligro de los turcos en Tierra Santa hizo que las gentes prefirieran dirigirse a Occidente y Santiago se convirtió en el santuario internacional, apareciendo el llamado Camino de Santiago, jalonado de iglesias, por donde iban y venían los peregrinos. Estas iglesias reciben el nombre de peregrinación, y tenían las siguientes características: La mayoría estaban hechas en piedra, en forma de sillares y orientadas hacia la aurora, con una planta que evocaba el cuerpo de Cristo crucificado: el ábside sería la cabeza; el transepto, los brazos; el crucero, el corazón; y las naves, los pies del Salvador. Constaban de tres a cinco naves, con transepto más o menos desarrollado, y con uno o tres ábsides semicirculares. Las naves laterales solían rodear al altar, formando la girola o deambulatorio, con capillas o absidiolos. Se cubrían con bóvedas de cañón, reforzadas por arcos fajones, y bóvedas de aristas. Descansaban sobre pilares, muros y contrafuertes exteriores, la estabilidad proporcionada por estos contrafuertes les permitió dividir las naves laterales en dos pisos, abriendo una galería alta o tribuna, que ampliaba su aforo y permitía la iluminación solar poniendo ventanas en las paredes. Las portadas y las torres son elementos destacados en los templos románicos. La fachada principal tenía un aspecto monumental, con un cuerpo central flanqueado por dos torres. Las portadas, abocinadas, estaban decoradas con esculturas, que tenían una función docente, con temas como el Pantocrátor, El Tetramorfos... Centrándonos en el Camino de Santiago, diremos que una tradición proclamaba que Santiago el Mayor vino a predicar el Evangelio a España. La leyenda agregaba que un ermitaño, Pelayo, viendo luces sobre el sepulcro lo descubrió, y, el obispo Teodomiro y el rey Alfonso II el Casto, fundaron en el “campus stellae” la ciudad de Compostela. Animados por el pontífice un ejército de peregrinos partía de cuatro localidades francesas: Tours, Vézelay, Le Puy y Arlés. Cruzaban por los puertos de Roncesvalles y de Somport, llegaban a la localidad navarra de Puente la Reina, atravesaban Logroño, Burgos, León, hasta llegar a Galicia. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla Cinco eran las iglesias de peregrinación: San Martín de Tours, San Marcial de Limoges, Santa Fe de Conques, San Saturnino de Tolosa y Santiago de Compostela. Las cuatro primeras eran francesas y presidían cada uno de los itinerarios, que podían elegirse para emprender el camino hacia el sepulcro del santo. La meta de la peregrinación y la fórmula más perfecta se encontraba en la catedral compostelana. Iniciada en 1075 bajo los auspicios del obispo Diego Peláez y la dirección arquitectónica de los maestros franceses Bernardo el Viejo y Roberto. En 1088 las obras fueron interrumpidas, reanudándose en 1100 con el obispo Diego Gelmírez de la mano del maestro Esteban. Entre los años 1168 y 1188, el maestro Mateo dotará a la fachada principal con el Pórtico de la Gloria, obra de transición al gótico, que presentará una mayor humanización de los personajes, más cercanos, que nos mostrarán una nueva concepción religiosa. Consta de tres vanos y en el central nos encontramos con la escultura del apóstol Santiago en el parteluz y en el tímpano a Cristo en majestad rodeado del tetramorfos, acompañado de ángeles con los símbolos de la pasión, y en las arquivoltas aparecen los 24 ancianos del Apocalipsis. Las jambas están decoradas con representaciones de apóstoles y profetas. Esta Iglesia tiene planta de cruz latina, girola con capillas radiales y tres naves que se continúan en el crucero. El peregrino podía hacer un itinerario desde la entrada, por una de las naves laterales contonear la girola, adorar el sepulcro del santo titular y salir por la otra nave lateral, sin interrumpir las posibles celebraciones que se estuvieran haciendo en la parte central. EL MONASTERIO Durante el románico y con la orden de Cluny, el monasterio alcanza su máximo esplendor. Como conjunto arquitectónico, se puede definir como un microcosmos, organizado para satisfacer las necesidades materiales y espirituales de sus moradores. Este carácter polifuncional y autosuficiente los convierte en células económicas, a la cabeza de importantes explotaciones agrarias; en centros de caridad y de hospitalidad; en focos de cultura y también de enseñanza; y en hogares de espiritualidad. En esta época la oración tenía una función público-litúrgica, y también social, pues de ella dependía la salvación eterna del pueblo cristiano. De esta manera, los monasterios se convirtieron en auténticas ciudadelas de las plegarias, tanto por la oración individual de los monjes, como por la colectiva, que culminaba con la misa de la comunidad. En cuanto a su forma cristalizó en un prototipo de abadía uniforme que se extendió por toda Europa, para que los monjes, aún desplazándose, no encontraran diferencias. El núcleo principal era la iglesia, junto a ella estaba el claustro, que simbolizaba el paraíso terrenal, era el lugar de paseo y de meditación. Este claustro servía de órgano distribuidor de las distintas dependencias. Las áreas de servicio que se abrían en sus cuatro galerías eran: la sala capitular, en ella se congregaba la comunidad, presidida por el abad, para discutir los asuntos del monasterio; a su lado estaba el armariolum o biblioteca, el locutorio, para conversar en privado con el abad, la sala de trabajos manuales y las letrinas. También estaba el refectorio o comedor y junto a él la cocina y SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla el horno. El corredor de la cilla o granero contenía las oficinas de la administración, las dependencias de los hermanos legos... Finalmente, en la zona del mandatum había un banco corrido, donde los monjes se sentaban para recibir las órdenes del abad. Otras dependencias eran: la enfermería, el cementerio, bodegas, lagares, establos, cuadras, talleres artesanales, la hospedería... Como ejemplos de monasterios destacados podemos señalar: Monasterio de Cluny (Borgoña), Monasterio de Leyre (Navarra), Monasterio de Santa Mª de Ripoll (Gerona)... 4.- IMPRESIONISMO: MONET, RENOIR Y DEGAS El término impresionista fue utilizado el 25 de Abril de 1984 por el semanario Le Charivari por el crítico Louis Leroy, al comentar un paisaje de Monet, titulado Impresión, soleil levant, con un matiz despectivo. Englobaba a 165 obras de 30 artistas rechazados en los certámenes oficiales, que habían inaugurado una exposición en las estudio del fotógrafo Nadar, con estrepitoso fracaso. Los impresionistas intentaban atrapar la naturaleza en el cuadro, pero esta audacia de reproducir la apariencia, según lo que uno ve, sin elaboración posterior, arruinaba el arte oficial, que no compartía el “plenairismo”, ni la temática, ni el color, ni la técnica impresionista. En el siglo XIX se produjeron muchos adelantos técnicos, como la difusión del ferrocarril. El mundo aparecía como algo móvil, inestable y cambiante y los artistas que deseaban representarlo tal como era, no les interesaba su hipotética forma permanente, sino su apariencia fugaz, por ello tenían que hacer sus representaciones deprisa, antes de que la luz, siempre cambiante, alterase la imagen que se había formado en sus retinas. Sus características fundamentales eran las siguientes: Es una pintura generalmente al óleo sobre lienzo; algunos pintores relacionados con el grupo impresionista emplean otras, como el pastel sobre papel. La pincelada es muy característica, suelta, corta, en forma de coma y rápida, pues se pretende captar un momento concreto. Casi siempre es rica en pasta por lo que la superficie del cuadro resulta rugosa. La línea es un valor en claro retroceso, en lo que podríamos denominar impresionistas puros realmente desaparece, son la pincelada y el color los valores dominantes. El modelado planteado al modo tradicional no existe, no se estudian las gradaciones de color o luz en función de modelar o dar volumen a las figuras, el Impresionismo acabará disolviendo las formas y volúmenes en impactos luminosos y cromáticos. La luz es elemento esencial. Los impresionistas pretendían captar la luz del natural, alguna vez la artificial, lo que les obligó a pintar al aire libre y a emplear una factura rápida capaz de captar algo tan cambiante. Observaron que la luz es la responsable de los efectos cromáticos, de modo que la más mínima alteración lumínica producía cambio en los colores. El color, los puntos principales de su teoría del color son: SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla - Existencia de colores primarios: amarillo, rojo y azul, que, al superponerse, dan los colores complementarios (rojo más amarillo da naranja; rojo más azul, violeta; amarillo más azul, verde). - Ley de asociación: cuando se asocian dos colores primarios complementario del tercero; así, por ejemplo, el naranja es el complementario del azul, ya que no lo lleva en su composición; el rojo, del verde y el amarillo, del violeta... Utilizan colores claros, vivos, y puros; se prescinde bastante de las mezclas en la paleta, prefieren aplicar colores puros yuxtapuestos y que la mezcla se produzca en la retina: es lo que se llama mezcla óptica. Finalmente conviene reseñar que los impresionistas renuncian, en general, al negro, por considerar que no existe en la naturaleza. Esto supone que el sombreado de las figuras ya no se haga con el tradicional recurso del claroscuro y que las sombras sean coloreadas. No hay interés por una representación del espacio que finja profundidad, se valora más el plano y el impacto lumínico; desaparece la concepción tradicional del cuadro como escaparate o ventana. Se pretende que sea algo vivo, un trozo de naturaleza, lo que supone que se huye de la perspectiva y la composición tradicionales, y que se mira la realidad con un «ojo» parecido al objetivo de una cámara fotográfica. En muchos cuadros lo realmente llamativo es el encuadre, un encuadre que corta figuras y objetos, y fracciona el campo visual. El Impresionismo sigue haciendo una pintura figurativa y realista pero que lleva el germen de la modernidad. En cuanto a los temas hay una marcada preferencia por los paisajes tanto rurales como urbanos, aunque predominan los primeros, pues interesa la captación de lo fugaz. Son paisajes reales, modernos, aparecen elementos considerados feos como el ferrocarril, las estaciones... También hay escenas intranscendentes, de ocio, baile, tabernas... Se renuncia a los temas «importantes», con mensaje, tanto religioso como político o social. Los principales pintores vinculados al impresionismo fueron: MONET El más puro de los impresionistas, nacido en París pero se crió en la localidad costera de Le Havre, donde se mudó con su familia en 1845. En 1860 entra el estudio de Gleyre en París, conoce a Renoir y Sisley. Más tarde conoce a Manet y comienza su dedicación a la pintura á plein aír. Sintió, sobre todo durante sus primeros años, una gran admiración por los pintores de la Escuela de Barbizon, al igual que por Manet y Courbet. Se instala en Argenteuil, y es a partir de este momento cuando comienza a pintar paisajes fluviales. En 1890 se compra una pequeña casa con jardín en Giverny en la que se establecerá de modo definitivo. En la casa de Giverny había un pequeño estanque con ninfeas y un puente japonés que pintó hasta la saciedad en sus últimos años. Durante los primeros años demuestra tener un especial interés por la figura humana que, más tarde, será sustituida por los paisajes. Entre sus obras fundamentales podemos señalar: SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla - “Almuerzo campestre”: Con ella inaugura el problema de las sombras coloreadas que tanta importancia tuvo en los cuadros impresionistas. - “Las mujeres en el jardín”: Hace un análisis de la luz que traspasa la sombrilla y las hojas de los árboles para reflejarse en el suelo. - “Impresión, sol naciente”: La obra fue fruto de unos apuntes rápidos tomados por el artista en el Puerto del Havre, con el sol a través de la niebla, en la primavera de 1872. Fue presentado públicamente en la primera exposición de los Impresionistas de 1874, se convertirá en pretexto de la denominación del grupo, a raíz de un polémico artículo publicado por Luís Leroy, como ya hemos indicado. - En la serie de doce telas dedicadas a la estación parisina de “San Lázaro”, su objetivo era articular los cambios de luz y las fases del día sobre un mismo ambiente. - Otra serie es la dedicada a la catedral de “Rouen”, pintó este edificio a distintas horas del día, utilizando en cada momento un color predominante: des el azulado por la mañana hasta el dorado del atardecer. Demostraba así que el tema no tenía un color sino que éste era cambiante. - “Las ninfeas” (Jardín del Agua) es su última serie. En ellas, el modelo no es más que un pretexto, las formas pierden su contorno para convertirse en masas de color que diluyen la luz y los reflejos de agua RENOIR Es el retratista con mayúsculas, su interés por la figura humana contribuye su mayor contribución al Impresionismo. Le interesa pintar las figuras que formen un todo con el paisaje, así como trasmitir la alegría del ambiente parisino. Con respecto a la paleta, prefiere los fondos claros sobre lienzos gruesos, con una leve capa de pintura. Fue el primero que utilizó ampliamente los contrastes de los colores cálidos y fríos. Sus obras fundamentales fueron: - Retrato: “El palco”, “Madame Charpentier y sus hijos”… - Escenas de la vida urbana: “Le Moulin de la Galette”. Representa un baile popular, dentro de un impresionismo costumbrista. Sabemos que en él plasmó a algunos de sus amigos íntimos y también a una de sus modelos bailando. La iluminación parece extraña: los jirones de luz y sombras indican que el sol se filtra entre las hojas de las acacias, pero las lámparas de gas están encendidas, como si estuviera anocheciendo. También es ficticia esa impresión de armonía social donde todo es amable e inocente, pretende mostrarnos un mundo armónico, una alternativa imaginaria a la situación conflictiva de la vida real. - Los remeros: “Piragüistas en Chatou”: Vemos a una serie de personas al aire libre, destacando el juego de las miradas que unen a los personajes de dos en dos... - Las bañistas: “Las bañistas de Filadelfia”, son un hito importante en su producción, que realizó después de conocer la pintura italiana. En ella se observa la necesidad de trabajar la forma y el dibujo, jugando con el movimiento de los cuerpos y la conjugación de los tonos. - Los paraguas: En esta obra vuelve al dibujo y a la enseñanza de los museos. SOLUCIONARIO A LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD PROPUESTAS POR LAS UNIVERSIDADES ANDALUZAS Departamento de Economía Financiera y Contabilidad de Melilla EDGAR DEGAS Es el más atípico del grupo, excepcionalmente pinto al aire libre y su concepción de la pintura se basa en el dibujo. Se nos presenta como el cronista de la alta burguesía, a la que pertenecía como hijo de un banquero. Mantiene relación con los impresionistas, sin embargo su obra es especial, al igual que Monet partió de una tradición pictórica anterior que conocía muy bien. Además de pintar al óleo, que es lo habitual en la época, lo hizo al pastel, técnica en la que fue un auténtico maestro, también hizo varias esculturas. Degas trabajó preferentemente con luces artificiales propias de espectáculos como el ballet, el teatro o las audiciones de óperas y conciertos, a los que era muy aficionado; la luz natural, sin embargo, también aparece en algunas obras. Sus encuadres fueron muy originales, fraccionaba el campo visual e introducía puntos de vista insólitos que hacían que el espectador se sintiera casi dentro de la obra. Esta forma de encuadrar también la emplearon otros pintores del grupo, pero en Degas tiene más relevancia, puede ser debida tanto a la influencia de la estampa japonesa como de la fotografía. Los temas van desde el ballet, la ópera, hípica, hasta escenas en el baño o en la taberna; en todos ellos la figura humana tiene un protagonismo que se había perdido en las obras impresionistas, exceptuando a Renoir. Como ejemplo de sus obras podemos señalar: - Del tema de las carreras, único que hizo al aire libre destaca “En las carreras”, la composición es como una instantánea fotográfica, no duda en cortar el sombrero de copa, las ruedas... - Acercamiento a la realidad más cotidiana, a las mujeres del pueblo: “El ajenjo” representa a una mujer sentada en un banco, que contrasta con la actitud del hombre, que está a su lado, con total indiferencia. - Las bailarinas era otro de sus temas preferidos, pues le permitía descomponer el movimiento a través del baile, examinar todas las posturas, bien como espectador entre bastidores o en el foso de la orquesta. Fruto de esta observación es la captación que hace de ademanes y gestos momentáneos, todos propios de la fotografía. Como ejemplos “La reiteración”, “La clase de danza”... - Los desnudos, pintados al pastel, presentados de espalda, desde arriba, pero casi nunca de frente, y en ellos plasma a mujeres sencillas, del pueblo: “La tina”, “Mujer secándose los pies”, aparece en escorzo como una instantánea.
