LA ESCUELA DE NUEVA YORK - TALLER5-HISTDISENO8A-B

LA ESCUELA DE NUEVA YORK
LA REVOLUCIÓN EN EL DISEÑO EDITORIAL
La primera ola del diseño moderno en estados Unidos fue importada por talentosos inmigrantes
europeos, que buscaban escapar del clima político del totalitarismo. Estas personas dieron a los estadounidenses una introducción de primera mano a la vanguardia europea. Nueva York se convirtió
en el centro cultural del mundo en pleno siglo XX y las innovaciones en el diseño graneo ocuparon
un papel importante entre sus meritos. Durante los años cuarenta se dieron los primeros pasos hacia
un enfoque estadounidense original del diseño. Mientras se apropiaban libremente del lenguaje de
la forma creado por los diseñadores europeos, los artistas estadounidenses desarrollaron actitudes
e inventaron formas que se sumaron a la tradición del diseño grafico.
El diseño europeo era teórico y sumamente estructurado; el diseño estadounidense era pragmático, intuitivo y más informal en su enfoque para organizar el espacio. Una de los aspectos propios
de la cultura y la sociedad estadounidense dictaron su propia forma del diseño moderno. Estados
unidos era la sociedad que tiende a ser igualitaria, con actitudes y valores pragmáticos, tradiciones
artísticas limitadas y una herencia étnica diversa.
Renovación en el Diseño Editorial: Director artístico, Imagen importante (fotografía), Doble página como unidad de diseño, Tipografía simplificada y sistematizada, Espacio en blanco.Algunas
palabras que podemos definir un Diseñador Gráfico para esta época del diseño moderno en estados
unidos podríamos mencionar: Espontaneidad, Pragmatismo, Trasmisión de la idea, Humor / Ironía,
Desenfado / Libertad, ContrasteUn conocimiento profundo del movimiento moderno condujo a
Rand a comprender que las formas inventadas libremente podían tener una vida autónoma, simbólica y expresiva, como una herramienta de comunicación visual. Su habilidad para manipular la
forma visual y para analizar el contenido de la comunicación reduciéndolo a una esencia simbólica, sin que esto implique que sea estéril o insulso, le permitieron influir ampliamente cuando aún
no cumplía los 30 años.
Lo lúdico, lo visualmente dinámico y lo inesperado a menudo encontraron su camino dentro de su
obra. Partidario de la intervención del humor en el diseño publicitario, ecléctico y multifacético,
sorprende en Rand la extrema concisión formal de algunos de sus trabajos comerciales, como
folletos y cubiertas de memorias de empresa.Para atraer al público y comunicarse de manera memorable se dio cuenta de que era necesaria la alteración y yuxtaposición de los símbolos y signos
del diseñador, o la reinterpretación del mensaje, con el fin de hacer de lo ordinario algo extraordinario. Los contrastes visuales marcaron su obra. Definió al diseño como la integración de la forma
y la función para una comunicación efectiva. La función cultural del diseñador fue definida como
ascendente más que como al servicio del mínimo común denominador del gusto del público.
La primera ola de la cultura del cartel surgió por medio de la subcultura hippie a finales de los años
1960. Debido a que los medios de comunicación y el público en general relacionaban estos carteles
que trasmitían mensajes contra el orden establecido y a favor de la música rock y las drogas se les
llamó carteles psicodélicos.
El movimiento gráfico que expresó este clima cultural se inspiró en varias fuentes: las fluidas y
sinuosas curvas del Art Noveau, la intensa vibración óptica del color asociada con el op – art y el
reciclaje de imágenes de la cultura popular. En los carteles se usaban formas turbulentas y letras
retorcidas y curvadas hasta el borde de la legibilidad, frecuentemente impresos en colores complementarios de profundo contraste.
Los carteles artísticos para los conciertos y festivales de rock produjeron algunos de los más llamativos ejemplos de caligrafía ilegible, pero de gran poder de comunicación, con su elaborada
escritura manual a base de palabras distorsionadas. Wilson fue el innovador del cartel psicodélico y
creó muchas de sus imágenes más fuertes. Algunos aspectos del movimiento del cartel psicodélico
fueron empleados en el frenéticamente popular arte del diseñador P. Max. En la serie de carteles
que produjo en los años 1960 combinó los aspectos del Art Noveau psicodélico con imágenes más
accesibles y colores más suaves. En su trabajo más fino experimentó con imágenes y técnicas de
impresión.
Somesse se convirtió en un prolífico diseñador de carteles. Las imágenes dibujadas se realizaron
en forma libre y casual que recordaba más a la producción de impresiones e ilustraciones gráficas
europeas que las fuentes estadounidenses. Con frecuencia estas imágenes se dibujaron en tamaño
pequeño y después se alargaron considerablemente.En vista de que la “nueva publicidad” se desarrollo al mismo tiempo que el “nuevo periodismo”, fue inevitable un torrente de comparaciones. El
nuevo periodismo de escritores como Ton Wolfe con respuestas subjetivas como parte componente
del reportaje, reemplazo a la objetividad tradicional del periodismo. Él periodista tenía experiencia
como participante, más que como un observador desapasionado. La nueva publicidad continua la
orientación de la publicidad hacia técnicas de venta persuasiva e interesante emocionales subjetiva.
Pero las técnicas empleadas se volvieron más genuinas, cultas y de mejor gusto.
EL EXPRESIONISMO TIPOGRAFICO ESTADOUNIDENSE
En los años “50 y ” 60 los diseñadores gráficos de New York pusieron interés en la tipografía figurativa: la letras se convertían en objetos y viceversa. Gene Federico (1919) fue uno de los primeros
en utilizar estos recursos: hacia que la organización visual de los tipos adoptara un significado
connotativo. Otra tendencia iniciada ya más en los “50 era la tipografía decorativa del SXIX y de
la tipografía novedosa rechazada por varias décadas por la influencia del movimiento moderno.
Esto fue inspirado por Robert Jones, quien eliminó el prejuicio por el uso de lo decorativo o pasado
de moda.
En 1925 la fototipografía, que ya había sido experimentada en el año 1893 obteniendo resultados
limitados, renace en esta época y simbolizaba una revolución gráfica que no fue apreciada hasta
medio siglo después. La ventaja principal fue la de reducir radicalmente el costo para introducir
estilos de tipos nuevos. John Alcorn (1935) permitió que fototipos de letras victorianas estuvieran
disponibles. Los diseñadores pudieron replantearse formas pasadas de moda e incorporarlas a su
trabajo.
Se necesita un genio tipográfico para definir el potencial estético de la fototipografía al comprender
su nueva flexibilidad y explorar la posibilidades que abrió para la expresión grafica. La habilidad
para mantenerse en contacto estrecho con la época es un requisito vital para alguien que trabaja
en la comunicación visual, y muchos de los conceptos mas innovadores de Lois nacieron de su
habilidad para comprender y responder a la gente y los sucesos de su época.