Presencia del Art Nouveau en México 1. Nacimiento y características del art nouveau en Europa y los primeros pasos en América. Algunos autores manejan la idea de estilo, otros prefieren llamarlo movimiento, tal vez con la intención de no encasillar a lo que sucedía en el arte en unas fechas determinadas pertenecientes a una tabla cronológica. Pero del modo que sea, lo que hacen estos autores es escribir sobre lo que más comúnmente se ha llamado Art Nouveau o bien, un arte nuevo. Menciono “comúnmente” ya que el nominativo que se le dio a este estilo o movimiento cambio de país en país de acuerdo con el desarrollo de las manifestaciones artísticas en ese momento. Por ello los nominativos surgidos se aplicaron desde ese momento y se llegaron a comentar como fue el caso de Alphonse Mucha quien dijo que “El arte nuevo, el modernismo es un absurdo. El arte no puede ser nuevo puesto que es eterno”1. En Francia al movimiento se le llamó Art Nouveau a partir de una galería con este nombre abierta en 1895 por Samuel Bing, en Italia Stile Liberty por la tienda londinense de tejidos con el mismo nombre, en Alemania Jugendstil a partir de la revista Jugend, en España simplemente Modernismo ya que estaban entrando en la época de los cambios a lo moderno y en Austria se le conoció como el grupo de la Secesión ya que sus obras distaban mucho de lo que se producía en los demás países europeos. Lo que se pretende en este capitulo es dar al lector las ideas y las bases de cómo el mencionado estilo o movimiento fue surgiendo y desarrollándose, cuales fueron sus bases teóricas para fundamentarse y más adelante mostrar los distintos cambios y caminos que fue tomando en cada país y en relación a los artistas. También se busca lograr que el lector llegue a ver la paradoja producida, por un lado, por el hecho de estar hablando de un “arte nuevo” cuando en muchos de los ejemplos los artistas se vuelven al pasado a tomar elementos que emplearan en 1 De Mattos, María Dulce. “El Tránsito de un Siglo. El Art Nouveau”. Revista Casa del Tiempo. UAM, México, Marzo, 2002. Publicación en Internet: http://www.difusioncultural.uam.mx/revista/mar2002/mattos.html 6 Presencia del Art Nouveau en México realizar sus propias creaciones. Por otro lado mostrar la incongruencia de cómo un movimiento surgido a partir de ideas como la de llevar el arte a las calles para un mayor alcance de público, se convierte en elitista y privilegio de una clase social que tan sólo busca satisfacer sus necesidades de lujo. 1.1 Ideas que impulsaron el desarrollo del art nouveau. El art nouveau tuvo como base teórica los planteamientos iniciados con el movimiento de Artes y Oficios surgido en Inglaterra en pleno siglo XIX. Estos iban encaminados a encontrar la belleza en la vida cotidiana, así fuera el trabajo, la casa, la oficina, las calles, buscando cumplir un propósito social. Ahí donde la gente estaba, el arte debía estar presente. Llevar el arte a la vida cotidiana. En el momento en que se inició el movimiento existía un desconcierto sobre el rumbo que el arte estaba tomando generado por las consecuencias que tuvo la Revolución Industrial sobre la producción de objetos, así como del cambio social y económico entre la población y las vísperas hacía un nuevo siglo. Una de las primeras figuras, o quizás la figura más fundamental, en preocuparse por esta situación fue William Morris, quien guiado por las inquietudes de John Ruskin, orientó el movimiento que logró penetrar dentro de un sector de la población. En un inicio los cambios producidos por la Revolución Industrial, como lo son el surgimiento de las grandes ciudades y el desarrollo tecnológico fueron bien vistos y aceptados, pero poco a poco comenzó a salir a la luz la parte poco favorable para un sector de la sociedad ya que al quererse implantar un sistema capitalista la brecha entre ricos y pobres era cada vez más amplia. En lo que al arte se refiere la industria llegó a desplazar, más que al artista en sí, el trabajo del artesano al realizar los objetos en serie. Por ello Ruskin, echando una mirada a la época medieval, se lanzó a la búsqueda de aquellos telares usados para la creación de piezas únicas, 7 Presencia del Art Nouveau en México dedicó parte de su tiempo a buscar las herramientas y enseres usados en tiempos anteriores. Sus escritos buscaban implantar en el hombre una conciencia que despertara y reaccionara, que buscara nuevamente la pasión en su trabajo. Para Ruskin, “el arte es la expresión de la alegría que el artista encuentra en su trabajo”2. Desde su perspectiva, el arte había dejado de ser un trabajo que viniera de la esencia del hombre, esto había sido sustituido por una producción de piezas en serie, producidas de forma mecánica generando modelos eclécticos de poca creatividad y sin una preocupación estética. Bajo esta misma perspectiva y sobre los mismos ideales, William Morris confeccionó su discurso sobre el cual trabajaría para la creación de su arte. Como Ruskin, mantenía la idea de que el arte no se desasociaba del trabajo. Definió al arte como “la expresión que encarna el interés por la vida del hombre; surge del placer que el hombre halla en su existencia; y debemos llamarlo placer, tomando en consideración toda la vida humana...”3. Es por lo tanto el trabajo parte de la vida humana y por ello se debería considerar como la fuente principal del arte. La situación en que radicaba el problema principal para Morris era la explotación hacia los trabajadores. Una situación que se llegaba a convertir como una esclavitud. El ambiente de trabajo, según lo definió, no podía proporcionarle al hombre placer de ningún tipo. A su derredor todo se veía sombrío y carente de belleza. Esto se llevaba también a las calles y las viviendas, lo cual no alentaba a una mente creadora para la realización del arte. “Hombres que viven rodeados de tanta fealdad no pueden imaginar la belleza, y por lo tanto, no pueden expresarla”3. Por lo tanto, Morris consideraba que el primer gran paso que se debía dar para una verdadera creación de un arte nuevo, era el mejoramiento de las condiciones laborales. Esto traería consigo la creación de una sociedad auténtica dando paso al socialismo, que Morris vio como la única esperanza para el arte. 2 3 Van de Velde, Henry. Hacia un nuevo estilo. Ed. Nueva Visión, Argentina, 1959. Pág. 56 Morris, William. Arte y sociedad industrial. Ed. Arte y Literatura, Cuba, 1985. Pág. 158 8 Presencia del Art Nouveau en México Morris buscaba un arte en el que toda la sociedad pudiera participar y no se quedara entre un pequeño sector de la sociedad, o entre un grupo cegado que al no ver en su entorno una inspiración creadora se vuelve al pasado y retoma los mismos temas sin encontrar un verdadero valor a lo que hacen sino simplemente remitiéndose a lo que en algún momento y para algunos tuvo valor. Y no es que condenara el hecho de mirar hacia el pasado, pero consideraba que la creación se debía ir más hacia la parte en que el arte era resultado de las aspiraciones del pueblo, hacia la belleza del gozo auténtico de la vida. Mediante su lucha buscaba que se hiciera una reconsideración de los propósitos del arte, que se revalorizaran los materiales así como la individualidad de la persona creadora. Morris creó una firma de diseño junto con otros colegas como Marshall y Faulker. Sus creaciones buscaban estar en cada parte de un todo. Buscaba realizar todo lo necesario para crear la totalidad artísticoestética en alguna habitación, despacho o salón. Los productos comprendían vitrales, tapices, telas estampadas, alfombras, cerámicas, muebles e incluso la imprenta con el diseño y la producción de libros. En sus tapices ya se comenzaba a ver el estudio por la naturaleza al incluir varias formas vegetales como parte de los ornamentos en una especie de arabesco. La ornamentación formaba una sola cosa con un objeto. Así sucedió con la “Casa Roja” diseñada por Phillip Webb para Morris. Incluso la fachada se encontraba en comunicación con el interior y respondía a las necesidades de éste. Morris junto con su firma no quiso quedarse atrás y ya envuelto en un sistema mecánico-tecnológico se informó de las artes mecánicas y de las nuevas herramientas para hacer una adaptación a sus propios modelos y así hacer armonizar la tecnología con su idea de un arte inimitable, un arte único. El autor Phillip Meggs englobo el trabajo de Morris en la paradoja que era que “buscaba un refugio en la artesanía del pasado desarrollando actitudes de diseño que proyectaban el futuro”4. 4 Meggs, Phillip. Historia del diseño gráfico. Ed. Trillas, México, 1998. Pág. 234 9 Presencia del Art Nouveau en México En este momento en que la industrialización aportó nuevos materiales, los artistas le dan una revalorarización a éstos y les dan un empleo en las construcciones y en los objetos para así lograr conjugar la técnica con los avances que se daban en la industria. Esto fue así ya desde de la exposición de Londres en 1851 con el edificio llamado Crystal Palace que se realizó a partir del uso de hierro y cristal. Se le dio una mayor importancia a estos materiales y se les encontró no sólo una utilidad sino también la posibilidad de crear objetos bellos y únicos a partir de ellos. El movimiento de Artes y Oficios dio pasó a la creación de comunidades artísticas. Quizás la más sobresaliente fue aquella formada por Mackmurdo, Image y Horne llamada La Comunidad del Siglo. Ellos ya comenzaban a tomar ideas del diseño japonés para sus creaciones así como también echaron una mirada al Renacimiento. Buscaban recuperar las normas de diseño anteriores a la Revolución Industrial. En uno de los objetos de Mackmurdo, una silla realizada en 1881, se unen las características del diseño visual con la importancia de la estructura de estas piezas. La combinación de construcción y ornamentación es una de las características que después formará parte del art nouveau. Otra figura del movimiento fue Walter Crane, presidente de la Sociedad de Exhibición de Artes y Oficios fundada en 1888. Realizó diseño de libros en que buscaba que todos sus componentes estuvieran de acuerdo para dar como resultado una unidad estética. Las siguientes generaciones continuaron con la idea de unificar arte e industria. Tal es el caso de Charles R. Ashbee quien al formar el Gremio de las Artesanías buscaba unificar la enseñanza de la teoría y el diseño con la experiencia del taller. Se volvían a la industria para tomar los avances en tecnología para poder realizar algo que fuera utilitario y hermoso. Querían adecuar el diseño de las piezas para que también resultaran en algo práctico. Esta búsqueda también se vio en los libros en que se volvía importante no sólo la tipografía, sino el papel utilizado, las ilustraciones y la encuadernación. Tal es el caso de la Kelmscott Press de William Morris. 10 Presencia del Art Nouveau en México Así como el movimiento de Artes y Oficios fue fuente inspiradora para la creación del arte nuevo, también lo fue la corriente prerrafaelista, de la cual Morris formó parte y el llamado japonisismo. Entre los principios establecidos en la Hermandad Prerrafaelista se encuentra la idea de buscar la inspiración creadora no en las convicciones impuestas por la academia ni en los ideales sociales, sino salir, mirar hacia la naturaleza y hacerla su fuente principal para la creación. También llegaron a encontrar la inspiración en lo romántico, en el amor y la mujer como lo hizo Dante Gabriel Rossetti (ilustr. 1) quien acompañaba sus ilustraciones con poemas y Edward Burne-Jones (ilustr. 2) quien se refugió en la literatura y los temas mitológicos para ofrecer imágenes que se alejaran de los problemas que la industrialización traía consigo. Por otro lado, es ya bien sabido de la fascinación del hombre occidental por lo desconocido, por lo que para ellos resulta ser “exótico”. Tal sucedió también con la aparición de las Exposiciones Universales. Un evento al que acudían varios países para mostrar parte de lo que era su cultura. Así es como fueron llegando a occidente objetos de oriente, siendo Japón parte de el. Otra vía de llegada del arte japonés fue mediante la exposición en Francia llevada a cabo por Samuel Bing en la Escuela de Bellas Artes. Destacan, además de sus trabajos de tejido, las ilustraciones conocidas como Ukiyo- e. Estas piezas tenían por objetivo retratar la forma de vida de las ciudades japonesas en que se incluía la moda y las diversiones de la clase alta. Entre los artistas que pertenecieron a esta corriente se encuentran Toshusai Sharaku, Kitaga Utamaro (ilustr. 3) y Katushika Hokusai quien realizó una serie de estampas con vistas del monte Fuji que después sirvieron como fondo para obras de Cézanne. El gusto por los objetos de Japón no se quedó tan sólo en la admiración sino que estos sirvieron como base para la creación de algunos dibujos o carteles de los occidentales. Esto lo podemos ver en el uso de un marco bidimensional, una perspectiva plana y el uso de colores y siluetas tal como los orientales lo realizaban. Tal es el caso en los trabajos realizados por Aubrey Beardsley en sus ilustraciones para textos. Así también paso a occidente la búsqueda de inspiración en elementos de la naturaleza. En las 11 Presencia del Art Nouveau en México piezas traídas de Japón era latente la importancia que los artistas le daban a resaltar lo que les rodeaba, la naturaleza. Así también, el art nouveau saca de la naturaleza los componentes de sus obras, principalmente en lo que se refiere a las llamadas bellas artes y en las artes aplicadas. En las obras de Toulouse-Lautrec se manejan las imágenes con cortes y una descentralización propia de las ilustraciones japonesas, así como el tema central de sus obras que era la vida nocturna de París como muchas ilustraciones del Japón con escenas del teatro. Los cambios que se dieron a partir del arte japonés no se quedaron simplemente en las artes gráficas sino que llegaron hasta el diseño de la decoración de interiores. Uno de los ejemplos claros de cómo las creaciones japonesas se introdujeron en occidente es a través de Arthur Lasenby Liberty quien creó una tienda de tejidos llamada Liberty. En un inicio los tejidos que se vendían eran traídos de Japón los cuales en su diseño mostraban formas curvilíneas y la representación de formas naturales. Estos tejidos se convirtieron en un símbolo de distinción para la elite europea, así como muchas de las piezas del art nouveau, que lejos de llegar a gran parte de la población, como en un principio lo pensaron Morris y Ruskin, pertenecieron tan sólo a las más altas clases sociales. 1.2 Desarrollo del art nouveau en sus distintos géneros. Como se mencionó en un principio el apelativo que se le dio al estilo fue variando de país en país, así como también fueron siendo notorias las discrepancias en el desenvolvimiento que tuvo en cada lugar y a partir de los diferentes artistas. Sin embargo, tuvo un propósito en común. Fue creado con la intención de romper con la actitud artística que predominaba en aquél momento, romper con la tendencia historicista que estaba conduciendo a un eclectisismo en las artes así como derribar el orden establecido en las bellas artes y las artes aplicadas. A.D.F. Hamlin definió el elemento en común como “una protesta compartida contra lo 12 Presencia del Art Nouveau en México tradicional y establecido”5. Por otro lado también tuvieron en común la búsqueda de integrar arte y utilidad. Aunque ahora se le llega a reconocer más por su calidad estética que por la funcionalidad de sus piezas, resulta indiscutible esa calidad de utilidad, por ello es que se dio un gran desarrollo dentro de las artes aplicadas al crear objetos como utensilios y muebles. Uno de los caminos para buscar en un producto útil la belleza nos lleva a lo ornamental. El art nouveau, mediante el diseño, se enfocó principalmente a lo ornamental y lo decorativo con conceptos ligados a las preocupaciones de la sociedad a raíz del cambio de siglo. Tales fueron la naturaleza, el movimiento, la evolución y la modernidad. La ornamentación se volvió algo determinante, no sólo por ser lo principal en un objeto, sino por que los motivos empleados tuvieron alta significación. Funcionó como un soporte plástico para transmitir un símbolo, una idea. Este retorno a la naturaleza también se da mediante el regreso a la representación del cuerpo. Rara vez se llega a ver la representación de un hombre en los objetos. Uno de los motivos principales, sobre todo en la gráfica, fue la figura femenina. Así lo podemos ver en las obras de Mucha, con mujeres exóticas y sensuales de peinados estilizados como Sarah Berndhart, en las ilustraciones de Beardsley y Chéret, quien creó la figura femenina de Chérette. Ya desde los artistas prerrafaelitas, como Rossetti el cuerpo femenino se tomaba como símbolo de la belleza. Algunos autores consideran que la mujer se hace presente por la sensualidad y fuerza erótica que hay en ella, buscando por medio de ella perturbar a la moral. Se muestra para provocar en el espectador una veneración a la belleza. Siempre se presenta a una mujer joven, delgada, con una fuerte presencia y mirada firme. Klaus-Jurgen Sembach dice que se trataba de “mujeres melancólicas, con pesados párpados entornados y con un gesto sensual en los labios”6. El autor Enrique X. de Anda conceda a la mujer un alto 5 Duncan, Alastair. El Art Nouveau. Ed. Destino, España, 1995. Pág. 7 De Anda Alanis, Enrique. Catalogo de Exposición: Art Nouveau en México. Museo Franz Mayer, México, 2004. Sin paginar. 6 13 Presencia del Art Nouveau en México significado siendo “belleza que conmueve a los sentidos, criatura de la noche que embriaga hasta conducir al delirio...”7 Mediante la línea buscaban que se reflejara lo flexible, lo inestable, lo cambiante, reflejar el movimiento. La línea se convierte en movimiento, como si fueran fuertes latigazos. La línea se plasmaba distinta a cómo se pudiera ver en un cuadro, ya que aquí estaba envolviendo un objeto, como algún florero envuelto por curvas de metal, o enmarcando un texto o una ilustración como se ve en los libros. Es también por medio de la línea que se plasman las formas orgánicas como las raíces de las plantas, las ramas y los troncos de los árboles, las olas de mar, animales acuáticos exóticos, una vid, un lirio o una rosa. Así también aparecen otros elementos de la naturaleza: aves como el pavo real, peces, insectos como la libélula y las mariposas. Como menciona Fahr-Becker “La naturaleza proporcionó sin la menor duda el esbozo del linealismo trémulo, elástico y flexible”8. También la naturaleza está presente para reflejar lo efímero del tiempo, lo efímero de un siglo que estaba por acabarse. Además de presentarse por ser el escenario de la vida, como esa melancolía de lo que de algún modo se había ido perdiendo a raíz de la urbanización y su idea de cómo debía ser el mundo. Esta tendencia mencionada se pudo ver en países como Francia, Bélgica y Alemania en que la curva y los motives florales eran muy evidentes y repetidos. Sin embargo en Escocia y Austria los artistas decidieron crear algo diferente. En Escocia la escuela de Glasgow, encabezada por Charles Rennie Mackintosh, creó un diseño con una composición más geométrica combinando líneas curvas con estructuras rectas. En Viena las diferencias fueron más marcadas, por ello al grupo se le conoció también como el separatismo vienés. Se inclinaron por figuras planas y composiciones más simples. Los elementos geométricos, como el cuadrado, rectángulo, fueron sus principales motivos en sus diseños. 7 De Anda Alanis, Enrique. “Art nouveau: entre lo bello y lo útil”. Revista Saber Ver. Ed. Jus, Num. 28. México, Febrero-Marzo 2004. Pág. 12 8 Fahr-Becker, Gabriela. El Modernismo. Ed. Könemann, Francia, 1996. Pág. 13. 14 Presencia del Art Nouveau en México El art nouveau también tuvo su impacto y desarrollo en América. Un primer paso para la llegada a este territorio fueron las publicaciones. Harper´s Bazar, exportada a Nueva York, fue la revista conductora de una nueva estética. Sus portadas vinieron a cambiar la industria publicitaria al presentar un nuevo modelo para el cartel visual. Quien más trabajo sobre este mismo tipo de diseños fue William Bradley quien con su trabajo marcó el inicio del art nouveau en Norteamérica. Pero también fueron las exposiciones universales un medio para la expansión del estilo en el continente y los viajes que los americanos realizaban a Europa. Una notable característica del art nouveau es el hecho de que se trató de individualidades. Con el propósito de desligarse de la producción en serie en que no había autor, las piezas eran firmadas y marcadas para darles una condición de unicidad. Estos artistas tuvieron como medio de expresión los salones de exposiciones, como los de París, gracias a los cuales podían llegar a cierto público. Pero el art nouveau se pudo ver también en las calles, no sólo por las fachadas de casas y edificios sino por medio de los carteles que comúnmente se podían encontrar. Además los productores de telas, de cerámica y de joyas promovían las piezas. Como vemos el art nouveau se desarrolló en distintos campos del arte y de la vida: la arquitectura, artes gráficas, joyería, muebles y vidrio. Los artistas trataron de que el arte fuera parte de la vida cotidiana y por ello había la necesidad de que varias ramas interactuaran para lograr cumplir con las distintas funciones del día a día. En palabras de Francis Jourdan: “Estamos en una época en la que el arquitecto va cogido de la mano con el artista, escultor, grabador, músico, literato y decorador. Todos tienen una misma visión, un propósito estético común y un único ideal”9. Artes gráficas. Mucha de la influencia que tuvo el art nouveau como son el japonisismo o el trabajo de los prerrafaelitas se ve reflejado en superficies planas como carteles, ilustraciones para textos y pinturas antes de que 9 Op. Cit. Duncan, Alastair. Pág. 55 15 Presencia del Art Nouveau en México estas tendencias, como la línea ondulada y el uso de elementos de la naturaleza, se aplicara a otras artes. En pintura difícilmente se encuentra un grupo que cumpla al completo con las características del nuevo estilo, tan sólo hay elementos en que coinciden. Los nabíes comenzaron a realizar sus obras sobre otros soportes que no fuera un lienzo como los biombos y cristales de ventanas para así dar lugar a lo que el art nouveau perseguía que era formar un entorno artístico completo. Los artistas de la comunidad de Pont Aven tomaron esta misma idea y trabajaron sobre otros soportes como Gauguin quién pintó interiores de casas. De quien sí se dice que logró aplicar a la pintura las características “propias” del art nouveau, de curvas ondulantes, amplia ornamentación, belleza efímera e imaginería femenina simbólica es el austriaco Gustav Klimt. Su trabajo más conocido es en el que realiza retratos de jóvenes colocándolos sobre fondos con una gran textura. Su trabajo también nos da la idea de estar retomando elementos de estilos anteriores, sus fondos parecen de algún modo estar inspirados en los mosaicos bizantinos. Su trabajo no sólo estuvo sobre lienzos sino que también lo podemos ver en superficies como una pared, como los murales que destacan en la construcción de Josef Hoffmann en el comedor del Palacio Stoclet en Bruselas (ilustr. 4). Sin embargo, el art nouveau no sobresalió tanto en la pintura como sí lo hizo en otros géneros artísticos como en el ámbito de las artes gráficas destacando el cartel, el cual exigía de imágenes claras y de un mensaje comprensivo y conciso. El artista que más logró destacar como cartelista del art nouveau fue el checo Alphonse Mucha. De algún modo los carteles de Mucha se han usado como el prototipo de lo que fue el movimiento, como dice Meggs “hablar sobre el estilo Mucha implicaba referirse de manera muy directa al arte nuevo”10. Sus principales trabajos los hizo para anunciar las presentaciones de la artista Sarah Bernhardt, (ilustr. 5) trabajo que trascendió del diseño de carteles a también el diseño de escenario, vestuario y joyería. En su trabajo, la figura central era una 10 Op. Cit. Meggs, Phillip. Pág. 263 16 Presencia del Art Nouveau en México mujer rodeada de formas estilizadas de plantas y flores. La mujer de Mucha, con amplios y estilizados peinados, proyectaba exotismo y sensualidad a pesar de una mirada pura. La influencia más importante que tuvo la producción de carteles vino de las ilustraciones japonesas que dieron lugar a imágenes silueteadas, armonía de color y la integración de la composición con la escritura. Los carteles se convirtieron en escenario para las calles ya que anunciaban productos de uso cotidiano como papeles para armar cigarrillos o bebidas. De este modo, el art nouveau se abría a más público ya que personas de todas las clases sociales podían acceder a ellos. En tal trabajo fue precursor Jules Chéret a través de la litografía. Su composición típica consistía de figuras rodeadas de remolinos de distintos colores o con otros personajes secundarios. La representación de la figura femenina tomó gran importancia ya que las mujeres de la época comenzaban a copiar a las mujeres que él representaba: en particular, copiaban a la figura de la Chérette (ilustr. 6). Se trataba de mujeres felices que reflejaban un goce de la vida, que bailaban, bebían y fumaban. Otra figura francesa fue Henri de Toulouse-Lautrec quien principalmente realizó trabajos para anunciar los espectáculos que se presentaban en Montmartre y en el Moulin Rouge, y así captar la vida nocturna de lo que se ha conocido como La Belle Epoque francesa (ilustr. 7). Su estilo consistía en superficies planas con las siluetas negras de algunos personajes que venían a ser los espectadores y el predomino del color amarillo de las lámparas que dibujaba. También en Francia pero no sólo haciendo carteles, Eugène Grasset realizó ilustraciones para libros de textos en los cuales se remontó a los modelos medievales y siguió mucho con los diseños japoneses, así como lo hizo el inglés Walter Crane quien fue su influencia. Su idea era la de integrar el texto con la ilustración para llegar a una unidad. Sus imágenes tenían un grueso contorno y representaban a mujeres altas y esbeltas usando ropa amplia (ilustr.8). También establecido en Francia, el suizo Théophile-Alezandre Steilen mostró un estilo que no estuvo del todo acorde con las pautas que marcaba el art nouveau pero fue aceptado por sus contemporáneos. Su 17 Presencia del Art Nouveau en México afición por los gatos fue lo que distinguió su trabajo. Esto lo llevo a realizar varias ilustraciones de gatos para el cabaret Chat Noir en donde se solían reunir varios artistas. Tuvo inclinaciones por el socialismo por lo que en varias de sus ilustraciones muestra la pobreza y la clase trabajadora. Su producción no sólo comprende carteles sino también ilustraciones para revistas y libros. Por parte de los artistas belgas, la producción de carteles estuvo principalmente en manos de Privat Livemont, quien estuvo algún tiempo viviendo en Francia. Como en los carteles franceses, la figura principal y central de la composición es la mujer que se representaba desnuda o semidesnuda retomando o buscando seguir el estilo de Mucha. Se colocaba sobre un fondo que podía ser la estilización u abstracción de plantas o bien que buscaba formar un fondo de líneas que se entrelazan y que podían venir del mismo cabello de la mujer o tomadas de otros elementos de la composición como el vapor que desprende una taza de café. Mediante la presentación de muchachas jóvenes y atractivas anunciaban nuevos productos que se introducían al mercado. En Alemania, la producción de obra gráfica se dio sobre todo en la ciudad de Munich. Uno de los artistas más destacados fue Peter Behrnes quien no siguió con la manera de los franceses, él eligió emplear formas más simples y con una sola gama de color. Con su cartel El beso (ilustr.9) muestra lo que era su estilo de ornamentación, se trata de unos perfiles que se encuentran rodeados de un arabesco de cabellos que se integran a las imágenes. En Inglaterra, los orígenes de la gráfica art nouveau incluyeron arte gótico y pintura victoriana. También el japonisismo estuvo presente mediante los trabajos de Walter Crane en los que realizó sus interpretaciones orientales de la naturaleza para el diseño de dibujos en superficies. Otro distinguido artista fue Aubrey Beardsley con un estilo muy característico sobretodo en la representación de la mujer con una mirada enigmática y con una sensualidad erótica (ilustr. 10). El artista inglés tenía habilidad para las líneas de los contornos, realizar texturas y hacer un contraste entre figuras en blanco y negro. Alrededor de la figura central 18 Presencia del Art Nouveau en México realizaba una combinación de formas orgánicas y figuras geométricas que reflejan la influencia de los impresos japoneses. En la realización de libros destacó Charles Ricketts quien trabajo con la idea de un libro como una entidad total para ser diseñado por dentro y por fuera. Ver Sacrum fue la publicación vienesa que logró una integración de texto, ilustración y ornamentos. Fuente de inspiración fue el trabajo realizado por las artistas escocesas de la Escuela de Glasgow, las hermanas MacDonald quienes desarrollaron una composición más geometrizada combinando elementos florales con líneas curvas y rectas. En Viena los artistas decidieron dejar de lado la parte simbolista, mística y orgánica de Glasgow, inclinándose por algo más limpio y con simplicidad en formas planas. Su lenguaje ornamental tan sólo incluía cuadrados, rectángulos y círculos repetidos. Finalmente cabe señalar que una de las vías de llegada del art nouveau a Norteamérica fue precisamente mediante las artes gráficas que se encontraban en publicaciones como revistas, siendo Harper´s el conducto principal. Este medio de comunicación estuvo dirigido a las clases altas de la sociedad y para que éstas se vieran identificadas el artista Edward Penfield se dedicó a realizar series mensuales de carteles para esta publicación en que describía gráficamente a los integrantes de estas clases (ilustr. 11). El artista decidió eliminar el fondo en sus ilustraciones ya que prefería una mayor simplicidad para que la figura central resaltara y toda la atención se fuera a ella. Louis Rhead fue otro artista que trabajo influenciado por artistas franceses ya que fue en París donde estudio. Adoptó la forma de representación de mujeres esbeltas y altas de Grasset, sólo que optó por poner más color a las imágenes y darles mayor vitalidad. De manera autodidacta William Bradley llegó a establecer una imprenta en donde producía libros y anuncios. Su principal inspiración fueron los trabajos ingleses. Al comienzo realizó figuras planas y contornos estilizados para desarrollarlos hasta llegar a una unidad visual de tipo e imagen y llegar a un estilo propio alejado de imitaciones. 19 Presencia del Art Nouveau en México Arquitectura La arquitectura art nouveau varío de las líneas onduladas y orgánicas de Victor Horta hasta las líneas rectas empleadas por Mackintosh. Un primer encuentro con la arquitectura se dio por medio del teórico Viollet-le-Duc quien consideraba que se debía hacer uso de los materiales modernos y dar paso a las nuevas ideas para poder dejar detrás los estilos arquitectónicos del pasado y no continuar con la repetición de éstos ya que se estaba llegando a un eclecticismo. Una primera idea era que se podía utilizar el acero para formar un armazón que después se podría recubrir con mampostería. Sin embargo, en Bélgica, Victor Horta decidió dejar expuesto este material en lugar de ocultarlo. Este arquitecto belga fue uno de los primeros en aplicar las ideas del art nouveau a sus creaciones. Quizás la construcción que más ha destacado para ejemplificar su trabajo es la Casa Tassel (ilustr. 12). Ubicada en Bruselas el inmueble se construyó para satisfacer con las necesidades de un importante ingeniero e industrial del país, que, como otros clientes de la burguesía, pretendía modernizar los aspectos de la sociedad incluido el arte. Horta logró en la fachada una definida simetría en cuyo centro se encuentra un amplio ventanal que permitía la entrada de mayor luz y ventilación, además de que se combinaban con la piedra usada en el resto de la construcción. Las estructuras de metal, definidas por sus líneas onduladas que le dan mayor dinamismo, sirven para marcar el soporte, como la cornisa sobre la entrada, además de darle más fuerza al trabajo de las piedras utilizadas. Al interior se sigue con la misma simetría que se expresa en el exterior. Lo principal son las líneas onduladas y fluidas que se encuentran en la decoración de las paredes, en los soportes metálicos, en las lámparas e incluso en los mosaicos del piso. La luz también entraba al inmueble por medio de otros vitrales distribuidos en toda la casa. Así como en la mayoría de sus trabajos prevalece el uso del color verde y ocre así como la estilización de formas florales. 20 Presencia del Art Nouveau en México De Bélgica no sólo surgió Horta, también nos encontramos con Henry van de Velde quien ha sido considerado como un artista más completo al desarrollarse en otros géneros y escribir varios textos que sirvieron como base teórica para el diseño y la arquitectura ya que habla de la necesidad de formas funcionales, materiales adecuados y unidad visual. En sus inicios se desarrolló como arquitecto para cumplir con los encargos de construcción de casas privadas. Su estilo llegó a unir las tendencias francesas con las surgidas en Glasgow, mas su trabajo de mayor reconocimiento se realizó en Alemania en donde destacan el diseño para los interiores del Museo Folkwang y el diseño para la Exposición de 1906 en Dresde. La influencia de Bélgica, específicamente de Horta, llegó a París para verse reflejada en Hector Guimard. Con una ornamentación propia, su trabajo destaca en las entradas del metro de la ciudad, que ahora comúnmente vemos e identificamos con el art nouveau. Desarrolla un estilo que se distingue por ser muy orgánico y que por su función se le ha llamado Le Style Métro (ilustr.13 y 14). Fahr-Becker se refiere a estas construcciones diciendo que “los tallos de hierro colado y de color verde, los postes, cual flores tropicales, de las entradas al metro de París son un compendio del modernismo”11. Los postes estriados que flanquean las entradas parecen ser tallos de una planta realizados con un nuevo material, el hierro. Los focos están tapados por estructuras también de hierro que simulan hojas. Al centro de la estructura se colocó un letrero con el nombre de la estación realizados con un tipo de letra también diseñada por Guimard. Con su trabajo hay un vínculo con la industrialización respetándose el trabajo artístico ya que las puertas fueron construidas con métodos de manufactura industrial. Aún siendo Guimard el arquitecto que más se asocia con el art nouveau en Francia, también se menciona el trabajo de Charles Plumet quien siguió con el uso de la línea curva y la abstracción de elementos botánicos para dar un aspecto de modernidad a sus edificios ya que 11 Op. Cit. Fahr-Becker, Gabriela. Pág. 75. 21 Presencia del Art Nouveau en México continuaba con el uso de algunos elementos del siglo XVIII. En París, el uso del art nouveau no se limitó a casas particulares de la elite sino que llegó a conformar parte de otros sectores de la sociedad al aplicarse en la ornamentación de cervecerías, pastelerías, restaurantes y cafés. En otro lado de Francia, en Nancy, Émile André trabajo en una serie de casas en que combinaba el art nouveau con elementos neogóticos. Los edificios de la Escuela de Arte de Glasgow proyectados por Charles Rennie Mackintosh en Escocia (ilustr. 15), así como la casa Hill y varias salas de té en casas particulares abren campo a nuevos conceptos arquitectónicos como el empleo del ventanaje y la idea de lo asimétrico. Si bien Mackintosh es más reconocido por sus diseños de mobiliario, en la arquitectura destaca por buscar unificar el exterior de un edificio con la decoración interior. Lo ornamental en sus interiores lo rescata ya que se pudo adecuar a la arquitectura. Maneja una alternancia de líneas horizontales y verticales. Del mismo modo, y como distintivo es la combinación que hace de elementos ligeros, como líneas delgadas, con elementos de mayor tamaño. En Viena, las formas orgánicas llegaron a penetrar en un primer momento. El arquitecto Joseph Olbrich tuvo un primer periodo en que sus trabajos se distinguían por ser curvilíneos y con una ornamentación floral y muy colorida. Cosa similar sucedía con Josef Hoffmann quien trabaja en sus primeros edificios con la línea curva. Olbrich después cambia por trabajos más conservadores influenciado por el trabajo de Mackintosh, siendo su más importante trabajo el edificio llamado de la Secesión (ilustr. 16). En 1900 también se comienza a ver el cambio en el trabajo de Hoffmann quien hacía su trabajo con formas cada vez más sencillas y una ornamentación más restringida. Con la construcción del Palacio Stoclet le dio un lugar dentro del art nouveau a un estilo que no tenía que seguir con las curvas sino que se podía llegar también a una nueva propuesta con las líneas verticales. El trabajo de estos artistas tuvo su eco en Alemania, sobretodo en la ciudad de Darmstadt. El arquitecto Olbrich se fue a esta ciudad a realizar parte de su trabajo para una exposición de la colonia de artistas Mathildenhöhe. También aquí coincidió el artista Peter 22 Presencia del Art Nouveau en México Behrens con un estilo lineal que se transmitía a todas las piezas de la decoración de interiores. Por el carácter de integración en sus obras se acerca a Van de Velde al acondicionar el exterior con el interior Por otra parte, Antoní Gaudí es junto con Horta o Guimard uno de los arquitectos más identificables dentro del art nouveau, o modernismo como se llamó en su natal España. Al darse un cambio político en Cataluña la sociedad buscó también llegar a lo moderno, incluido en esto la arquitectura. En un inicio Gaudí aun tomaba elementos de estilos anteriores como el neogótico pero poco a poco fue definiendo su línea decorativa. Por un lado hizo estudios de modo técnico para poder tener estructuras fuertes que sirvieran como sostén. Por el lado ornamental, el arquitecto se inspiró fuertemente en las formas que la naturaleza le brindaba, como una ola de mar o la forma de una planta. La casa Batló (ilustr. 17) y la casa Milà con sus paredes y techos ondulados son un reflejo de lo que para el le brindaba la naturaleza siendo que la línea recta no se encontraba en ésta. Mobiliario Una de las principales preocupaciones del art nouveau era lograr una integración entre los distintos elementos que componían un todo. Así un edificio debía venir acompañado de una ornamentación que estuviera acorde con los elementos estructurales propios de la construcción, del mismo modo hubo artistas que buscaron que el mobiliario también estuviera en conjunto con la arquitectura, algunos de ellos llegaban hasta los mínimos detalles como las cerraduras o las bisagras de un mueble. Los fabricantes de muebles de este momento llegaron a refugiarse en diseños de piezas de épocas anteriores, sobre todo de lo que se ha llamado como el estilo de los Luises. Al comenzarse con una intención de cambio en la arquitectura, también se buscó un cambio en el mobiliario, siendo que los arquitectos fueron los primeros en ocuparse de ello para lograr una integración entre el exterior de un edificio con su interior. Inspirándose en lo orgánico, los artistas tomaron cosas de la naturaleza 23 Presencia del Art Nouveau en México como el cuerpo de una libélula para transformarla en las patas de una mesa y sus alas en el soporte (ilustr. 18). En Francia, gran parte de la producción de mobiliario estuvo a cargo de los artistas de la Escuela de Nancy con el arquitecto Émile Gallé quien uso como tema central para sus diseños la naturaleza, sobretodo las flores. Las técnicas que utilizó para producir sus muebles iban de la talla de madera hasta la marquetería. Algunas de sus piezas resaltan por la incrustación de elementos hechos con hierro o piedras. Realizaba paisajes en que incluía flora y fauna. En París, también se volvió popular el mandar a hacer distintos muebles. Los ebanistas se anunciaban en las revistas de la época y era en los Salones en donde se mostraban las tendencias de moda en ese momento. Los diseñadores acudían a éstos para mostrar sus producciones. Aunque de algún modo la unicidad de las piezas se fue acabando cuando los talleres de los ebanistas se fueron industrializando. El mueble debía de tener mayor importancia por su funcionalidad que por su ornamentación, así lo consideraba otro grande ebanista, Louis Majorelle (ilustr. 19). Un motivo fuerte y repetido en sus obras fue el del nenúfar que se realizaba con bronce para después aplicarse sobre la madera. En la capital belga, la mayoría de la producción de muebles fue realizada por arquitectos ya que todos buscaron la armonía en sus edificios. Los muebles de Horta seguían con la misma línea que se uso en sus ornamentaciones y en sus estructuras de acero. Ya que sus muebles fueron diseñados de acuerdo con un edificio específico, sus diseños no se usaron para ser reproducidos para un manejo comercial. El arquitecto Henry van de Velde buscó también una compenetración entre los detalles constructivos y los detalles ornamentales, así como la parte del mobiliario. Gustave Serrurier-Bovy también trabajo el mueble, en ocasiones no sólo trabajo madera sino también tuvo una predilección por el hierro. Su trabajo partió de los modelos de muebles ingleses pero cambio el uso de tablas completas y grandes por tablas aisladas para los respaldos. Creo un modelo de muebles articulados ornamentados de manera sencilla y geométrica. 24 Presencia del Art Nouveau en México Con el Jugendstil alemán la tendencia hacia lo floral y orgánico fue cambiando ya que los diseñadores le dieron mayor peso a la función que debía cumplir el mobiliario que a su carácter decorativo. Además de que fueron ellos diseñadores que pudieron convivir con el adelanto de las máquinas y su consecuencia que era la producción en masa. En Munich, Richard Riemerschmid realizó muebles que en ocasiones incluían alguna voluta o espiral salida del art nouveau. Con una educación en la pintura, se desarrolló como artista integral al entrar en otros campos, incluido el diseño de muebles y ser un empresario de sí mismo al fundar un taller. Su principal preocupación no radicó en lo ornamental sino en realizar muebles que buscarán la comodidad de la persona que la utilizara y que al mismo tiempo fueran estables. Esto se vio reflejado en los asientos de una sala de música, ya que los músicos requerían de una silla que fuera estable pero que no les estorbará al momento de ejecutar las piezas. Como se había mencionado antes, en Escocia, Mackintosh sobresalió más por sus diseños de sillas (ilustr. 20). En uno de sus primeros encargos todos los muebles que realizó, sillas, sofás, bancos, mesas de juego y pies de sombrilla seguían con un mismo estilo. Sus diseños se caracterizaban por ser de un respaldo plano, alargado y delgado que en ocasiones alternaban con formas ovales. Su trabajo fue inspiración de los artistas de los talleres en Viena. Tomaron el estilo lineal y alargado más no continuaron con su imaginería sino que realizaron algo más sencillo y sin color. En Inglaterra pocos fueron los trabajos de mobiliario que se realizaron bajo el estilo art nouveau. Mackmurdo fue quien creo una silla y escritorio con formas y motivos vegetales. También arquitecto, el catalán Antoni Gaudí realizó sus diseños de muebles para que cumplieran con las necesidades de los interiores de sus edificios. Trabajo en vidrio El trabajo con nuevos materiales condujo a los artistas a trabajar el vidrio. En 1884 se llevó a cabo en Francia una exposición que dejó ver la importancia que el vidrio estaba tomando. En la ciudad de Nancy fueron 25 Presencia del Art Nouveau en México los artistas del taller Daum (ilustr. 21) quienes realizaron una gran cantidad de lámparas cuya pantalla era realizada con vidrio y en algunos casos con una montura metálica realizada por Louis Majorelle. Mayor evolución en el trabajo del vidrio se dio con Gallé al trabajar con una mezcla de varios colores, formas y texturas. Las técnicas con las que trabajo fueron de la decoración entre distintas capas de vidrio, el grabado, el esmaltado a la incrustación de piedras de vidrio. Sus formas y figuras eran sacadas de lo que veía en la naturaleza ya que ésta fue inspiradora para la producción de sus objetos. La popularidad de Gallé creció tanto que algunos artistas acudían a Francia a ver sus piezas para después imitarlas. Los siempre populares talleres de Bohemia en Klöster Mühle, continuaban con una producción tradicional pero algunos también fueron parte del art nouveau. El taller que más trabajo en este estilo fue el de Johann Loetz (ilustr. 22). Los cristales que ahí se realizaban generalmente eran de formas asimétricas en los que se empleaba combinaciones de colores opacos que después resaltarían al aplicársele una textura. Otra característica innovadora fue el de darle a los vasos asas de formas distintas que surgían en el momento del soplado del vidrio y se cortaban a capricho dándole un poco de movimiento. El auge de la producción de vidrio llego a varios países. Kart Koepping fue el artista que logró darle un lugar al art nouveau en la producción de vidrio en Alemania. Su mayor producción consistió en copas con un tallo muy alargado y ondulado. Al norte de Europa en los países escandinavos y en Rusia llegaron ecos de lo que se producía en otras partes del continente y vidrierías como las de Kosta y Orrefors produjeron camafeos en cristal con un estilo similar al de sus vecinos. El trabajo en vidrio también se dio en el continente americano con las manos de Louis Comfort Tiffany, quizás uno de los vidrieros más conocidos internacionalmente. Mucho de su trabajo se centro en la producción de vitrales (ilustr. 23) con los cuales buscaba dar otro enfoque al empleo del vidrio en un edificio, principalmente las casas aunque los diseñadores de las iglesias constituyeron su primera clientela. Al igual que 26 Presencia del Art Nouveau en México los europeos, tomó como tema central a la naturaleza, pero los motivos empleados no fueron tan esquematizados sino que buscó una representación más realista. En las piezas que se han considerado con una categoría más artística por haber sido hechas a mano se encuentran los vasos con figuras de flores los cuales sí siguen más una abstracción de las formas como las raíces, los tallos y los pétalos. También en América hubo otros artistas que quisieron trabajar el vidrio e imitaron a Tiffany. La firma Durand empleo en sus decoraciones motivos parecidos. La firma Quetzal trabajó con la representación de elementos como hojas puntiagudas, tallos que se entrelazan, plumas de pavo real y una superficie que daba la impresión de estar agrietada. Joyería La producción de joyería en Europa se dividió en dos ramas que dependían de los materiales empleados. Algunos eran de alta calidad y los otros, la bisutería, con materiales de menor calidad. Los productores de bisutería no querían dejar a una parte de la población sin prenda que usar, así que trabajaron con imitaciones de piedras en vidrio coloreado. La joyería tradicional francesa se caracterizó por el uso de piedras y metales preciosos y por ello estaba dirigida a una clientela de alto nivel social que había surgido tras recuperar los beneficios económicos que dejó la Revolución Industrial. La producción en los primeros años del nuevo siglo estaba acorde con la moda que se presentaba en los Salones de París. Tenían como tema la representación de elementos de la naturaleza para así responder con el art nouveau pero conservando el uso de los materiales de antes. Algunas piezas aún se producían con un estilo que recordaba a las piezas que se hicieron en el período de Luis XVI, si bien se inspiraron en elementos de la naturaleza como algunos insectos, al momento de llevar a cabo la pieza estos motivos resultaban bastante rígidos. La mayoría de los joyeros de la nueva generación prefirió trabajar en la bisutería para así probar con nuevos materiales de menor costo y producir piezas que fueran de un menor precio. De gran ayuda fue el 27 Presencia del Art Nouveau en México trabajo del esmaltado ya que gracias a esta técnica las piezas de vidrio podrían parecer piedras preciosas además de que lograban dar distintos efectos a las piezas como sombreados o una mayor transparencia y luminosidad. René Lalique fue el principal joyero que trabajo con el estilo art nouveau. Tras éste surgieron imitadores como Georges Fouquet (ilustr. 24) quien trabajo con Alphonse Mucha ya que éste le realizó el diseño para su tienda además de algunos retratos para medallones. Entre los motivos que utilizaron fue principalmente la naturaleza y la mujer. Se llegaron a hacer piezas que resultaban de un hibrido entre estos dos motivos, surgieron piezas que se conocieron como femme-fleur o femme- libellule. Existieron piezas en que se probó con materiales como el marfil. Se tenía una pieza plana sobre la cual se hacía una pintura y se rodeaba de algún metal precioso. En Bélgica, sobresalió el trabajo de Philippe Wolfers quien conformo su repertorio con temas fuera de lo que hasta ese momento había sido común. El artista se decidió por tocar temas como criaturas siniestras y mitológicas. Y para no quedarse atrás, también en la producción de joyas incursionó el arquitecto Van de Velde. Sus obras se destacan por tener una línea ondulada y fluida. Trabajo con materiales como la plata y el oro que combino con piedras como la amatista y la esmeralda. Los imitadores de Lalique pasaron fronteras. La joyería alemana siguió con lo que se realizaba en la capital francesa. En un principio sus motivos ornamentales eran principalmente florales, mujeres cubiertas de flores. Después con otras influencias estos motivos se fueron transformando hacia un estilo más lineal y abstracto. En Darmstadt surgió una colonia de artistas con un estilo lineal. Entre estos se encuentra el arquitecto Olbrich quien realizo broches y colgantes con un estilo que evocaba a lo que eran sus diseños en arquitectura como la verticalidad. También con una verticalidad y una producción que tendía más a lo geométrico los talleres joyeros en Viena se dedicaron a realizar accesorios que más que estar pensados para el uso personal tenían una función más doméstica. Realizaron estuches de tocados y espejos de mano. Entre sus motivos geométricos se incluían cubos, espirales, volutas y hojas. Muchos de 28 Presencia del Art Nouveau en México los talleres austriacos no respondieron por completo a lo que era el art nouveau para el resto del continente, tan sólo siguieron esta línea los talleres de A.D. Haumptmann y Roset. Otro artista joyero fue Luis Masriera (ilustr. 25). Su trabajo lo realizo en Barcelona, España. Su estilo fue muy característico y particular. Los elementos que utilizó fueron doncellas pero que se remontaban más a lo medieval, el uso de flores en alto relieve sobre un fondo de paneles con incrustaciones de oro y de pequeños diamantes. Su innovación fue de piezas articuladas. Así realizó joyas con la forma de una libélula en que sus alas se movían con el movimiento de la persona que la usara, así se le daba un mayor realismo a la pieza. En Inglaterra fue la Liberty & Company la firma que se destacó por el uso de motivos neocélticos que se combinaban con animales como el pavo real. En América, la supremacía de la firma Tiffany no se quedó en el vidrio, sino que llegó también a la joyería. Tiffany realizaba sus diseños en privado y luego eran producidos en un pequeño taller. En un principio fueron piezas toscas pero después se fueron volviendo más sutiles y armónicas. Trabajó sobre temas orgánicos como flores, sobretodo el dientes de león, y la representación de algunas frutas. En algunas de sus piezas prefirió el uso de materiales mexicanos que eran de un costo más modesto entre ellos había ópalos, turmalinas, perlas y calcedonias. Pero también en Estados Unidos surgieron otros centros joyeros para poder satisfacer con las necesidades de lujo de las mujeres de la época. Las que sobresalieron fueron las firmas Marcus & Company y Peacock & Company que se inspiraron en las joyas art nouveau francesas y con una terminación de fino esmaltado. Muchas de estas piezas resultaban de alto costo y no podían ser adquiridas por clases medias, así es que existieron centros de producción con materiales de menor costo, como plata de poca calidad, en Rhode Island y Nueva Jersey. Sus motivos eran de doncellas representadas de perfil rodeadas por sus amplias y onduladas cabelleras. Con este breve recorrido a través de las distintas manifestaciones hemos encontrado que el art nouveau mas que romper del todo con la 29 Presencia del Art Nouveau en México industrialización y sus efectos se valió de ella para ofrecer al público algo que si bien no todos pueden llamar nuevo, sí diferente a lo establecido en este momento. Podría resultar paradójico el nombre de “nuevo” ya que los artistas iban al pasado, de algún modo llegaron a copiar estilos e ideas impuestas por otros artistas, como en el caso del japonisismo, así como se volvieron a lo medieval para retomar antiguas maneras de producción. Quizás lo nuevo radique en el hecho de que cada artista buscó poner su sello personal, aunque existieran influencias de unos a otro, pero buscaron no seguir con las normas impuestas en ese momento por la academia. También podría resultar nuevo ya que lograron encontrar beneficios a la industrialización y llevar a la práctica artística el uso de nuevos materiales aportados por la industria como el hierro. De este modo lograron unificar industria y arte aunque por lo costoso que resultaba y por el afán de unicidad el art nouveau tan sólo estuvo en manos de un pequeño sector. Pretendían que el arte se viera como una totalidad, que en cada detalle de la vida cotidiana el arte estuviera presente, por eso se manifestaron no sólo en la arquitectura y en la gráfica sino que llegaron a penetrar en otros campos como el mobiliario y la joyería. Sin embargo el acceso a todas estas piezas estuvo limitado a la burguesía, a aquellos que tenían el dinero y el poder para poder mandar a hacer un arte específico que cumpliera con sus necesidades y gustos. Tal hecho se transportó a otros lugares hasta llegar a América, siendo que en México el art nouveau también estuvo para satisfacer las necesidades de lujo de la nueva clase social así como a la modernidad emergente durante el período de Porfirio Díaz. 30