LA PINTURA FRANCESA DE LA PRIMERA MITAD DEL XIX:
La tradición historiográfica desde el XIX hasta la década de los 80 del siglo XX ha puesto el
acento en el epicentro artístico de París. La justificación de las vanguardias y del arte moderno
obliga al MOMA durante los años 50 a lanzar una serie de ideologías que desactivan toda
variedad que está en el ADN del arte del XIX y realiza una selección sobre todo de artistas
francesas que justifican en una especie de puzle totalmente definido la llegada perfecta de las
vanguardias que conlleva lo que se denomina arte moderno. Ese diseño de un discurso tan
establecido tuvo muchísimas víctimas periféricas como el arte español o el italiano de ese
momento porqué lo sustancial era lo francés. Complementario a lo que sucedía en Francia era
el arte inglés y alemán y el resto de nacionalidades quedaban totalmente desactivadas. Es
decir, la estructura francesa de la historia del arte era la válida para muchos historiadores
incluso actuales. Para estos historiadores se valoraba como un anacronismo o como un
adelanto algunas de las actitudes de algunos artista periféricos en función de la sincronía o no
con lo que sucedía en la Francia del momento. En la actualidad, sabemos que ese un discurso
de mentira porque en cada situación las circunstancias históricas mandan de una forma muy
diversa, ya no nos podemos creer ese discurso único del arte francés como el director de la
cultura europea. Los hechos políticos de la Francia del cambio de siglo son sustanciales para
cultura contemporánea: La Revolución Francesa y la catarsis que trae consigo como radicales
cambios sociales que llegan a la médula misma del arte y que convierten en protagonistas a
alguno de los artista que forman parte de ese escenario. En primer, lugar será David pero tras
él vemos una serie de cambios que tienen que ver con los artistas que están a su alrededor y
que él mismo va creando y en cierto modo dándole un halo de libertad creadora que va a ir
destruyendo algo clave para que suceda este cambio que es del Antiguo al Nuevo Régimen lo
que supone la ruptura con el sistema académico heredado del XVIII. Desde luego que David
que es un artista esencialmente académico que va impartir clases en esta institución durante
toda su trayectoria y que va generar además de su propia identidad académica va a crear un
buen número de artistas que son sus seguidores y que van a estar también insertos en la
Academia. Pero incluso el propio David va a ser un artista antiacadémico lo vamos a ver
legislando en contra de la Academia en los años del Terror en 1793, él se preguntará sobre el
discurso del arte académico como algo válido en este contexto de cambios sociales. Esto no es
algo que tenga solamente que ver con el pequeño mundo del arte sino que tiene que ver con
el gran mundo de la sociedad. En este momento, suceden grandes cambios como el que la
mujer empiece a acceder a las enseñanzas artísticas, durante la primera mitad del XIX va a ser
muy difícil que nos encontremos con mujeres artistas que puedan tutear a sus correligionarios
hombres, eso no va a suceder hasta los años centrales del siglo XIX con Rose Bonheur que será
condecorada con la Legión de Honor y otros reconocimientos de primer nivel. Gracias a estos
cambios que son en muchos aspectos sólo estéticos también arrastran cambios funcionales y
así las mujeres empiezan a acudir a las clases de los pintores de la Revolución Francesa grupos
de mujeres que tienen un interés por el arte o la cultura, pero su interés no es sólo en plan
aficionado para saber dibujar sino que quieren ser pintoras profesionales. Los primeros
puestos que están reservados para esas pintoras profesionales van ser puestos de segunda
clase sobre todo en la primera mitad del XIX, así hacen carrera como pastelistas, miniaturistas
todas artes que están en función de las artes mayores donde todavía no van a encontrar una
acceso franco salvo en contadas excepciones. Pero si comienza hacerse sitio en la profesión
que tiene precisamente lugar en estos años. En la Francia a comienzos del siglo XIX una mujer
sí que podía ganarse la vida como miniaturista, algo totalmente imposible hasta finales del XIX
en España. Todo lo expuesto sirve para justificar en cierta medida a aquellos que crearon o
apoyaron el discurso epicéntrico francés porqué es verdad que algunas cosas importantísimas
suceden en suelo galo. También el aspecto de las racialidades se empieza a visualizar con una
cierta dignidad en este momento en Francia, así nos encontramos con personajes de color
tratados con cierta dignidad en el contexto de la igualdad de la Revolución.
LA PRIMACIA DE JEAN LOUIS DAVID (1748-1825):
Trayectoria singular e irrepetible que le convierte en el
primer modelo de artista moderno. No se conforma con
el discurso académico establecido. Nace en París en el
seno de una familia trabajadora, el padre era vendedor
de hierro al por mayor, este irá mejorando conforme va
pasando el tiempo, va a crecer profesionalmente y va a
acceder a una serie de dedicaciones comerciales que le
establecen en una forma de vida más burguesa. Su
madre va a ser clave en la formación de David porque
ella si está inserta en mundo de las artes, procedía a
través de algunos tíos y hermanos del mundo de la
arquitectura y familiar lejana de un pintor rococó
François Boucher. Este va a ser el primer maestro
fingido de David, ya que en realidad nunca tomó
lecciones de él porque Boucher es un hombre mayor y
enfermo cuando David necesita tomar clases de dibujo.
Boucher le va a derivar al que va a ser su verdadero
maestro Joseph-Marie Vien (le vemos a la derecha en un Autorretrato de 1784). Este le
formará en una especie de primer N o de la primera oleada neoclásica, podríamos
denominarla como una clasicomanía más que de un
verdadero N. esto es un debate muy importante la
esencia teórica del N. sobre el cómo podemos
distinguirlo o clasificarlo. Desde mucho tiempo antes de
que David se convierta en el árbitro de la cultura N en las
últimas décadas del XVIII distintos artistas empezaron a
interesarse por los principios del arte clásico y a tratar de
hacerlo visible en sus pinturas. Uno de los más
interesantes es este Vien que va a tener sobre todo una
inspiración en la literatura del mundo clásico que va
pesar durante todo el desarrollo del N. La manifestación
artística será algo apegado a la literatura. El N como
movimiento artístico tiene un sustrato literario esencia
que define radicalmente al estilo. Los argumentos que
trata el N. son tomados del mundo literario clásico
grecorromano. Vien introduce a David en ese mundo y desde luego también será el primer
obstáculo del que va a tener que librarse a lo largo de su trayectoria. No tiene una franca
relación con Vien aunque cuando finalmente cuando David pueda abrirse camino en el Gran
Prix, acudirá a Roma en calidad de ayudante de Vien que es que es nombrado director de la
Academia Francesa en Roma. Vien entorpecerá el crecimiento artístico de David del que
espera que se adapte a la senda N que le propio Vien había trazado. David todavía no había
tratado la revelación del N. algo que no sucederá hasta la vuelta de su experiencia romana
cuando se encuentra con el Vien, él era un joven rebelde que es muy asertivo y que decide no
seguir las normas tal como estaban pautadas.
COMBATE ENTRE MINERVA
Y MARTE (1771):
David va a tener que opositar
para ir con una beca de
Roma cuatro veces hasta
conseguir el Gran Prix. Este
es el primero de los ejercicios
con el que fracasa en la
convocatoria de 1771. Tema
totalmente inspirado en la
tradición mitológica de la
pintura francesa. Es una
pintura tardo Rococó en la
que el N no está presente. Si
nos figamos en la descripción
de las anatomías, en los ademanes de los cuerpos, en tratamiento dramático de las telas
(vemos en el manto que vuela de Minerva), es algo que no pertenece al mundo reglamentado
sino que está directamente unido a la pintura barroca francesa. Algunos personajes como la
figura desnuda sobre una nube emparentan directamente con el Rococó así la forma de
presentar los senos de este personaje presentados de frente al espectador sin respetar la
anatomía del cuerpo humano son guiños sensuales que tienen que ver más con lo Rococó que
con lo N. Así que es la primera imagen de un artista tardo Rococó.
DIANA Y APOLO LANZANDO FLECHAS A LOS HIJOS DE NIOBE (1772)
No hay muchos cambios en el
segunda obra que presenta
para la convocatoria del Gran
Prix de 1772. De nuevo
estamos
en
un
asunto
estrictamente mitológico con
un tratamiento de pintor tardo
Rococó (ver telas, tratamiento
de los desnudos que rebela un
desconocimiento del estudio
de la anatomía, dibujo
onduladísimo,
recursos
lumínicos dramatizados y
artificiosos por completo, gama
tonal en acuerdo con los gustos
intrínsecos del arte del XVIII). El concurso será ganado por unos artistas mediocres David entra
en un estado depresivo que se va a repetir durante toda su vida que le lleva a encerrarse en su
habitación y dejar de comer durante varios días con la intención de suicidarse. La vida de David
va a tener puntos altos extremos y puntos bajos casi letales. En este caso su depresión estará
justificada porque se desvela que David había sido el justo ganador y que habían sido las
intrigas de Vien que quería presionar para sacar más material de David. Su maestro impide que
gane el premio para obligarle a presentarse de nuevo.
EL DOLOR (1773, PASTEL)
En esta convocatoria para el Gran Prix David gana el segundo
premio por este pastel, Vien seguirá conspirando para que no
quede primero. Es una figura alegórica que posteriormente
reaprovechará para la siguiente composición que será la más
afortunada.
ERISTRATO DESCUBRE LA CAUSA DE LA ENFERMEDAD DE
ANTIOCO (1774):
Cambia el planteamiento de la escena y registro artístico con
respecto a las obras anteriores. Estamos otra vez en una obra
basada en la literatura clásica que abre las puertas de Roma
al joven David y hace que se le señale como la promesa
artística del momento. Aunque no era consciente en ese momento en esos cuatro años
sucesivos en los que artistas de franca peor calidad que él sus maestros les habían dejado
pasar por delante, esta situación le servirá para cuando vuelva de Roma ninguno de esos
artistas que le ganaron van a ser un pintor de la importancia tan relevante que tuvo David. Le
va a ser muy fácil colocarse a la cabeza de la escuela francesa. Esta situación resulta novedosa
ya que, aunque anteriormente existía el cargo de primer pintor de cámara, no será hasta David
se convierta en cabeza de la escuela francesa sea un figura muy importante a nivel crítico. Este
proceso de selección que a él le resultó muy gravoso costándole una depresión, la ayuda de un
grupo de amigos y profesores le servirá de apoyo en este momento.
DIBUJOS DURANTE SU PRIMERA AÑO EN ITALIA:
El primer año de su llegada a Roma no pinta
nada no utiliza los pinceles dibuja sobre todo
escultura clásica, edificios antiguos, paisajes,
ambientes romanos según lo que él mismo
cuenta. El peso del mundo clásico romano
como los sarcófagos, las estatuas serán
sustanciales para definir la cultura artística, la
imaginación que se nutre a partir de ese
momento. Casi todas las grandes
composiciones como los Horacios, las
Sabinas que vamos a ver a su vuelta a Paris
nacen de apuntes que toma en este
momento.
EL FUNERAL DE PATROCLO (1778)
En el segundo año que está bien instalado como pensionado. Es importante que tengamos en
la cabeza como ese mundo clásico todavía no le ha impactado tanto como para deformar su
formación en la Academia Francesa. Pintura monumental, ambiciosa, aunque es un boceto
podemos ver que se trataría de una obra de grandes dimensiones. Las formas de ordenar las
figuras, la composición con el altar y el cuerpo de Patroclo descolocado con respecto al centro
del cuadro, todos los elementos nos hablan de un artista que todavía tiene muy poco que ver
con el David N. tiene todavía mucho que ver con el Rococó francés. Si que está el amor por lo
arqueológico pero todavía no reconocemos al artista posterior.
Para que se dé el paso definitivo es fundamental su encuentro con Valentin de Boulogne que
como él había pasado varios años en Roma. Una de las obras que copiará será una Ultima
Cena (1626) que se encontraba en Roma y que el artista decide copiar. La idea del claroscuro
casi caravagesco va a ser notable a la hora del cambio de sensibilidad que va a operar en la
cabeza de David. Porque la fascinación de la idea del claroscuro pero no en la cabeza de un
italiano como Caravaggio sino en las manos de un francés como Valentin de Boulongne va a
ser algo que interpele a la imaginación de David lo suficiente como para ser uno de los
elementos
depurativo
que le ayuden a romper
con la tradición Rococó y
a interesarse por un
nuevo estilo artístico que
él está interesado en
fundar de modo que a
partir del momento que
copia esta obra vamos a
encontrarnos con un
pintor que ha cambiado
radicalmente.
ACADEMIA LLAMADA PATROCLO (1780)
Forma pareja con otra obra llamada HECTOR,
ambos son desnudos Obras clave en su
evolución hacia el N.
Su evolución hacia el claroscuro está
plenamente definida en contra de sus
anteriores bocetos rococós. El claroscuro
barroco se introduce en el N, esta es una idea
que no se utiliza mucho para tratar de
explicar alguna de las fuentes del N, pero que
el conferenciante señala que es fundamental para entender la génesis de este estilo
Rotundidad de su espalda definida sobre un
fondo oscuro la carnación del cuerpo
masculino. Vemos una relación naturalista del
cuerpo con la tela, la tonalidad roja del textil
se refleja en ciertas partes de la carnación
(fijarse en la parte de la espalda con más
sombras).
Héctor (1780)
SAN ROQUE INTERCEDE ANTE LA VIRGEN PARA LA CURACIÓN DE LOS APESTADOS (1780)
Realizada después de un desengaño
amoroso con la criada de la esposa de Vien,
en aquel entonces Director de la Academia
de Francia en Roma, cae en una depresión
muy intensa para salir de ella se apoya en el
trabajo y sus compañeros, logrará salir de
ella.
Contradice la imagen tradicional de un David
ateo, volcado solamente en el mundo clásico
y sin ningún interés por la temática religiosa.
Algo no del todo cierto ya que, tanto copia
que realizar de La Última Cena de Valentín
de Boulogne de la que adoptará el
claroscuro como esta obra en la que
empieza a ordenar las figuras siguiendo las
composiciones de la estatuaria clásica son
claves en su producción y paradójicamente
las dos son de temática religiosa.
Modifica la plasticidad de sus figuras y por primera vez nos encontramos en una
pintura francesa de esta cronología una disposición “casi casi” estatuaria de las de las
figuras. La definición física de la Virgen, está en relación con Apeles o las estaturas
clásicas de matronas sedentes que había conocido en su estancia en Roma.
Tuvo un gran éxito y es injusto que tenga un lugar secundario en la estimación en la
pintura del maestro. Diderot escribe conmovido sobre la escena del apestado que está
a los pies de la Virgen, el enciclopedista la había conocido en su visita al Salón.
Comienzo de David como fundador de un nuevo lenguaje artístico.
EL CONDE STANISLAS POTOCKI (1780):
Alterna con una alta sociedad muy culta, como este el
caso el conde polaco traductor de la Historia del Arte
Winckelmann, uno de los protagonistas del ambiente
literario del N. gran coleccionista.
Para estos círculos intelectuales, David como pintor se
inscribe dentro de los gustos amplios y fuera de las
normas que en ese momento admite la Academia como
pintor aceptable dentro de la norma del buen gusto.
Es un reto esta obra de aparato con el personaje a
caballo, un perro que ladra, y detalles como las crines,
aparejos del caballo tratados con gran intensidad.
En su conjunto remite a modelos de Van Dyck y otras
obras que están fuera de los modelos de la pintura
francesa de la primera mitad del XIX.
Comunión entre David y el conde, de tal forma que cuando se tiene que ir de Roma y
despedirse de su modelo, decide llevarse la obra a París para allí terminarla.
BELISAIRE PIDIENDO LIMOSNA (1780)
Primera gran obra que impacta a la
crítica francesa de Salón. La idea del
gran estratega bizantino en los últimos
años de su vida cuando ya está
desahuciado de su anterior fortuna y
tiene que ganarse la vida pidiendo
limosna, fascina a la cultura N
repitiéndose está temática en cientos
de versiones, siendo David uno de los
que también pintara esta historia de
gran contenido político. Es una imagen
que encierra muchas posibilidades de
discurso que no tienen por qué estar
presentes en la cabeza del artista pero
sí que lo estarán en la crítica de estos
años que reflexionará sobre la fortuna
de este personaje que lo ha dado todo por su patria o dará lugar a otras
interpretaciones políticas que tanto interesan en este momento en el que la política es
un ingrediente clave para entender la sociedad. David realiza con esta obra un
manifiesto de hacia dónde quiere llevar este N, llevando un punto más lejos lo que
estaba ya en la “San Roque intercede ante la Virgen para la curación de los apestado”.
Como observamos la propia definición plástica de la pintura tiene una clase de
iluminación más nítida, bastante más natural que la iluminación tradicional rococó que
veíamos en sus primeros bocetos, vemos la iluminación propia del N. La arquitectura
tiene una preeminencia extraordinaria, descrita con un primor arqueológico que va a
ser una de las bases del N. Definición de las figuras a través de un claroscuro que las
envuelve, otro de los cambios que ha tomado David y que son fundamentales para el
desarrollo del N, estos cambios serán aprendidos en su época romana. Diderot la alaba
diciendo que cada día que veía el cuadro en el Salón era como si lo viera por primera
vez, esta idea de renovación está en el ADN del N. que se abre camino en el concepto
de “vieja pintura”; a todo lo anterior se une un momento de crisis política en la Francia
del momento contribuye a que la obra tenga un éxito inmediato. Necesidad de
refresco, de novedad, de encontrar algo nuevo y limpio a lo que agarrarse, con temas
que interpelan a una moralidad de los gobernantes mucho más elevada, resulta
cautivador para el gran público del Salón, por lo tanto, es fácil entender que David se
abriera paso rápidamente en los Salones hasta convertirse en protagonista único de
los mismos.
DOLOR Y LOS LAMENTOS DE ANDRÓMACA SOBRE EL CUERPO DE HÉCTOR (1783)
Es la siguiente obra que presenta en el Salón. Inspirada directamente en un sarcófago
de los que copia durante su estancia en Roma, aunque está realizada en París. La
Andrómaca que está llorando el cadáver de Héctor, tema de la Illiada lectura de
cabecera de los pintores N. y la que más pintura ha inspirado esta época N. Peso
extraordinario
en
la
Francia
prerevolucionaria, por lo que allana el camino
de David como pintor de éxito. En este
momento
la
Academia
está
tan
estamentizada y tan normalizada que
requiere en primer lugar una acreditación a
los pintores para exponer en el Salón de
manera regular. Con la exposición de esta
segunda obra se postula para ser miembro
de la Academia, lo que le abre una puerta
hasta acceder al estatus de artista; algo
totalmente paradójico porque desde el
punto de vista de la consideración del
público en este momento David es un artista
importante pero está fuera del escenario
académico ya que no ha cumplido todo los
requisitos establecidos que diez años
después va a dinamitar haciendo desaparecer desde su
posición de legislador
ALPHONSE LEROY (1783)
Su estatus de promesa del arte francés, hace que tenga
contacto con los personajes más importantes de la Francia
del momento, como en el caso de este famoso médico. Su
profesión está presenta en los instrumentos de su oficio y
en su actitud estudiosa.
EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS (1784-85)
Manifiesto perfecto de la pintura N.
Arquitectura como ordenadora del
espacio, observar como el espacio
está dividido de manera tripartita.
Compartimentación indicada por los
arcos del fondo en el que los grupos
se ordenan ideológicamente, el
grupo de las mujeres (el de menor
importancia
ideológica,
sujetos
pasivos del relato, reflejo del puesto
que ocupa la mujer en la sociedad,
sólo pueden lamentar los hechos
pero no participan en los mismos), el hombre situado en el arco del centro que sujeta
las espadas y pide el juramento a los jóvenes pertenecientes a la familia de los
Horacios y que ocupan el arco situado a la derecha. Sentido político de honor debido al
juramento, este aspecto es importante tenerlo en cuenta ya que esta obra ha sido
interpretada desde un punto de vista revolucionario mucho antes de que sucediera la
Revolución, aunque sin duda se realiza en un época convulsa, esa interpretación
política no tiene mucho sentido, porque estaba pensada para decorar un edificio de la
monarquía y es presentado en el Salón tal como se hacía con el resto de encargos
realizados por la corona. No estamos ante un artista ajeno al sistema, es más, se casa
una muchacha muy joven cuyo padre es arquitecto de los edificios reales lo que no
sólo le granjea una dote grandísima de 50.000 francos sino la influencia para alquilar
una parte de lo que ahora es el Louvre donde instala su atelier y su vivienda, es decir,
no es un artista marginal del sistema, si es muy revolucionario en su concepción del
arte y sus pensamientos políticos. Es una obra pensada desde dentro del sistema, pero
si es verdad que interpela a un concepto que si va a asumir la revolución que es el
juramento cívico como generador del sistema político republicano revolucionario; son
los juramentos humano sin presencia de la
divinidad. No apreciamos jerarquías (salvo las
narradas sobre el grupo de mujeres desde el
punto de vista actual pero que en su época
no era apreciada como una desigualdad). La
ausencia de la divinidad y de un jefe principal
sobre encima de los que se están
juramentando (es sólo el nombre del
ciudadano el que se interpela en este
juramento), va a hacer que cuando llegue la
revolución tenga otro significado distinto.
Supone la consagración de David que desde
un año antes de realizar esta obra había
ingresado en la Academia y empezaba a tener
discípulos, aunque nunca estará totalmente
de acuerdo con los postulados de la Academia.
Dibujo preparatorio para los Horacios:
David es uno de los grandes dibujantes de la primera mitad del XIX.. Utiliza carboncillo
y clarión para cosas diferentes: el carbonillo para la definición de la anatomía y el
clarión para iluminar. Progresivamente va a introducir novedades respecto al dibujo,
deconstruye toda la superficie de la pintura, es decir, estudia en profundidad cada uno
de los elementos de la composición, desnuda cada una de las figuras para analizar por
un lado los paños y por otro la anatomía. Así va creando la composición general, un
“modellino” que se cuadricula y se traslada al lienzo. No es el procedimiento
tradicional académico que funcionaba al revés, primero se componía la imagen general
y posteriormente se analizaba algún fragmento que podría parecerle dificultoso. Esta
novedad de David en el dibujo es muy importante porque los discípulos de David
(incluidos los españoles) van a aprender esta forma de dibujar y se va convertir en el
modelo de dibujo imperante durante toda la primera mitad del XIX en toda Europa.
LA MUERTE DE
(1787)
SOCRATES
En este momento además de
recibir encargos en salones,
instituciones públicas recibe
encargos privados como es este
caso. Va camino de convertirse
en un hombre rico y poderoso.
PARIS Y HELENA (1787)
Encargo del Conde de Artois.
Temática alejada de los grandes
temas históricos, nos muestra un David interesado en lo
anecdótico, lo galante. En una pintura que aborrece ya que no
transmite ningún discurso de moralidad. Esta temática tan
complaciente supone una monstruosidad, ya que se narra
desde una estética neoclasicista que se suponía estaba al
servicio de una moralidad más elevada.
ANTOINE LAVOSIER Y SU MUJER
(1788)
David es considerado uno de los
mejores retratistas del XIX.Personaje muy importante para la
cultura de este momento, paradójicamente se convertirá
en una de sus víctimas cuando David participe en los
gobiernos del Terror, aunque no lo haga directamente si le
da la espalda y no le presta ayuda. No será con el único
retratado en esta época que posteriormente ignore o
participe en su condena.
LOS LICTORES DEVUELVEN A BRUTO LOS CUERPOS SIN VIDA DE SUS HIJOS (1789)
En este año atraviesa otra profunda depresión
consecuencia de la temprana muerte por viruela
con 16 años del mejor de sus discípulos Surie,
justo el año en viajó a Roma después de ganar el
Gran Prix tras la intervención para su elección de
David en su papel de uno de los profesores más
influyentes de la Academia. Esta obra fue
realizada por Surie poco antes de morir recién
llegado a Roma.
Asentación del N. davidiano como lenguaje artístico
imperante a partir de esta fecha, es sintomático que
coincida con el inicio de la Revolución Francesa. Escenario
perfectamente ordenado por lo arquitectónico, la
arquitectura es la que sitúa a cada uno de los personajes.
Despliegue del conocimiento de lo arqueológico que tiene
que ver con lo que ha estudiado en Roma en concreto en
los dibujos que realiza del Bruto Capitolino. La Academia
decide en un primer momento no exponer esta obra
debido a los sucesos políticos que estaban sucediendo en
este momento, la imagen de Bruto que sacrifica a sus hijos
en pos del rigor de la norma, podría suponer una provocación ante el clima de
descontento popular en ese
momento. La obra cuando
es conocida tiene tanta
aceptación por el gran
público que hasta se realizan
réplicas de los muebles que
aparecen y que serán el
origen del mobiliario N.
llamado estilo Imperio. Es
sintomático que justo en
este momento las mujeres
dejen de llevar peluca para ir
peinadas como las mujeres
de este cuadro, fíjarse que
en el retrato de Lavoisier todavía los personajes están tocados de estas pelucas y eso
tan solo un año antes, lo mismo ocurrirá con los ropajes. Estos cambios no sólo afectan
a las élites culturales sino que es adoptado por un amplio sector de la sociedad. Este
éxito extracadémico por un pintor que cumple todos los requisitos para llevar su labor
a cabo en la Academia Francesa.
MARQUESA D´ORVILLIERS (1790)
Ya sin peluca con su pelo cardado y un tipo de
vestuario más cercano a lo que será la moda N.
que a sus antecesoras de solo un año antes. La
sociedad de este momento se siente asociada a
lo que supone la obra “censurada” de Bruto que
hacía el poder que ha negado la visibilidad de ese
cuadro.
ANNE-MARIE-LOUISE THELUSSON CONDESA DE
SARCY (1790)
Con respecto a la moda y el peinado se puede
decir lo mismo. Fondos neutros tan rigurosos
propios de la pintura daviniana. Iluminación
delicada y todavía algo “empolvada” que ira
paulatinamente limpiando.
JURAMENTO DEL JUEGO DE PELOTA (1791):
Gran proyecto que le define como artista y también como político. Participa como
diputado de la Asamblea General, así le vemos retratado tomando apuntes. Acomete
la obra de mayores dimensiones
(10x7metros), eso impide que la lleve
a cabo porque no consigue
financiación para llevarla a cabo. Así
que la conocemos a través de dibujos
y estudios pormenorizados en las que
David había pensado reproducir la
escena a tamaño natural, en la que
cada uno de los retratados fuera pormenorizado.
Dibujo preparatorio:
Vemos lo explicado anteriormente en el dibujo preparatorio para el Juramento de los
Horacios, todas las figuras de la composición se dibujan primeramente desnudas y
después el artista introduce los trajes. Rigor en el estudio anatómico que es lo primero
para el autor
r
AUTORRETRATO CON TRES COLETAS (1791)
David empieza con sus implicaciones políticas que le cuesta su vida personal porque su
mujer que no está en absoluto de acuerdo con la deriva revolucionaria del artista,
decide ingresar en un convento y abandonarle, de modo que ser ve con cuatro hijos y
sin una esposa que le resuelva este problema doméstico. Sin el contrapeso de las ideas
políticas de su esposa David se introduce en un crecendo en una radicalización de su
ideología a pasos agigantados.
MADAME MARIE-LOUISE TRUDAINE (1791):
En esta época realiza multitud de retratos de personajes destacados de la sociedad
como es este caso.
CRISTO EN LA CRUZ (1792):
Encargo de un aristócrata al que posteriormente perseguiría
durante la época del Terror, en la actualidad está en la Iglesia
de Saint Vicens en Macon (Francia). La obra religiosa de David
ha sido tratada tradicionalmente como obras subsidiarias
dentro su producción artística, si vemos su fecha 1792
antecede a las tres obras más militantes de su producción que
son LOS ULTIMOS MOMENTOS DE MICHEL DE PRETIER (1793),
MARAT ASESINADO (1793) Y LA MUERTE DE BARA (1793), los
tres con una carga ideológica profundamente martirial.
LOS ULTIMOS MOMENTOS DE MICHEL LEPELETIER (1793):
David participa activamente en todos los
procesos políticos de esos momentos, se
convierte en unos de los que elabora las
listas de los perseguidos por el Terror,
incluso forma parte de los interrogatorios
del Delfín que era un niño de 10 años y
vota a favor de la guillotina para los reyes.
El día que se vota la pena capital para el
rey, el más a favor de su aplicación será
Michel Lepeletier, a la vuelta a su casa de
la Asamblea alguien lo asesina. David
como jefe de todas las celebraciones
patrióticas,
orden
público
y
manifestaciones artísticas como la
creación del Museo Universal que será el
germen del Museo del Louvre es el
encargado de realizar una iconografía para este asunto. En paradero desconocido ya
que la hija de Michel Lepeletier una vez pasado la Revolución, huye no sin antes
destruir esta obra, solamente la conocemos a través de dibujos preparatorios y de los
múltiples grabados que reprodujeron esta obra durante esta época. Planteamiento
martirial, estamos ante un Cristo no cristiano, un cuerpo venerado también en relación
con el cuerpo de HECTOR ADORADO POR ANDRÓMACA (1784). David está pensado
en una serie de imágenes que funcionen como conjunto, así vemos el protagonismo de
la herida que remite a la imagen de la herida en el costado de un Cristo yacente.
MARAT ASESINADO (1793):
Charlotte Corday perteneciente al
partido de los girondinos inyectada
de odio hacia Marat que se había
convertido en uno de los más activos
políticos del momento sobre todo en
la elaboración de las listas de los
guillotinados, le hace una visita
histórica que termina con su vida.
David era íntimo amigo de Marat,
este a su vez lo era de Robespierre. El
pintor acude a levantar el cadáver y
se hace cargo de la realización de una
iconografía para convertir a Marat en
una víctima martirial de la República
que está naciendo en este momento.
Así se realizan una serie de honras
fúnebres que situadas en diversos
lugares de París, unas procesiones
pararreligiosas en la que se rinde
culto a Marat como un mártir de la Revolución. Es decir, se ha sustituido la religión que
se ha sacado del escenario principal, de hecho la ceremonia civil se realiza en una
iglesia desacralizada donde tiene lugar el velatorio.
Dibujo tomado directamente del cuerpo de Marat,
cuando acude a la vivienda del asesinado. Algunos
estudios exponen que la obra se realizó muy deprisa,
en realidad se realizó de agosto a noviembre con una
dedicación absoluta, si nos fijamos en el fondo que es
una luz incidiendo en una mole grisácea realiza un
pulso absolutamente buscado en cada una de sus
pinceladas que le concede un impacto pictórico
increíblemente maravilloso, golpea al espectador de
una forma inequívoca.
LA
MU
ERT
E
DE BARA (1793)
A través de esta obra honra la memoria del
joven Bara que fue mandado matar por sus
superiores por no gritar Viva el Rey. Para
los miembros del Terror es uno de sus
grandes héroes. Es una obra inacabada.
Formaba parte de un proyecto artístico
que David se había auto encargado para
celebrar a los héroes de la Revolución que
había sido víctima de la implantación del
nuevo orden político.
MARIA ANTOÑETA CONDUCIDA AL CADALSO DIBUJADA DESDE LA VENTANA DEL INMUEBLE
DE JULLIEN (1794)
Participa en las sentencias de muertes de personajes significativos como el PRINCIPE
ALEXANDRE DE BEAUHARNAIS, el DELFIN (muere en la cárcel de El Temple debido a un grave
deterioro físico sin saber que sus padres había sido decapitados) o el escritor cómico FABRE D’
EGLANTINE.
Dibujo más maduro, rápido y expeditivo. Durante mucho tiempo se ha discutido su autoría, ya
que parece impropio un dibujo tratado con tan crudeza de David que es considerado por sus
paisanos uno de los grandes. En la actualidad, nadie duda de su autoría. Jullien es uno de los
ebanistas que reproducirá los muebles de sus cuadros, nos habla de la conexión entre los
distintos artista del N.
FIESTA EN HONOR DEL DIOS SUPREMO
Diseñará esta fiesta,
encargo del gobierno
de la República que
abolirá la religión
católica
e
implementará
un
nuevo
culto
filomasónico
que
tendrá en su epicentro
el ser supremo de los
masones. Llevará a
cabo la organización
de las fiestas y el diseño de las
arquitecturas efímeras Algunas fuentes
le atribuyen el diseño de la tricolor, la
nueva bandera.
Las imágenes no son obra de David.
EMILE DE SERIZIAT Y PIERRE DE
SERIZIAT (1795):
El Terror cae, muere
Robespierre
decapitado
pese a la defensa de David
que dice que si aquel
muriese, él lo haría
también. Poco después de
estos acontecimientos se
reconcilia con su esposa
renegando de su pasado
político
y
decide
marcharse al campo con la
hermana de su mujer y su esposo
los Seriziat de los que
realiza
estos
encantadores
retratos. Experimenta una
recaída en su salud debido a la convulsión que supone la muerte de Robespierre. Tenemos tan
amplia documentación al respecto que podemos leer su evolución diaria (por ejemplo, explica
las veces que vomita). Desaparece de la escena parisina para refugiarse en la campiña con
estos familiares que gozaban de un gran estatus económico y social
JACOBUS BLAUW (1795).
Embajador de la Batavia (pre Países Bajos), primer
estado en reconocer la República Francesa. David
reconoce la figura de este personaje en esta obra que
presenta al Salón de 1795.
LAS SABINAS (1799):
El alejamiento de las actividades políticas de los años
del Terror le permite dedicar todo el tiempo a la
realización de este lienzo. Alegato de la paz en tiempos
de guerra, de la concordia en tiempos de
enfrentamiento. Una reflexión política a lo que había
acontecido en los tiempos del Terror. Manifiesto
político claro
Madurez absoluta del N., dependencia con la estatuaria
clásica. Antes de su presentación en el Salón realiza un
escrito en el que detalla las razones por las que aparecen hombres desnudos (una diferencia
con respecto a las obras anteriores), empieza a introducir el desnudo integral masculino como
un elemento de formulación de la figura del héroe, desnudo como sinónimo de heroicidad y
no tanto como de cuerpo deseable, aunque es consciente del erotismo que destilan los
cuerpos. Consigue que
sea presentado en
una estancia cerrada
por completo de la
Escuela
de
Arquitectura de París,
en una pared cuelga el
cuadro y en las otras
coloca espejos, se
produce
una
sensación
entre
escandalosa y erótica,
el
visitante
que
llegaba vestido se veía
rodeado de todos
estos
personajes
desnudos.
David
decide cobrar la entrada a esta exposición, gana 66.000 francos, una verdadera fortuna que le
permite comprar una casa con un amplio terreno en la campiña de la periferia de París que se
convierte en su lugar de reposo y de ingresos debido a los beneficios de la explotación
agropecuaria, es decir, una fuente de ingresos tradicional y latifundista a la manera del
Antiguo Régimen, algo contradictorio con sus ideas republicanas. Las dos mujeres del centro
(una extiende los brazos y otra enseña el pecho), actrices muy famosas en la sociedad del
momento, con multitud de amantes, mujeres cultas e independientes, hace que todavía
aumenten más las visitas.
MADAME DE VERNINAC (1799):
Los retratos de esta época hablan de un
David totalmente depurado. Su culta
clientela responde al buen gusto que
rezuman los retratos en este momento.
LEONIDAS EN LAS TERMÓPILAS (1800-11):
Alude un suceso militar de la antigüedad en
paralelo con un hecho contemporáneo a
David, unos militares serán abandonados
por el Estado francés. Exaltación del cuerpo
desnudo masculino como figura heroica por
antonomasia. Nos explica también la idea
qué papel tiene la masculinidad potenciada
en la cultura visual y en la cultura general de
la Francia de ese momento. David escribirá,
el hombre masculino es el ordenador de
todas las cosas y por lo tanto su cuerpo es
un reflejo de ese orden; el espectáculo de la
anatomía bien ordenada es el espectáculo
del orden del mundo. Por la tanto, el espectáculo del desnudo masculino tiene un sentido de
reivindicación política. Evidente contexto homo erótico en multitud de detalles (desnudo
frontal en primer plano, hombre vestido que acaricia a un joven desnudo, el campo de visión
del espectador inmediato situado en una franja horizontal que abarca el tercio inferior con
desnudos en distintas posturas). David planea la misma fórmula de exposición que las Sabinas,
volviendo a recaudar una pequeña fortuna.
MADAME RECAMIER (1800):
Esposa de un banquero, pero va
más allá de su papel de conyugue
de un hombre poderoso, nos
habla de que papel secundario
pero también protagonista que
adquieren las mujeres en ese
momento. Es la gobernante de
uno de los Salones culturales a los
que acuden los principales artistas
del momento, dando lugar a
interesantes
coloquios
con
filósofos,
comediantes
y
escritores. Esa idea de Salones
dieciochescos que en este momento se convierten en asuntos fundamentalmente políticos y
también artísticos y culturales, en la que ellas toman el papel
de moderadoras de debates cada vez más interesantes. Obra
inconclusa será terminada por uno de sus discípulos.
BONAPARTE CRUZANDO EL GRAND SAINT BERNARD (1800):
Encargo de Carlos IV para el Palacio Real de Madrid. Así
manda a un embajador con varios artistas para que se queden
en París para formarse. Es paradójico, que encargue una obra
que representa al caudillo militar del momento a uno de los
responsables de la decapitación de sus primos franceses,
increíble pero cierto. Tiene tanto éxito que Napoleón le pide
que haga tres versiones más de la obra. La mejor, en la
actualidad en el castillo de Malmaison fue la que estuvo
colgada en el
palacio
madrileño,
hasta que José
Bonaparte huye apresuradamente y se lo lleva
en su equipaje primero a Bélgica y
posteriormente a Estados Unidos donde los
descendientes de José Bonaparte lo venden en
la década de 1980 al estado francés. Edita la
imagen del héroe, del caudillo militar que es la
promesa en una Francia sumida en gran crisis.
COOPER PENROSE (1802):
David es un pintor de éxito que recibe grandes
encargos por cantidades exorbitantes como la
que paga este financiero cuáquero de 200.000
francos, un fortunón. Es paradójico, que según el gusto de conferenciante sea el peor de todos
los vistos hasta ahora.
NAPOLEON EN TRAJE IMPERIAL (1805):
Se afianza el tándem entre David y Napoleón. Se trata de un pequeño
boceto para una obra de grandes proporciones
PAPA PIO VII (1805)
Aparentemente es el retrato de
un papa pero la clave nos la da
la firma de David (margen
superior izquierdo) “LUD. DAVID
PARISIS 1805). El Papa en París
estaba viviendo un secuestro,
Napoleón lo saca del Vaticano y
lo lleva junto con un montón de
bienes artísticos a vivir a París donde vive de facto
un secuestro durante una larga temporada. Es
entonces cuando lo retrata David. La finalidad del
secuestro era hacerle participar en la consagración
como emperador de Napoleón. El Papa consagra la
corona y Napoleón se consagra él mismo. Después
el corso corona a su esposa María Luisa de Austria
CONSAGRACION DE NAPOLEON (1807):
Unos de los grandes relatos visuales de David. El segundo de su producción en cuanto a sus
dimensiones, el primero será el inacabado de El Juego de Pelota. Todos y cada uno de los
personajes son retratos de cada uno de los embajadores de Europa, incluido el español que
están presente en el culmen de la vida de Napoleón. Vemos el altar y el trono todos son
elementos que nos hablan del nacimiento de un nuevo régimen político en el que David va a
estar muy implicado. Así va a diseñar todos los uniformes del Imperio, todos los trajes de corte
que dentro de un espíritu militar deciden uniformarse, es decir, según el cargo que tengas
dentro del organigrama de la corte así vas a tener un
uniforme u otro.
Realiza un estudio cuadriculado para la figura del papa
Pio VII, a ese desmenuzamiento de cada una de las
composiciones y el estudio del desnudo de cada una de las
figuras no escapa nadie, ni siquiera el papa, algo que
hubiera sido totalmente impensable en el Antiguo Régimen
y que aquí David hace con total
naturalidad
Napoleon felicitando a David en la exposición de La
Consagración, (litografía de Motte, según Norblin): Sujeta de la
mano a David, en este momento se convierte en el primer pintor
de Francia, algo que ya era en realidad. Es una iconografía,
totalmente favorecedora de David, obviamente está pensada para
su mayor gloria. Davíd tenía un tumor en la cara que le empieza a crecer en los tiempos del
Terror y que en este momento le cubre
su lado izquierdo. En sus autorretratos
jamás se representa con el tumor. En
este grabado es el único representado
de perfil severo, para evitar que se
muestre la malformación.
SAFO, FAON Y EL AMOR (1809):
Además de atender encargos públicos
que son manifiestos de interés político,
realiza obras como está realizada para
un particular. En este caso es una
temática anecdótica, casi libidinosa, en
relación con la tradición del Rococó del
placer sensual. Representa la leyenda
de Faon un barquero de Lesbos que transporta a una diosa en su barca, en agradecimiento le
transforma en el hombre más bello de la tierra, la poetisa Safo (su obra será muy popular en el
N.), se enamora perdidamente de él). Escena galante que representa los juegos de amor de
Safo y Faon en presencia de Cupido, temática ideal para una escena N.
EL DESEMBARCO DE LAS AGUILAS (1810):
Sintomático de su apoyo a Napoleón. Tiene grandes dimensiones. Napoleón idea un sistema
premial que ha llegado hasta nosotros como la Legión de Honor. Esta es una de esas entregas
de premios de las Aguilas como premio militar a los más distinguidos en los hechos bélicos.
Davíd la expondrá en un Salón para dar a entender al público la idea de la creación de la gran
nación europea en la que Napoleón está convirtiendo a Francia en este momento.
ANTOINE FRANÇOIS DE NANTES (1811):
Dentro de sus gran repertorio de retratos. Vemos a este hombre
de estado con un traje académico diseñado por el propio David
con las palmas y la legión de honor
NAPOLEON EN SU GABINETE DE TRABAJO (1812):
La última imagen napoleónica realizada por David. Todo
perfectamente ideado, no hay ningún elemento de la obra que no
sea susceptible de una lectura de marcado simbolismo
propagandístico y político (mapas perfectamente legibles para el
espectador, la espada, los emblemas bordados en el asiento de la
silla, la biblioteca que le da
un poso intelectual. Todo
esto sirve para reforzar la
imagen
pública
de
Bonaparte
MARGUERITE CHARLOTTE DAVID (1813):
Retrato de su mujer, en esta época en la que se
reconcilia con ella definitivamente de la que se había
llegado a divorciar
en la época del
Terror
SIEYES (1817):
Con la caída de
Napoleón, David abandona Francia y se instala en Bruselas
hasta su muerte. A pesar de estar en unos tiempos
artísticos que no son los suyos, sigue realizando obras
bellísimas como es este
retrato
de
este
académico francés.
PSIQUE Y AMOR (1817), TELEMACO Y EUCARIS (1818):
A través de este tipo de obras tendrá grandes ingresos
económicos. Su época en Bruselas será su retiro dorado en el
que visitará constantemente el teatro, vemos a través de la
correspondencia a sus familiares que el teatro ocupa un gran
lugar en su vida, prácticamente se convierte en su nexo de
unión con el mundo, mantiene un gran actividad en torno al
teatro pero hoy por hoy no se puede asegurar que
participara en la elaboración de alguna escenografía con
trajes y decorados.
RETRATO DE LAS HIJAS DE JOSE BONAPARTE,
CARLOTA Y ZENAIDA (1821):
Ambas también exiliadas en Bélgica, serán las que
posteriormente viajan a Estados Unidos llevándose la
obra de David de Napoleón cruzando el Grand Saint
Bernard. Se convierte en maestro de dibujo de Carlota.
MARTE DESARMADO POR VENUS Y LAS GRACIAS (1824)
Idea de nuevo antibélica dentro de la postura que adopta
tras su época beligerante en el periodo del Terror, el
defiende la concordia, la paz y el antimilitarismo. El teatro
más importante de Bruselas llama a sus bailarinas
principales para posar en este cuadro. Incluso el pequeño
cupido es un bailarín de 10 años que ese momento tenía
mucho éxito bailando en danzas donde encarna a cupido.
Curiosamente para el papel principal
masculino elige a un abonado al citado
teatro al que David debió considerar lo
suficientemente atractivo
