ESCUELA DE NEW YORK - TALLER5-HISTDISENO8A-B

ESTILO TIPOGRÁFICO INTERNACIONAL
Al comienzo era conocido como diseño Suizo, pues fue en ese país donde apareció el estilo
tipográfico internacional en los años 50’s.
Las raíces del este tilo provienen de la corriente de Stijil, la Bauhaus y la nueva tipografía de los
años veinte y treinta. Las características visuales de este estilo son: unidad visual del diseño, el
uso de los tipos sans-serif, series de tipografía en una configuración de márgenes nivelados al
izquierdo e irregulares del lado derecho.
Se define el diseño como una actividad socialmente útil e importante. El papel de un diseñador es
definido como el conductor objetivo para difundir la información importante entre los
componentes de la sociedad.
Hubo dos tipos de eslabones en el primer
diseño gráfico constructivista y el nuevo
movimiento formado después de la II Guerra
Mundial, marcados pos dos diseñadores suizos
Theo Ballmer y Max Hill. El primero se ocnocio
por un diseño donde aplico los principios de De
Stijl, usando aritmética en líneas horizonatels y
verticales.
Hill estudió arquitectura y arte, esto lo ayudo a
encontrar su camino. La construcción aritmética
de la pintura controlada visualmente sería
completamente creada a partir de elementos
puros, visuales, planos y colores, dando como
resultado una pintura que no contiene ningún
significado excepto el de sí mismo.
Pero esto último es la antítesis de lo que es el
diseño gráfico, pues se convierte en una
expresión de las bellas artes. Pero lo que
buscaba Hill era apoyar al diseño, dando
solución a problemas. Sus composiciones están
constituidas con elementos geométricos esenciales, organizados con un orden absoluto.
El estilo tipográfico en Estados Unidos se dio gracias al diseñador
Rudolph de Harak, quien noto la importancia del diseño suizo. Le
gustaba dar un orden estructural a sus obras, usando elementos gráficos
sencillos, combinando fotografías y figuras geométricas simples para
expresar el contenido del artículo.
Arnold Saks, también sobresale como diseñador estadounidense. Desarrolla un enfoque
sistemático del diseño recto y articulado.
El diseño suizo sobrepaso sus fronteras para volverse internacional, siendo útil en el enfoque del diseño
cuando un cuerpo variado de materiales informativos, que van de la señalización a la publicidad,
necesitaban unificarse de una forma coherente.
ESCUELA DE NEW YORK
El siglo XX hay un gran cambio a nivel cultural, debido a que muchos exiliados van a Estados
Unidos por la guerra y el nazismo, trayendo el vanguardismo europeo, un diseño moderno.
El diseño gráfico de la época de la depresión estaba marcado
por la ilustración tradicional, pero más adelante todo esto
cambio, Lester Beall era un excelente diseñador gráfico, quien
se fue a NY y comenzó a experimentar nuevas cosas,
desarrollando formas visuales fuertes, directas y emotivas,
comprendió la nueva tipografía de T schichold, y el papel al
azar y organización.
Más adelante comenzó a mezclar varios elementos con la
tipografía, como flechas. También él color y la fotografía
comenzaron a mezclarse creando una nueva visión del diseño
gráfico.
La introducción del modernismo europeo en el diseño gráfico
norteamericano fueron rusos criados en Francia, quienes trabajaban en
la parte editorial de revistas. Roman de Tirftoff fue el q más se destacó
por sus diseños mostrando un punto de vista totalmente diferente al
anterior, se destacó por sus ilustraciones y por la escenografía que
utilizaba al estilo art deco. Realizño portada para revistas, las cuales se
hacían notar por proyectar imágenes sofisticadas con estilo europeo.
Combinaba el dibuo estilizado con decorados exóticos con influencia
persa.
Más adelante, con la Segunda
en muchos países para la
gráfica.
Cuando
USA
se
guerra, se organizó un concurso
ganó, se produjeron más de
en todo el país por su talento.
Guerra Mundial hubo un desorden
realización
de
propaganda
involucraba cada vez más en la
de carteles donde Jean Carlu
100000 carteles, reconociéndolo
Sentimientos acerca de Hitler,
que los diseñadores gráficos se
ilustradores y artistas encargados
Pearl Harbor y la guerra, hicieron
impulsaran, al igual que los
en crear los carteles.
En esta época todo trataba acerca de la guerra, solo se mostraba la percepción de cada uno.
Después de la guerra los diseñadores se involucraron en el mundo de la ciencia, creando
diferentes carteles y haciendo que estos resaltaran y le dieran un giro al diseño. Utilizando
varias tipografías e involucrando fotografías e ilustraciones.
Muchos diseñadores europeas que llegaron a Estados Unidos no tenían dinero, solo tenían el
talento para compartir y dale una nueva visión a la comunicación visual, dando un giro total al
concepto que tenía los norteamericanos del diseño gráfico.
EL EXPRESIONISMO TIPOGRAFICO ESTADOUNIDENSE
En los años 50’s y 60’s los diseñadores
gráficos de New York pusieron interés
en la tipografía figurativa: la letras se
convertían en objetos y viceversa. Gene
Federico fue uno de los primeros en
utilizar estos recursos: hacia que la
organización visual de los tipos
adoptara un significado connotativo.
Otra tendencia iniciada ya más en los
50’s era la tipografía decorativa del
SXIX y de la tipografía novedosa
rechazada por varias décadas por la
influencia del movimiento moderno. Esto
fue inspirado por Robert Jones, quien
eliminó el prejuicio por el uso de lo
decorativo o pasado de moda.
En 1925 la fototipografía, que ya había sido experimentada en el año 1893 obteniendo resultados
limitados, renace en esta época y simbolizaba una revolución gráfica que no fue apreciada hasta medio
siglo después. La ventaja principal fue la de reducir radicalmente el costo para introducir estilos de tipos
nuevos. John Alcorn permitió que fototipos de letras victorianas estuvieran disponibles. Los diseñadores
pudieron replantearse formas pasadas de moda e incorporarlas a su trabajo.
Herb Lubalin ha sido considerado un genio tipográfico de su tiempo. En su obra se
unificaron los dos impulsos principales del diseño estadounidense: la orientación de
Doyle Dane Bernbach hacia el concepto visual / verbal y las tendencias hacia una
tipografía figurativa y mas estructurada. El punto de vista visual, el espacio y la
superficie se convirtieron en algo primordial, por lo que abandona la tipografía
considerando los caracteres del alfabeto tanto como una forma visual como una
comunicación del mensaje. Agrandó las letras del alfabeto y rápidamente la letra
“O” se convirtió en un receptáculo de imágenes. Eliminó la separación tradicional
entre palabras e imagen: las palabras e imágenes se convertirían en imagenes, las
imágenes se volverían una palabra o una letra.
Lubalin ejerció el diseño como un medio para dar forma visual a un
concepto o a un mensaje.
Comienza la contribución en el diseño editorial. 96 páginas sin
publicidad, fotografías sangradas a doble página hasta 8 o 9
fotografías apiñadas en una sola, tipos Sans-serif condensados
gigantes, tipos de letra novedosas y delicadas romanas son
características de revistas de ese momento. El logotipo lleva el
nombre y la familia tipográfica que da identidad a la
publicación compactada.
Para 1970 la creación de múltiples tipografías gracias a la rapidez del método de la fototipografía,
avanzó dejando atrás las horas de trabajo que le requerían a un diseñador crearlas. Pero esto produjó
que la gente generara fuentes de películas instantáneas sin la ayuda de los diseñadores. Por lo que
Lubalin junto a Rondthaler y Burns, estableció la International Typeface Corporation. Todas las tipografías
allí creadas tuvieron impacto en los años 70.
http://www.solodisenio.com/el-expresionismo-tipografico-estadounidenses/
LA IDENTIDAD CORPORATIVA Y LOS SISTEMAS VISUALES
Durante la Segunda Guerra Mundial los avances tecnológicos fueron sorprendentes. A medida que la
capacidad productiva se volvía hacia los bienes de consumo mucha gente creyó que el capitalismo era
sinónimo de expansión y prosperidad económica.
La comunidad de los 50 gritaba: “Un buen diseño es un buen negocio”. Las organizaciones industriales y
comerciales se estaban dando cuenta de la necesidad de desarrollar una imagen y una identidad
corporativa entre varios sectores del público. El diseño era visto como formas para crear una reputación
basada en la confianza y la calidad. La Revolución Industrial logró que los sellos y las marcas de la
fábrica ganaran valor e importancia.
Con esto es donde realmente se valora lo que es el diseñador gráfico, comienza a realizar realmente lo
que es su trabajo dejando atrás su papel de artista gráfico, dándole importancia y uso a la sociedad.
http://www.solodisenio.com/identidad-corporativa-y-los-sistemas-visuales/
IMAGEN CONCEPTUAL
En una búsqueda de nuevas formas e imágenes, las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial
también observaron el desarrollo de la imagen conceptual del diseño grafico. La transmisión de imágenes
informativas no solamente era narrativa, sino de ideas y conceptos. La unidad del contenido se concebía a
partir de características subjetivas. Esta nueva generación de productores de imágenes tenía que ver con
el diseño toral del espacio y con la integración de la palabra y la imagen. Así para la segunda mitad del
siglo XX, la historia completa de las artes visuales quedaba a disposición del artista gráfico como una
biblioteca de formas e imágenes realizables. Han influido las posibilidades que inspiraron los movimientos
artísticos de este siglo como ser: las configuraciones espaciales del cubismo, las yuxtaposiciones, las
dislocaciones y los cambios de escala del surrealismo, la pureza del color del expresionismo y el fauvismo,
la renovación de imágenes masivas publicitarias.
En cuanto hubo oportunidad los artistas gráficos manifestaron su propio estilo creando imágenes
personales, encabezando técnicas y estilos individuales. Las fronteras tradicionales entre las bellas artes y
la comunicación visual de carácter público eran confusas.
La creación de imágenes conceptuales llego a ser significativa en Polonia, EEUU, Alemania y Cuba.
También afloró en el trabajo individual en todo el mundo, cuya búsqueda de imágenes efectivas y
relevantes, en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial, los llevó hacia la imagen conceptual.
Se destaca el trabajo del diseñador italiano Armando Testa, utilizaba combinaciones metafísicas para
transportar verdades elementales referidas al tema. En el caso de la campaña publicitaria de Pirelli, en
1950, empleó formas que influyeron el pensamiento del diseño grafico en muchos lugares. Invocó el
vocabulario del surrealismo al combinar la imagen de una llanta con símbolos de cualidades fácilmente
reconocibles. En sus carteles la imagen es el medio primordial de comunicación y reduce el contenido
verbal a unas palabras o al nombre del producto.
En resumen, la imagen conceptual empieza a dejar a un lado la fotografía tomando diferentes
alternativas como la ilustración. Diseñadores comienzan a manejar otros conceptos basándose en el S XX.
Se empieza a utilizar más imágenes menos texto. Con los 60’s se evidencia un nuevo cambio, pues fue la
época donde la gente comienza a revelarse contra el gobierno, hippies, y se evidencia un gran cambio en
el color y la tipografía, pues se usa colores sicodélicos y la tipografía es más redonda.