Arte y Apreciación Estética

Arte y Apreciación Estética
ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
Sesión No. 6
Nombre: Clasificación de las artes plásticas. Tercera parte.
Contextualización
¿Por qué existe la necesidad del diseño gráfico digital?
¿Crees que hace 50, 30 o 10 años se tenía la misma necesidad?
Los avances científicos y tecnológicos han dado paso a un sinfín de recursos
que diariamente afectan nuestra vida, así como la de los artistas; éstos se verán
complacidos o afectados por su contexto y éste será plasmado en su arte.
Entre la historia de la humanidad y la del arte se destaca una relación de causa y
efecto. Para comprender la estética es muy útil saber el contexto histórico, social,
político, científico, etcétera.
¿Te imaginas la vida sin celulares, sin Internet, sin correo electrónico?
Puedo comprender la vida sin la tecnología moderna, aunque no me la imagino
sin televisión a color.
¿Cómo sería tu vida si en lugar de tener Internet tuvieras que ir a alguna
biblioteca para hacer una investigación?
Algunas veces no te dejaban sacar los libros que necesitabas, otras los libros
estaban prestados por una semana, y muchas otras tenias tantas referencias
diferentes que terminabas cargando hacia tu casa más de 10 kilos de libros y
enciclopedias para poder hacer una tarea de clase y ni se diga de un trabajo final.
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
Introducción al Tema
En los inicios del siglo XX, antes de la primera
Guerra mundial, representar la ilusión de realidad
deja de ser una preocupación de los artistas, para
eso existe la fotografía, en cambio ponen su
atención sobre asuntos internacionales y sobre
todo en las culturas primitivas como la africana y
la australiana; Freud en 1900 publica “La
interpretación de los sueños” y Einstein elabora la
teoría de la relatividad en 1905. Existen los autos
Figura
1.
Autoretrato.
Gorskii.
Fotografía a color. 1915.
y el avión; el nuevo siglo auguraba cambios drásticos en todos los sentidos y los
artistas no esperaron tanto para dar al mundo obras como nunca se habían visto.
¿Cómo es posible si el arte empieza al menos hace 40 mil años antes de
Cristo?
Simple, nunca antes se había tenido la fotografía, haciendo que los artistas se
enfocaran el color, línea, texturas, etcétera, como medio de expresión. Entienden
que pueden existir motivaciones inconscientes dentro de la lógica consciente y
que el espacio y el tiempo dependen uno del otro, redefiniendo el movimiento.
Todo esto mientras se está gestando la Primera Guerra Mundial.
Es así como comienza el primer movimiento artístico revolucionario del siglo XX:
El Fauvismo o Fovismo (1903), las “bestias salvajes del color”, donde Henri
Matisse es su principal representante, con su pasión por lo decorativo y colores
estridentes arbitrarios a la naturaleza. El Cubismo (1907) donde Picaso y Braque
organizan el espacio en una trama geométrica, negando la profundidad y
enfatizando la idea de simultaneidad dando diferentes puntos de vista en uno
sólo. El Futurismo (1909) enfocados en presentar la velocidad y simultaneidad
de la vida contemporánea.
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Explicación
Sus tendencias
Futurismo
En el pasado, Italia había sido el centro generador de movimientos artísticos,
pero desde el siglo XVIII perdió esa distinción hasta el siglo XX. El Futurismo
comienza como un manifiesto literario llamado del poeta Filippo Marinetti en
1909, en el cual afirma que “un coche de carreras con el capó adornado con
gruesos tubos semejantes a serpientes de aliento explosivo…un automóvil que
ruge, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de
Samotracia”, mostrando la pasión por las máquinas y la velocidad de la época,
así como insistiendo en la idea de la abolición del pasado y sus prácticas. Al
movimiento literario se le unirán todas las manifestaciones artísticas, pero ahora
empezarán con un programa ideológico predispuesto que estaba dedicado a
ésta. Un año después se escribiría el “Manifiesto de los Pintores Futuristas” y en
1912 el “Manifiesto de la Escultura Futurista.”
La manera en que pintores y escultores empiezan a
abordar
la
tarea
es
usando
el
impresionismo
y
neoimpresionismo como base, de igual manera los
fotógrafos empiezan a trabajar el “corrido fotográfico” (Fig.
2), temporizando las tomas que dejan ver el movimiento
del sujeto, lo que no concordaba con el manifiesto
futurista es que los estilos no captan la precisión a la que
Figura
2.
El
violonchelista.
Anton
Bragaglia. 1913. Muestra
de corrido fotográfico.
se asocia a la maquina moderna. Debido a la novedosa idea representativa del
cubismo que muestra simultáneamente los diferentes puntos de vista de un
objeto, los pintores futuristas toman su vocabulario técnico, utilizándolo de
manera que los deje presentar los diferentes aspectos de un objeto, esta vez en
movimiento. Es por esto que se le considera un cubismo dinámico, donde se
representa simultáneamente algo que sólo podríamos ver de manera sucesiva
en el tiempo, el tema de los futuristas son las cosas en proceso, evocando
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acciones completas sobre la superficie plana del lienzo.
En la escultura mantienen las mismas características,
utilizando las líneas en espiral y diagonal para sugerir
velocidad; al inicio una forma de híbridos figurativos
que se disuelven en sus formas al representar ese
movimiento desenfrenado, pero la manera de hacerla
es la misma que en el pasado, seguía siendo una
escultura tradicional, quieta. Es un hermano de un
Figura 3. Ciclista.
Goncharova.
Natalia
escultor futurista el que da el salto al movimiento, Marcel Duchamp; en 1913
presenta su obra “Rueda de Bicicleta sobre Taburete” donde literalmente toma la
horquilla delantera de una bicicleta con su llanta y la monta sobre un taburete de
restirador; puedes accionar el movimiento de la llanta con una mano, como una
maquina sencilla. Este fue el nacimiento de la escultura móvil realizada con
“objetos encontrados” (ready made). Entrando ya a un movimiento diferente que
aclama estar en contra del pasado, su arte, la sociedad burguesa y de los
mismos artistas que se creen especiales, este estilo será llamado Dadaísmo.
Expresionismo
El expresionismo no se puede estudiar como cualquier otro movimiento artístico
contemporáneo, ya que es un término genérico que define el arte que deforma la
realidad para expresar de manera más emocional y subjetiva a la naturaleza y el
ser humano.
Existen múltiples artistas expresionistas a lo largo de la historia, son imprecisos
sus límites cronológicos y geográficos y tiene diversidad estilística ya que cada
artista trabaja con independencia de los demás, pero su influencia hacia otros
crea otros estilos. Aun así, con este abanico de posibilidades, tiene
características en común: predominio de la expresión subjetiva sobre la
objetividad del impresionismo; entusiasmo por tratar las superficies de la pintura,
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aplicando de manera casi violenta la pasta pictórica, muestra el hastío y
desilusión del artista; su temática se rodea de lo morboso, lo prohibido, lo
fantástico y lo desolador.
El Fauvismo es considerado el primer movimiento
artístico expresionista, pero es el movimiento moderno
alemán el que se manifiesta con las características
expresionistas. Edvard Munch (1863-1944) (Fig. 4) es el
patriarca del Expresionismo. Nació en Noruega y a los
29 años se muda a Alemania viviendo ahí hasta los 45;
su estilo de curvas sinuosas, colorido arbitrario y una
evidente sensación opresiva dejaron una enorme
influencia entre los pintores de este país.
Figura 4. El Grito. Edvard
Munch. 1893.
El primer grupo expresionista auto-consciente se llama Die Brüke (El Puente,
1905), inicialmente su arte muestra influencias fauvistas (color) y del cubismo
(formas angulosas). También está el grupo alemán Der Blaue Reiter (El Jinete
Azul, 1911), quienes tuvieron mayor alcance gracias a su carácter aglutinador de
artistas y estilos. Hicieron dos aportaciones especiales al expresionismo: le dio
consistencia teórica y evolucionan la pintura de representativa hasta la
abstracción total.
Los grupos formaron el estilo que se distingue con el nombre de Expresionismo
Alemán. Entre los años 1917-1945 el arte expresionista llega a su máxima
internacionalización, llegando a distintos países europeos y hasta los Estados
Unidos. El artista Jules Pascin (1885-1930) viaja a este país dando continuidad
entre el expresionismo europeo de entre guerras y el americano posterior a 1945,
al cual llamarán Expresionismo Abstracto y que entregará las obras más
vigorosas y de gran formato de los artistas que radicaban en Norteamérica.
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En el Expresionismo Abstracto aparece la
“pintura de acción” (action painting), fue
Jackson Pollock (1912-56) el que con la
intensión de romper con la idea del cuadro
de caballete, utilizando grandes lienzos
extendiéndolos en el piso se forzaba a
recorrerlos físicamente mientras chorreaba
pintura desde sus brochas, palos, cuchillos,
etcétera, a este método se le llama dripping.
No es la única manera de representación del
estilo, Franz Kline (1910-62) (Fig. 5) daba
brochazos negros sobre fondos blancos;
Wilem
de
Kooning
(1904-97)
es
representativo y gestual; y Marc Rothko
(1903-70) que buscan un espacio pictórico
propio
sin
signos
gestuales.
Figure 3. Atomicus Dalí, 1948. Fotografía de
Phillipe Halsman.
Chief. Franz Kline. 1950
El
Expresionismo Abstracto aplica la pintura libremente en bastidores de gran
formato, en un esfuerzo de mostrar sentimientos y emociones en lugar de temas
naturalistas y figurativos.
Surrealismo
Otro estilo artístico que prefiere alejarse de la realidad es el Surrealismo, toma
los sueños, la fantasía y el inconsciente como inspiración para su obra.
Es en 1917 cuando se acuña el término “surrealismo” y fue en el área de la
literatura, donde Bretón en su “Manifiesto del Surrealismo” (1924) proclama el
“puro automatismo psíquico por el que se intenta expresar, ya sea verbalmente o
por escrito, la función verdadera del pensamiento”. Fue hasta 1925 que la
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pintura surrealista aparece y muestra el rechazo al control, la composición y la
lógica; con el tiempo se puede apreciar entre los artistas una dualidad de
interpretaciones de las bases surrealistas: una que tiende a la abstracción,
creando sus propios mundos figurativos; y la otra utilizando los principios
renacentistas de perspectiva y volumen, muestran escenas con inesperadas
relaciones entre sus objetos.
En el primer grupo se encuentran artistas como Joan Miró (1893-1983), la figura
máxima de los surrealistas abstractos, que en sus cuadros muestra un sentido
del humor muy personal y sugestivo de mundos mágicos e irreales por medio de
elementos figurativos personales, infantiles, emotivos, enigmáticos y casi
irreconocibles, mostrando nuevas relaciones entre objetos que sobrepasan la
apariencia, buscando una armonía secreta entre ellas.
El más importante representante del surrealismo figurativo es Salvador Dalí
(1904-89), con su técnica precisa, casi foto realista, asocia elementos en el
cuadro de maneras insólitas, y creando atmosferas delirantes y de ensueño,
generalmente cargados de simbolismo que muchas veces sólo el artista
reconoce. No se dedica nada más a la pintura, hizo esculturas y ready mades,
contribuye en fotografía, moda, cine y teatro, incluso fue el diseñador del logo de
Chupa Chups.
Figura
4.
Logo
de
Chupa Chups. Salvador
Dalí. 1969.
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Conclusión
En una época de pre-guerra nace el primer movimiento artístico del siglo XX, los
artistas queriéndose alejar de la competencia de la fotografía y deseosos de
mostrar su individualidad de una manera tan subjetiva y personal de mostrar el
mundo al espectador, mundos llenos de vivos colores contrastantes y cargados
de diseños decorativos; pronto cambiaría a un tono doloroso, donde la
expresiones artísticas cambian por las guerras mundiales, dando a su vez un
tono de reproche hacia la sociedad, a la política y a la misma vida.
Es en los inicios del siglo XX cuando Einstein cambia el panorama de nuestro
universo para siempre, con su teoría de la relatividad especial, reformula las
leyes del movimiento en el espacio-tiempo-planos, describiendo correctamente
el movimiento de los cuerpos a cualquier velocidad. Existen los automóviles y
no es de extrañarse que al menos un estilo artístico representara el movimiento
y la velocidad en sus obras como el Futurismo. Por ultimo tenemos a Freud que
publica en 1900 su obra más popular “La Interpretación de los Sueños”, ahí
postula un nuevo modelo del inconsciente y un método para llegar a éste usando
elementos de sus experiencias previas, así como la existencia de un
preconsciente que se encuentra entre el consciente e inconsciente; siendo los
sueños y las etapas del inconsciente los temas predilectos del surrealismo.
Como puedes apreciar, las rupturas con los principios tradicionales del arte
siempre son acompañadas de los rompimientos con las antiguas formas de vida.
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Para aprender más
•
El arte por el arte. (s/f). El futurismo italiano. Consultado el 19 de febrero
de 2014:
http://brd.unid.edu.mx/el-futurismo-italiano/
•
Arte Contemporáneo. (s/f). Expresionismo. Consultado el 19 de febrero de
2014:
http://brd.unid.edu.mx/expresionismo/
•
El arte por el arte. (s/f). El camino de la expresión: Van Gogh y ToulousseLautrec. Documento extraído de:
http://brd.unid.edu.mx/el-camino-de-la-expresion...
•
Herrero, J. (s/f). La CIA y el expresionismo abstracto norteamericano.
Consultado el 19 de febrero de 2014:
http://brd.unid.edu.mx/la-cia-y-el-expresionismo...
•
El arte por el arte. (s/f). Introducción al surrealismo. Consultado el 19 de
febrero de 2014:
http://brd.unid.edu.mx/introduccion-al-surrealismo/
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
•
El arte por el arte. (s/f). Surrealismo: una reacción a la racionalidad del
cubismo. Consultado el 19 de febrero de 2014:
http://brd.unid.edu.mx/surrealismo/
•
Cazalilla, L. (s/f). Prácticas surrealistas: el origen del Cadáver Exquisito.
Consultado el 19 de febrero de 2014:
http://brd.unid.edu.mx/practicas-surrealistas/
•
Conde, M. (2011). Historia del Arte Universal. Consultado el 19 de febrero
de 2014:
http://brd.unid.edu.mx/historia-del-arte-universal/
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Actividad de Aprendizaje
En esta sesión vimos de qué manera los avances en áreas que parecieran no
estar relacionados al arte lo afectan profundamente, simplemente porque los
avances son los que cambian nuestra manera de pensar y vivir.
Internet ha revolucionado nuestra manera de vivir y hacer las cosas, Apple hizo
lo mismo al presentarnos la simplificación de las formas en la tecnología, ahora
las redes sociales han tenido un impacto enorme en la sociedad influenciando
muchas áreas del diseño.
Elige dos campos del arte/diseño que tu crees han sido influenciadas por las
redes sociales y junto con el Diseño Gráfico Web, investiga y explica de qué
manera han sido influenciadas por las redes sociales, cómo se hace visible la
influencia. Tendrás que comparar como eran antes y después de las redes
sociales y dar ejemplos de los mismos.
Genera un diseño con la información para presentarla. Se creativo. Se entregará
en PDF o JPG.
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ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
Bibliografía
Azcarate, J., Pérez, A., y Ramírez, J. (1984). Historia del Arte. España: Anaya.
Fleming, W. (1993). Arte, Música e Ideas. México: McGraw Hill.
Mittler, G. (2006). Art in Focus (5ª ed.) Estados Unidos de América: McGraw Hill.
Ramírez, J. (2009). El Objeto y el Aura, (Des)orden Visual del Arte Moderno.
Madrid, España: Ediciones Akal.
Robinson, W. (1995). Instant Art History, From Cave Art to Pop Art (1ª ed.)
Nueva York: Fawcett Columbine.
Figuras
Figura 1:
http://es.wikipedia.org/wiki/Fotografia
Figura 2:
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Bragaglia-violin.jpg
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Figura 3:
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Goncharova_cyclist.jpg
Figura 4:
http://en.wikipedia.org/wiki/File:The_Scream.jpg
Figura 5:
http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
Figura 6:
http://en.wikipedia.org/wiki/Chupa_Chups
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