Artes figurativas de principios de siglo XX, el Expresionismo alemán y la Bauhaus,doc

Narda A. Calderón Carmona
776099
ITESM
HISTORIA DE LA ARQ. 4
Expresionismo.
El Expresionismo, semánticamente hablando, parece ser un antónimo del impresionismo. No
es exactamente eso, aunque los expresionistas no muestran el lado alegre de la vida como los
impresionistas lo habían hecho.
El movimiento aparece en la primera década del siglo gracias a los descubrimiento y a las
audacias de los "post-impresionistas", especialmente Gauguin y Van Gogh. Experimenta con
sorprendentes combinaciones de colores y sus líneas caricaturescas, tratando, como lo hicieron
aquellos, de expresar lo que sienten, en particular en este caso su angustia frente a la vida.
Aun que algunos nombres prestigiosos se asocian a la arquitectura expresionista durante gran
parte del siglo, especialmente en Alemania, el movimiento es más evidente en la escultura y en
la pintura.
Hans Poeltzig construye el teatro de Salzburgo y posteriormente, Mies Van der Rohe
proyecta rascacielos que pretenden ser expresivos.
Los escultores estrellas son los alemanes Ernst Barlach y Kate Kollwitz. "Tenga piedad", la
escultura de madera de Barlach invita a la piedad por su extrema simplificación y el simbolismo
de las manos abiertas.
Los pintores expresionistas más conocidos son probablemente Edward Munch (1863-1944),
noruego, y Oskar Kokoshka (1886-1980), austriaco. Contemporáneamente, en Alemania
encontramos un tipo de respuesta similar ubicada en el mismo año. El Expresionismo alemán
aparece como un grupo organizado en la ciudad de Dresde y con el significativo nombre de "Die
Brucke" (El Puente).
El lenguaje expresivo del Expresionismo alemán, pese a basarse en el mismo concepto
agresivo del dibujo y el color de su homólogo el Fauvismo, se va a diferenciar cualitativamente
de este en su concepción del tema. Sumido en una profunda actitud nihilista y anarquista del
mundo, busca trascender la realidad consciente por una realidad trascendente y primigenia.
Otra será la propuesta plástica presente en el sur de Alemania, en la ciudad de Munich, cuando
los integrantes del grupo "Der Blaue Reiter" (El Jinete Azul), partiendo de las mismas
posibilidades expresivas del color, entre 1912 y 1916, dieron un paso crucial más allá de las
fronteras del mundo de las apariencias para crear algunas de las primeras obras de arte no
objetivo, que ha sido denominado "Expresionismo Abstracto", siendo su principal teórico y
exponente el ruso Wassily Kandinsky.
El diseño vanguardista en los comienzos del siglo xx.
Los movimientos artísticos y la agitación política fueron quienes generaron grandes cambios en
el diseño gráfico. Dada, De Stijl, Futurismo, Bauhaus y Constructivismo crearon una nueva
visión en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se
opusieron a las artes decorativas y populares de su tiempo. Nacieron de un espíritu revisionista
que se pudo ver en todas las actividades artísticas de la época.
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Movimiento : Futurismo
Año : 1909
Representante : Filippo Marinetti
Lugar : Francia
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Dadaísmo
De Stijl
Bauhaus
Constructivismo
1916
1917
1919
1920
Tristán Tzara
Théo Van Doesburg
Walter Gropius
Vladimir Tatlin
Zurich
Holanda
Alemania
Rusia
1. Cartel Futurista. / 2. Hausman, 1919. Tapa Revista Derdada. / 3. TVD, 1917.
Tapa Revista De Stijl. / 4. Tapa Revista Bauhaus, 1929. / 5. Salomon
Futurismo
Nace en París, en 1909, de la mano de Marinetti. Se basó en
la búsqueda de nuevos modos de expresión, siendo los
primeros en romper con las formas tradicionales.
Representaron la energía de la velocidad con arcos dinámicos
y superestructuras. Textos repartidos a modo de collage
representando formas constructivas.
Zdanevich, 1923. Doble página de
libro sobre teatro.
Empleados de forma libre, el tipo y las letras se convierten
en elementos autónomos de diseño. Fuertes contrastes de
formas y tamaños. El uso del texto en línea diagonal y la
repetición secuencial hacen surgir una tipografía de símbolos
verbales.
Marinetti, 1919. "Libertad
futurista", composición.
Anónimo. Marca Pirelli.
.
El Dadaismo.
El Dadaismo surge con los destroces de la primera guerra mundial.
Defiende una actitud negativa hacia todo lo que produce la
civilización bélica que contemplan los artistas del grupo "Dada".
Dada es la negación de la trascendencia. La palabra dada, en francés
pertenece al registro linguístico infantil y significa "caballo" pero para
los artistas quienes frecuentan el café "Voltaire" en Zürich entre
1915 y 1922, dada es cualquier cosa.
La creación se pierde a favor del azar y de la elección. Son presentados como obras
Dada: un orinal comprado en tienda que Marcel Deschamps petende hacer pasar por una
"Fuente", collages azarosos de Arp y los "Merz", collages aleatorios de objetos que Kurt
Schwitters introduce hasta en la arquitectura.
De Stijl
El fundador de este movimiento fue Théo Van Doesburg. En 1917
se unieron a él, en Holanda, los pintores Piet Mondrian y Bart van
der Lek, el arquitecto J.J.P y otros.
La fuente a partir de la cual se desarrolló la filosofía y las formas
visuales de este movimiento fueron las pinturas de Mondrian.
Huszar, 1929. Tapa y Contratapa de
Revista Wendingen.
Fue una evolución del cubismo para convertirse en una
abstracción geométrica pura. Buscaron una expresión de la
estructura matemática del universo y de la armonía universal de
la naturaleza. Escondidas en las apariencias externas de las
formas, encontraron las leyes universales que gobiernan la
realidad visible. Utilizaron líneas, formas y colores puros para
crear puras relaciones ordenadas armoniosamente.
TVD, 1919. Alfabeto Experimental.
Constructivismo
Movimiento ruso que nace de la mano de Vladimir Tatlin en 1920,
época de fuertes conflictos.
Se basó en el uso de las formas geométricas simples y de materiales
industriales. Su mayor difusión fue la arquitectura, siendo ésta de
forma funcional, cómoda y económica.
Rodchenko, 1925. Póster para
Editorial Estatal.
Utilizaron elementos geométricos con claro tecnicismo y
construcciones arquitectónicas de gran armonía y dinamismo, con el
fin de dirigir esta representación a procesos sociales colectivos.
Justificaron los textos a la derecha y a la izquierda, haciendo uso de
las mayúsculas, encontrando así el contraste de las formas mediante
los efectos positivos y negativos.
Se le dio mucha importancia a la técnica y al proceso de construcción.
Se desarrolló la "tipografía elemental" a partir de formas claras y
reduccionistas propias del constructivismo.
El Lissitsky, 1928. Tapa y
contratapa de libro.
.
Neoplasticismo:
En 1917 aparecía el primer número de la revista De Stijl (El estilo). Los principales promotores
del neoplasticismo fueron Mondrian y Van Doesburg y su órgano de expresión la citada
publicación.
El nuevo arte no podía ser la representación de algo concreto y menos naturalista, sino debía
ser algo integral y cosustancial con la vida. El arte que creaban debía ser patrimonio de lo
universal, no de lo particular. Todos los ambientes debían adecuarse deberían derivar de un
principio fijo y universal.
“La nueva plástica no puede estar oculta por lo que es característico de lo particular, forma y
color naturales, sino que debe ser expresada por a abstracción de la forma y el color –mediante
el recurso de la línea recta y e color primario determinado- . Estos recursos plásticos
universales fueron descubiertos por la pintura moderna mediante un proceso de abstracción
conveniente de la forma y el color: una vez estuvieron descubiertos, emergió allí, casi de propio
acuerdo, una plástica exacta de relación pura, lo esencial de toda emoción de belleza plástica”.
Lo esencial de la naturaleza y de la vida se convertía en el protagonista de la pintura: los
colores primarios (rojo, azul, amarillo), su suma (el negro) o su ausencia, el blanco. Era una
realidad estética que resumía los principios constructivos y generativos de la naturaleza, capaz
de ser ampliado y proyectado hacia el infinito. Una realidad “atómica” que es el organigrama de
todos los elementos que componen la vida en toda su extensión.
El Surrealismo.
El Surrealismo surge efimeramente con el Bosco, pero es en 1924 con el
escritor francés André Breton y su manifiesto surrealista que se vuelve
movimiento.
Breton pretende asociar la espontaneidad de expresión que habían
promovido los dadaistas con la misteriosa mecánica de los sueños y del
inconsciente que Freud ha descubierto.
Grandes surrealistas son Magritte, Dali y Ernst .
De Magritte es particularmente interesante "El placer".
En esta obra, una niña vestida con refinados encajes muerde un pájaro todavía lleno de plumas,
manchando su ropa.
Además del contraste entre la inocencia tradicionalmente asociada con el concepto de niñez, y lo
horripilante de la acción se observa otro entre la elegancia de la ropa y la crudeza de la actitud.
Esta obra parece recordar e invertir la situación del "Jardin de las Delicias" del Bosco. Ahí, el
diablo tiene cabeza de pájaro y traga a los humanos uno tras otro.*
Dalí muestra los objetos más comunes bajo formas inesperadas (relojes blandos), asocia formas
definidas y otras imprecisas, juega con la ambigüedad de formas que pueden pertenecer a la vez
a objetos distintos (copa de frutas)...
A Ernst le interesa la locura y logra fama con el escándalo de la cervecería Winter en Colonia en
1920. Ahí, en su periodo Dada expone obras rechazadas en la sala trasera de un urinario y
propone al público los medios de destruirlas.
Ernst es el autor del primer cuadro surrealista: "El Elefante Célebes". El elefante es más bien un
conjunto de objetos organizados para dar la impresión que se ve a un elefante desde atrás: algo
que puede ser una caldera forma el cuerpo, se adivinan las defensas a la izquierda. Un tubo
retorcido forma una cola enorme terminado con algo que parece cabeza de res. En la esquina
derecha, un tronco de mujer. El sentido del cuadro queda incierto.
Las consecuencias de la devastadora y creciente
industrialización de finales del siglo XIX, surgida primero en
Inglaterra y más tarde en Alemania, influyeron en la clase
obrera y en la producción de los artesanos. El progreso
tecnológico también trajo consigo un cambio en las estructuras
sociales. Entre ellas destaca la proletarización de amplios
sectores de la población pero también el hecho de que así se
pudieron racionalizar y abaratar los costos de producción de
bienes. En el siglo XIX, Inglaterra se alzó como la potencia
industrial más prominente de Europa.
Hasta bien entrados los años noventa del XIX, los ingleses se mantuvieron a la cabeza en lo
que se refiere a adelantos técnicos y culturales, resultando los indiscutibles vencedores. Esto ya
se anunciaba desde los años cincuenta, cuando reformaron los procesos educativos tanto para
los artesanos como para las Academias. En éstas se enseñaba a los alumnos a diseñar por sí
mismos en lugar de copiar modelos anteriores. Sin embargo, con este sistema no se lograba el
propósito de las reformas, es decir, no se alcanzaba la creación de una cultura que llegara al
grueso de la gente. Por ello, la afiliación al socialismo planteó una mejor solución. Lograr una
cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos
los movimientos culturales innovadores como la Bauhaus.
En Alemania se intentó alcanzar el mismo éxito logrado por los ingleses, por lo que al inicio de
la década de los noventa se dio impulso a la importación de ideas y reformas desde Inglaterra.
Más tarde, en 1896, el gobierno prusiano envió a Hermann Muthesius a Inglaterra por un
periodo de seis años, en calidad de "espía del gusto". Su estancia tenía como finalidad estudiar
las causas del éxito inglés. Gracias a esto se establecieron en el país germano Escuelas de Artes
y Oficios en las que diversos artistas modernos fungieron como profesores. En esas escuelas y
talleres se producían principalmente enseres de casa, muebles, textiles y utensilios de metal.
Estilísticamente, los productos alemanes de final de siglo no tenían parecido alguno con los
producidos por los ingleses de las Arts and Crafts, movimiento profundamente arraigado
durante el siglo XIX. En esa década de 1890, Alemania adelantó a Inglaterra como nación
industrializada, asegurándose ese puesto hasta 1914, cuando estalló la Primera Guerra Mundial.
En 1918, el gobierno alemán puso a cargo de Walter Gropius la dirección
y administración de las dos escuelas más importantes de arte en Weimar,
la Sächsichen Kunstgewerbeschule y la Sächsischen Hochschule für
bildene Kunst. Finalmente, tras la unión de ambas, el 12 de abril de 1919
Gropius fundó la Statliches Bauhaus in Weimar, la escuela de arte más
moderna en su tiempo. En un manifiesto de la Bauhaus distribuido por
toda Alemania, Gropius aclaraba el programa y la meta de la nueva
escuela: artistas y artesanos debían trabajar juntos en la construcción del
futuro. Gropius declaraba los principios que, en su opinión, deberían regir
la escuela desde su inicio. Se refirió a ellos en los siguientes términos
retóricos, que evocan un ideal casi cercano a la Edad Media por unificar
las artes alrededor del eje de la arquitectura:
"Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al
trabajo manual [...] Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de
artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una clase de la otra y que
busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas.
Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del
futuro, que dará cabida a todo a la arquitectura, a la escultura y a la
pintura en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un
millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega."
Siguiendo las ideas del consejo, construir se convirtió para
Gropius en actividad social, intelectual y simbólica. Reconcilió los
oficios y especialidades, hasta entonces independientes,
uniéndolos como trabajo en común en el que la construcción
allana diferencias de condición y acerca a los artistas al pueblo.
Todas estas ideas y conceptos se aplicaron en talleres de la
misma escuela, donde se daban cita actitudes estéticas en las
que alumnos y profesores trabajaban en conjunto. Ahí se
experimentaba con tejidos, trabajo de metales, diseño
inmobiliario, fotografía, diseño escenográfico, pintura, escultura y
arquitectura. Esto llevó a diseños incipientes, funcionales y
eficientes.
Figuras del mundo entero se unieron a esta institución pedagógica que orientó el pensamiento
de toda una generación de arquitectos, diseñadores y artistas hacia la creación de obras con
utilidad social, producidas en serie. Entre éstos destacaron arquitectos como Walter Gropius,
Mies van der Rohe y Marcel Breuer; los artistas Laszlo Moholy-Nagy, Gyorgy Kepes y Josef
Albers; pintores de la talla de Paul Klee y Wassily Kandinsky; y la tejedora Anni Albers. Otra
figura de gran importancia fue Margarete Schütte-Lihotzky, diseñadora del prototipo de la
cocina Frankfurt (1925), en cuya elaboración se utilizaron teorías científicas sobre el manejo del
hogar y estudios sobre higiene y eficacia de movimientos. Con este diseño se resaltó un
concepto esencial de la Bauhaus: reducir el tiempo, espacio y esfuerzo requeridos para el
trabajo doméstico. Ello causó la adhesión de un gran número de seguidores, entre los cuales
cabe mencionar a Gerrit Rietvelt, J.J.P. Oud y Moisei Ginzburg.
Estas grandes figuras trabajaron en la primera sede de la Bauhaus, ubicada en la ciudad de
Weimar, trasladándose en 1925 a Dessau, donde ocuparon espacios provisionales que ya
llevaban el nombre de Bauhaus Dessau, Hochschule für Gestaltung. Un año más tarde tuvo
lugar la apertura del edificio oficial, una obra maestra de la arquitectura diseñada por el mismo
Walter Gropius. Este cambio de sitio se debió a que la ciudad de Dessau ofrecía mayor apoyo
económico que Weimar y, al ser una ciudad industrial, tenía una relación más directa con la
ideología de la escuela. Años más tarde, en 1931, la Bauhaus se vio obligada a cerrar sus
puertas por motivos políticos pero Mies van der Rohe, el entonces director, decidió continuar el
proyecto en Berlín. En esos años el Partido Nacional Socialista ya gobernaba en Alemania y, al
no aprobar el intercambio cultural con artistas de otros países, estableció que el arte debía ser
puramente alemán. Por ello, en 1933 la escuela fue definitivamente clausurada.
Por otro lado, es necesario mencionar el gran impacto
pedagógico que esta institución ejerció en los Estados
Unidos. Grandes escuelas continuaron con esta manera de
enseñar en busca de un nuevo arte útil que ayudara lo
más posible a la sociedad en su conjunto. Algunas
escuelas con esta tendencia fueron el Instituto
Tecnológico de Illinois en Chicago, el Black Mountain
College en Carolina del Norte y el Posgrado de la Escuela
de Diseño de Harvard, que estuvo bajo la dirección de
Gropius de 1938 a 1952.
En el Bauhaus-Archiv Museum für Gestaltung, ubicado en
Berlín, actualmente existe un gran número de obras
realizadas por los integrantes de esta escuela. El edificio
fue diseñado por el mismo Gropius y cuenta con un
museo, una colección documental y una biblioteca. Esta
organización revela la gran importancia de la escuela, su
progreso a lo largo de la historia y la manera en que sirvió
como plataforma vital para el desarrollo de nuestro siglo.
BIBLIOGRAFÍA
http://www.documentarte.com/html/res_ca_movimiento_ficha.phtml?codigo=46
http://www.sonria.com/design/conceptos/vanguardias.php
http://www.tam.itesm.mx/art/ismos/eisme18.htm
http://www.nacion.co.cr/ancora/1999/julio/11/ancora3.html