LA PINTURA EN FLANDES Y EN HOLANDA

LA PINTURA EN FLANDES Y
EN HOLANDA
-RUBENS
-REMBRANDT
• PINTURA BARROCA
• Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de
las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más característica
del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en
los países protestantes.
• Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos,
cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la
iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda
del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
• El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la
forma pictórica.
• Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en
profundidad, la estructuración de las composiciones mediante
diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran
el espacio como algo dinámico, donde los contornos se diluyen y las
figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.
Pintura barroca en Flandes y
Holanda
• En Flandes domina el panorama la figura de
Rubens, desarrollando una pintura
aristocrática y religiosa.
• En Holanda, la pintura será burguesa,
dominando los temas de paisaje, retratos y
vida cotidiana, con la figura de Rembrandt
como su mejor exponente
RUBENS
Pieter Paul Rubens (Siegen, actual Alemania,
1577-Amberes, actual Bélgica, 1640)Pintor
flamenco. Fue el pintor barroco más
destacado de la escuela flamenca
Sus características como pintor son las
siguientes: la realización de grandes cuadros
para altares, el alegre colorido (no
tenebrismo) y una temática que va desde
bodegones opulentos a retratos aristocráticos
pasando por temas mitológicos.
Características de Rubens
• Como características de su obra destacan:
- Dinamismo y movimiento de las figuras y la
composición, con esquemas diagonales.
- Colorido intenso y cálido, inspirado en la pintura
veneciana.
- Exuberancia de las figuras: hombres musculosos,
mujeres carnosas y sensuales que se agrupan en
composiciones de ritmo turbulento en formas
enroscadas.
- Cultivó todos los géneros y su influencia fue
enorme.
TEMÁTICA RELIGIOSA
• Como pintor religioso: crea composiciones
grandiosas y teatrales, con aspecto a veces de
escenas cortesanas, como La Adoración de los
Magos, que conectan con el sentido triunfal y el
deseo de magnificencia de la iglesia católica.
El Descendimiento es una gran composición con
numerosos personajes, grandilocuente y espectacular,
crea un espacio dinámico, abierto, que desborda los
límites del cuadro. El eje compositivo parte de la línea
vertical de la cruz, tallada por dos diagonales en aspa,
líneas que se cruzan en el cuerpo de Cristo alrededor
del cual se organizan los personajes. Hay además un
predominio de las líneas curvas y los escorzos, lo cual
acentúa el movimiento y la profundidad en el cuadro.
La luz y el color refuerzan la composición: la luz
sigue el brazo de Cristo, la sábana y el cuerpo de la
Magdalena, afianzando la diagonal; el color,
intensifica el movimiento: una amplia zona al fondo
oscura de colores fríos sólo parcialmente iluminados
por la luz, y otra zona iluminada con contrastes
cromáticos de colores cálidos. El movimiento de los
vestidos y las posturas rebuscadas, contribuyen a la
teatralidad.
LA ADORACION DE LOS MAGOS
• Rubens pintó la Adoración de los Magos
como un nocturno. San José y la Virgen
aparecen a la entrada de un templo en
ruinas, que simboliza la extinción del antiguo
régimen pagano y el anuncio de la nueva
Ley, para presentar al Niño Jesús a los tres
Magos. Según San Mateo (el único de los
evangelistas que recoge su visita) se trataba
de hombres sabios procedentes de Oriente,
pero para Rubens (como para gran parte de
los pintores occidentales) eran Reyes. Visten
magníficos atavíos regios, bordados en oro y
forrados de pieles y se adornan con joyas
preciosas, y van acompañados de un séquito
real de pajes, soldados y esclavos.
• La virgen con el niño
La ascensión de la virgen
TEMÁTICA MITOLÓGICA
• Los temas mitológicos son un pretexto para
introducir desnudos dinámicos y actitudes teatrales
movidas; son composiciones de tipo históricoalegórico en las que junto a los personajes de la
historia aparecen las divinidades del Olimpo: los
desnudos de carnes abundantes, blandas y nacaradas,
para los que utilizó a veces como modelos a sus
esposas
Baco
Las tres gracias
La composición respeta el modelo clásico
que representa a las Gracias
completamente desnudas y reunidas, pero
cambia la relación entre las tres figuras que
están conectadas entre sí a través de los
brazos, el velo y sus miradas, es decir,
psicológicamente, dando así nueva unidad
al grupo. La disposición de las Gracias
forma un triangulo, estando la de enmedio
de espaldas, con la cabeza vuelta y
apoyada en sus compañeras.
Las tres hermosas mujeres se caracterizan
por la flacidez de sus carnes y la
ampulosidad de sus contornos. Parecen
más bien tres desenvueltas bacantes que
las pudorosas Cháritas de la Mitilogía
RETRATOS
• Como retratista, crea un tipo de retrato
cortesano, en el que más que la psicología
del personaje, cuida el vestido y el escenario
como símbolo de su categoría social.
Maria de Medicci
El duque de Lerma
Aun siendo uno de los primeros retratos del
maestro se pone ya de manifiesto su capacidad
para penetrar en la personalidad de los modelos,
mostrándonos el alma del personaje.
Concretamente aquí nos exhibe la altanería y el
orgullo del valido, dando la impresión de arrollar
al espectador al ser visto desde un ángulo bajo
aprendido del Manierismo, por lo que se especula
sobre un contacto entre Rubens y El Greco.
Rubens inaugura un nuevo concepto de retrato
que seguirán Van Dyck y Velázquez Respecto al
estilo, se observa el dibujismo característico de
sus primeros años, con un detallismo maravilloso
en la armadura o en los engarces del caballo. Con
esta obra el maestro se da a conocer en España,
donde sus pinturas gozarán de gran estima
El duque de Buckcinhamg
REALISMO
Rembrandt
• Rembrandt Harmenszoon van Rijn (15
dejulio de 1606– † 4 de octubre de 1669) está
considerado uno de los más grandes pintores
en la historia del arte europeo, y el más
importante en la historia de Holanda.
• Rembrandt fue además un grabador experto,
y publicó muchos dibujos. Sus contribuciones
al arte tuvieron lugar en un período que los
historiadores llaman la Edad de Oro
holandesa, que corresponde
aproximadamente al siglo XVII. En esa
época, la cultura, ciencia, comercio, poderío
e influencia política de Holanda alcanzaron
su punto máximo
Temática religiosa
El hijo prodigo
Caracteristicas de los cuadros de temática religiosa en
Rembrandt
• En los cuadros de temática bíblica, Rembrandt se convierte en un
pintor tremendamente barroco interesado por el movimiento y por
la violencia dramática de los temas, igual que hacía Rubens por
aquellas fechas. Abraham recibió el mandato de Dios para que
sacrificase a su hijo Isaac, tenido a edad ya madura. Sin dudarlo,
Abraham construyó un altar y sobre él se disponía a matar a su
vástago cuando oyó una voz del cielo que le frenó. Había
demostrado su obediencia y acabó sacrificando un cordero. El
momento elegido por el artista es el de mayor tensión al
representar al ángel enviado por Dios sujetando el brazo de
Abraham, lo que provoca que el cuchillo con el que se iba a
realizar el sacrificio caiga al suelo. Mientras tanto, el anciano
sujeta con su mano izquierda la cabeza del pequeño Isaac, cuyo
cuerpo está en un profundo escorzo. La luz es utilizada por el
pintor para acentuar aún más el momento intenso y dramático ya
que procedente de la izquierda, ilumina la figura de Isaac que es el
principal protagonista, el rostro y la mano de Abraham, dejando el
resto de la escena en penumbra aunque la composición se abra por la
izquierda con un paisaje.
Lección de anatomía
La obra presenta una composición clásica
en pirámide, con la que Rembrandt
consiguió expresar óptimamente la idea
de auténtica unidad espiritual ente los
siete retratados, ninguno de los cuales era
médico, con el conferenciante ante el que
se agrupaban. Cada retratado mantiene
una posición y una expresión distinta,
concentrándose la luz en aquellos rostros
o zonas del cuerpo que el artista quiere
resaltar. El contraste entre las zonas
iluminadas y las penumbras aumenta con
el traje negro característico de la época y
un tratamiento vaporoso de ciertas
texturas gracias a una suave pincelada.
La fuerza del cuadro se concentra en la
diagonal formada por los cuatro
personajes que se sitúan en dirección
hacia las pinzas del doctor Tulp, que
muestra una serie de músculos mientras
diserta sobre los mismos. Para evitar
distraer la atención del espectador, el
fondo es neutro y no tiene apenas
definición.
Detalle lección de anatomía
La ronda de noche
La ronda de noche
En ella aparece la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el
momento en el que éste da una orden a su alférez, indicado por el
gesto de la mano y la boca abierta. Tras estas dos figuras están los
integrantes de la Compañía, que pagaron una media de cien florines
al pintor por el privilegio de mostrar sus cabezas entre las tropas
integrantes de la Milicia que protege el bienestar y la libertad de los
ciudadanos holandeses, por lo que era muy apreciada. La escena se
desarrolla al aire libre, pero no de noche como reza el título sino que
se oscureció con el paso del tiempo y por eso tiene en la actualidad
ese aspecto nocturno; de hecho, hasta el siglo XIX no se la conoció
como La Ronda de Noche, sino como La Milicia del capitán Frans
Cocq. La representación de retratos de grupo en los que aparecen
milicias era habitual en Amsterdam por aquellas fechas, pero ninguno
supera a esta obra por el realismo con el que está pintada, captando
a la perfección los rostros y las actitudes de todos los personajes, en
una sensación de movimiento y de vida muy difícil de superar. Los
juegos de luz y sombra recuerdan la influencia del tenebrismo de
Caravaggio. También hay que destacar cómo resbala la luz sobre los
elementos metálicos, que ofrecen así mayor sensación de realismo.
Detalle la ronda de noche
Danae
Detalle Danae
Aristóteles contemplando el busto de Homero
Jan six
La novia judia
. La interpretación clásica de la obra alude
a la escena de un padre judío en el
momento de despedirse de su hija que
se va a casar. . La postura del hombre,
al colocar el brazo tras la joven y la
mano derecha a la altura del pecho,
resulta bastante extraña, lo que acentúa
aun más el enigma a la hora de
interpretar el cuadro. Las miradas de
ambas figuras no se relacionan entre sí,
algo extraño en la pintura de
Rembrandt. Lo más significativo es su
manera de trabajar, con una pincelada
muy suelta, de manchas que se
observan claramente en el lienzo. El
colorido es bastante vivo, con tonos
rojizos y amarillos, mientras el fondo
neutro es más oscuro, características
comunes del tenebrismo. Conviene
también destacar los detalles de las
joyas de la muchacha, más elaboradas,
que recuerdan el primer estilo del
pintor.
La cena en Emaus
Dentro del más puro estilo tenebrista
Rembrandt realiza esta escena. Sin duda lo
más significativo es el contraste entre luz y
sombra. Dicha luz parece proceder de un
foco lumínico artificial como habían hecho
Tintoretto y Bassano en la Venecia de
finales del siglo XVI. Uno de los
discípulos queda profundamente
sorprendido cuando ve a Cristo resucitado
comiendo junto a él en la posada de
Emaús. Solamente aparece la silueta de
Cristo, mientras que al fondo observamos
otra silueta, la del segundo discípulo,
recortada sobre otro foco de luz
anaranjada. Este efecto lumínico acentúa
aún más el dramatismo y el efecto sorpresa
de la composición, como se observa
claramente en el rostro del discípulo que
vemos. La pincelada es bastante suelta,
observándose manchas en algún lugar.
•
•
San pedro y San Pablo
Una de las características principales del
naturalismo tenebrista es el tratar a los
personajes divinos como personas
normales; el fuerte contraste entre zonas
muy iluminadas y zonas en penumbra,
sería otro rasgo a destacar dentro de este
movimiento. Ambas características las
encontramos en esta escena en la que
aparecen dos ancianos que pueden ser
San Pedro y San Pablo o dos filósofos de
la antigüedad discutiendo sobre un texto.
Uno aparece de frente con la mirada
clavada en el que vemos de espaldas,
siendo destacable la expresividad de los
ojos y de su gesto. Ambas figuras están
perfectamente modeladas interesándose
el artista por resaltar las manos y los
detalles de los elementos que las rodean,
como el excelente bodegón que
encontramos en la zona de la derecha.El
colorido oscuro, a base de grises,
marrones, negros y ocres es el que
utilizaban Caravaggio o Velázquez
durante sus etapas tenebristas