COLOR Mente

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Nuestra mente
La imagen
del pensamiento
Texto: Victoria Eugenia Arenal
La necesidad de que otro ser humano vea las
representaciones mentales que crea nuestro
cerebro está en la base de la creación de
imágenes. En realidad, el arte no es más que
una representación plástica y visual de las
ideas y sentimientos. De hecho, conocemos
parte de la historia del hombre gracias a las
imágenes, y la vista es el sentido que más
rápido origina estímulos para entender esas
ideas y sentimientos. De ahí la utilización que
de ella hacen religiones, gobernantes,
empresarios, científicos y artistas. Bastarán
unos ejemplos para entender el poder de la
imagen y estimularles a crear otros cuantos.
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El Bosco (1450–1516):
imágenes moralistas
El tema principal de la obra de El Bosco son los
tormentos infernales que esperan al hombre que no
respeta la ley divina. Las imágenes de sus cuadros
obedecen mayormente a este pensamiento, avisan del
castigo que tendrá la sociedad corrupta de su tiempo en el
infierno de las llamas: sofisticadas torturas musicales en
el Jardín de las delicias; la cocina diabólica impone
refinados tormentos con utensilios metálicos en el Juicio
universal de Viena, y en el conservado en Brujas los
objetos cotidianos crecen y se transforman en
mecanismos de suplicio. El Bosco nos muestra qué nos
espera más allá de la muerte, ¿cómo nos sentiríamos sin
poder ser otra cosa que el badajo de una campana?
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Goya (1746-1828):
imágenes críticas
Las series de grabados y las Pinturas Negras,
realizadas al final de su vida, ofrecen
imágenes de desencanto ante el
comportamiento humano y las realidades
históricas. La confianza del pintor en el poder
de la razón y de “las luces”, se ve desbordada
por la evidencia de la violencia y la sangre de
una guerra irracional en su propia nación en
1808. La vanidad, la avaricia, la violencia, la
Inquisición, la ignorancia y la falta de libertad,
toman cuerpo en las imágenes realizadas con
el buril y el aguafuerte.
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Van Gogh (1853–1890):
imágenes desde la locura
Serán el color y el trazo de las pinceladas los encargados de
hacer de las imágenes de Van Gogh verdaderas expresiones
del mundo interior del artista. Ambos elementos plásticos se
convierten, bajo su mente obsesiva de enfermo, en imágenes
de un pensamiento atormentado. Reivindicará el uso del
negro para introducir la angustia existencial y necesitará el
color para “descansar la cabeza”, pero sus imágenes siempre
producirán inquietud. Su obsesión por la paz interior le
impedía alcanzarla.
Resulta curioso comprobar cómo en estos tres artistas la
luz aparece como la imagen idílica, la felicidad; en El Bosco
es un túnel de luz; en Goya, un cuerpo femenino que
despierta alumbrando con luz propia; en Van Gogh, los
astros y bombillas iluminan el caos interno de la mente.
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Dalí (1904–1989):
imágenes oníricas
Las teorías de Freud se vuelven visuales en
la obra de este artista, cuya obra gira
alrededor de los sueños de alto contenido
erótico. Sus imágenes nos llevan a mundos
inexistentes y a realidades inconcretas
fomentando nuestra imaginación. Son
imágenes que nos hablan del otro yo, de la
parte del pensamiento que se escapa a
nuestro control, a eso que los psiquiatras
llaman subconsciente.
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Frida Kalho (1907–1954):
imágenes desde la
enfermedad
Sangre, arterias, columnas vertebrales y camas son
elementos constantes en la obra de esta artista, que
consigue dar imagen a la enfermedad física que la
acompañó a lo largo de su vida. El dolor y el miedo
ante las operaciones quirúrgicas se tornan imágenes
visuales del órgano enfermo: la columna vertebral.
Son obras de un pensamiento volcado en el dolor.
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Arte soviético:
imágenes para la
revolución
En 1918 y 1919 el arte enarboló la bandera
revolucionaria para llevar al pueblo la cultura. Los
mejores artistas trabajaron en la decoración de
vagones de trenes, en teatros ambulantes, en
carteles y en monumentos que ensalzaban el
comunismo y atacaban al capitalismo, con una
libertad creativa que duraría poco. Una vez
establecido el nuevo orden, el arte se convertiría en
enseña del partido y muchos artistas emigrarían a
Europa ante la acusación de crear un arte capitalista
igual al europeo. De 1920 a la década de los noventa
las imágenes se repiten hasta la saciedad, carentes
de significado para la mayoría de espectadores.
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Abstracción:
la imagen artística
con menos poder
ArteNet:
imágenes en
movimiento
Las imágenes creadas por el arte abstracto son tan
individualistas que sólo su propio autor es capaz de
entender su significado. Están concebidas como
ejercicios de investigación plástica personal.
Escapan a nuestra mente, siempre atenta dar formas
cognoscibles a sus pensamientos. Amalgamas de
colores, materias y formas basadas en la pulsión
interna de la naturaleza, incluida la del artista,
resultan meros juegos de conceptos compositivos
que sólo transmiten sensaciones pero no llevan a
pensamientos mentales complicados; el espectador
no se siente tan implicado en la obra como cuando
ésta es figurativa.
Internet cambia las imágenes
del arte pero no su significado. Son obras
que narran experiencias cotidianas que se
pueden visualizar en directo en cualquier
parte del mundo. El medio se convierte en
contenido y la información en arte. La
cuarta dimensión, el tiempo, es el nuevo
ingrediente de estas obras.
www.atomictr.com. www.backspace.org.
www.markamerica.com. www.arte-red.net