MODERNIDAD Y POSMODERNIDAD

Teoría del Arte II
MODERNIDAD Y POSMODERNIDAD
Acercamiento a los conceptos
José Ramón Tercero Collar
Expediente 6702-11-02591
D.N.I.- 51886030P
Curso 2012-13
Tabla de contenido
1)
JUSTIFICACIÓN DEL TRABAJO……………………………………………………………………………………….3
2)
MODERNIDAD…………………..............................................................................................4
a) Significado y características…………………………………………………………………………………..4
b) La idea de progreso en la formación de la de modernidad……………………………………6
c) La idea de vanguardia en la formación de la modernidad……………………………………..6
d) Modelos estéticos modernos………………………………………………………………………………..7
e) Comienzos y diferentes visiones……………………………………………………………………………8
f)
Algunas conclusiones…………………………………………………………………………………………..16
3)
OCASO DE LA MODERNIDAD………………………………………………………………………………………17
4)
POSMODERNIDAD……………………………………………………………………………………………………..19
a) Significado y características…………………………………………………………………………………19
b) Diferentes visiones………………………………………………………………………………………………23
5)
TEORÍA POSMODERNA……………………………………………………………………………………………….26
6)
EL ARTE POSMODERNO……………………………………………………………………………………………..27
7)
CONCLUSIÓN……………………………………………………………………………………………………………..31
8)
BIBLIOGRAFÍA…………………………………………………………………………………………………………….33
9)
ILUSTRACIONES………………………………………………………………………………………………………….35
2
1.
JUSTIFICACIÓN DEL TRABAJO
Oigo una entrevista en la radio. El entrevistador interroga a un invitado, un
escritor que acaba de publicar un libro sobre el tema, tan “original”, de la crisis actual.
La pregunta inicial indaga acerca del comienzo de dicha crisis; el periodista se confiesa
sorprendido por lo señalado por el autor en su libro. Éste indica que, él, a diferencia de
otras muchas personas data el comienzo de la actual situación en la década de los 60 del
siglo pasado, nada menos. Ante el asombro del periodista y mi escepticismo, lo
reconozco, el narrador explica que a diferencia de la mayoría de las personas que ubican
la gestación de la crisis en hechos concretos relacionados con quiebras bancarias,
burbujas inmobiliarias y otros acontecimientos más cercanos en el tiempo, él lo retrasa
al momento del desarrollo de la posmodernidad y asocia este evento al progreso del
relativismo en todos sus campos, moral, ético etc. que trae como consecuencia la
codicia desmedida y la pérdida del concepto de trabajo-ahorro que, según él, había
caracterizado a la clase media hasta entonces (como se puede apreciar la opinión de este
hombre sobre la posmodernidad no era muy positiva). Reflexiono: Modernidad,
posmodernidad, cultura, arte y sociedad modernas y posmodernas,
he oído esas
“etiquetas” innumerables veces pero, ahora que lo pienso, no sé ni lo qué significan, ni
lo qué quieren decir más allá de tener una opinión muy superficial y por supuesto
desconozco qué implicaciones tienen, y, por lo que intuyo, escuchando la conversación
radiada, son muchas e importantes.
Este trabajo nace como consecuencia de la necesidad de alumbrar mi ignorancia
al respecto, resolver mis dudas y conocer algo más sobre algo en lo que todos nos
desenvolvemos de forma inconsciente, al menos por mi parte, hasta ahora.
Debo reconocer que me ha sido de gran dificultad adentrarme en el terreno de
estos conceptos por lo inexplorado que era para mí el terreno que pisaba y por el escaso
equipaje filosófico y cultural que sobre el tema podía meter en la mochila para iniciar la
exploración.
Buscar bibliografía y entender lo que leía han sido las dificultades mayores que
he encontrado. De gran ayuda han sido las nuevas tecnologías y una buena sobrina que
por trabajar en Inglaterra que me han proporcionado la posibilidad de traducir textos del
inglés y del francés (no sin dificultades ya que los traductores son francamente
3
mejorables) pero al menos me han permitido tener acceso a libros que de otra forma me
hubiesen resultado casi imposibles de conseguir y de consultar. Comienzo, pues.
2.
MODERNIDAD
a. Significado y características
Antes de poder abordar de lleno el tema de posmodernidad, me veo en la
necesidad de hablar de lo que fue o, quizás, debo decir, lo que es la modernidad, ya que
para algunos existe una estrechísima frontera entre ambas, y para otros ni siquiera existe
tal. Incluso acerca de su desaparición o vigencia actual existe controversia. Conviene
advertir, por tanto, que resulta peligroso, o al menos imprudente, trazar una línea
fronteriza demasiado marcada entre estos dos conceptos ya que ambos fenómenos
culturales se superponen de forma considerable y desde luego no seré yo quien ose
hacerlo.
El término moderno tiene una larga historia. En su forma latina “modernus” se
utilizó por primera vez en el siglo V a fin de distinguir el presente, que se había vuelto
oficialmente cristiano, del pasado romano y pagano. Moderno, sin un contenido preciso,
expresa la conciencia de una época que se relaciona con el pasado, la antigüedad, a fin
de considerarse a sí misma como el resultado de una transición de lo antiguo a lo nuevo.
Hay que señalar que algunos autores interpreten la posmodernidad como una fase tardía
de la modernidad. Moderno, también se ha empleado para identificar el auge de un
nuevo estilo en las artes, un estilo que repudiaba todos los estilos precedentes. En
definitiva, todas las acepciones que en los diccionarios vienen contraponen el
significado del término moderno como oposición a lo clásico o antiguo.
Lo más usual es fijar el inicio de lo moderno asociándolo con la aparición y
desarrollo de las concepciones racionalistas de los siglos XVII y XVIII, periodo
histórico conocido como La Ilustración, por tanto, el concepto de modernidad depende
fundamentalmente de la creencia en el uso de la razón y en el conocimiento científico
como artífices de todo progreso posible.
La modernidad también piensa en términos de utopías racionales creadas
mediante una ingeniería social o la planificación de un ordenamiento social ideal.
Entonces, la modernidad, en cualquiera de los ámbitos en los que se mencione está
orientada hacia el futuro, el cual es representado como una época mejor que el presente
(uno de los indicios que se señalan como prueba de la existencia de lo posmoderno y de
4
la transición a ello desde lo moderno es que las representaciones actuales del futuro rara
vez presentan las cosas mejor de lo que son en el presente) o “el futuro ya no es lo que
era”1.
Pero la modernidad también tiene connotaciones negativas. La tecnología, por
ejemplo, es usada a menudo para representar la cara menos “amable” de lo moderno. Se
pueden encontrar otros ejemplos en las críticas a los proyectos de renovación
urbanística de los años 60 que conllevaron industrialización, alienación, degradación de
la vida urbana contemporánea, calentamiento global, etc. Marshall Berman2,
preocupado por captar la esencia de la experiencia moderna escribió: “ser moderno es
encontrase en un entorno que nos promete aventura, poder, alegría, crecimiento,
transformación de uno mismo y del mundo; y que, al mismo tiempo, amenaza con
destruir todo lo que tenemos, todo lo que sabemos, todo lo que somos. Los entornos y
experiencias modernos cancelan los límites geográficos y étnicos, de clase y
nacionalidad, religión e ideología. En este sentido puede decirse de la modernidad que
une a la humanidad. Pero la suya es una unidad paradójica una unión de la desunión,
nos precipita en un torbellino de perpetua desintegración y renovación, de luchas y
contradicción, de ambigüedad y angustia. Ser moderno es formar parte de un universo
en el que, como decía Marx, “todo lo sólido se desvanece en el aire.”3
El concepto de Arte Moderno está sometido a permanentes reformulaciones y
sobre él, tampoco, existe un acuerdo general acerca de su significado. Ya se trate de
determinar un período de la historia del arte, describir características de la producción,
tipos de circulación y consumo de lo estético, etc. La expresión Arte Moderno requiere
la necesidad de ser definida cada vez que alguien la menciona. En principio la dificultad
1
Rose, Margaret A. The post-modern and the post-industrial: A critical analysis. Cambridge, Cambridge
University Press.
2
Marshall Berman: Nació en 1940 en el Bronx. Es un filósofo marxista y escritor estadounidense de
origen judío. Ha escrito una serie de libros influyentes en la sociología de la cultura tales como La
política de la autenticidad, Aventuras en el marxismo pero fue con Todo lo sólido se desvanece en el aire,
considerado uno de los libros más influyentes del siglo XX, que logró reconocimiento internacional.
Inspirado en las tesis de Karl Marx, fue creando desde esa base sus ideas sobre modernismo y
modernidad donde se entiende la cultura contemporánea como un mito permanentemente recreado,
tomando así el enlace temático sugerido por la Escuela crítica acerca de entender la modernidad como
irracionalidad contenida en racionalidad y "mito ilustrado". Sin embargo, gran parte de sus impulsos
creativos y trabajo intelectual tienen una formación liberal.
3
Berman, Marshall. Todo lo sólido se desvanece en el aire: experiencia de la modernidad. Madrid. 1991
Tr. Morales, Andrés
5
deriva de los propios términos que reúne, ‘arte’ y ‘moderno’, en sí mismos categorías.
Según éstos se entiendan, por separado, y el tipo de relación entre ambos, así resultará el
resultado de la definición.
b. La idea de progreso en la formación del concepto de modernidad.
La modernidad histórica se apoya en la creencia de que la cultura y la sociedad
tienen un desarrollo progresivo y evolutivo basado en el avance de la ciencia y el
ejercicio de la razón humana. A finales del siglo XIX, la noción de progreso estaba
avalada científicamente por la teoría de la evolución de Darwin.
La comunidad de artistas profesionales también se hizo eco de estas ideas
modernas de progreso, de acuerdo con el supuesto de que cada nueva generación de
artistas logra avances en el potencial expresivo de sus respectivos medios artísticos. A
partir de finales del siglo XIX, el progreso del arte se identificó con el rechazo de las
convenciones de representación asociadas al arte academicista de los siglos anteriores.
Las convenciones tradicionales del arte fueron abandonadas a finales de dicho siglo,
cuando los artistas empezaron a ver en la academia un obstáculo para su originalidad,
que pasó a considerarse como el principio mismo del progreso artístico.
En las primeras décadas del siglo XX el crítico de arte británico Roger Fry4
logró convencer a los profesionales de su época de la validez del arte abstracto y de su
superioridad sobre las formas artísticas precedentes gracias a que el público ya había
interiorizado la noción de progreso como un principio rector de la evolución de la
cultura humana. Al aludir al principio del progreso artístico pudo presentar los diseños
compositivos como un avance estético.
c. La idea de vanguardia en la formación de la modernidad
La idea de progreso guarda estrecha relación con la idea afín de que el avance
cultural es obra de una élite artística e intelectual, una vanguardia productora de nuevas
formas de arte. Su papel cultural consistía en elaborar nuevas formas de realidad que
4
Roger Eliot Fry: Nació en Londres el 14 de diciembre de 1866 y murió el 9 de septiembre de 1934. Fue
un artista y crítico inglés miembro del grupo de Bloomsbury. A medida que fue madurando como crítico
se volvió un acérrimo defensor de la pintura francesa contemporánea a la cual dio el nombre de
postimpresionismo. Sus ensayos y conferencias ejercieron gran influencia tanto en pintores como en
expertos en arte. Entre sus libros, en los que su autor muestra su extraordinario conocimiento de la
historia y que se caracterizan por la claridad de su prosa, se incluyen Visión y diseño (1920) y un estudio
sobre Paul Cézanne (1927). Organizó el taller Omega, formado por un grupo de artistas que perseguían
una síntesis de las artes visuales aplicada a la decoración arquitectónica de interiores.
6
permitieran la realización del progreso. Estas formas innovadoras debían desafiar las
creencias y supuestos del público. Se esperaba que tras un momento inicial de
incomprensión del público ante las nuevas ideas y el nuevo arte, el público se volviera
paulatinamente receptivo a estos avances.
d. Modelos estéticos modernos
El debate sobre la modernidad tiende a privilegiar dos modelos estéticos: el formalismo
y el expresionismo. La posición formalista fue definida a principios del siglo XX por
Arthur Bell5 y Roger E. Fry. En cuanto a las teorías expresionistas, fueron expuestas
por Benedetto Croce6 y Robin G. Collingwood7. Ambas concepciones aparecen
asimismo en los textos críticos de Clement Greenberg8 a favor del expresionismo
abstracto tras la Segunda Guerra Mundial. Consideraba la eliminación del contenido
como un avance en la historia del arte. En su descripción del arte, éste aparecía
“asediado por la cultura de masas”, por lo que necesitaba una reforma que girara en
5
Arthur Clive Heward Bell: Nació el 16 de septiembre de 1881 en Great Shefford y murió el 17 de
septiembre de 1964 en Londres. Fue un crítico de arte británico. Estudió en la Universidad de Cambridge
y en 1907 se casó con Vanessa Stephen, hermana de Virginia Woolf. Junto a su concuñado Leonard
Woolf y Roger Fry formaron la base del Círculo de Bloomsbury. Sus conceptos estéticos más importantes
fueron publicados en el libro Art de 1914 y en Since Cézanne de 1922, en el cual promovió su teoría
denominada con el término "significant form", que describe la calidad distintiva de las obras de arte a
otros objetos. Su argumentación de que la apreciación artística implica una respuesta emocional a
cualidades puramente formales, independientes del contenido, fue muy influyente durante varias
décadas.
6
Benedetto Croce: Nació el 25 de febrero de 1866 y murió el 20 de noviembre de 1952. Fue un
escritor, filósofo, historiador y político italiano. Figura destacada del liberalismo, su obra influyó en
pensadores italianos tan diversos como el marxista Antonio Gramsci y el ideólogo fascista Giovanni
Gentile.
7
Robin George Collingwood: Nació el 22 de febrero de 1889 en Cartmel Fell, Lancashire y murió el 9 de
enero de 1943 en Coniston, Cumbria, Inglaterra. Fue un filósofo e historiador británico. En The
Principles of Art (Los principios del arte) sostuvo (siguiendo a Croce) que las obras de arte son
esencialmente expresiones de la emoción. Veía el arte como una función necesaria de la mente
humana, y lo consideraba una actividad colaborativa
8
Clement Greenberg: Nació el 16 de enero de 1909 y murió el 7 de mayo de 1994. Fue un influyente
crítico de arte estadounidense muy relacionado con el movimiento abstracto en los Estados Unidos. En
particular, promovió el movimiento del Expresionismo abstracto y tuvo relaciones muy estrechas con el
pintor Jackson Pollock. Destacó por vez primera como crítico de arte con su ensayo Avant-Garde and
Kitsch, publicado por vez primera en el periódico Partisan Review de 1939. En este artículo Greenberg
afirmó que la vanguardia y el arte modernista fueron un medio de resistirse a la nivelación de la cultura
producida por la propaganda capitalista. Greenberg se apropió de la palabra alemana “kitsch” para
describir este consumismo, aunque sus connotaciones han cambiado desde entonces hacia una noción
más afirmativa de materiales de desecho de la cultura capitalista. El arte moderno, como la filosofía,
exploró las condiciones bajo las cuales experimentamos y entendemos el mundo.
7
torno a “esos valores que sólo se pueden dar en el arte”. “El contenido debe ser disuelto
tan completamente en la forma que la obra de arte o literaria no pueda ser reducida ni
parcial ni completamente a nada que no fuera ella misma, […] la materia o el contenido
se convierten en algo que hay que erradicar como una plaga”9
e. Comienzos y diferentes visiones.
No obstante las dificultades, el enunciado Arte Moderno persiste, no sólo a nivel
del habla técnica, sino también del decir generalizado. Si se quiere verificar su validez
como noción descriptiva y explicativa del arte de los siglos XVIII, XIX y XX creo que
hay que comenzar por el análisis de alguno de sus usos. A modo de ejemplo realizaré un
breve recorrido comentado sobre algunas menciones del concepto Arte Moderno y de
sus comienzos realizadas por diferentes autores.
Comenzaré por Meyer Schapiro10. Dice, refiriéndose a un trabajo suyo anterior
titulado Courbet
y la Imaginería Popular, que “Courbet pertenece al período de
transición que va del artista cultivado de la pintura histórica, poseedor de un amplio
bagaje literario, histórico y filosófico y cuyas obras requieren comprenderse a la vez que
verse, al artista de la segunda mitad del siglo XIX, que confía sólo en la sensibilidad y
trabaja directamente a partir de la naturaleza o de un sentimiento, que ve más que piensa
o imagina”.11 Schapiro escribe esto en 1941 y puede relacionarse con lo dicho por
Pierre Daix12 sobre el mismo Courbet: “es el último gran pintor que haya pintado de
acuerdo con la teoría del arte de la imitación. Vivió bastante tiempo para ver cómo su
realidad se le escapaba: la misma realidad de los paisajes observados de un modo
9
The end of art and theory: criticism and postmodernity. Pág. 14
10
Meyer Schapiro: Nació en 1904 y murió en 1996 fue un historiador del arte estadounidense, experto
en arte cristiano primitivo y medieval, pero asimismo en el moderno. Proporcionó nuevas metodologías
históricas y miradas interdisciplinares para estudiar las obras de arte. Estudió bachillerato y luego se
doctoró en Nueva York en la Columbia University. Empezó a explicar en 1928 y fue nombrado profesor
en la Universidad de Columbia en 1952. Enseño arte moderno, y publicó libros sobre Van Gogh y
Cézanne así como varios ensayos al respecto. Fue fundador de la revista Dissent, con Irving Howe y
Michael Harrington. Sus puntos de vista sociológicos fueron considerados a veces radicales, pero
lograron espolear su disciplina con puntos de vista novedosos: metodologías históricas con ecos
marxistas y miradas interdisciplinares muy diversas.
11
Schapiro, Meyer. El arte moderno. 2ª edición 1993. Edit. Alianza. (nota introductoria)
12
Pierre Daix, nació el 24 de mayo de 1922 en Ivry sur Seine, es un periodista y escritor, autor de varias
obras sobre Pablo Picasso, de quien era amigo, así como de varias obras sobre el arte de otros artistas,
de artículos y de libros sobre su experiencia comunista y sobre su vivencia en el campo de concentración
de Mauthausen; también es autor de novelas.
8
distinto por los pintores que le siguieron, más atentos que él a la impresión directa, al
aire libre"13.
En el capítulo denominado La Introducción del Arte Moderno en América: La
Armory Show14, de 1952, Schapiro se refiere al arte expuesto en aquel 1913 como “un
arte más contemporáneo en un sentido nuevo y radical [...], a saber: que la modernidad
en cuanto tal era un atributo, de forma que quienes contemplaban tales obras no podían
sino pensar que correspondían al presente” y agrega: “Por arte contemporáneo o arte
vivo, como se le llamaba [... se entendía] lo progresivamente contemporáneo, lo que
modifica un pasado heredado y abría paso a un futuro aún más novedoso”.
En la Armory Show se reservó una sala para Ingres, Delacroix, Corot y Courbet,
“... artistas a los que los académicos reconocían como maestros, eran presentados junto
a los jóvenes rebeldes como sus antepasados, toda una saga de grandes espíritus
innovadores”. De esta forma Schapiro explica, remontándose hasta Delacroix, la
conciencia moderna y la prueba, según él, de su gestación progresiva. La Modernidad la
describe como atributo de la obra que denota su relación con el presente; el paradigma
moderno se establece con términos como innovación, contemporaneidad, futuro,
rebeldía, vida.
Lo que la obra hace presente es el cambio de la relación arte-tiempo. Según
Pierre Daix: “el arte moderno ha invertido el sentido del tiempo en el arte. Intenta captar
el mundo que nace, el porvenir”. Esta nueva concepción del tiempo es más que un
atributo, es una condición. El modelo del arte moderno ya no está tras él, él mismo se
convierte en modelo, un cuadro funciona primero como espacio, luego es tal o cual tema
o motivo.
13
Daix, Pierre. Nueva crítica y arte moderno. Paris. 1971. Edit. Fundamentos.
14
Oficialmente llamada la Exposición Internacional de Arte Moderno, el Armory Show de 1913 recibió tal
nombre por la sede en que tuvo lugar: la Armería del Regimiento 69, situado en Lexington Avenue entre
las calles 25 y 26 de Nueva York. Una parte de la exposición viajó a Chicago y Boston a finales de ese
año, y una muestra por el 50 aniversario se montó en el Munson-Williams Proctor Art Institute en Utica,
Nueva York, en 1963. Pero el Armory Show representaba una tarea enorme en la era pre-teléfono, precorreo electrónico y pre-transporte aéreo, por lo que era difícil convertirlo en un evento anual. La
exposición que hoy se llama el Armory Show ocurre cada mes de marzo en los muelles del río Hudson de
Nueva York. Es la feria de arte más grande y de más alto perfil en la ciudad, fundada en 1994 por un
grupo de comerciantes, originalmente llamada Gramercy Park Art Fair, por su ubicación inicial en el
Hotel Gramercy Park. En 1999 los organizadores de la feria la trasladaron temporalmente a la Armería
del Regimiento 69 y la renombraron The Armory Show, en homenaje a la exposición de 1913. En el 2001
se trasladó nuevamente, esta vez a los muelles del río Hudson, donde la feria se ha celebrado
anualmente desde entonces.
9
Lionello Venturi15 lista la relación de aquellos artistas que considera los
máximos exponentes del siglo XIX, iniciando la lista por Goya16 y Constable17 y
culminando en Van Gogh18 y Toulouse-Lautrec19. “Los pintores elegidos no sólo son
artistas perfectos, sino también modernos”20. Venturi, no usa el apelativo moderno
únicamente como una indicación cronológica. Para él es absurdo separar la obra del
espíritu de su tiempo.
15
Lionello Venturi. Nació en Roma el 25 de abril 1885 y murió el 14 agosto 1961. Fue un pensador
italiano crítico e historiador del arte. Fue uno de los doce docentes universitarios que en 1931
rechazaron prestar juramento de fidelidad al fascismo, perdiendo la cátedra. Emigró entonces a París,
donde estuvo hasta 1939 y se ligó al núcleo antifascista de Justicia y Libertad y luego marchó a Nueva
York hasta 1944. Allí dio clases, además de en la Universidad de Nueva York, en la Universidad John
Hopkins de Baltimore, en la Universidad de California, en las Universidades de México (central), Chicago,
Detroit y Filadelfia. Finalizada la Segunda Guerra Mundial, en 1945, regresó a Italia, definitivamente a
Roma, donde retomó la enseñanza universitaria hasta 1955. Existen múltiples publicaciones suyas, de
historia y crítica del arte. Destacan sus trabajos sobre Caravaggio, Modigliani, Paul Cézanne y los
impresionistas franceses, sobre Georges Rouault, Marc Chagall, Lalla Romano, Soldati, Luigi Spazzapan y
Gino Severini.
16
Francisco de Goya y Lucientes: Nació en Fuendetodos, Zaragoza, el 30 de marzo de 1746 y murió en
Burdeos, Francia, el 16 de abril de 1828. Fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de
caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el
Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se
considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
17
John Constable: Nació en East Bergholt, Suffolk, Inglaterra el 11 de junio de 1776 y murió el 31 de
marzo de 1837. Fue un pintor inglés de paisajes. A partir de 1825, se produce un punto de inflexión en
su obra y paulatinamente se va viendo en ella un naturalismo más sombrío y melancólico, de añoranza,
donde los paisajes se cargan más de sentimiento. El naturalismo de sus primeros años da paso a un
expresionismo y subjetividad mayores.
18
Vincent Willem van Gogh: Nació el 30 de marzo de 1853y murió el 29 de julio de 1890. Hijo de un
austero y humilde pastor protestante neerlandés llamado Theodorus y de su mujer Anna Cornelia. El 1
de mayo de 1857 nació su hermano Theo y ambos tuvieron cuatro hermanos más. Durante los últimos
treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. El 22 de
febrero de 1890, Van Gogh sufrió una de sus frecuentes crisis que fue "el punto de partida de uno de los
episodios más tristes en la vida ya plagada de tristes acontecimientos". Este período duró hasta finales
de abril, tiempo durante el cual fue incapaz de decidirse a escribir, sin embargo siguió dibujando y
pintando. Sin embargo, su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890, a la edad de treinta y siete años,
mientras paseaba por el campo, se disparó un tiro en el pecho con un revólver.
19
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec: Nació en Albi el 24 de noviembre de 1864 y murió en
Saint-André-du-Bois el 9 de septiembre de 1901. Conocido simplemente como Toulouse Lautrec, fue un
pintor y cartelista francés que se destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales
del siglo XIX. Tenía grandes problemas con el alcohol, lo que muchas veces derivaba en locura. Además
contrajo la sífilis. La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, al que
corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes,
siendo el suyo un estilo muy característico.
20
Venturi, Lionello. Pintores Modernos. Buenos Aires. 1953. Edit. Argos. (Prefacio)
10
Para Venturi ¿Cuál es el espíritu de lo moderno? Lo señala de la siguiente
forma:”El siglo XIX se despertó en el arte con un ideal llamado romántico, del cual no
se ha separado nunca totalmente [...] y a pesar de la veleidad anti-romántica del siglo
XX, de ciertas pretensiones de abstraer y de ciertos retornos a lo antiguo, nuestra edad
no tiene más que una tradición, un apoyo, un punto de partida: el arte del siglo XIX”.
Cuando habla de Goya, Venturi afirma que fue este pintor el que “rompió las
tradiciones del 700 en sus ideales y sus técnicas”. Goya es el creador de una nueva
tradición “penetrada por el nuevo modo de sentir la libertad, la patria y la religión”.
Venturi no habla de transición sino de despertar y ruptura y el horizonte
temporal aparece más lejano, cronológicamente a partir del 1700. Allí nace una nueva
tradición que, rebosante del ideal romántico se continúa hasta el siglo XX. Para Venturi,
Goya es un origen a la vez factual y conceptual.
Giulio Carlo Argan21 ubica el nacimiento de la modernidad en la 2ª mitad del
siglo XVIII y lo liga a tres factores:22
a) la teorización de los períodos clásico y romántico producida entre la
mitad del siglo XVIII y mediados del XIX por artistas, literatos y teóricos
del arte cuyo resultado fue la construcción de modelos, la conversión de
hechos en ideas.
b) la formación de la Estética.
c) la cultura del Iluminismo23.
Según él, estos tres factores tienen una compleja interrelación. El “profundo
corte” producido en la tradición figurativa da lugar a “el nuevo ciclo histórico del arte”
el denominado moderno o contemporáneo que se continúa en el siglo XX. Argan habla
de corte, discontinuidad en la tradición figurativa contemporánea relacionándola a la
21
Giulio Carlo Argan. Nació en Turín en 1909 y murió en Roma en 1992. Fue historiador y crítico de arte
italiano y uno de los mayores eruditos y pensadores del siglo XX. Inspector de los museos del Estado y
profesor de historia del arte en las universidades de Palermo y de Roma, de cuya ciudad fue alcalde
(1976-1979), su actividad en la promoción y difusión del arte contemporáneo durante la posguerra fue
muy intensa. En su abundante bibliografía, los análisis de la historia de la arquitectura, las monografías
de artistas y los ensayos diversos reflejan su interpretación conceptual de la obra de arte.
22
Argan, Giulio Carlo. El arte moderno (1770-1970). 4ª edición. Valencia. Edit. Fernando Torres.
23
El movimiento intelectual europeo del siglo XVIII, conocido más habitualmente como Ilustración.
11
aparición de una nueva conciencia estimulada por el ejercicio de la crítica.
Características de este nuevo ciclo serían:
a) La afirmación de la absoluta autonomía de la esfera del arte.
b) El reconocimiento de una especificidad a partir de la cual se producen
sus vinculaciones con las otras actividades humanas.
c) La concepción romántica que domina su primera fase desde 1750 hasta
1850.
En la lista de las causas de la ruptura con el ciclo clásico del arte, es
predominante para Argan la transformación de los medios técnicos de producción con
sus consecuencias sociales y políticas. El tránsito del artesanado a la industria destruye
los imaginarios colectivos previos y acelera la representación misma de la Modernidad.
La cultura de la Ilustración transforma la concepción de la naturaleza, ahora
simple entorno de la existencia humana, individual y social. Se promueven diversas
reacciones que tienden a modificar la realidad objetiva, especialmente en arquitectura.
Argan se refiere a la arquitectura desde fines del XVIII llamándola moderna24 y aclara
que este término fue usado por Bellori
25
en 1672 aplicado a un arte que tiene
conciencia de que no está vinculado con una verdad estable, la naturaleza, sino con un
desarrollo histórico y que encarna una nueva sensibilidad, un nuevo espíritu, del que se
embeben artistas que se convierten en encargados de una regeneración que nadie les
encomienda.
Arthur Danto26 publica que “[…] casi al mismo tiempo pero ignorando cada cual el
pensamiento del otro, el historiador alemán del arte Hans Belting27 y yo publicamos
24
Argan, Giulio Carlo. El concepto del espacio arquitectónico. Desde el barroco a nuestros días. 1973.
Buenos Aires. Edit. Nueva Visión
25
Giovanni Pietro Bellori. Nacido en Roma en 1613 y fallecido en la misma ciudad en 1696. Fue un
escritor y crítico artístico italiano y uno de los biógrafos más importantes de los artistas del Barroco
italiano en el siglo XVII. Historiador del arte fue considerado por muchos como el equivalente de época
barroca de Giorgio Vasari.
26
Arthur Coleman Danto. Nace en Ann Arbor, Michigan, el 1 de enero de 1924 es un crítico de arte y
profesor de filosofía de los Estados Unidos. Después de pasar dos años en la Armada, estudió arte e
historia en la Wayne State University para luego seguir estudios de graduación en filosofía, en la
Universidad de Columbia. Desde 1949 a 1950, Danto estudió en Paris con una beca Fulbright, y en 1951
regresó a enseñar en Columbia, donde actualmente es Profesor Johnsonian Emérito de Filosofía. Parte
de la celebridad alcanzada por Danto está basada en su tesis sobre una supuesta “muerte del arte” en el
horizonte contemporáneo de la cultura. Para fundamentar su postura acude a la meditación hegeliana
sobre la muerte del arte en el contexto de su Estética. Es considerado el filósofo analítico más
importante en temas de estética, aunque sus posturas son discutibles. Danto ha alcanzado notoriedad
12
textos acerca del fin del arte […] un cambio histórico importante había tenido lugar en
las condiciones de producción de las artes visuales aun cuando, aparentemente los
complejos institucionales del mundo del arte, galerías, escuelas de arte, revistas,
museos, instituciones críticas, restauradores parecían relativamente estables.”28
Danto propugnaba que el arte terminó en los años sesenta. Desde esta
declaración, ha estado a la vanguardia de una crítica radical de la naturaleza del arte en
nuestro tiempo. Después del final del arte presenta la primera reformulación o revisión a
gran escala de su idea original, que muestra cómo, con el eclipse del expresionismo
abstracto, el arte ha desviado, de forma inexorable, el curso narrativo que Vasari29
ayudó a definir para el Renacimiento. Además, dirige el camino a un nuevo tipo de
críticas que ayudan a entender el arte en la era posthistórica donde, por ejemplo, un
artista puede producir una obra en el estilo de Rembrandt30 para crear un juego de
palabras visual, o donde las teorías tradicionales no pueden explicar la diferencia entre
por su trabajo en Estética Filosófica, aunque ha realizado incursiones en otras áreas como la Filosofía de
la Historia, las Teorías de la Representación, la Psicología Filosófica, la Estética de Hegel y los filósofos
Maurice Merleau-Ponty y Arthur Schopenhauer.
27
Hans Belting. Nació en 1935. Es un historiador del arte alemán. Estudió en las universidades de
Maguncia y de Roma. Hizo su doctorado en historia del arte en la Universidad de Maguncia. Luego
trabajó en Dumbarton Oaks (Universidad de Harvard), Washington. De regreso a Alemania, Belting logró
una plaza de profesor en la Universidad de Hamburgo en 1966. Más tarde, será profesor de historia del
arte en la Universidad de Heidelberg, y luego será Miembro de la Academia de las ciencias de esta
última ciudad. Entre 1980 y 1992 fue profesor de la Ludwig Maximilians Universität de Múnich.
Finalmente, desde 1992 hasta su retiro en 2002, dio clases en el Instituto de Historia del Arte y de Teoría
en el centro estatal de diseño de los media en Karlsruhe, que él ayudó a fundar. Además de ser un
especialista sobre el arte medieval y renacentista, es también un original estudioso de la teoría de las
imágenes, ya que ha tomado en consideración extensamente su peso en los medios de comunicación y
en el arte contemporáneo con argumentos novedosos.
28
Coleman Danto, Arthur. After the End of Art. 1997. Washington. Pág. 25. Princeton University Press.
29
Giorgio Vasari. Nació en Arezzo el 30 de julio de 1511 y murió en Florencia el 27 de junio de 1574.
Fue un arquitecto, pintor y escritor. Es célebre sobre todo por sus biografías de artistas italianos,
colección de métodos, anécdotas, rumores y leyendas recogidas en su libro Vite de' più eccellenti
architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri), fuente primordial para el
conocimiento de la historia del arte italiano.
30
Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Nació en Leiden el 15 de julio de 1606 y murió en Ámsterdam el
4 de octubre de 1669. Fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los
mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante
de la historia de Holanda. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en
llamar la edad de oro holandesa, el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio,
poderío e influencia política.
13
de la Caja de Brillo de Andy Warhol31 y el producto que se encuentra en la tienda de
comestibles. Las nociones tradicionales de la estética ya no se pueden aplicar al arte
contemporáneo, sostiene Danto. Por el contrario se centra en una filosofía de la crítica
de arte que puede ocuparse de, tal vez, la característica más desconcertante del arte
contemporáneo: que todo es posible.
Danto establece algunas características que se reconocen como pertenecientes a
lo que se ha descrito como arte moderno, él lo llama, hasta aquí, simplemente arte, y
señala una transformación que sitúa a partir del siglo XVIII.
A fin de construir una periodización, dice: “Si esto es concebible, entonces pudo
haber existido otra discontinuidad, no menos profunda que ésta, entre el arte producido
en la era del arte y el arte producido tras esa era”. Entonces el arte excede el período, en
particular aquel que al autor le interesa circunscribir; “la era del arte”, “no comenzó
abruptamente en 1400, ni tampoco finalizó de golpe hacia la mitad de los años
ochenta...”
En fin, Danto concluye que si Belting ha llegado a la idea de un arte anterior al
comienzo del arte, “deberíamos pensar en el arte después del fin del arte, como si
estuviéramos emergiendo desde la era del arte a otra cosa, cuya exacta forma y
estructura resta ser entendida”.32
Enseguida hará corresponder la era del arte, esta vez de manera explícita, con el
Arte Moderno. Señalará su diferencia con el Arte Contemporáneo cuya conciencia,
según supone, comenzó a emerger a mediados de la década de 1970: “el arte
contemporáneo no tiene un alegato contra el arte del pasado, ni tiene sentido que el
pasado sea algo de lo cual liberarse, no tiene sentido aún cuando sea absolutamente
diferente como arte, del arte moderno en general. Parte de lo que define el arte
31
Andrew Warhola, Jr. Nació en Pittsburgh el 6 de agosto de 1928 y murió en Nueva York el 22 de
febrero de 1987, comúnmente conocido como Andy Warhol. Fue un artista plástico y cineasta
estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una
exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en
pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los
medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e
intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos,
modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Fue personaje polémico durante su vida y desde
su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales,
además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (1996). Al margen de la
fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a
su revolucionaria obra.
32
Coleman Danto, Arthur. After the End of Art. 1997. Washington. Pág. 26. Princeton University Press.
14
contemporáneo es que el arte del pasado está disponible para el uso que los artistas le
quieran dar. Lo que no está disponible es el espíritu en el cual fue creado ese arte.”33
En torno a la representación y su problemática como criterio en la definición del
Arte Moderno se pueden citar las palabras de Greenberg, refiriéndose a una figura
central del Aufklarung34 dijo: “Identifico lo moderno con la intensificación, casi la
exacerbación, de la tendencia autocrítica que empezó con Kant. Puesto que este filósofo
fue el primero en criticar los medios mismos de la crítica, veo en Kant al primer
moderno verdadero.”35 El ejercicio filosófico de Kant resulta paradigmático, no sólo
para el campo de las ciencias y la moral práctica, cuyas realidades ayudó a constituir,
sino también para la formación del discurso que denominamos crítica de arte.
Lo que sucede al nivel de los discursos es seguido por Greenberg con su punto
de vista del arte: “Supongo que la correspondiente concepción de la pintura debería ser
no tanto el representar la apariencia de las cosas, sino responder a la pregunta de cómo
la pintura fue posible”. Se pregunta: ¿Quién llevó la pintura desde lo representacional
hacia la vía en que los medios de la representación se vuelven el objeto de la
representación? Y responde: “Manet36, el Kant de la pintura moderna. Parece que tal
autor y tal función puede ser adjudicada, cuando menos al dominio del romanticismo, si
pensamos en Goya, Turner37, Ingres38, y muchos otros.”39 El crítico sostiene su
33
Coleman Danto, Arthur. After the End of Art. 1997. Washington. Págs. 27-28. Princeton University
Press.
34
Entendimiento, Ilustración.
35
Greenberg, Clement. La pintura moderna y otros ensayos. Edición española de Félix Fanés. 2006. Edit.
Siruela. Pág. 111
36
Édouard Manet: Nació el 23 de enero de 1832 y murió el 30 de abril de 1883. Fue un pintor francés,
reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.
37
Joseph Mallord William Turner: Nació en Covent Garden, Londres, el 23 de abril de 1775 y murió en
Chelsea, Londres, el 19 de diciembre de 1851. Fue un pintor inglés especializado en paisajes.
Considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el
arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Aunque es famoso por sus pinturas al óleo, Turner
también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado
comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al
impresionismo.
38
Jean Auguste Dominique Ingres, más conocido como Dominique Ingres: Nació en Montauban el 29
de agosto de 1780 y murió en París el 14 de enero de 1867. Fue un pintor francés. Ingres no es, en
sentido estricto, neoclásico ni académico sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico,
romántico y realista. Ingres constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los temas, el
trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido.
15
argumento, expresando con respecto a la técnica de Manet “En virtud de la franqueza
con la cual manifestaba las superficies planas donde eran pintadas. La historia de la
modernidad se desplazó desde allí a través de los impresionistas, quienes abjuraron de
la pintura de base y las veladuras para dejar al ojo sin dudas de que los colores que
usaban eran pintura que provenía de tubos o botes, hasta Cézanne40, que sacrificó la
verosimilitud o la corrección para lograr ajustar sus dibujos y dibujar más
explícitamente la forma rectangular del lienzo.”41
En fin, podría continuar el análisis de otros destacados pensadores que han
contribuido a la construcción discursiva de la noción Arte Moderno pero creo que es
suficiente para destacar algo de la complejidad que se crea cuando se acomete la
gestación, la definición y la asignación de valores que se proponen para este arte.
f. Algunas conclusiones
La señal distintiva de las obras que son consideradas como modernas es “lo
nuevo” que será superado y quedara obsoleto cuando aparezca la novedad del estilo
siguiente. Pero, mientras que lo que está simplemente de “moda” quedara pronto
atrasado, lo moderno conserva un vinculo secreto con lo clásico. Una obra moderna
llegará
a
ser
clásica
por
que
una
vez
fue
auténticamente
moderna.
El modernismo fue inicialmente un movimiento de oposición que desafío el orden
cultural de la burguesía y la “falsa normatividad” de su historia. Se puede decir que cada
periodo histórico sufre un momento “moderno”.
El modernismo es una construcción cultural que se basa en condiciones
específicas, tiene un límite histórico.
El modernismo se compone de muchos modelos únicos y, por tanto, habrá tantas formas
diferentes de posmodernismo como existieron modernismos plenos en su lugar
39
Pintura Modernista, ensayo de Greenberg en el que se ofrece esta definición de modernidad: el uso
de métodos característicos de una disciplina para criticar la propia disciplina, no para subvertir, pero con
el fin de consolidarse más firmemente en su área de competencia.
40
Paul Cézanne: Nació el 19 de enero de 1839 y murió el 22 de octubre de 1906. Fue un pintor francés
postimpresionista considerado el padre de la pintura moderna cuyas obras establecieron las bases de la
transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y
radicalmente diferente.
41
Coleman Danto, Arthur. After the End of Art. 1997. Washington. P. 29-30. Princeton University Press.
16
apropiado, ya que los primeros son al menos reacciones inicialmente específicas y
locales contra esos modelos.
El modernismo se concibe como un retorno a las verdades de la tradición (en arte,
familia, religión…). Se reduce a un estilo y se condena o suprime totalmente como un
error cultural, se eluden los elementos pre y posmodernos y se preserva la tradición
humanista.
La crisis de la modernidad comienza a sentirse a finales de los años cincuenta y
principios de los sesenta, el momento citado con frecuencia como la ruptura
posmodernista y que aun hoy es objeto de conflicto ideológico. De ello trataré a
continuación.
3.
OCASO DE LA MODERNIDAD
Algunos teóricos consideraban que el arte de la modernidad se había convertido
en el arte “academicista” de la época y de la corriente dominante del stablishment
cultural norteamericano, del mismo modo que el estilo academicista francés se había
convertido a finales del siglo XVIII en el arte de las clases altas francesas.
La sucesión de nuevos estilos, la serie de “ismos”, desde el impresionismo o el
cubismo hasta el expresionismo abstracto y el minimalismo solía interpretarse como una
prueba del avance progresivo del arte hasta que en un momento determinado esta
cuestión comienza a ser cuestionada por historiadores y críticos preguntándose si la
búsqueda constante de la novedoso constituye, realmente, algún tipo de progreso.
Además, es constatable que la comunidad de artistas profesionales empieza a dar
síntomas de agotamiento estilístico hacia los años 70.
Para Suzy Gablik42 la modernidad histórica propugnó un arte autónomo cuyos
valores estéticos eran considerados como fines en sí mismos. El destino de la
modernidad era visto como una cruzada para generar nuevos valores sociales y
espirituales en un mundo cada vez más dominado por el materialismo. Los artistas,
como parte de la vanguardia, estaban totalmente dedicados a esta misión. Los primeros
representantes de la modernidad se esforzaban en mantener una visión pura de la
verdad, por lo que se alejaron del mundo social. Incapaces de encontrar algún sentido en
el mundo de comienzos del siglo XX decidieron buscarlo en su interior. Gablick
42
Suzi Gablik: Nació en Nueva York en 1934. Es artista, crítica, historiadora y profesora de arte.
17
describe este fenómeno como “una respuesta necesaria a una realidad social que (ellos,
como artistas) no podían hacer suya.”43
Durante los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial,
artistas como Jackson Pollock44 o Willen de Kooning45 podían aún reivindicar el
legado espiritual de los primeros exponentes de la modernidad artística como
Kandinsky46 y Malevich47; pero a partir de los años sesenta, según el criterio de
Gablick, la situación había empezado a cambiar.
Los artistas de la modernidad tardía, como los integrantes del círculo del crítico
Clement Greenberg, entre los que se encontraba Helen Frankenthaler48, Morris
Louis49 y Jules Olitski50, sostenían que el arte no posee ninguna finalidad trascendente,
43
Cita en La educación en el arte posmoderno. Pág. 15 referida a la obra de la autora mencionada ¿Ha
muerto el arte moderno? Madrid, Hermann Blume. 1986.
44
Paul Jackson Pollock: Nació el 28 de enero de 1912, en Cody, Wyoming, Estados Unidos y murió el 11
de agosto de 1956 en Springs, Nueva York, Estados Unidos. Fue un influyente artista estadounidense y
un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más
importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.
45
Willem de Kooning: Nació en Róterdam el 24 de abril de 1904 y murió en Long Island el 19 de marzo
de 1997. Fue un pintor neerlandés nacionalizado estadounidense. En los años posteriores a la Segunda
Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del
seno de esta tendencia, sigue la action painting (La “Pintura de Acción” es una técnica pictórica, así
como el nombre del movimiento pictórico que la usa. Surge en el siglo XX dentro de la pintura no
figurativa. Intenta expresar mediante el color y la materia del cuadro, sensaciones tales como el
movimiento, la velocidad, la energía. Son muy importantes el color y los materiales no específicamente
pictóricos con que se trabaja (arena, alambre...) para conseguir una superficie peculiar en la superficie
del cuadro o pintura gestual).
46
Wassily Kandinsky: Nació en Moscú el 4 de diciembre de 1866 y murió en Neuilly-sur-Seine el 13 de
diciembre de 1944. Fue un pintor ruso precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se
considera que comienza la abstracción lírica.
47
Kazimir Severínovich Malévich: Nació el 11 de febrero de 1878 y murió el 15 de mayo de 1935. Fue
un pintor ruso creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX.
48
Helen Frankenthaler: Nació en Nueva York el 12 de diciembre de 1928 y murió en Darien,
Connecticut el 27 de diciembre de 2011. Fue una pintora expresionista abstracta estadounidense.
Recibió la influencia de la obra de Jackson Pollock y de Clement Greenberg con quien también se vio
involucrada en el Movimiento de Arte Abstracto de 1946-1960. Estuvo casada con el también pintor
Robert Motherwell.
49
Morris Louis (Morris Louis Bernstein): Nació en Baltimore el 28 de noviembre de 1912 y murió en
Washington DC el 7 de septiembre de 1962. Fue un pintor estadounidense cercano a la pintura de Helen
Frankenthaler, Morris Louis utiliza la técnica del derrame o chorreo del color muy diluido y vertido sobre
la tela sin preparar. Pintó las series de los Veils, «Los Velos», donde el color es "chorreado", "derretido"
sobre la tela y se recubre sucesivamente con otras capas de color. Morris Louis trabajó sobre las telas de
algodón sin extenderlas sobre bastidor, con la pintura acrílica mezclada con cera de abeja y todo diluido
18
sea social o espiritual. Con ello, el significado del arte quedó reducido a la estética
formal. Para Gablick “el verdadero problema de la modernidad ha resultado ser el
problema de la fe, la pérdida de la fe en cualquier sistema de valores más allá del yo” 51.
Al abandonar su misión social o espiritual, los artistas profesionales redujeron el arte al
rango de mercancía que se ofrece en el mercado.
Gablick escribe como crítica. Danto lo hace desde el punto de vista de un
historiador del arte y con una visión estética: “a mediados de los años sesenta tuvo lugar
una profunda revolución en la historia del arte; tan profunda que, de hecho, no hubiera
sido exagerado decir que el arte, tal y como había sido entendido históricamente, había
llegado a su fin a lo largo de esa década tumultuosa”52
4.
POSMODERNIDAD
a. Significado y características
La palabra, acuñada por Jean-François Lyotard53 trata de describir el
fenómeno cultural así llamado, donde se pone en evidencia la incapacidad de la
con aguarrás. Las telas secas después se enrollaban. Formó parte de la llamada “pintura de campos de
color” defendida por Clement Greenberg.
50
Jules Olitski: Nació en Jevel Demikovski, Snovsk (Schors), Ucrania, el 27 de marzo de 1922 y murió el 4
de febrero de 2007. Fue pintor, grabador y escultor. Emigró a los Estados Unidos en 1923 con su madre
y su abuela y se instaló en Brooklyn. Su abuela lo cuidaba mientras su madre trabajaba para mantener a
la familia. En 1960 Olitski, de repente, se alejó de las superficies abstractas muy incrustadas hacia las
que había evolucionado y comenzó a manchar el lienzo con grandes áreas de colores brillantes, tintes
finos.
51
Cita en La educación en el arte posmoderno. Pág. 16 referida a la obra de la autora mencionada ¿Ha
muerto el arte moderno? Madrid, Hermann Blume. 1986.
52
Danto, Arthur Coleman. Encounters and Reflections: Art in the Historical Present. Nueva York, Farra
Straus Giroux. 1990. Cita en La educación en el arte posmoderno. Pág. 16.
53
Jean-François Lyotard: Nació en Versalles en 1924 y murió en París en 1998. Es un filósofo francés que
estudió filosofía en la Sorbona. Es reconocido por su introducción del estudio de la postmodernidad a
finales de 1970. Fue miembro del grupo Socialismo o Barbarie, un grupo de la izquierda crítica
conformado por intelectuales, creado en 1956 durante las revueltas en Hungría en oposición al
estalinismo soviético. Profesor en la Universidad de París VIII, co-fundador del Colegio Internacional de
Filosofía, profesor emérito de la Universidad de París. Este autor criticó la sociedad actual postmoderna
por el realismo del dinero, que se acomoda a todas las tendencias y necesidades, siempre y cuando
tengan poder de compra. Criticó los metadiscursos: el cristiano, el ilustrado, el marxista y el capitalista.
Según Lyotard, estos son incapaces de conducir a la liberación. La cultura postmoderna se caracteriza
por la incredulidad con respecto a los metarrelatos, invalidados por sus efectos prácticos y actualmente
19
Modernidad para continuar con su proyecto en todas las esferas de la cultura de la época
posindustrial. Sin embargo, sus argumentos han resultado bastante cuestionables, sus
límites difusos, su contenido ambiguo y su ubicación indefinible.
Como señalé anteriormente, las polémicas se han ido prolongando y polarizado
según las corrientes, en pro y en contra de la misma: “En un momento de dispersión
escolar […] la condición posmoderna ha vuelto a delimitar un espacio de confrontación
[…] Caín y Abel, Tirios y Troyanos, Modernos y Posmodernos.”54
Esta confrontación se refleja en el uso indiscriminado que a menudo se hace de
la palabra posmodernidad que se usa para designar ligeramente los profundos cambios
culturales de esta sociedad posindustrial y otras veces se emplea el término para
significar el rechazo a la modernidad y sus movimientos, del mismo modo que la
modernidad repudiaba los estilos tradicionales. En este punto la definición de
posmodernidad se vuelve problemática ya que si la modernidad se ha caracterizado por
producir estilos que repudiaban los estilos anteriores, se puede considerar que, al
repudiar la modernidad, la posmodernidad no hace más que prolongar esa tradición
moderna.
La posmodernidad es un estilo de pensamiento que desconfía de las nociones
clásicas de verdad, razón, identidad y objetividad, de la idea de progreso universal o de
emancipación, de las estructuras aisladas, de los grandes relatos o de los sistemas
definidos de explicación. Contra esas normas iluministas, considera al mundo como
incierto, inexplicado, diverso, inestable, indeterminado, un conjunto de culturas
desunidas o de interpretaciones que engendran un grado de escepticismo sobre la
objetividad de la verdad, la historia y las normas, lo dado de las naturalezas y la
coherencia de las identidades. Esa manera de ver, según algunos, surge de un cambio
histórico en Occidente hacia una nueva forma de capitalismo, hacia el efímero y
descentralizado mundo de la tecnología, el consumismo y la industria cultural, en el
cual las industrias de servicios, finanzas e información triunfan sobre las manufacturas
tradicionales, y las políticas clásicas basadas en las clases, ceden su lugar a una difusa
serie de “políticas de identidad”. El posmodernismo es un estilo de cultura que refleja
algo de este cambio de época. El arte posmoderno es un arte sin profundidad,
no se trata de proponer un sistema alternativo al vigente, sino de actuar en espacios muy diversos para
producir cambios concretos. El criterio actual de operatividad es tecnológico y no el juicio sobre lo
verdadero y lo justo. Defendía la pluralidad cultural y la riqueza de la diversidad.
54
Patxi Lanceros: Apuntes sobre el pensamiento destructivo. Antrophos, Barcelona, 1994. Pág. 138
20
descentrado, sin fundamentos, autorreflexivo, ecléctico, pluralista que rompe las
fronteras entre cultura “alta” y cultura “popular” tanto como entre el arte y la
experiencia cotidiana.
Al igual que con la Ilustración, la aparición de la Posmodernidad despertó una
actitud de desconfianza y provocación, apuntando al caos, la arrogancia y la mentira
que, según los defensores de la modernidad, carece de un contexto definido.
Para muchos pensadores, críticos e historiadores del arte, el paralelismo
existente entre ambas corrientes (Ilustración y Posmodernidad) es evidente, en lo
concerniente tanto en lo estructural como en lo prepotente de sus posiciones. Lo cierto
es que cualquier cambio cultural despierta polémicas que se interponen entre la
tradición y la novedad.
La posmodernidad es un fenómeno de transición de valores, como lo fue el
Renacimiento o la Ilustración o la propia Modernidad, visiones de la vida, instituciones,
relaciones humanas y conocimientos. Se genera en el interior de una etapa comúnmente
llamada decadencia o final de la modernidad y en los inicios del surgimiento de una
nueva cultura, cuya característica de identidad reside en su ubicación: después de (post).
Entonces, ¿qué es la posmodernidad? De nuevo remarco que el calificativo
posmoderno es objeto de interpretaciones varias, si es que no entraña equívocos
frecuentes. Si ya es de por si confuso cuando se habla de sociología o de cultura, no
digamos cuando se traslada a lo artístico. He encontrado que el término es usado (y
abusado diría yo) por toda clase de “tribus” culturales en muchas ocasiones como una
estrategia más de marketing de los medios. Desde finales de la década de los 70 y
comienzos de los 80 del siglo XX, algunos teóricos como Daniel Bell55, Alvin Toffler56
55
Daniel Bell: Nació en Nueva York el 10 de mayo de 1919 y murió en Cambridge, Massachusetts, el 25
de enero de 2011. Fue un sociólogo y profesor emérito de la Universidad de Harvard, miembro
residente de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias. Estudió sociología en la Universidad
de Columbia. También es conocido por sus contribuciones como editor de las revistas The Public Interest
Magazine, Fortune y The New Leader. Es conocido por sus contribuciones al posindustrialismo. Sus libros
más influyentes son El fin de la ideología (1960), Las contradicciones culturales del capitalismo (1976),
que fueron considerados por la revista Times como dos de los 100 libros más importantes de la segunda
mitad del siglo XX y El advenimiento de la sociedad posindustrial (1973). El fin de la ideología fue muy
influyente en lo que se denomina como la idea de que tanto la historia y la ideología fueron reducidos
hasta lo insignificante debido a que las políticas occidentales y el capitalismo han triunfado.
56
Alvin Toffler: Nació en Nueva York el 3 de octubre de 1928 es un escritor estadounidense doctorado
en Letras, Leyes y Ciencia, conocido por sus discusiones acerca de la revolución digital, la revolución de
las comunicaciones y la singularidad tecnológica. Sus primeros trabajos están enfocados a la tecnología y
su impacto, a través de efectos como la sobrecarga informativa. Más tarde se centró en examinar la
21
o Jean François Lyotard suelen referir tal término al supuesto de que en las sociedades
posindustriales se han traspasado ya los umbrales de una nueva época concluyendo en la
recurrente crisis del individuo y de la modernidad. He de hacer constar, también, que
desde los comienzos de los 80 es bastante usual encontrarse con expresiones tales como
literatura o cultura artística posmodernas, posvanguardias, después de la vanguardia,
transvanguardia y similares, todas las cuales parecen remitir a un fenómeno común a las
diversas actividades artísticas.
Los posmodernos no niegan el cambio pero discuten el supuesto de que los
cambios puedan ser legitimados como avances positivos de la cultura humana. Además,
los pensadores posmodernos rechazan a menudo visiones grandiosas de la historia como
la que construye Marx a partir de su idea de lucha de clases. Se refieren a éstas como
“grandes relatos o metarrelatos” que es necesario sustituir por “pequeños relatos” que
encarnarían la visión de grupos humanos más pequeños (mujeres, subculturas, etc.)
La concepción posmoderna de la cultura arraiga en el presente más que en el
futuro. Se mira hacia el pasado para establecer el origen de los problemas del presente y
descubrir hasta qué punto guardan relación con ilusiones heredadas del pasado. Los
críticos culturales de la posmodernidad señalan casos en los que el avance del progreso
ha generado tecnologías incontrolables y perjudiciales (contaminación del medio
ambiente, opresión, etc.) estos cambios que han sacudido las artes visuales y la ausencia
de patrones estilísticos comunes a todo el mundo del arte constituyen el reflejo de esas
transformaciones culturales. La pintura, la fotografía y otras artes visuales se convierten
en testigos de estos cambios.
Pero, toda esta “ensalada” de términos plantea alguna duda a diferentes
pensadores y naturalmente, a mí mismo: ¿la posmodernidad no será una moda como
otra cualquiera, inventada para reactivar el mercado artístico? ¿Será un concepto creado
por las vanguardias para salir del letargo en el que andaban sumidas? O, por el contrario
¿se tratará de un fenómeno artístico complejo que nace a mediados de la década de los
70 como reacción a la decadencia vanguardista?
En otras palabras, lo posmoderno, ¿es una nueva moda pasajera o es algo más
duradero: un modo de sentir, un cambio de modelo estético o artístico?
reacción de la sociedad y los cambios que ésta sufre. Sus últimos trabajos han abordado el estudio del
poder creciente del armamento militar del siglo XXI, las armas y la proliferación de la tecnología y el
capitalismo. Entre sus publicaciones más famosas se destacan La revolución de la riqueza, El cambio de
poder, El shock del futuro y La tercera ola.
22
b. Diferentes visiones:
Jürgen Habermas.57 Es el principal crítico de las nuevas corrientes
posmodernas. Para él, la Posmodernidad en realidad se presenta como antimodernidad.
Define a los posmodernistas como “jóvenes conservadores” y dice que estos recuperan
la experiencia básica de la modernidad estética; reclaman como suyas las confesiones de
algo que es subjetivo, liberado de las obligaciones del trabajo y la utilidad y con esta
experiencia dan un paso fuera del mundo moderno. Este autor defiende la diversidad de
las diferentes culturas bajo el primado de los derechos humanos como base normativa
de “una vida libre de dominación”. Ello supone llevar a cabo una segunda Ilustración de
la modernidad, que corrija sus fallos, al tiempo que preserve sus logros ciudadanos y
democráticos.
Jean-François Lyotard. Enjuicia la sociedad actual posmoderna por medio del
realismo del dinero, pues esta se acomoda a todas las tendencias y necesidades, siempre
y cuando tengan poder de compra. Lo mismo hace con los metadiscursos idealistas,
iluministas, el cristiano, el marxista y el liberal, considerándolos incapaces de conducir
a la emancipación. Para él la cultura posmoderna se caracteriza por la incredulidad con
respecto a los metarrelatos, invalidados por sus efectos prácticos. Actualmente no se
trata de proponer un sistema alternativo al vigente, sino de actuar en espacios muy
diversos para producir cambios concretos. El criterio actual de operatividad es
tecnológico y no el juicio sobre lo verdadero y lo justo.
57
Jürgen Habermas: Nació en Düsseldorf, el 18 de junio de 1929. Es un filósofo y sociólogo alemán,
conocido sobre todo por sus trabajos en filosofía práctica (ética, filosofía política y del derecho). Gracias
a una actividad regular como profesor en universidades extranjeras, especialmente en Estados Unidos,
así como por la traducción de sus trabajos más importantes a más de treinta idiomas, sus teorías son
conocidas, estudiadas y discutidas en el mundo entero. Habermas es el miembro más eminente de la
segunda generación de la Escuela de Frankfurt y uno de los exponentes de la Teoría crítica desarrollada
en el Instituto de Investigación Social. Entre sus aportaciones destacan la construcción teórica de la
acción comunicativa y la democracia deliberativa. Es doctor honoris causa por las universidades, entre
otras, de Jerusalén, Buenos Aires, Hamburgo, Northwestern University Evanston, Utrecht, Tel Aviv,
Atenas y la New School for Social Research de Nueva York, y miembro de la Academia Alemana de la
Lengua y la Poesía.
23
Andreas Huyssenn.58 Para él existe una relación entre modernismo estético y
el posestructuralismo (que es una variante del modernismo por su rechazo de la
representación y la realidad en su negación del sujeto, la historia, etc.) Este autor
defiende que la cultura posmoderna debería ser captada en sus logros y sus pérdidas, en
sus promesas y perversiones; a la vez que intenta defender con sus obras que, si las
vanguardias intentaron cambiar el mundo, más lo hizo la tecnología y la industria
cultural. Concluye que el surgimiento de la cultura posmoderna se debió a las nuevas
tecnologías que se apoyan en el lenguaje: los medios de comunicación y la cultura de la
imagen. Idea parecida a la de Lyotard y su postulado de que las tecnologías
comunicativas han producido una sociedad de la información.
Víctor Burgin59. Para este artista y ensayista, el proyecto posmoderno consiste
en revisar críticamente los postulados filosóficos de la Ilustración, especialmente su idea
de progreso.
Terry Eagleton60. Este autor define la posmodernidad en términos muy poco
favorables: “[…] a pesar de que mi tratamiento del tema [posmodernismo] es
58
Andreas Huyssen: Nacido en 1942 es profesor de alemán y literatura comparada en la Universidad de
Columbia, donde ha impartido desde 1986. Él es el director fundador del centro de la Universidad para
la literatura comparada y la sociedad y uno de los editores fundadores de la Nueva Crítica Alemana, la
prestigiosa revista de filología alemana en los Estados Unidos. Huyssen recibió su doctorado de la
Universidad de Zúrich en 1969 y enseñó en la Universidad de Wisconsin, Milwaukee desde entonces y
hasta 1986, cuando se unió a la Facultad de Columbia. Desde 1986 a 1992 y en 2005 fue director del
Departamento de literaturas y lenguas germánicas de Columbia. Entre 1998 y 2003 fue director del
Centro de Literatura Comparada y Sociedad.
59
Víctor Burgin: Nació en Sheffield, Inglaterra en 1941. Es artista, ensayista, profesor de Bellas Artes en
el Goldsmiths College University of London y profesor emérito de historia de la conciencia en la
Universidad de California en Santa Cruz. Estudió pintura en el Royal College of Art en Londres (1962-65)
y continuó sus estudios en la Universidad de Yale. En 2005 recibió el título de Doctor en la Sheffield
Hallam University. En 1986 fue nominado para el premio Turner y su obra fotográfica y videográfica está
representada en colecciones públicas como el Museo de Arte Moderno de Nueva York; la Corcoran
Gallery de Washington DC, el Museum of Contemporary Art, de Los Ángeles, el Los Ángeles County
Museum of Art; el Walker Art Center de Minneapolis, La Tate Gallery de Londres, el Victoria and Albert
Museum de Londres, y el centro Georges Pompidou de París.
60
Terry Eagleton: Nació en 1943 en Salford (Gran Bretaña) en el seno de una familia obrera de
inmigrantes irlandeses. Estudió en el Trinity College de Cambridge, con Raymond Williams, y militó en la
izquierda católica. Durante los años sesenta, influido por la vieja “Crítica Cultural" o Crítica Sociocultural, pero también por el estructuralismo, comienza a forjar un original enfoque marxista de la
literatura y de la cultura que, sin embargo, en los ochenta, sufrirá importantes transformaciones. Será
en este momento cuando Eagleton se distancie de los posestructuralismos y de la deconstrucción,
tendiendo paulatinamente a un estilo de crítica mucho más retórico, sarcástico e histórico, inspirado por
Benjamin, Brecht o Bajtín. Sus estudios de las teorías literarias alcanzarán entonces un carácter más
general: una crítica de todas las teorías de izquierdas que acaban volcando en el ámbito de lo cultural
24
generalmente negativo, he tratado de darle al posmodernismo su valor donde podía […]
No se trata de una cuestión de ser pro o antiposmoderno, a pesar de que mi perspectiva
está en contra más que a favor.”61 Para él, posmodernismo no significa que se haya
dejado atrás el modernismo sino que desde éste se ha llegado a una posición
profundamente marcada por él, por lo tanto, debe haber una clase de premodernismo
que se ha abierto camino a través del posmodernismo y llegó bruscamente al lugar del
que había partido, lo que de ninguna manera significa no haber cambiado en absoluto.
La descripción de la posmodernidad que hace Eagleton tiende a acentuar sus
rasgos más negativos. Sin embargo, la posmodernidad presenta también rasgos
positivos. De forma curiosa, los artistas posmodernos manifiestan una gran apertura
hacia los recursos culturales de épocas pasadas y logran apropiarse a menudo de sus
motivos para integrarlos en su trabajo y de ese modo pronunciarse seria y
profundamente sobre las complejidades del mundo contemporáneo.
5.
TEORÍA POSMODERNA
El concepto de posmodernidad evoluciona a la misma velocidad que otros
conceptos relativamente modernos, de modo que aun no se dispone de una definición
única ni unánime o al menos no he tenido la suerte de encontrarla. Sin embargo,
muchos escritores han propuesto definiciones provisionales y ofrecidos ejemplos y
descripciones de la posmodernidad. Las descripciones al uso difieren unas de otras y
reflejan perspectivas muy variadas. Se pueden distinguir al menos dos grandes bandos
dentro de la teoría de la posmodernidad: uno es culturalmente conservador y ve en los
cambios sociales de la posmodernidad un factor destructivo mientras que el otro es la
vanguardia y celebra la condición posmoderna.
aquellas fuerzas que no se pudieron dirigir hacia la realidad social y política. Con el apogeo de lo cultural
en la era posmoderna, Eagleton tuvo que terminar asumiendo el papel de furibundo crítico de las
ilusiones y ambigüedades de una izquierda que en su día había manejado conceptos como «ideología» y
«hegemonía», y que ahora parecía cegada por los de «identidad», «diferencia» o «hibridez». Eagleton
ha enseñado Literatura Inglesa en la Universidad de Oxford y actualmente es profesor de Teoría Cultural
en la Universidad de Manchester.
61
Las ilusiones del posmodernismo. Eagleton, Terry. Buenos Aires, Argentina. 1ª ed. 1997. Edit. Paidós.
Pág. 13
25
El término posmodernidad fue usado inicialmente por la comunidad artística
para designar un estilo arquitectónico alternativo y abierto, por oposición al espacio
agrupado y cerrado de muchos edificios modernos. Otras disciplinas, como por ejemplo
la literatura, han empelado el término para referirse a corrientes estéticas recientes que
se oponen a la modernidad, esgrimiendo conceptos fundamentales como el género,
considerado en cuanto estilo plenamente diferenciado con características singulares.
Sin embargo, el significado del término excede el ámbito estricto de la estética.
También se usa para designar el ambiente y los fenómenos sociológicos que hacen
posibles los cambios artísticos. En lo tocante a ese ambiente se trata de un escepticismo
respecto a las concepciones modernas del progreso, la jerarquización del conocimiento
y la objetividad en el contexto de un mundo fragmentario y plural.
La condición posmoderna requiere prestar una atención especial a la noción de
progreso62. Se ha ido imponiendo una sensación de fragmentación: fragmentación del
espacio, del tiempo y del sujeto. Se combinan fragmentos del pasado como si fuesen un
collage. La nueva concepción del espacio y del tiempo sugiere el modo en que un
pasado fragmentado sigue existiendo en el presente. El proceso de desmembramiento
del sujeto queda patente tanto en el rechazo posmoderno de la noción de genio innato
como en la sustitución de la concepción de las obras de arte como productos únicos y
desinteresados de grandes hombres irrepetibles por una perspectiva que restituye su
dimensión de productos socialmente influyentes y motivados. Este desmembramiento
da lugar a un sujeto disperso, ya que los creadores humanos pasan a considerarse como
fragmentarios e integrados en estructuras sociales diversas y de modos igualmente
diversos. La combinación de fragmentos provenientes de culturas diversas también sirve
para destacar el eclecticismo de la vida contemporánea en un mundo en el que las
tecnologías de los medios de comunicación y otras fuerzas dispersan las dimensiones
del tiempo y del espacio. La posmodernidad fomenta la aceptación del carácter caótico
de la vida; intenta poner fin a la imposición de las concepciones modernas de la
distancia física y sustituirlas por participación y juego. También privilegia las
diferencias culturales y procesos alternativos de pensamiento.
62
Harvey, David. La condición de la posmodernidad: Investigación sobre los orígenes del cambio cultural
1998. Buenos Aires. Amorrortu editores.
26
6.
EL ARTE POSMODERNO
Algunos teóricos de arte y la literatura como Susan Sontag63 e Ihab Hassan64
vieron en las investigaciones posmodernas una alternativa positiva a la estética
moderna. Estos teóricos advertían en la vocación transgresora del pop art de la década
de 1960, los happenings, las películas de arte y las mezclas de diferentes medios, una
respuesta interesante y estimuladora a la concepción, más bien seria, de las vanguardias
modernas. Estos cambios en el arte, que Eagleton65 tacha de “carentes de profundidad”
e “irreverentes” están íntimamente ligados a la cultura juvenil de los años sesenta, cuya
ruptura con los valores tradicionales generó una nueva cultura de masas.
Los artistas posmodernos se interesan a menudo por la superficie, la
yuxtaposición y la ilusión. La escultura Woodrow66 de Debra Buttersfield67 genera en
el espectador la sensación de que las piezas que la componen son de madera. También
el título evoca la madera. Sin embargo, la escultura está hecha a partir de metal fundido
y sugiere efectos contradictorios, como fuerza y debilidad, creación natural y creación
humana, movimiento e inmovilidad, etc. El arquitecto y crítico Charles Jencks68 es uno
63
Susan Sontag: Nació en Nueva York el 16 de enero de 1933 y murió el 28 de diciembre de 2004. Fue
una novelista y ensayista estadounidense. Aunque se dedicó principalmente a su carrera literaria y
ensayística, también ejerció la docencia y dirigió películas y obras teatrales. Siempre intentó hacer
pensar desde otro punto de vista. Sus ideas en algún momento aparecieron como radicalizadas. En el
transcurso de este siglo criticó las invasiones de EE.UU. en medio Oriente y se preguntó si el atentado a
las Torres Gemelas de 11-S no tendría que ver con la política exterior de su país. Por ello, fue blanco de
campañas en su contra, que incluyeron la solicitud a que las empresas no se anunciaran en medios que
publicaran sus artículos.
64
Ihab Hassan: Nació en el Cairo, Egipto y emigró a los Estados Unidos en 1946. Actualmente es
profesor de investigación en la Universidad de Wisconsin, Milwaukee. Sus escritos incluyen Inocencia
Radical, estudios en la novela americana contemporánea (1961), la literatura del silencio: Henry Miller y
Samuel Beckett (1967). El desmembramiento de Orfeo: hacia una literatura postmoderna (1971, 1982).
Paracriticismos: siete de las especulaciones de los tiempos (1975). El giro posmoderno: ensayos en la
teoría posmoderna y la cultura (1987). Además, ha escrito más de 300 ensayos y comentarios sobre
temas literarios y culturales.
65
Cita en La educación en el arte posmoderno, pág. 59 que a su vez recoge la cita de Marvey, 1989, págs.
7-9
66
Imagen en el capítulo ilustraciones.
67
Davis Deborah Kay Butterfield. Nacida el 7 de mayo de 1949. Es un escultora estadounidense casada
con el también artista John Buck. Es conocida por sus esculturas de caballos construidos en metal y
sobre todo piezas de madera.
68
Charles Jencks: Nació en Baltimore en 1939. Es un arquitecto paisajista, teórico e historiador de la
arquitectura estadounidense. Sus libros sobre historia y crítica del Movimiento Moderno y
Posmodernismo han sido ampliamente leídos en los círculos arquitectónicos y también fuera de ellos.
27
de los comentadores más prolíficos de la posmodernidad. En su libro El lenguaje de la
arquitectura posmoderna “celebra” un nuevo estilo posmoderno basado en el
eclecticismo y lo popular y contribuye a difundir el concepto de posmodernidad. Jencks
usa el término “post-modernidad” aduciendo que el guión preserva la integridad del
término “modernidad”. Si usa el guión es porque cree que el arte “post-moderno” aún
mantiene importantes rasgos del arte “moderno”, aunque a modo de añadido, adaptación
o aderezo. Jencks hace una distinción entre la modernidad temprana y la modernidad
tardía o neomodernidad y sostiene que buena parte de lo que se califica de posmoderno
en realidad forma parte de la modernidad. En este grupo incluye Jencks a los artistas,
que como los minimalistas, llevan la abstracción hasta su extremo.
El entorno es otro de los temas centrales del arte posmoderno. David Nash 69, por
ejemplo, utiliza árboles enteros para sus conjuntos de esculturas. Usa todas las partes de
los árboles, e incluso fabrica carboncillos para pintar a partir de los trozos sobrantes del
árbol70. Artistas como Cindy Sherman71, que se fotografía tanto a sí misma como a
otras personas, Sherrie Levine72, que fotografía fotografías y otras obras de arte
Estudió literatura inglesa en la Universidad de Harvard, posteriormente obtuvo un master en
arquitectura en la Harvard Graduate School of Design en 1965. Si bien no creó el término
"posmoderno", su libro de 1977 "El lenguaje de la arquitectura posmoderna" se considera a menudo
como el que popularizó el término en relación con la arquitectura.
69
David Nash: Nació el 14 de noviembre de 1945. Es un escultor británico. Ha trabajado en todo el
mundo con la madera, los árboles y el medio ambiente natural. Es conocido por trabajos en madera y
formaciones de árboles vivos. Sus grandes esculturas de madera talladas a veces son parcialmente
quemadas para producir el ennegrecimiento. Sus herramientas principales para estas esculturas son una
motosierra y un hacha para tallar la madera y un soplete para quemar la madera. También hace land art
70
Imagen en el capítulo ilustraciones.
71
Cindy Sherman: Nació el 19 de enero de 1954 en Nueva Jersey. Es una artista, fotógrafa y directora de
cine estadounidense. Es conocida sobre todo por sus series de autorretratos conceptuales, Complete
Untitled Film Stills (1977-1980) en los que escenifica situaciones con vestuario y utilería para dar a las
fotografías la apariencia de un fotograma cinematográfico, usando estética y planos propios del cine
negro. En otra conocida serie llamada Retratos históricos, Sherman personifica protagonistas masculinos
de pinturas clásicas de la historia del arte de Occidente, tales como Baco enfermo de Caravaggio, entre
otros. Si bien Sherman aparece en las fotografías, ella no las considera propiamente autorretratos.
72
Sherrie Levine: Nació el 17 de abril de 1947 en Hazleton, Pennsylvania. Es un fotógrafo y artista de
apropiación norteamericano. Gran parte de su trabajo es una versión muy directa de re-fotografía.
Alguien que usa de las obras de los demás y los mundos que representan para crear su propia obra de
arte. La apropiación se hizo popular a finales de los 70, a pesar de ello, esta tendencia puede ser
rastreada desde los principios del Modernismo.
28
famosas; Lillian Schwartz73, que digitaliza obras de arte y las manipula
informáticamente, socavan cada uno a su manera las nociones modernas de
autoexpresión, originalidad y propiedad. Estos artistas conciben su arte como un
comentario a las ideologías y formas de representación dominantes. Trabajan con la
fotografía y otras tecnologías que pueden considerarse medios específicamente
posmodernos.
Los artistas posmodernos han recuperado las ideas premodernas de que gracias a
la ubicación del espectador y al punto de fuga los protagonistas de las pinturas
(monarcas, mecenas, etc.) pudieran verse como el eje central del universo.
Esta recuperación del clasicismo comprende los siguientes “cánones” estéticos:
a. Los artistas posmodernos tienden a usar una belleza disonante o una
armonía inarmónica y rechazan las ideas modernas sobre la composición,
como la idea de que el mero cambio de un elemento compositivo supone
alterar la calidad de la obra de arte.
b. El pluralismo cultural y político ha adquirido una gran importancia.
Pluralismo también hace referencia un eclecticismo estilístico radical.
c. El urbanismo queda reflejado en la aceptación y uso de nuevas
tecnologías y en el interés por cuestiones urbanas como el reciclaje.
d. Los artistas manifiestan un interés creciente por el antropomorfismo o el
uso de formas humanas en el arte, lo que incluye los motivos decorativos
inspirados en el cuerpo.
e. Las relaciones entre el pasado y el presente reciben una atención especial
en las obras de arte.
f. El contenido y la pintura han recobrado toda su vitalidad. El contenido
pictórico tiene varios significados. La pintura tiene significados
divergentes gracias al uso de relatos sugerentes; se hace uso deliberado
de la intertextualidad.
73
Lillian F. Schwartz: Nació en 1927. Es una artista considerada pionera del arte a través del ordenador
y una de las primeras mujeres artistas notables en basar casi toda su obra en medios computacionales.
Muchos de sus proyectos innovadores se realizaron en los años 1960 y 1970, mucho antes de la
revolución de las computadoras. Schwartz utilizó las obras de Leonardo Da Vinci ampliamente en
experimentos con computadoras. Un trabajo notable que creó es Mona / Leo, por el que comparó la
imagen de un autorretrato de Leonardo da Vinci con la Mona Lisa, igualando las dos caras rasgo por
rasgo para mostrar su similitud estructural subyacente.
29
g. Se usa frecuentemente la doble codificación. Los artistas recurren
conscientemente a la ironía, la ambigüedad y la contradicción en su
trabajo.
h. Predomina la polivalencia o la capacidad de abrirse al entorno, a
referencias variadas y a una pluralidad de asociaciones. El arte
posmoderno no es únicamente autorreferencial.
i. Los artistas posmodernos reinterpretan la tradición.
j. La creación de nuevas figuras retóricas resulta de modificaciones
operadas sobre formas artísticas antiguas, a imagen de un arco clásico
que el tiempo ha ido deformando.
k. El retorno del centro ausente en arquitectura da fe de la aspiración a un
espacio comunitario y el deseo de celebrar lo que tenemos en común.
Para algunos autores, la sociedad posmoderna se ha proyectado en el arte a
través de esos cánones estilísticos, que también presentan coincidencias importantes con
los elementos fundamentales de la vida urbana contemporánea.
Los artistas posmodernos favorecen a menudo el reconocimiento de las
condiciones sociales subyacentes en la obra. Parejas y grupos de artistas trabajan juntos
para desafiar el mito del genio individual.
El arte posmoderno es retroactivo y conceptualmente transita territorios muy
variados:
a) Anne y Patrick Poirier74 intentan colapsar la historia y la geografía por
medio de fragmentos de distintas épocas y procedencias.
b) Shea75 y otros artistas de parecido perfil reciclan imágenes y objetos ,
instalan, por ejemplo, un simulacro de columna griega a un lado y un
74
Anne y Patrick Poirier: Nacieron el 31 de marzo de 1942 en Marsella y el 5 de mayo de 1942 en
Nantes, respectivamente. Son una pareja de artistas franceses una de cuyas características de su trabajo
es la realización de maquetas. De 1963 a 1966 estudiaron en la Escuela Nacional Superior de Artes
Decorativas de París. Después de ganar el Premio de Roma, vivieron desde 1969 hasta 1971 en la Villa
Medici en Roma como becarios de la Academia de Francia en Roma. A pesar de que han trabajado en
una variedad de medios como la fotografía, el dibujo, la instalación y la escultura pública monumental,
su obra siempre se ha ocupado de temas en torno a la memoria, la arqueología, ruinas, memento mori ,
la desintegración, la pérdida y los recuerdos: "creemos que la ignorancia o la destrucción de la memoria
cultural trae a su paso todo tipo de olvido, la mentira y el exceso, y que debemos, con todos los medios a
nuestra disposición, oponernos a la amnesia generalizada y la destrucción”
75
Judith Shea: Nació en 1948. Es una escultora americana. Es conocida por una serie de obras en bronce
en la que crea formas de ropa vacías que sugieren figuras que no están presentes, algunos de sus
30
busto destartalado a otro, a fin de suscitar interrogantes acerca de la
localización conceptual del arte y desafiar la concepción progresiva y por
ello típicamente moderna, de la historia del arte.
c) El uso que hace el arte posmoderno de objetos e imágenes varias tiende a
sugerir un colapso cultural del mundo y a recordarnos que las imágenes
se hallan sometidas a un proceso de constante reapropiación y reciclaje.
La posmodernidad se canaliza a través de varias formas de culturas dinámicas y
flexibles, y sobrevive unida a ellas. Por esa razón, algunos teóricos advierten que uno de
los aspectos importantes de la posmodernidad es que paradójicamente “contribuye a
legitimar la cultura (elitista o masiva) incluso cuando la subvierte.
7.
CONCLUSIÓN
Después de todo lo leído, reconozco que hablar de posmodernidad aún me
resulta complicado. Dado el carácter múltiple, diverso, con el que se usa el vocablo
posmodernidad, puede ser útil intentar definirlo en la forma que lo hace el diccionario:
Movimiento cultural que, originado en la arquitectura, se ha extendido a otros ámbitos
del arte y de la cultura del siglo XX, y se opone al funcionalismo y al racionalismo
modernos o movimiento artístico y cultural de fines del siglo XX, caracterizado por su
oposición al racionalismo y por su culto predominante de las formas, el individualismo
y la falta de compromiso social.76
Por lo que he podido comprobar, de modo generalista, el término se venía
usando en los EE.UU por sociólogos y críticos para designar el estado de la cultura
después de las transformaciones que han afectado a las reglas de juego de la ciencia, de
la literatura y de las artes a partir del siglo XIX. En un sentido más estricto y generalista
se define a la posmodernidad como la condición del saber que corresponde a las
sociedades más desarrolladas. De ahí el nexo, que también se establece, entre
trabajos más recientes incorporan figuras también. En 1994 se le concedió una beca que le permitió
trabajar en la Academia Americana en Roma y estudiar la obra de Bernini y Miguel Ángel, entre otros. Su
obra se puede encontrar en numerosos museos, como el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en
Washington DC , el Centro de Arte Walker en Minneapolis, Minnesota , y el Museo de Arte Moderno de
Nueva York .
76
R.A.E
31
posmodernidad y posindustrialismo, entendiendo por tal una sociedad en que la
economía se desplaza del sector productivo al de los servicios.
Así, consideraríamos a la posmodernidad como un término que se ha
generalizado para denominar a un conjunto diversificado de corrientes ideológicas,
artísticas, literarias, etcétera, que tienen en común la pretensión de constituir una
sucesión y diferenciación cuantitativa de la modernidad.
En fin, la conclusión a la que llego, es que no tengo una idea clara con la que
quedarme. El debate sobre la existencia de la posmodernidad permanece. Para unos la
posmodernidad ni siquiera existe, para otros no es más que una modernidad tardía, o la
evolución lógica de ésta. Para determinados, es una ruptura con toda la historia del arte,
he incluso hay quien dictamina que el arte no existe, murió con los últimos movimientos
modernos. Para apoyar esta última tesis se arguye que en los últimos cuarenta años no
ha sucedido nada relevante. Quizás me quede con el juicio de Danto: estamos en una
época posthistórica, en el que las grandes narrativas ya no son posibles porque el
concepto mismo de historia en el que el arte se movió ha desaparecido del mundo del
arte.
32
8.
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BIBLIOGRAFÍA
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ARTÍCULOS Y RECURSOS
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9.
Ilustración 1
Ilustración 3
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Ilustración 2
Ilustración 4
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4.- "Deep Memory V", Anne et Patrick Poirier
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Ilustración 5
35