el impresiomismo

I.E.S. Valle del Ambroz. Historia del Arte. 2º Bachillerato
Manuel Torres Zapata
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EL IMPRESIOMISMO.
1-. Orígenes y características
Tan combatido en el momento de su
surgimiento como glorificado después, hay pocos
movimientos que hayan generado tanta literatura
de los integrantes del arte contemporáneo. El
ímpresionismo es ante todo un movimiento
pictórico, aunque tenga algunas manifestaciones
escultóricas o musicales. Su historia se vincula a
las exposiciones celebradas por un grupos de
pintores parisinos de 1874 y 1886. En la primera
de ellas se había constituido una "Sociedad
anónima cooperativa de artistas pintores, escultores, grabadores...", cuyos fundadores
fueron los impresionistas más destacados Monet, Renoir, Sisley, Pisarro, Degas Su
finalidad era propiciar la venta y afirmar públicamente la independencia de estos
pintores respecto al Salón oficial. La primera exposición la celebraron se celebró en los
salones que el fotógrafo Nadar cedió al grupo del 15 de abril al 15 de mayo de 1875
Económicamente fue un fracaso y la crítica fue muy desfavorable. Fue uno de estos
críticos, Louis Leroy, el que dio pie a la denominación de Impresionismo:
“ ¿Impresión?..., ya lo decía yo, puesto que estoy tan impresionado, es ahí debe
haber impresión… Y ¡qué libertad, qué maestría en la técnica! El papel de la pared está
mejor pintado que esa pintura.”
De este juego de palabras nacería el término impresionista. Una etiqueta de paso
de ser descalificadota a ser sinónimo de calidad. Al igual que otros movimientos fue tan
complejo en sus orígenes como enriquecedor en sus consecuencias
El Impresionismo se caracteriza por tener un gran influjo de la fotografía que en
esos años comienza a desarrollarse, muchos utilizan un encuadre fotográfico en sus
cuadros, aunque el aspecto que más les influyó fue el de las nuevas teorías científicas
que aparecen sobre la luz y el color. Esta valoración de la luz y el color es uno de los
aspectos más importantes de la estética impresionistas, suprimen el negro, un color que
para ellos no existe en la naturaleza. Emplean también la ley de contrastes y de los
colores primarios y secundarios. En cuanto a la luz, es tal su importancia es tal que en
muchos casos da la sensación de que lo único que quieren representar es la luz y sus
efectos. Los efectos cambiantes de la luz son el verdadero tema del cuadro, lo que
explica que algunos pintores repitan el mismo motivo a distintas horas del día. De
nuevo hay una coincidencia con los fotógrafos que ya habían descubierto que es la
cantidad y el tipo de la luz y no la línea o el color lo que nos ofrece una y otra
configuración visual del objeto.
Los impresionistas fueron influidos poderosamente por la moda de las estampas
japonesas que en esos años llegaban a Europa, se trataba de grabados con el estilo
completamente ajeno a la tradición occidental, conocieron a los principales grabadores
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japoneses como Utamaro, Hokusai, se trataba de composiciones descentradas, oblicuas,
con tintas planas y sin tratamiento de las sombras.
Todos los impresionistas se van a inclinar por la pintura al aire libre, siguiendo
el tipo de paisaje que habían desarrollado por realistas franceses como Boudin en la
escuela de Barbizon. Fue Boudin el que animó a Monet a pintar al aire libre al decirle:
“todo lo que se pinta directamente y en su mismo lugar tiene una fuerza, un
vigor y un toque de vivacidad que jamás puede lograrse en el taller; tres pinceladas del
natural valen más que dos días de trabajo frente al caballete”
Por otro lado se vieron favorecidos por el avance que supuso la fabricación de
colores con técnicas industriales, los tubos de colores al óleo con unas ganas de color
completamente novedosas gracias a la utilización de las anilinas y tintes sintéticos. Los
tubos de colores al óleo, fácilmente transportables, nos permitieron pintar al natural;
sin tubos no hubiese habido impresionismo, llego a decir Renoir
En cuanto a la técnica empleada por los impresionistas su pincelada es
fragmentada, vigorosa y corta, que aporta a veces abundante pasta pictórica y otras
diluye al óleo hasta conseguir calidades de acuarela. Este modo de trabajar es resultado
de la inmediatez que exige la pintura al aire libre que practican casi todos. Algunos de
ellos investigaron los efectos del agua y sus reflejos, que al estar en
continuo movimiento, exigía una pincelada que permitiera captar sus
formas huidizas. El resultado en el cuadro es un mosaico compuesto por
muchos brochazos coloreados y formas irregulares.
Además de esta pincelada rápida y fragmentada, en ocasiones
nos encontramos con amplias zonas de tintas planas, fruto de la
influencia que tiene en estos pintores la pintura japonesa, descubierta en
estos momentos.
De todo esto resulta que el cuadro no busca dar la sensación de
realidad, sino presentar una animación de masacolor que permita
apreciarlo por su propia entidad matérica. El cuadro comienza a
convertirse en un objeto artístico independiente.
Para los impresionistas no hay temas insignificantes, sino
cuadros bien o mal resueltas. Se pintan paisajes, marinas o vista
fluviales, con gran interés por los reflejos, vistas urbanas, escenas
nocturnas, interiores con luz artificial, fiestas o bailes populares,
personajes de la bohemia y marginados, pero el general podemos hablar
de una recuperación de "lo banal", como reacción a los contenidos
grandilocuentes de la pintura burguesa oficial, a la que atacan y por la que
son criticados.
Aparece una nueva relación con el público, el espectador ya no
puede adoptar una postura pasiva, tiene que participar de las premisas
mentales y técnicas del artista, El cuadro a mostrarse como algo
inacabado, un boceto o impresión hay que reconstruirlo mentalmente.
Esto provoca una separación del arte oficial y de lo que el público puede
entender, quedando en un principio reservada la compresión de la obra a
un puñado de amigos y aficionados
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2. MANET. (18221883)
Puede ser considerado el precursor del impresionismo y el puente que une el
realismo con este. Se debate siempre en la ambigüedad y la contradicción, porque
queriendo mantenerse en la tradición se convirtió en portavoz y líder de un movimiento
revolucionario como fue el Impresionismo En sus años de formación frecuentó a los
pintores de Barbizon, y se dedica a copiar en El Louvre a Tiziano y a Velázquez, recibe
por lo tanto una formación tradicional pero no académica su pintura esta llena de
referencia a la pintura europea, atrayéndole sobre todo la escuela española, que
conocerá en un viaje a España. Lo español se pone de moda en la Francia de esos años
por la boda de Napoleón III con la española
Eugenía de Montijo.
Participa en el "Salón de los
Rechazados" de 1863una exposición que
los artistas rechazados por el Salón oficial
organizan como forma de protesta, en el
que presenta el "Desayuno en la hierba",
que fue rechazada por ser considerado un
tema "pornográfico", inspirado en el
"Concierto campestre" de Giorgione,
modernizando los personajes, el escándalo
vino de la forma desenfada con que trata el
cuerpo desnudo de las mujeres mientras
que los hombre aparecen completamente
vestidos. Se caracteriza por el empleo de
una pincelada suelta en grandes manchas de
color uniforme, especialmente en las partes
del fondo del cuadro.
Un tratamiento muy semejante
aparece en "Olympia" que vuelve a causar un
gran escándalo cuando la presenta en 1865
Inspirada también las clásicas venus de
Tiziano y la Maja desnuda de Goya. Los
críticos no vieron más que una escandalosa
apología de la prostitución. La mujer aparece
completamente desnuda, su cuerpo nacarado
contrasta con el fondo de la habitación y con
la criada que entra llevando un ramo de flores. El color se reparte en grandes manchas
de color casi uniforme, separadas por marcadas líneas negras por influencia de los
grabados japoneses. Con motivo del centenario de Manet, Paul Valery comentaba así la
obra:
“Olimpia choca, despierta un horror sagrado, se impone, triunfa. Olimpia es escándalo, ídolo;
potencia y presencia pública de un miserable arcano de la sociedad. Su cabeza está vacia; un hilo de
terciopelo negro la separa de lo esencial de su ser. La pureza de un trazo perfecto esconde a la Impura
por excelencia, aquella cuya función exige la ignorancia sosegada y cándida de todo pudor. Vestal bestial
consagrada al desnudo absoluto, lleva a soñar todo lo que esconde y conserva de barbarie primitiva y de
la animalidad”
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Contrariado por el continuo rechazo se traslada a España a fin de conocer la
pintura española. Contempla la obra de Goya, y se siente cautivado por Velásquez, al
que considera pintor de pintores, Alguno de los cuadros de esta época son auténticos
homenajes a la obra de Velásquez, como “El pifano”, o la de Goya en “La ejecución de
Maximiliano”
“En una figura hay que buscar la gran luz y la gran sombra, el resto vendrá
naturalmente”
En estas obras Manet demuestra que un pintor
puede acercarse a los temas clásicos pero con un
tratamiento completamente innovador.. En sus últimas
obras nos encontramos un acercamiento a la obra de los pintores más jóvenes que ya
pertenecen plenamente al impresionismo ("La barca"), debido al empleo del pastel
como nueva técnica. Una de sus ultimas obras maestras es “El bar del Folies Bergés”,
uno de los cabarets frecuentados por los pintores, se trata de una composición
misteriosa, en la que juega con las ampliaciones del espacio, la vibración de la luz y la
animación festiva del local, que vemos reflejada en el espejo colocado detrás de la
chica
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Los otros pintores pintan el puente, la casa, la barca
y ya han acabado, yo quiero pintar la atmósfera en que
están situados el puente, la casa y la barca, y la belleza del
ambiente en que se encuentran, y esto no es otra cosa que
lo imposible
3. MONET (18401926)
Es la figura más representativa de todo el impresionismo, con una vida muy
larga, que le lleva convivir con movimiento como el cubismo, siendo admirado por
todos los pintores de vanguardia del siglo XIX,
aunque se mantuvo siempre en un estilo fijo. Se
dedica sobre todo a los temas de exterior, con
mucha influencia de la pintura de paisaje
holandesa y del inglés Turner. Renuncia las
mezclas de color y excluye los colores
industriales, emplea siempre colores primarios
apenas mezclados en la paleta, de forma que sea
el propio espectador el que los mezcle en su
retina. La realidad se disuelve, y nada tiene
forma estable, sólo hay formas creadas por una
luz llena de matices. Su producción es enorme
(unos 3.000 cuadros), en su afán por captar las
variaciones de la luz sobre los objetos hace
varias series de un mismo tema (catedral de Rouen, almiares..)
Algunos de sus cuadros más conocidos son "Impresión: sol naciente" , de 1872,
el cuadro que dio nombre al grupo y que representa un puerto al amanecer envuelto en
la niebla, de contornos difusos y en el que el dibujo ha sido sustituido completamente
por el color, con unas tonalidad que van desde el azul, el gris a los amarillos y naranjas,
siempre dentro de esa gama delicada del gusto impresionista. Refleja esos momentos de
transición, de luz imprecisa, momentos irrepetibles de los que el pintor quiere dejar para
el observador el testimonio de las sensaciones que le produce con una pincelada rápida
y en apariencia al azar, sólo a distancia percibimos en tema por completo. Aunque pinta
el puerte de Le Havre, no pretende ser la representación de un puerto concreto, sino la
impresión causada por su visión a la salida del sol, por lo que el titulo original que
pensó Monet era Impresión, pero se añadió Salida del Sol, con la supuesta intención de
facilitar la compresión del cuadro al espectador.
“Siempre he sentido horror por las teorías. Yo no
he tenido otro mérito que pintar directamente frente a la
naturaleza, procurando plasmar mis impresiones ante los
efectos más fugaces, y estoy aterrado de haber sido la
causa del nombre dado a un grupo que, en su mayor
parte, no tenían nada de impresionista”
Entre 1868 y 1869 Monet en compañía de Rendir,
encuentra uno de los temas fundamentales del
Impresionismo, se trata de las vistas del Sena, mostrando
especial interés por los efectos de las ondulaciones en el
agua, que reprodujeron a base de toques de color. Con el comienzo de la guerra franco
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prusiana se traslada a Londres, entusiasmándose con los paisajes londinenses, pintando
varias series sobre el Tamesis, o el puente de Westminter, en el que aparecen los
edificios recortados en la niebla, cuadros que recuerdan completamente a Turner y sus
marinas. Al regreso de Londres se instala en Argenteuil, localidad donde se reunían los
principales pintores del impresionismo, como Renoir, Manet, Sisley…, trabajan sobre
los mismos temas, las regatas en el Sena, los jardines y vistas de las afueras de París.
La investigación sobre los efectos de la luz, le lleva a querer pintar el mismo
tema bajo diferentes luces, como la serie de la estación de Saint Lazare, investigaciones
que tienen su culminación en la serie de Ruen. En " La estación de Sant Lazare"
aparecen las estaciones y el ferrocarril que fueron un tema que atrajo mucho a los
impresionistas, cuyo antecedente lo podemos encontrar en Turner, la maquina es el
símbolo de lo moderno, del progreso, de la ruptura con las tradiciones anteriores. En
este caso la composición esta determinada por el cubierta triangular de la estación, que
aparece como algo irreal por el vapor que la llena. Según E. Zola: “Monet ha expuesto
unos interiores de estación que son soberbios. Se oye el estruendo de los trenes que
entran violentamente, se ven inundaciones de humos bajo los amplios hangares. Allí
está la Pintura...”
“Estudio mucho, estoy empeñado en conseguir una serie de efectos diferentes,
pero en esta época el sol se pone tan deprisa que no lo puedo conseguir. En el trabajo
me he hecho de una lentitud que me exaspera, pero a medida que avanzo me doy cuenta
de que, para plasmar lo que busco, tengo que trabajar mucho; la instantaneidad, sobre
todo la apariencia, la misma luz que se manifiesta por doquier y, más que nunca, las
cosas fáciles que llegan a chorros, me dan asco”
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Para pintar la serie de la catedral de Ruen entre 1892 y 1895, Monet alquiló un
apartamento enfrente de la catedral desde donde pintarla en cualquier momento del día,
se trata de pintar la realidad de forma directa, estudiando sus mutaciones y sus cambios
bajo distintas luces en distintos momentos del día, a él no le interesa la arquitectura, eso
es sólo una excusa para pintar la luz y demostrar que todo se transforma bajo ella.
Al final de su vida se refugia en una villa del sur del Francia (Giverny) en donde
se dedica ha pintar su jardín y los nenúfares de su estanque, con la pincelada más suelta
e impresionista que nunca. La serie de ninfeas, de nenúfares y de sauces llorones
culmina sus obsesión, convirtiendo a su jardín en el laboratorio de sus obsesiones.
Realiza entre 1903 y 1920 cuarenta y ocho lienzos, elimina los elementos secundarios
del jardín, como el pequeño puente japonés, y se centra en la superficie del agua; sus
últimas ninfeas se aproximan ya al campo de la abstracción.
4. RENOIR. (18141919)
Se adhiere al impresionismo aunque su estilo
no es completamente impresionista, incluso al final de
su obra se inclina por una pintura mucho más realista.
Le interesan sobre todo los efectos de la luz
incidiendo sobre los cuerpos desnudos. El tratamiento
que hace de la luz suele ser bastante matizado, filtrada
a través de las hojas de los árboles, lo que crea
interesantes efectos de luz y sombra, Su colores son
brillantes y frescos, incluso con toques de brillos
esmaltados. Es posiblemente el más vital y optimista de todos los pintores
impresionistas, sus temas son festivos y desenfadados En los desnudos femeninos se
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percibe cierta influencia de Rubens ("Grandes bañistas") Uno de sus cuadros más
importantes es "Baile en el Moulin de la Galette” , representa un baile popular, fue
considerada por los críticos como una obra caótica y desordenada, pero en realidad los
personajes aparecen repartidos en pequeños grupos desde el primer plano hacia el
fondo; supo representar genialmente los efectos de la luz filtrada por las ramas de los
árboles y que se reflejan en los distintos objetos y el suelo, creando juegos de luces y de
colores. Ese juego se ve potenciado por los colores vivos y alegres que emplea y de un
cuidado equilibrio entre las formas y los colores; en el grupo central el vestido azul y
amarillo de la joven del primer plano contrasta con los tonos oscuros de la ropa de los
personajes que la rodean. Distribuye sabiamente esos tonos mas brillantes de forma
equilibrada por el cuadro para dar una sensación de organizado bullicio.
En sus cuadros de bañistas son uno de los frecuentes en la producción de Renoir,
en ellos reflejo el concepto que tenia de la anatomía y del cuerpo femenino, se trata de
cuerpo con grandes curvas, de carnes voluptuosas, en donde emplea ese juego de zonas
iluminadas filtradas por los árboles, y donde además las formas del cuerpo se van
reduciendo progresivamente a formas cada vez más geométricas, lo que será
fundamental en la obra de Cezanne.
5. DEGAS (18341917)
Fue ante todo un gran dibujante,
experimentando con nuevas técnicas pictóricas o
dibujísticas, empleando mucho la técnica del pastel
sobre cartón y papel. Fue también un considerable
escultor y aficionado a la fotografía. Sus temas giran
en torno a escenas de baile, ensayos, intentando
plasmar en movimiento fugaz y delicado de las
figuras. El empleo del pastel hace que sus tonos sean
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siempre muy suaves (rosas, azules ... ) Aparte de estas escenas de baile pinta otros en
los que muestra de forma más inmediata la vida bohemia y decadente de París como en
"El vaso de absenta" u otros cuadros de interiores de cafés y salas de baile. En La
escuela de Baile, Degas demuestra que una de sus
principales preocupaciones fue la plasmación del
movimiento, los temas de baile son una de sus
constantes, en este caso emplea un enfoque
diferente para el encuadre, buscando una
perspectiva lateral del escenario, lo que le permite
incluir los palcos y las bambalina, capta los
momentos previos a la representación, cuando las
bailarinas están en distintas actitudes desde el
descanso al ensayo; se trata de una composición
bastante fotográfica, con una aglomeración de
figuras en el primer plano, quedando vacio el fondo del escenario.
Fruto también de esa investigación sobre el movimiento son sus cuadros sobre carreras
de caballos, como este En las carreras, dispone los carruajes y los caballos en diferentes
planos, al fondo, apenas visibles la carrera de caballos, mientras que el primer plano
está protagonizada por la gran masa oscura de un carruaje, que contrasta con el verde y
el azul del resto del cuadro. Degas busca el contraste
entre movimiento y quietud, en un cuadro de gran
luminosidad y pintado como tantos cuadros impresionista
a “plein air.
Una de las obras maestras de Degas es “La
bebedora de absenta”, el licor fatal, la bebida maldita de
los pintores y de los bohemios, refleja una escena en el El
Café de la Nouvelle-Athénes que era el nuevo centro de
reunión de Manet y los realistas tras abandonar el Café
Guerbois. Éste es el lugar en el que se desarrolla una de
las obras más conocidas de Degas, posando para la
ocasión la actriz y modelo Ellen André y el grabador
Marcel Desboutin. Ambos se sitúan tras una típica mesa
de café y delante de los espejos que adornaban las
paredes del local. Encima de las mesas encontramos una
bandeja con la botella de absenta, la copa de licor . La
mujer aparenta ser una prostituta de las muchas que había
en aquellos momentos en París, llegadas del campo ante la promesa de trabajo y la
esperanza de una vida mejor.. El gesto de desprecio y ausencia de la dama es una de las
notas características de la pintura. Junto a ella contemplamos al hombre, indiferente
ante la mujer que le acompaña, resultando difícil saber cuál es la relación existente entre
ambos. Quizá sea una alusión a la desesperanza de esa nueva sociedad industrial que se
está creando, totalmente individualista y despreocupada de los problemas de los demás.
Lo que aparentemente parece una obra realizada de manera rápida y casi sin pensar
resulta una escena sumamente estructurada. Las líneas verticales y diagonales organizan
la composición, preocupándose por la profundidad al reflejar a las dos figuras en el
espejo y situar las mesas en sucesivos planos. Los colores también han sido
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profundamente estudiados, con el ya tradicional contraste entre los tonos oscuros del
traje de Marcel y los colores claros de la blusa y el sombrero de Ellen. De esta manera
acentúa el contraste de ambas personalidades. La luz tiene un papel importante en esta
imagen: resbala por los modelos y crea tibias sombras, distribuidas de manera acertada.
Los reflejos de luz en el mármol y en los cristales se consiguen gracias a un ligero toque
de color blanco. Precisamente la pincelada es bastante suelta, apreciándose los rápidos
toques del pincel, sin olvidar la existencia de una destacable base de dibujo. La
influencia de la estampa japonesa se aprecia en esta escena por la doble perspectiva
utilizada; así, se ofrece una visión desde arriba para las mesas y frontal para las figuras.
A partir de 1880 abandona progresivamente la pintura
la óleo, por el pastel, más dúctil y fácil de retocar, además
enriquece la técnica combinándola con agua, el temple o el
barniz, alternando la aplicación en seco o vaporizado; emplea
esta técnica para la serie de mujeres en el aseo, presentada en
1886
6 OTROS IMPRESIONISTAS.
Finalmente hay que mencionar a otros pintores
que también forman parte de la lista de pintores
impresionistas, como Sisley o Pisarro, La obra del
primero esta muy relacionado con los temas acuáticos
de Manet, aunque su pintura es menos brillante, con
cielos más nublados. Pisarro pinta sobre todo paisajes
campestres en diferentes épocas del año y a partir de
los años 80 se interesa por los experimentos del
neoimpresíonismo.