LA PINTURA FRANCESA DE LA PRIMERA MITAD DEL XIX: La tradición historiográfica desde el XIX hasta la década de los 80 del siglo XX ha puesto el acento en el epicentro artístico de París. La justificación de las vanguardias y del arte moderno obliga al MOMA durante los años 50 a lanzar una serie de ideologías que desactivan toda variedad que está en el ADN del arte del XIX y realiza una selección sobre todo de artistas francesas que justifican en una especie de puzle totalmente definido la llegada perfecta de las vanguardias que conlleva lo que se denomina arte moderno. Ese diseño de un discurso tan establecido tuvo muchísimas víctimas periféricas como el arte español o el italiano de ese momento porqué lo sustancial era lo francés. Complementario a lo que sucedía en Francia era el arte inglés y alemán y el resto de nacionalidades quedaban totalmente desactivadas. Es decir, la estructura francesa de la historia del arte era la válida para muchos historiadores incluso actuales. Para estos historiadores se valoraba como un anacronismo o como un adelanto algunas de las actitudes de algunos artista periféricos en función de la sincronía o no con lo que sucedía en la Francia del momento. En la actualidad, sabemos que ese un discurso de mentira porque en cada situación las circunstancias históricas mandan de una forma muy diversa, ya no nos podemos creer ese discurso único del arte francés como el director de la cultura europea. Los hechos políticos de la Francia del cambio de siglo son sustanciales para cultura contemporánea: La Revolución Francesa y la catarsis que trae consigo como radicales cambios sociales que llegan a la médula misma del arte y que convierten en protagonistas a alguno de los artista que forman parte de ese escenario. En primer, lugar será David pero tras él vemos una serie de cambios que tienen que ver con los artistas que están a su alrededor y que él mismo va creando y en cierto modo dándole un halo de libertad creadora que va a ir destruyendo algo clave para que suceda este cambio que es del Antiguo al Nuevo Régimen lo que supone la ruptura con el sistema académico heredado del XVIII. Desde luego que David que es un artista esencialmente académico que va impartir clases en esta institución durante toda su trayectoria y que va generar además de su propia identidad académica va a crear un buen número de artistas que son sus seguidores y que van a estar también insertos en la Academia. Pero incluso el propio David va a ser un artista antiacadémico lo vamos a ver legislando en contra de la Academia en los años del Terror en 1793, él se preguntará sobre el discurso del arte académico como algo válido en este contexto de cambios sociales. Esto no es algo que tenga solamente que ver con el pequeño mundo del arte sino que tiene que ver con el gran mundo de la sociedad. En este momento, suceden grandes cambios como el que la mujer empiece a acceder a las enseñanzas artísticas, durante la primera mitad del XIX va a ser muy difícil que nos encontremos con mujeres artistas que puedan tutear a sus correligionarios hombres, eso no va a suceder hasta los años centrales del siglo XIX con Rose Bonheur que será condecorada con la Legión de Honor y otros reconocimientos de primer nivel. Gracias a estos cambios que son en muchos aspectos sólo estéticos también arrastran cambios funcionales y así las mujeres empiezan a acudir a las clases de los pintores de la Revolución Francesa grupos de mujeres que tienen un interés por el arte o la cultura, pero su interés no es sólo en plan aficionado para saber dibujar sino que quieren ser pintoras profesionales. Los primeros puestos que están reservados para esas pintoras profesionales van ser puestos de segunda clase sobre todo en la primera mitad del XIX, así hacen carrera como pastelistas, miniaturistas todas artes que están en función de las artes mayores donde todavía no van a encontrar una acceso franco salvo en contadas excepciones. Pero si comienza hacerse sitio en la profesión que tiene precisamente lugar en estos años. En la Francia a comienzos del siglo XIX una mujer sí que podía ganarse la vida como miniaturista, algo totalmente imposible hasta finales del XIX en España. Todo lo expuesto sirve para justificar en cierta medida a aquellos que crearon o apoyaron el discurso epicéntrico francés porqué es verdad que algunas cosas importantísimas suceden en suelo galo. También el aspecto de las racialidades se empieza a visualizar con una cierta dignidad en este momento en Francia, así nos encontramos con personajes de color tratados con cierta dignidad en el contexto de la igualdad de la Revolución. LA PRIMACIA DE JEAN LOUIS DAVID (1748-1825): Trayectoria singular e irrepetible que le convierte en el primer modelo de artista moderno. No se conforma con el discurso académico establecido. Nace en París en el seno de una familia trabajadora, el padre era vendedor de hierro al por mayor, este irá mejorando conforme va pasando el tiempo, va a crecer profesionalmente y va a acceder a una serie de dedicaciones comerciales que le establecen en una forma de vida más burguesa. Su madre va a ser clave en la formación de David porque ella si está inserta en mundo de las artes, procedía a través de algunos tíos y hermanos del mundo de la arquitectura y familiar lejana de un pintor rococó François Boucher. Este va a ser el primer maestro fingido de David, ya que en realidad nunca tomó lecciones de él porque Boucher es un hombre mayor y enfermo cuando David necesita tomar clases de dibujo. Boucher le va a derivar al que va a ser su verdadero maestro Joseph-Marie Vien (le vemos a la derecha en un Autorretrato de 1784). Este le formará en una especie de primer N o de la primera oleada neoclásica, podríamos denominarla como una clasicomanía más que de un verdadero N. esto es un debate muy importante la esencia teórica del N. sobre el cómo podemos distinguirlo o clasificarlo. Desde mucho tiempo antes de que David se convierta en el árbitro de la cultura N en las últimas décadas del XVIII distintos artistas empezaron a interesarse por los principios del arte clásico y a tratar de hacerlo visible en sus pinturas. Uno de los más interesantes es este Vien que va a tener sobre todo una inspiración en la literatura del mundo clásico que va pesar durante todo el desarrollo del N. La manifestación artística será algo apegado a la literatura. El N como movimiento artístico tiene un sustrato literario esencia que define radicalmente al estilo. Los argumentos que trata el N. son tomados del mundo literario clásico grecorromano. Vien introduce a David en ese mundo y desde luego también será el primer obstáculo del que va a tener que librarse a lo largo de su trayectoria. No tiene una franca relación con Vien aunque cuando finalmente cuando David pueda abrirse camino en el Gran Prix, acudirá a Roma en calidad de ayudante de Vien que es que es nombrado director de la Academia Francesa en Roma. Vien entorpecerá el crecimiento artístico de David del que espera que se adapte a la senda N que le propio Vien había trazado. David todavía no había tratado la revelación del N. algo que no sucederá hasta la vuelta de su experiencia romana cuando se encuentra con el Vien, él era un joven rebelde que es muy asertivo y que decide no seguir las normas tal como estaban pautadas. COMBATE ENTRE MINERVA Y MARTE (1771): David va a tener que opositar para ir con una beca de Roma cuatro veces hasta conseguir el Gran Prix. Este es el primero de los ejercicios con el que fracasa en la convocatoria de 1771. Tema totalmente inspirado en la tradición mitológica de la pintura francesa. Es una pintura tardo Rococó en la que el N no está presente. Si nos figamos en la descripción de las anatomías, en los ademanes de los cuerpos, en tratamiento dramático de las telas (vemos en el manto que vuela de Minerva), es algo que no pertenece al mundo reglamentado sino que está directamente unido a la pintura barroca francesa. Algunos personajes como la figura desnuda sobre una nube emparentan directamente con el Rococó así la forma de presentar los senos de este personaje presentados de frente al espectador sin respetar la anatomía del cuerpo humano son guiños sensuales que tienen que ver más con lo Rococó que con lo N. Así que es la primera imagen de un artista tardo Rococó. DIANA Y APOLO LANZANDO FLECHAS A LOS HIJOS DE NIOBE (1772) No hay muchos cambios en el segunda obra que presenta para la convocatoria del Gran Prix de 1772. De nuevo estamos en un asunto estrictamente mitológico con un tratamiento de pintor tardo Rococó (ver telas, tratamiento de los desnudos que rebela un desconocimiento del estudio de la anatomía, dibujo onduladísimo, recursos lumínicos dramatizados y artificiosos por completo, gama tonal en acuerdo con los gustos intrínsecos del arte del XVIII). El concurso será ganado por unos artistas mediocres David entra en un estado depresivo que se va a repetir durante toda su vida que le lleva a encerrarse en su habitación y dejar de comer durante varios días con la intención de suicidarse. La vida de David va a tener puntos altos extremos y puntos bajos casi letales. En este caso su depresión estará justificada porque se desvela que David había sido el justo ganador y que habían sido las intrigas de Vien que quería presionar para sacar más material de David. Su maestro impide que gane el premio para obligarle a presentarse de nuevo. EL DOLOR (1773, PASTEL) En esta convocatoria para el Gran Prix David gana el segundo premio por este pastel, Vien seguirá conspirando para que no quede primero. Es una figura alegórica que posteriormente reaprovechará para la siguiente composición que será la más afortunada. ERISTRATO DESCUBRE LA CAUSA DE LA ENFERMEDAD DE ANTIOCO (1774): Cambia el planteamiento de la escena y registro artístico con respecto a las obras anteriores. Estamos otra vez en una obra basada en la literatura clásica que abre las puertas de Roma al joven David y hace que se le señale como la promesa artística del momento. Aunque no era consciente en ese momento en esos cuatro años sucesivos en los que artistas de franca peor calidad que él sus maestros les habían dejado pasar por delante, esta situación le servirá para cuando vuelva de Roma ninguno de esos artistas que le ganaron van a ser un pintor de la importancia tan relevante que tuvo David. Le va a ser muy fácil colocarse a la cabeza de la escuela francesa. Esta situación resulta novedosa ya que, aunque anteriormente existía el cargo de primer pintor de cámara, no será hasta David se convierta en cabeza de la escuela francesa sea un figura muy importante a nivel crítico. Este proceso de selección que a él le resultó muy gravoso costándole una depresión, la ayuda de un grupo de amigos y profesores le servirá de apoyo en este momento. DIBUJOS DURANTE SU PRIMERA AÑO EN ITALIA: El primer año de su llegada a Roma no pinta nada no utiliza los pinceles dibuja sobre todo escultura clásica, edificios antiguos, paisajes, ambientes romanos según lo que él mismo cuenta. El peso del mundo clásico romano como los sarcófagos, las estatuas serán sustanciales para definir la cultura artística, la imaginación que se nutre a partir de ese momento. Casi todas las grandes composiciones como los Horacios, las Sabinas que vamos a ver a su vuelta a Paris nacen de apuntes que toma en este momento. EL FUNERAL DE PATROCLO (1778) En el segundo año que está bien instalado como pensionado. Es importante que tengamos en la cabeza como ese mundo clásico todavía no le ha impactado tanto como para deformar su formación en la Academia Francesa. Pintura monumental, ambiciosa, aunque es un boceto podemos ver que se trataría de una obra de grandes dimensiones. Las formas de ordenar las figuras, la composición con el altar y el cuerpo de Patroclo descolocado con respecto al centro del cuadro, todos los elementos nos hablan de un artista que todavía tiene muy poco que ver con el David N. tiene todavía mucho que ver con el Rococó francés. Si que está el amor por lo arqueológico pero todavía no reconocemos al artista posterior. Para que se dé el paso definitivo es fundamental su encuentro con Valentin de Boulogne que como él había pasado varios años en Roma. Una de las obras que copiará será una Ultima Cena (1626) que se encontraba en Roma y que el artista decide copiar. La idea del claroscuro casi caravagesco va a ser notable a la hora del cambio de sensibilidad que va a operar en la cabeza de David. Porque la fascinación de la idea del claroscuro pero no en la cabeza de un italiano como Caravaggio sino en las manos de un francés como Valentin de Boulongne va a ser algo que interpele a la imaginación de David lo suficiente como para ser uno de los elementos depurativo que le ayuden a romper con la tradición Rococó y a interesarse por un nuevo estilo artístico que él está interesado en fundar de modo que a partir del momento que copia esta obra vamos a encontrarnos con un pintor que ha cambiado radicalmente. ACADEMIA LLAMADA PATROCLO (1780) Forma pareja con otra obra llamada HECTOR, ambos son desnudos Obras clave en su evolución hacia el N. Su evolución hacia el claroscuro está plenamente definida en contra de sus anteriores bocetos rococós. El claroscuro barroco se introduce en el N, esta es una idea que no se utiliza mucho para tratar de explicar alguna de las fuentes del N, pero que el conferenciante señala que es fundamental para entender la génesis de este estilo Rotundidad de su espalda definida sobre un fondo oscuro la carnación del cuerpo masculino. Vemos una relación naturalista del cuerpo con la tela, la tonalidad roja del textil se refleja en ciertas partes de la carnación (fijarse en la parte de la espalda con más sombras). Héctor (1780) SAN ROQUE INTERCEDE ANTE LA VIRGEN PARA LA CURACIÓN DE LOS APESTADOS (1780) Realizada después de un desengaño amoroso con la criada de la esposa de Vien, en aquel entonces Director de la Academia de Francia en Roma, cae en una depresión muy intensa para salir de ella se apoya en el trabajo y sus compañeros, logrará salir de ella. Contradice la imagen tradicional de un David ateo, volcado solamente en el mundo clásico y sin ningún interés por la temática religiosa. Algo no del todo cierto ya que, tanto copia que realizar de La Última Cena de Valentín de Boulogne de la que adoptará el claroscuro como esta obra en la que empieza a ordenar las figuras siguiendo las composiciones de la estatuaria clásica son claves en su producción y paradójicamente las dos son de temática religiosa. Modifica la plasticidad de sus figuras y por primera vez nos encontramos en una pintura francesa de esta cronología una disposición “casi casi” estatuaria de las de las figuras. La definición física de la Virgen, está en relación con Apeles o las estaturas clásicas de matronas sedentes que había conocido en su estancia en Roma. Tuvo un gran éxito y es injusto que tenga un lugar secundario en la estimación en la pintura del maestro. Diderot escribe conmovido sobre la escena del apestado que está a los pies de la Virgen, el enciclopedista la había conocido en su visita al Salón. Comienzo de David como fundador de un nuevo lenguaje artístico. EL CONDE STANISLAS POTOCKI (1780): Alterna con una alta sociedad muy culta, como este el caso el conde polaco traductor de la Historia del Arte Winckelmann, uno de los protagonistas del ambiente literario del N. gran coleccionista. Para estos círculos intelectuales, David como pintor se inscribe dentro de los gustos amplios y fuera de las normas que en ese momento admite la Academia como pintor aceptable dentro de la norma del buen gusto. Es un reto esta obra de aparato con el personaje a caballo, un perro que ladra, y detalles como las crines, aparejos del caballo tratados con gran intensidad. En su conjunto remite a modelos de Van Dyck y otras obras que están fuera de los modelos de la pintura francesa de la primera mitad del XIX. Comunión entre David y el conde, de tal forma que cuando se tiene que ir de Roma y despedirse de su modelo, decide llevarse la obra a París para allí terminarla. BELISAIRE PIDIENDO LIMOSNA (1780) Primera gran obra que impacta a la crítica francesa de Salón. La idea del gran estratega bizantino en los últimos años de su vida cuando ya está desahuciado de su anterior fortuna y tiene que ganarse la vida pidiendo limosna, fascina a la cultura N repitiéndose está temática en cientos de versiones, siendo David uno de los que también pintara esta historia de gran contenido político. Es una imagen que encierra muchas posibilidades de discurso que no tienen por qué estar presentes en la cabeza del artista pero sí que lo estarán en la crítica de estos años que reflexionará sobre la fortuna de este personaje que lo ha dado todo por su patria o dará lugar a otras interpretaciones políticas que tanto interesan en este momento en el que la política es un ingrediente clave para entender la sociedad. David realiza con esta obra un manifiesto de hacia dónde quiere llevar este N, llevando un punto más lejos lo que estaba ya en la “San Roque intercede ante la Virgen para la curación de los apestado”. Como observamos la propia definición plástica de la pintura tiene una clase de iluminación más nítida, bastante más natural que la iluminación tradicional rococó que veíamos en sus primeros bocetos, vemos la iluminación propia del N. La arquitectura tiene una preeminencia extraordinaria, descrita con un primor arqueológico que va a ser una de las bases del N. Definición de las figuras a través de un claroscuro que las envuelve, otro de los cambios que ha tomado David y que son fundamentales para el desarrollo del N, estos cambios serán aprendidos en su época romana. Diderot la alaba diciendo que cada día que veía el cuadro en el Salón era como si lo viera por primera vez, esta idea de renovación está en el ADN del N. que se abre camino en el concepto de “vieja pintura”; a todo lo anterior se une un momento de crisis política en la Francia del momento contribuye a que la obra tenga un éxito inmediato. Necesidad de refresco, de novedad, de encontrar algo nuevo y limpio a lo que agarrarse, con temas que interpelan a una moralidad de los gobernantes mucho más elevada, resulta cautivador para el gran público del Salón, por lo tanto, es fácil entender que David se abriera paso rápidamente en los Salones hasta convertirse en protagonista único de los mismos. DOLOR Y LOS LAMENTOS DE ANDRÓMACA SOBRE EL CUERPO DE HÉCTOR (1783) Es la siguiente obra que presenta en el Salón. Inspirada directamente en un sarcófago de los que copia durante su estancia en Roma, aunque está realizada en París. La Andrómaca que está llorando el cadáver de Héctor, tema de la Illiada lectura de cabecera de los pintores N. y la que más pintura ha inspirado esta época N. Peso extraordinario en la Francia prerevolucionaria, por lo que allana el camino de David como pintor de éxito. En este momento la Academia está tan estamentizada y tan normalizada que requiere en primer lugar una acreditación a los pintores para exponer en el Salón de manera regular. Con la exposición de esta segunda obra se postula para ser miembro de la Academia, lo que le abre una puerta hasta acceder al estatus de artista; algo totalmente paradójico porque desde el punto de vista de la consideración del público en este momento David es un artista importante pero está fuera del escenario académico ya que no ha cumplido todo los requisitos establecidos que diez años después va a dinamitar haciendo desaparecer desde su posición de legislador ALPHONSE LEROY (1783) Su estatus de promesa del arte francés, hace que tenga contacto con los personajes más importantes de la Francia del momento, como en el caso de este famoso médico. Su profesión está presenta en los instrumentos de su oficio y en su actitud estudiosa. EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS (1784-85) Manifiesto perfecto de la pintura N. Arquitectura como ordenadora del espacio, observar como el espacio está dividido de manera tripartita. Compartimentación indicada por los arcos del fondo en el que los grupos se ordenan ideológicamente, el grupo de las mujeres (el de menor importancia ideológica, sujetos pasivos del relato, reflejo del puesto que ocupa la mujer en la sociedad, sólo pueden lamentar los hechos pero no participan en los mismos), el hombre situado en el arco del centro que sujeta las espadas y pide el juramento a los jóvenes pertenecientes a la familia de los Horacios y que ocupan el arco situado a la derecha. Sentido político de honor debido al juramento, este aspecto es importante tenerlo en cuenta ya que esta obra ha sido interpretada desde un punto de vista revolucionario mucho antes de que sucediera la Revolución, aunque sin duda se realiza en un época convulsa, esa interpretación política no tiene mucho sentido, porque estaba pensada para decorar un edificio de la monarquía y es presentado en el Salón tal como se hacía con el resto de encargos realizados por la corona. No estamos ante un artista ajeno al sistema, es más, se casa una muchacha muy joven cuyo padre es arquitecto de los edificios reales lo que no sólo le granjea una dote grandísima de 50.000 francos sino la influencia para alquilar una parte de lo que ahora es el Louvre donde instala su atelier y su vivienda, es decir, no es un artista marginal del sistema, si es muy revolucionario en su concepción del arte y sus pensamientos políticos. Es una obra pensada desde dentro del sistema, pero si es verdad que interpela a un concepto que si va a asumir la revolución que es el juramento cívico como generador del sistema político republicano revolucionario; son los juramentos humano sin presencia de la divinidad. No apreciamos jerarquías (salvo las narradas sobre el grupo de mujeres desde el punto de vista actual pero que en su época no era apreciada como una desigualdad). La ausencia de la divinidad y de un jefe principal sobre encima de los que se están juramentando (es sólo el nombre del ciudadano el que se interpela en este juramento), va a hacer que cuando llegue la revolución tenga otro significado distinto. Supone la consagración de David que desde un año antes de realizar esta obra había ingresado en la Academia y empezaba a tener discípulos, aunque nunca estará totalmente de acuerdo con los postulados de la Academia. Dibujo preparatorio para los Horacios: David es uno de los grandes dibujantes de la primera mitad del XIX.. Utiliza carboncillo y clarión para cosas diferentes: el carbonillo para la definición de la anatomía y el clarión para iluminar. Progresivamente va a introducir novedades respecto al dibujo, deconstruye toda la superficie de la pintura, es decir, estudia en profundidad cada uno de los elementos de la composición, desnuda cada una de las figuras para analizar por un lado los paños y por otro la anatomía. Así va creando la composición general, un “modellino” que se cuadricula y se traslada al lienzo. No es el procedimiento tradicional académico que funcionaba al revés, primero se componía la imagen general y posteriormente se analizaba algún fragmento que podría parecerle dificultoso. Esta novedad de David en el dibujo es muy importante porque los discípulos de David (incluidos los españoles) van a aprender esta forma de dibujar y se va convertir en el modelo de dibujo imperante durante toda la primera mitad del XIX en toda Europa. LA MUERTE DE (1787) SOCRATES En este momento además de recibir encargos en salones, instituciones públicas recibe encargos privados como es este caso. Va camino de convertirse en un hombre rico y poderoso. PARIS Y HELENA (1787) Encargo del Conde de Artois. Temática alejada de los grandes temas históricos, nos muestra un David interesado en lo anecdótico, lo galante. En una pintura que aborrece ya que no transmite ningún discurso de moralidad. Esta temática tan complaciente supone una monstruosidad, ya que se narra desde una estética neoclasicista que se suponía estaba al servicio de una moralidad más elevada. ANTOINE LAVOSIER Y SU MUJER (1788) David es considerado uno de los mejores retratistas del XIX.Personaje muy importante para la cultura de este momento, paradójicamente se convertirá en una de sus víctimas cuando David participe en los gobiernos del Terror, aunque no lo haga directamente si le da la espalda y no le presta ayuda. No será con el único retratado en esta época que posteriormente ignore o participe en su condena. LOS LICTORES DEVUELVEN A BRUTO LOS CUERPOS SIN VIDA DE SUS HIJOS (1789) En este año atraviesa otra profunda depresión consecuencia de la temprana muerte por viruela con 16 años del mejor de sus discípulos Surie, justo el año en viajó a Roma después de ganar el Gran Prix tras la intervención para su elección de David en su papel de uno de los profesores más influyentes de la Academia. Esta obra fue realizada por Surie poco antes de morir recién llegado a Roma. Asentación del N. davidiano como lenguaje artístico imperante a partir de esta fecha, es sintomático que coincida con el inicio de la Revolución Francesa. Escenario perfectamente ordenado por lo arquitectónico, la arquitectura es la que sitúa a cada uno de los personajes. Despliegue del conocimiento de lo arqueológico que tiene que ver con lo que ha estudiado en Roma en concreto en los dibujos que realiza del Bruto Capitolino. La Academia decide en un primer momento no exponer esta obra debido a los sucesos políticos que estaban sucediendo en este momento, la imagen de Bruto que sacrifica a sus hijos en pos del rigor de la norma, podría suponer una provocación ante el clima de descontento popular en ese momento. La obra cuando es conocida tiene tanta aceptación por el gran público que hasta se realizan réplicas de los muebles que aparecen y que serán el origen del mobiliario N. llamado estilo Imperio. Es sintomático que justo en este momento las mujeres dejen de llevar peluca para ir peinadas como las mujeres de este cuadro, fíjarse que en el retrato de Lavoisier todavía los personajes están tocados de estas pelucas y eso tan solo un año antes, lo mismo ocurrirá con los ropajes. Estos cambios no sólo afectan a las élites culturales sino que es adoptado por un amplio sector de la sociedad. Este éxito extracadémico por un pintor que cumple todos los requisitos para llevar su labor a cabo en la Academia Francesa. MARQUESA D´ORVILLIERS (1790) Ya sin peluca con su pelo cardado y un tipo de vestuario más cercano a lo que será la moda N. que a sus antecesoras de solo un año antes. La sociedad de este momento se siente asociada a lo que supone la obra “censurada” de Bruto que hacía el poder que ha negado la visibilidad de ese cuadro. ANNE-MARIE-LOUISE THELUSSON CONDESA DE SARCY (1790) Con respecto a la moda y el peinado se puede decir lo mismo. Fondos neutros tan rigurosos propios de la pintura daviniana. Iluminación delicada y todavía algo “empolvada” que ira paulatinamente limpiando. JURAMENTO DEL JUEGO DE PELOTA (1791): Gran proyecto que le define como artista y también como político. Participa como diputado de la Asamblea General, así le vemos retratado tomando apuntes. Acomete la obra de mayores dimensiones (10x7metros), eso impide que la lleve a cabo porque no consigue financiación para llevarla a cabo. Así que la conocemos a través de dibujos y estudios pormenorizados en las que David había pensado reproducir la escena a tamaño natural, en la que cada uno de los retratados fuera pormenorizado. Dibujo preparatorio: Vemos lo explicado anteriormente en el dibujo preparatorio para el Juramento de los Horacios, todas las figuras de la composición se dibujan primeramente desnudas y después el artista introduce los trajes. Rigor en el estudio anatómico que es lo primero para el autor r AUTORRETRATO CON TRES COLETAS (1791) David empieza con sus implicaciones políticas que le cuesta su vida personal porque su mujer que no está en absoluto de acuerdo con la deriva revolucionaria del artista, decide ingresar en un convento y abandonarle, de modo que ser ve con cuatro hijos y sin una esposa que le resuelva este problema doméstico. Sin el contrapeso de las ideas políticas de su esposa David se introduce en un crecendo en una radicalización de su ideología a pasos agigantados. MADAME MARIE-LOUISE TRUDAINE (1791): En esta época realiza multitud de retratos de personajes destacados de la sociedad como es este caso. CRISTO EN LA CRUZ (1792): Encargo de un aristócrata al que posteriormente perseguiría durante la época del Terror, en la actualidad está en la Iglesia de Saint Vicens en Macon (Francia). La obra religiosa de David ha sido tratada tradicionalmente como obras subsidiarias dentro su producción artística, si vemos su fecha 1792 antecede a las tres obras más militantes de su producción que son LOS ULTIMOS MOMENTOS DE MICHEL DE PRETIER (1793), MARAT ASESINADO (1793) Y LA MUERTE DE BARA (1793), los tres con una carga ideológica profundamente martirial. LOS ULTIMOS MOMENTOS DE MICHEL LEPELETIER (1793): David participa activamente en todos los procesos políticos de esos momentos, se convierte en unos de los que elabora las listas de los perseguidos por el Terror, incluso forma parte de los interrogatorios del Delfín que era un niño de 10 años y vota a favor de la guillotina para los reyes. El día que se vota la pena capital para el rey, el más a favor de su aplicación será Michel Lepeletier, a la vuelta a su casa de la Asamblea alguien lo asesina. David como jefe de todas las celebraciones patrióticas, orden público y manifestaciones artísticas como la creación del Museo Universal que será el germen del Museo del Louvre es el encargado de realizar una iconografía para este asunto. En paradero desconocido ya que la hija de Michel Lepeletier una vez pasado la Revolución, huye no sin antes destruir esta obra, solamente la conocemos a través de dibujos preparatorios y de los múltiples grabados que reprodujeron esta obra durante esta época. Planteamiento martirial, estamos ante un Cristo no cristiano, un cuerpo venerado también en relación con el cuerpo de HECTOR ADORADO POR ANDRÓMACA (1784). David está pensado en una serie de imágenes que funcionen como conjunto, así vemos el protagonismo de la herida que remite a la imagen de la herida en el costado de un Cristo yacente. MARAT ASESINADO (1793): Charlotte Corday perteneciente al partido de los girondinos inyectada de odio hacia Marat que se había convertido en uno de los más activos políticos del momento sobre todo en la elaboración de las listas de los guillotinados, le hace una visita histórica que termina con su vida. David era íntimo amigo de Marat, este a su vez lo era de Robespierre. El pintor acude a levantar el cadáver y se hace cargo de la realización de una iconografía para convertir a Marat en una víctima martirial de la República que está naciendo en este momento. Así se realizan una serie de honras fúnebres que situadas en diversos lugares de París, unas procesiones pararreligiosas en la que se rinde culto a Marat como un mártir de la Revolución. Es decir, se ha sustituido la religión que se ha sacado del escenario principal, de hecho la ceremonia civil se realiza en una iglesia desacralizada donde tiene lugar el velatorio. Dibujo tomado directamente del cuerpo de Marat, cuando acude a la vivienda del asesinado. Algunos estudios exponen que la obra se realizó muy deprisa, en realidad se realizó de agosto a noviembre con una dedicación absoluta, si nos fijamos en el fondo que es una luz incidiendo en una mole grisácea realiza un pulso absolutamente buscado en cada una de sus pinceladas que le concede un impacto pictórico increíblemente maravilloso, golpea al espectador de una forma inequívoca. LA MU ERT E DE BARA (1793) A través de esta obra honra la memoria del joven Bara que fue mandado matar por sus superiores por no gritar Viva el Rey. Para los miembros del Terror es uno de sus grandes héroes. Es una obra inacabada. Formaba parte de un proyecto artístico que David se había auto encargado para celebrar a los héroes de la Revolución que había sido víctima de la implantación del nuevo orden político. MARIA ANTOÑETA CONDUCIDA AL CADALSO DIBUJADA DESDE LA VENTANA DEL INMUEBLE DE JULLIEN (1794) Participa en las sentencias de muertes de personajes significativos como el PRINCIPE ALEXANDRE DE BEAUHARNAIS, el DELFIN (muere en la cárcel de El Temple debido a un grave deterioro físico sin saber que sus padres había sido decapitados) o el escritor cómico FABRE D’ EGLANTINE. Dibujo más maduro, rápido y expeditivo. Durante mucho tiempo se ha discutido su autoría, ya que parece impropio un dibujo tratado con tan crudeza de David que es considerado por sus paisanos uno de los grandes. En la actualidad, nadie duda de su autoría. Jullien es uno de los ebanistas que reproducirá los muebles de sus cuadros, nos habla de la conexión entre los distintos artista del N. FIESTA EN HONOR DEL DIOS SUPREMO Diseñará esta fiesta, encargo del gobierno de la República que abolirá la religión católica e implementará un nuevo culto filomasónico que tendrá en su epicentro el ser supremo de los masones. Llevará a cabo la organización de las fiestas y el diseño de las arquitecturas efímeras Algunas fuentes le atribuyen el diseño de la tricolor, la nueva bandera. Las imágenes no son obra de David. EMILE DE SERIZIAT Y PIERRE DE SERIZIAT (1795): El Terror cae, muere Robespierre decapitado pese a la defensa de David que dice que si aquel muriese, él lo haría también. Poco después de estos acontecimientos se reconcilia con su esposa renegando de su pasado político y decide marcharse al campo con la hermana de su mujer y su esposo los Seriziat de los que realiza estos encantadores retratos. Experimenta una recaída en su salud debido a la convulsión que supone la muerte de Robespierre. Tenemos tan amplia documentación al respecto que podemos leer su evolución diaria (por ejemplo, explica las veces que vomita). Desaparece de la escena parisina para refugiarse en la campiña con estos familiares que gozaban de un gran estatus económico y social JACOBUS BLAUW (1795). Embajador de la Batavia (pre Países Bajos), primer estado en reconocer la República Francesa. David reconoce la figura de este personaje en esta obra que presenta al Salón de 1795. LAS SABINAS (1799): El alejamiento de las actividades políticas de los años del Terror le permite dedicar todo el tiempo a la realización de este lienzo. Alegato de la paz en tiempos de guerra, de la concordia en tiempos de enfrentamiento. Una reflexión política a lo que había acontecido en los tiempos del Terror. Manifiesto político claro Madurez absoluta del N., dependencia con la estatuaria clásica. Antes de su presentación en el Salón realiza un escrito en el que detalla las razones por las que aparecen hombres desnudos (una diferencia con respecto a las obras anteriores), empieza a introducir el desnudo integral masculino como un elemento de formulación de la figura del héroe, desnudo como sinónimo de heroicidad y no tanto como de cuerpo deseable, aunque es consciente del erotismo que destilan los cuerpos. Consigue que sea presentado en una estancia cerrada por completo de la Escuela de Arquitectura de París, en una pared cuelga el cuadro y en las otras coloca espejos, se produce una sensación entre escandalosa y erótica, el visitante que llegaba vestido se veía rodeado de todos estos personajes desnudos. David decide cobrar la entrada a esta exposición, gana 66.000 francos, una verdadera fortuna que le permite comprar una casa con un amplio terreno en la campiña de la periferia de París que se convierte en su lugar de reposo y de ingresos debido a los beneficios de la explotación agropecuaria, es decir, una fuente de ingresos tradicional y latifundista a la manera del Antiguo Régimen, algo contradictorio con sus ideas republicanas. Las dos mujeres del centro (una extiende los brazos y otra enseña el pecho), actrices muy famosas en la sociedad del momento, con multitud de amantes, mujeres cultas e independientes, hace que todavía aumenten más las visitas. MADAME DE VERNINAC (1799): Los retratos de esta época hablan de un David totalmente depurado. Su culta clientela responde al buen gusto que rezuman los retratos en este momento. LEONIDAS EN LAS TERMÓPILAS (1800-11): Alude un suceso militar de la antigüedad en paralelo con un hecho contemporáneo a David, unos militares serán abandonados por el Estado francés. Exaltación del cuerpo desnudo masculino como figura heroica por antonomasia. Nos explica también la idea qué papel tiene la masculinidad potenciada en la cultura visual y en la cultura general de la Francia de ese momento. David escribirá, el hombre masculino es el ordenador de todas las cosas y por lo tanto su cuerpo es un reflejo de ese orden; el espectáculo de la anatomía bien ordenada es el espectáculo del orden del mundo. Por la tanto, el espectáculo del desnudo masculino tiene un sentido de reivindicación política. Evidente contexto homo erótico en multitud de detalles (desnudo frontal en primer plano, hombre vestido que acaricia a un joven desnudo, el campo de visión del espectador inmediato situado en una franja horizontal que abarca el tercio inferior con desnudos en distintas posturas). David planea la misma fórmula de exposición que las Sabinas, volviendo a recaudar una pequeña fortuna. MADAME RECAMIER (1800): Esposa de un banquero, pero va más allá de su papel de conyugue de un hombre poderoso, nos habla de que papel secundario pero también protagonista que adquieren las mujeres en ese momento. Es la gobernante de uno de los Salones culturales a los que acuden los principales artistas del momento, dando lugar a interesantes coloquios con filósofos, comediantes y escritores. Esa idea de Salones dieciochescos que en este momento se convierten en asuntos fundamentalmente políticos y también artísticos y culturales, en la que ellas toman el papel de moderadoras de debates cada vez más interesantes. Obra inconclusa será terminada por uno de sus discípulos. BONAPARTE CRUZANDO EL GRAND SAINT BERNARD (1800): Encargo de Carlos IV para el Palacio Real de Madrid. Así manda a un embajador con varios artistas para que se queden en París para formarse. Es paradójico, que encargue una obra que representa al caudillo militar del momento a uno de los responsables de la decapitación de sus primos franceses, increíble pero cierto. Tiene tanto éxito que Napoleón le pide que haga tres versiones más de la obra. La mejor, en la actualidad en el castillo de Malmaison fue la que estuvo colgada en el palacio madrileño, hasta que José Bonaparte huye apresuradamente y se lo lleva en su equipaje primero a Bélgica y posteriormente a Estados Unidos donde los descendientes de José Bonaparte lo venden en la década de 1980 al estado francés. Edita la imagen del héroe, del caudillo militar que es la promesa en una Francia sumida en gran crisis. COOPER PENROSE (1802): David es un pintor de éxito que recibe grandes encargos por cantidades exorbitantes como la que paga este financiero cuáquero de 200.000 francos, un fortunón. Es paradójico, que según el gusto de conferenciante sea el peor de todos los vistos hasta ahora. NAPOLEON EN TRAJE IMPERIAL (1805): Se afianza el tándem entre David y Napoleón. Se trata de un pequeño boceto para una obra de grandes proporciones PAPA PIO VII (1805) Aparentemente es el retrato de un papa pero la clave nos la da la firma de David (margen superior izquierdo) “LUD. DAVID PARISIS 1805). El Papa en París estaba viviendo un secuestro, Napoleón lo saca del Vaticano y lo lleva junto con un montón de bienes artísticos a vivir a París donde vive de facto un secuestro durante una larga temporada. Es entonces cuando lo retrata David. La finalidad del secuestro era hacerle participar en la consagración como emperador de Napoleón. El Papa consagra la corona y Napoleón se consagra él mismo. Después el corso corona a su esposa María Luisa de Austria CONSAGRACION DE NAPOLEON (1807): Unos de los grandes relatos visuales de David. El segundo de su producción en cuanto a sus dimensiones, el primero será el inacabado de El Juego de Pelota. Todos y cada uno de los personajes son retratos de cada uno de los embajadores de Europa, incluido el español que están presente en el culmen de la vida de Napoleón. Vemos el altar y el trono todos son elementos que nos hablan del nacimiento de un nuevo régimen político en el que David va a estar muy implicado. Así va a diseñar todos los uniformes del Imperio, todos los trajes de corte que dentro de un espíritu militar deciden uniformarse, es decir, según el cargo que tengas dentro del organigrama de la corte así vas a tener un uniforme u otro. Realiza un estudio cuadriculado para la figura del papa Pio VII, a ese desmenuzamiento de cada una de las composiciones y el estudio del desnudo de cada una de las figuras no escapa nadie, ni siquiera el papa, algo que hubiera sido totalmente impensable en el Antiguo Régimen y que aquí David hace con total naturalidad Napoleon felicitando a David en la exposición de La Consagración, (litografía de Motte, según Norblin): Sujeta de la mano a David, en este momento se convierte en el primer pintor de Francia, algo que ya era en realidad. Es una iconografía, totalmente favorecedora de David, obviamente está pensada para su mayor gloria. Davíd tenía un tumor en la cara que le empieza a crecer en los tiempos del Terror y que en este momento le cubre su lado izquierdo. En sus autorretratos jamás se representa con el tumor. En este grabado es el único representado de perfil severo, para evitar que se muestre la malformación. SAFO, FAON Y EL AMOR (1809): Además de atender encargos públicos que son manifiestos de interés político, realiza obras como está realizada para un particular. En este caso es una temática anecdótica, casi libidinosa, en relación con la tradición del Rococó del placer sensual. Representa la leyenda de Faon un barquero de Lesbos que transporta a una diosa en su barca, en agradecimiento le transforma en el hombre más bello de la tierra, la poetisa Safo (su obra será muy popular en el N.), se enamora perdidamente de él). Escena galante que representa los juegos de amor de Safo y Faon en presencia de Cupido, temática ideal para una escena N. EL DESEMBARCO DE LAS AGUILAS (1810): Sintomático de su apoyo a Napoleón. Tiene grandes dimensiones. Napoleón idea un sistema premial que ha llegado hasta nosotros como la Legión de Honor. Esta es una de esas entregas de premios de las Aguilas como premio militar a los más distinguidos en los hechos bélicos. Davíd la expondrá en un Salón para dar a entender al público la idea de la creación de la gran nación europea en la que Napoleón está convirtiendo a Francia en este momento. ANTOINE FRANÇOIS DE NANTES (1811): Dentro de sus gran repertorio de retratos. Vemos a este hombre de estado con un traje académico diseñado por el propio David con las palmas y la legión de honor NAPOLEON EN SU GABINETE DE TRABAJO (1812): La última imagen napoleónica realizada por David. Todo perfectamente ideado, no hay ningún elemento de la obra que no sea susceptible de una lectura de marcado simbolismo propagandístico y político (mapas perfectamente legibles para el espectador, la espada, los emblemas bordados en el asiento de la silla, la biblioteca que le da un poso intelectual. Todo esto sirve para reforzar la imagen pública de Bonaparte MARGUERITE CHARLOTTE DAVID (1813): Retrato de su mujer, en esta época en la que se reconcilia con ella definitivamente de la que se había llegado a divorciar en la época del Terror SIEYES (1817): Con la caída de Napoleón, David abandona Francia y se instala en Bruselas hasta su muerte. A pesar de estar en unos tiempos artísticos que no son los suyos, sigue realizando obras bellísimas como es este retrato de este académico francés. PSIQUE Y AMOR (1817), TELEMACO Y EUCARIS (1818): A través de este tipo de obras tendrá grandes ingresos económicos. Su época en Bruselas será su retiro dorado en el que visitará constantemente el teatro, vemos a través de la correspondencia a sus familiares que el teatro ocupa un gran lugar en su vida, prácticamente se convierte en su nexo de unión con el mundo, mantiene un gran actividad en torno al teatro pero hoy por hoy no se puede asegurar que participara en la elaboración de alguna escenografía con trajes y decorados. RETRATO DE LAS HIJAS DE JOSE BONAPARTE, CARLOTA Y ZENAIDA (1821): Ambas también exiliadas en Bélgica, serán las que posteriormente viajan a Estados Unidos llevándose la obra de David de Napoleón cruzando el Grand Saint Bernard. Se convierte en maestro de dibujo de Carlota. MARTE DESARMADO POR VENUS Y LAS GRACIAS (1824) Idea de nuevo antibélica dentro de la postura que adopta tras su época beligerante en el periodo del Terror, el defiende la concordia, la paz y el antimilitarismo. El teatro más importante de Bruselas llama a sus bailarinas principales para posar en este cuadro. Incluso el pequeño cupido es un bailarín de 10 años que ese momento tenía mucho éxito bailando en danzas donde encarna a cupido. Curiosamente para el papel principal masculino elige a un abonado al citado teatro al que David debió considerar lo suficientemente atractivo