Abuso de Sustancias y Patología Dual, Pollock

JACKSON POLLOCK Y SU REGADO Y POLARIZADO
DRIPPING
Andrea Marquez Lopez Mato
2005 No publicado
"El arte reciente de Pollock se asemeja a la complicada física moderna. Las líneas son
tiradas, latigadas, descendidas y goteadas a la superficie en disparos de rayos
cromáticos, marañas de telarañas, goteando grandes arabescos y enormes “ jetes”,
imponen una cuarta dimensión con el propósito de contar una travesía de caóticas
sensaciones y percepciones. Cualquier propósito hace que las emociones adquieran
significado en nuestra vida real y en el arte también. Y esta contienda sin ayuda entre la
disciplina y la libertad es realmente la tarea esencial de la creación de una vida
moderna."— Lee Siegal en The Atlantic Monthly, 1972
"Al diablo, mi nieta puede hacer eso"- La abuela del mejor critico de Pollock , en una
visita al Los Angeles County Museum of Art, 1972
Estas dos opiniones, tan diversas en su contenido y provenientes de fuentes tan distintas,
describen sus sensaciones ante la obra del más grande de todos los pintores
norteamericanos, considerado el pionero del expresionismo: Jackson Pollock
Alcohólico, maníaco-depresivo y capaz de hacer sentir mal a todos los que lo rodeaban,
era una persona con un enorme talento (o al menos trataban de mostrarlo por la
inmensidad de sus lienzos) pero egoísta, autodestructivo, mimado y odiado. Sin
embargo no era un psicópata, sino que estaba aquejado de trastorno bipolar, que
obviamente condicionó su vida (sobre todo la afectiva) y consecuentemente su trabajo.
Tuvo varios periodos depresivos que se automedicaba (como muchos de los depresivos
actuales) con inmensas (todo en su vida tiene magnitud extrema) cantidades de alcohol
que incluso fueron las que lo condujeron a la muerte en un accidente automovilístico.
Consultó con varios terapeutas por su problema de alcoholismo y su ciclotimia, pero
siempre se negó sistemáticamente a tomar psicofármacos Muchos críticos creen que "el
uso de colores chillones y disonantes aplicados con energéticos movimientos circulares,
que lograban que su pintura trasmitir movimiento, era reflejo de su personalidad
turbulenta y de su enfermedad maníaco depresiva." En una película que el director Ed
Harris realizo sobre Jackson recalca los rasgos de su trastorno mental, mostrando épocas
donde rodeado de amigos era incapaz de hablar y permanecía sentado en un rincón
tomando café, alternando con otros períodos de efusividad turbulenta, con irritabilidad y
furor.
Jackson Pollock nació en Cody, Wyoming (la ciudad que fundó Búfalo Bill, otro gran
megalómano), en 1912; y murió en Long Island en 1956, artífice de su propia muerte (o
como dijimos víctima de una muerte inducida por su enfermedad) Durante su infancia y
su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para
estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de
formación se impresionó hondamente por los muralistas mexicanos, como Orozco,
Siqueiros y Rivera. Así comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya
particular atención a los valores amétricos y al cromatismo. Hacia 1938 empezó a
interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó
inspiración en el mundo de los indios americanos.
El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, cuando adoptó la peculiar técnica del
"dripping". En lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo
y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u
otras herramientas. Incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la
adición de arena o fragmentos de vidrio (técnica aprendida de las colonias
indias). Hay muchas fotos suyas, agazapado como un gato con sus brazos
extendidos, la lata de pintura en una mano, el palo escurridor en la otra, lanzando
capas de pintura a un trapo o una tela sostenida por sus zapatos manchados de
pintura de todas sus obras, y con los siempre presentes gritos o insultos cayendo
de su boca. Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, o la
famosa mecenas Petty Guggenheim, su nombre se convirtió en uno de los más
significativos del expresionismo abstracto y del "Action painting". Fue así mismo
uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición
y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos. Con el tiempo, los
elementos figurativos fueron desapareciendo de sus composiciones, y las
referencias surrealistas se redujeron a la recurrente relación del dripping con el
automatismo, con obras tan imponentes (en valor artístico y tamaño, ya que
algunas son de 2.50 metros) como sus series Cathedral (1947) o Autumn Rithm
(1950).
El "Action Painting" de Pollock contemplaba el azar como un factor más a tener en
cuenta en el proceso creativo, lo cual implicaba que la propia realización de la obra era
ya tan importante como el resultado final. Él mismo lo explicó: "Cuando estoy en mi
pintura, no soy conciente de lo que estoy haciendo. Sólo después de hacerlo, cuando
hay una especie de pausa y toma de conciencia es cuando alcanzo a ver lo que he
hecho. No me da miedo hacer cambios destruyendo la imagen… porque esa pintura en
particular tiene su vida propia; yo sólo trato de que ésta surja para que se vea
claramente". Coincidirá el lector que entender lo críptico de este mensaje es casi tan
difícil como entender su obra.
Tuvo una complicada vida amorosa pero finalmente se casó con Lee Krasner, crítica y
pintora, (él decía que era la primera mujer con la que había tenido sexo) que, al estilo de
una Frida, lo consintió y protegió hasta su muerte. Sin embargo, en el auto que manejó
borracho, también murió una amante de nombre Ruth.
Su periodo mas productivo fue al final de la década del cuarenta y principios del
cincuenta, cuando cumple varios años de abstinencia alcohólica (gracias a los cuidados
de su esposa que lo muda de ciudad "para evitar las malas influencias”). Todos creían
que la fama lo había curado. En realidad estaba probablemente en un periodo
hipertímico, donde aumenta la imaginación y la capacidad productiva. Al volver a
tomar, (el alcohol en agudo sirve como desinhibidor pero con el abuso es altamente
depresógeno) se olvida del color y pinta aterrorizados ojos y "totems". La pintura de
Pollock sirve plenamente a la iconografía y simbolismo indoamericano. Ya no le
importaba el tamaño de la tela y los colores eran grises o negros en capas finas
(característico de la depresion por el tono y la falta de la anterior exhuberancia maníaca
o tóxica). También pintó autorretratos que lo muestran tenso, confuso y desesperado.
¿En qué temática hubiera terminado su pintura de no haber muerto?¿Hubiera seguido
introduciendo elementos figurativos y más orden?
Su nombre ha pasado a la posteridad, en relación con los grandes lienzos abstractos de
vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta
(una especie de maraña) de gran impacto.
Aclaremos para el lector no aquerenciado (o no instruido en ellos, porque muchos
conociendo el movimiento no logramos quererlo) con los difíciles términos de la pintura
contemporánea que el arte llamado "Expresionismo abstracto". Este es el término por
el que se conoce la trayectoria que siguió la pintura abstracta a partir de los años 1940
en América. Se usa (no son exactos pero se confunden) también el término de Action
Painting (Pintura de Acción), que contemplaba el azar como un factor más a tener en
cuenta en el proceso artístico.
A este grupo lo forman Baziotes, de Kooning, Gorky, Gottlieb, Guston, Hofmann,
Kline, Motherwell, Newman, Pollock, Pousette- Dart, Reinhardt, Rothko y Still. (Sin
embargo, la crítica coincide en la dificultad que supone agrupar a artistas tan diversos
bajo una misma etiqueta, siendo paradójico que en un arte que considera no tener
canones estrictos, se pretende agrupar).
Es probable que la mayor invención del "Action Painting" fue el descubrimiento que
llevaron a cabo Pollock, Rothko, Still y Newman, de una nueva superficie de la pintura
que denominaron all over, para significar un campo abierto sin límites en la superficie
del cuadro, donde el espectador era envuelto por la inmediatez de la estructura. En las
configuraciones all-over de Pollock, no hay punto focal, y la pintura genera una energía
continua tan cargada que parece sobrepasar los límites del cuadro, que, a su vez, para
intensificar esta sensación, agranda su escala. Still, Rothko y Newman lo elaboran por
medio de campos de color, eliminando toda traza de figuración y simbolismo, contraste
de luz y sombras, para agrandar al máximo el impacto visual y emocional del color.
Como de costumbre, el chauvinismo norteamericano cree descubrir lo ya existente;
dado que los precedentes del expresionismo abstracto son europeos y deben buscarse en
la abstracción de Kandinsky, la visionaria transformación de la realidad de Kokoschka y
en las técnicas de impacto de Nolde y Rouaults. Es interesante (para mi, al menos como
científica) el trabajo de Wols, que pintaba las formas de los organismos vistos a través
de un microscopio, plasmando en colores la forma de la estructura de la materia y en
general en la estructura interna de toda forma que tenga conexión con el cosmos.(¿mi
planteo es de duda sobre si esto es expresionismo abstracto o naturalismo
microscópico?) Vivian en la Nueva York de posguerra grandes pioneros de este
movimiento como Duchamp, Ozenfant, Tanguy y Matta Echauren. El cubismo y los
cuatro maestros del arte europeo, Picasso, Miró, Matisse y Léger, completan la base
sobre la que se desarrolló la pintura abstracta en América en los años cuarenta.
Los críticos consideran que estos tipos de arte abstracto emprendían la tarea iconoclasta
de reducir cualquier apariencia de lo visible, de demostrar que la Naturaleza estaba
fundamentalmente en cualquier rasgo de su expresión, en cualquier gota, mancha o
pincelada. La intermediación simbólica había demostrado ser una vía tautológica, una
especie de lenguaje que sólo sabe hablar de la expresión, pero que no nos abre la puerta
de la Realidad. El proceso de iconoclastia que implica este movimiento artístico está
claramente representado en la obra de Jackson.
Pollock, seguidor confeso de Jung (y por esto presto para realizar psicoterapias pero
renuente a las aproximaciones farmacológicas para tratar su enfermedad de base y su
adicción) iba a encontrar en el universalismo de este psicoanalista, discípulo de Freud,
la apertura hacia otras formas de pensamiento y otras concepciones de la realidad, así
como el soporte conceptual para dar coherencia a una intuición que siempre le había
acompañado.(En la concepción junguiana se contempla la existencia de un alma
colectiva subyacente en la profundidad del ser individual. Esa abstracción tendría un
valor aún mayor en cuanto recogería estados propios del alma humana en general.) El
artista había explorado las profundidades del alma pero no había encontrado ningún Yo
propio. Pollock se pregunta: "Si la pintura y yo somos lo mismo: ¿quién soy yo
entonces?". La búsqueda compulsiva de ese yo se convierte en tarea infructuosa.
Pollock sabe que él no es el artista sino la pintura, y es allí donde se encuentra. Se
considera a si mismo "su manera de pintar".
Importantes psiquiatras contemporáneos (Andreasen, Akiskal) coinciden en
diagnosticarlo como enfermedad bipolar exacerbada por exagerado consumo de
alcohol.( bipolar II o bipolar III y 1/2 según las modernas clasificaciones).
La pregunta crucial es: ¿De no haber tenido esta patología hubiera sido menos genial?
Creemos que no, el genio y la creatividad son a pesar de... y no debidas a... Sí,
seguramente su producción hubiera sido más homogénea, más pareja y más duradera, ya
que es su enfermedad la que lo llevó a una temprana muerte traumática. La enfermedad
no tratada sepultó la posibilidad de seguir creando. Uno de los pioneros del luego
llamado "arte efímero", hubiera tenido una vida menos efímera.
Jackson con la técnica que
lo hizo famoso. Parado
con sus zapatos llenos de
pintura, con la lata en una
mano de la cual vertía
colores en forma directa,
utensilios de espátulas,
cilindros y esponjas con
las cuales imprimía
enérgicos movimientos
circulares a las manchas
de color. Textura, luz,
planos cromáticos y
movimiento eran la
expresión. Decía no
discriminar donde estaba
él y donde su pintura "Si
yo soy mi pintura, donde
estoy yo?"
c
El actor de la película de Harris, teatralizando la técnica, ya teatral en si misma.
Uno de sus más famosos drippings en
época de exaltación de forma y color
"Cuando estoy en mi pintura, no soy
conciente de lo que estoy haciendo.
Sólo después de hacerlo, cuando hay
una especie de pausa y toma de
conciencia es cuando alcanzo a ver lo
que he hecho. No me da miedo hacer
cambios destruyendo la imagen…
porque esa pintura en particular tiene
su vida propia, yo sólo trato de que
ésta surja para que se vea claramente".
Otro de sus monumentales drippings en época de disminución de
percepción lumínica y alegre, en los estados depresivos o de abstinencia
alcohólica. La enfermedad truncó la creación.