Resumen: El marco - Tzvetan Todorov

El marco - Tzvetan Todorov
Discute la relación entre la pintura y el pensamiento de su tiempo, así como la
influencia mutua entre los pintores y la sociedad en la que viven. Aquí hay un resumen de los
puntos clave que Todorov aborda:
- Comunicación entre pintura y pensamiento: la pintura siempre ha mantenido una estrecha
relación con el pensamiento de su época, de manera similar a otras actividades artísticas como
la literatura y el teatro. Esta comunicación es de doble sentido, donde la sociedad influye en
los pintores y, a su vez, los pintores influyen en la sociedad a través de su arte.
- Influencia de la cultura: Los pintores crecen y operan dentro de una cultura específica,
absorbiendo sus conocimientos, ideas y valores. Estos elementos culturales afectan sus
actividades, especialmente en el ámbito intelectual y artístico.
- Transformación del legado cultural: Los pintores no solo reciben influencias culturales, sino
que también transforman y alteran ese legado. Los pintores audaces desvían y reorientan las
influencias culturales, lo que a su vez contribuye a transformar el pensamiento de su época.
- Pintura como parte de la historia del pensamiento: sostiene que es legítimo considerar la
creación pictórica no solo como parte de la historia del arte, sino también como parte de la
historia del pensamiento. Propone que se debe estudiar no solo el estilo artístico de una obra,
sino también la orientación del pensamiento que el cuadro refleja.
- La interpretación del espectador: los espectadores, críticos e historiadores intentan dar
sentido a las obras de arte interpretando aspectos como el tema, la representación y la
relación con el contexto social y artístico de la época. Sin embargo, señala que las imágenes en
sí mismas no tienen un significado definitivo y a menudo sugieren más que declaran.
- La pintura de la Ilustración: Todorov se enfoca en el período de la Ilustración (siglo XVIII)
como un momento de cambio radical en la historia europea. Destaca que este período marcó
un cambio de mentalidad entre el mundo antiguo y el moderno, con una nueva identidad
emergente.
- Características de la pintura de la Ilustración: se representa a seres humanos en actividades
cotidianas y en interacción con su entorno natural. Esta pintura se dirige a todas las personas,
independientemente de su estatus social o género, y abarca una gama completa de
experiencias humanas.
El espíritu de la Ilustración
Todorov explora la interacción entre la Ilustración y la pintura en el contexto francés
del siglo XVIII.
Sitúa el periodo de interacción entre la Ilustración y la pintura en Francia entre 1715
(muerte de Luis XIV) y 1789 (Revolución Francesa). Esta época marca un cambio importante en
la vida pública, pasando de una organización social basada en la religión a un espacio más civil
y secular.
Compara el siglo XVIII con el período anterior, el Antiguo Régimen, y destaca el
contraste entre una sociedad tradicionalmente religiosa y una más secular. Señala que durante
este "momento" la religión se vuelve más personal y menos central en el orden social.
En lugar de buscar la salvación en el cielo, la gente comienza a buscar la felicidad en la
Tierra. El placer y el disfrute dejan de ser considerados pecaminosos.
El amor ocupa un lugar central y se supera la separación tradicional entre el cuerpo y
el espíritu. Las pasiones humanas se consideran expresiones naturales y legítimas.
Igualdad y consideración por los marginales: La noción de igualdad universal comienza
a expandirse, lo que lleva a preocuparse por los marginados y a desafiar a las autoridades
establecidas.
Conocimiento de sociedades lejanas: La Europa del siglo XVIII experimenta un rápido
avance en el conocimiento de culturas lejanas, aunque sigue siendo etnocéntrica en su
perspectiva.
Pluralidad de direcciones del pensamiento: La Ilustración abarca una amplia variedad
de enfoques y direcciones en el pensamiento. Se reconocen corrientes moderadas y radicales,
y se valoriza la complementariedad en lugar de la coherencia absoluta.
Contribución de artistas y pintores: Destaca la contribución de los artistas, pintores y
escritores a la Ilustración. Sus obras matizan y complejizan el espíritu de la época, al tiempo
que reflejan y dan forma a los cambios en la sociedad y el pensamiento.
Watteau
INICIOS
Describe a Watteau como un hombre reflexivo y de mente aguda, interesado en la
música y las obras del espíritu. Aunque no dejó muchas escrituras, se sabe que reflexionaba
profundamente sobre la pintura y otros temas.
Watteau llega a París en 1702 para perfeccionar su arte. Comienza como aprendiz de
Claude Gillot, un pintor que se especializa en escenas de la commedia dell'arte, un teatro
popular italiano.
La guerra de Sucesión española que afecta a la región desde 1701. La guerra y sus
consecuencias, como la miseria y el hambre, influyen en las opciones artísticas de Watteau.
Series de cuadros sobre la guerra: Durante este período, Watteau crea una serie de cuadros
que representan la vida de los soldados en tiempos de guerra. Estos cuadros se centran en las
fatigas y el descanso de los soldados en lugar de glorificar la guerra o mostrar héroes
victoriosos. Introduce una nueva visión de la vida militar en la tradición francesa. Aunque no
rompe con la pintura holandesa del siglo anterior, su enfoque en la banalidad y monotonía de
la vida del soldado contrasta con las representaciones más idealizadas de otros artistas. Las
obras de Watteau en esta época se enfocan en mostrar a los soldados en su vida cotidiana, ya
sea en movimiento o descansando. Los lienzos conservados presentan tonos apagados como
beige, gris y marrón. No glorifica ni denuncia la guerra en sus obras, sino que opta por mostrar
la vida de los soldados tal como es, sin dramatizaciones.
COMEDIANTES Y PAPELES
En 1712, Watteau presenta cuadros a la Academia con la esperanza de ganar un
premio para viajar a Roma. Aunque no gana el premio, es aceptado como miembro de la
Academia, lo que lo empuja a seguir su propio camino artístico.
Watteau decide representar a actores de la commedia dell'arte en lugar de sujetos
mitológicos o religiosos convencionales. Esta elección marca un giro hacia la representación de
la vida cotidiana y la observación de la comedia humana.
Pinta personajes como Arlequín, Mezzetino, el Doctor y Pierrot, que son tipos
estereotipados con actitudes reconocibles y máscaras distintivas. Estos personajes permiten
analizar y representar la comedia humana de manera general.
Todorov compara la commedia dell'arte con el teatro clásico francés. La primera
implica tipos estables que improvisan dentro de una trama común, mientras que el segundo
representa destinos individuales y eventos únicos. La dicción también es diferente:
declamatoria en el teatro francés y realista en la commedia dell'arte.
Watteau no se centra en las actuaciones en sí, sino en los personajes después del
espectáculo. Los cuadros muestran a los actores saludando al público y permiten al espectador
verse reflejado en ellos.
En varios cuadros, Watteau crea un efecto de espera y suspensión del tiempo y el
sentido. Los personajes se encuentran en situaciones inciertas y el centro de la escena a
menudo parece vacío.
Watteau desdibuja las fronteras entre el teatro y la vida cotidiana, así como entre la
convención y la naturaleza. Los actores saludan al público en un marco natural, lo que crea una
ambigüedad sobre si están en un escenario o en la vida real.
Muestra un interés especial por el personaje de Pierrot, a quien pinta repetidamente.
Este personaje se convierte en el leitmotiv de sus obras y su disposición en los cuadros sugiere
que las escenas pueden no ser realistas, sino producto de la mente de Pierrot.
LOS ARTISTAS SALEN DE LA ESCENA
Todorov explora la manera en que Watteau rompe las barreras entre la escena teatral
y la vida cotidiana en sus cuadros.
Watteau pinta cuadros en los que parece que se encuentran los actores de la
commedia dell'arte y los espectadores, creando una entidad nueva. Estos cuadros sugieren
que ya no están en un escenario artificial, sino en un parque al aire libre. Aunque están en un
entorno realista, los personajes llevan la ropa de sus funciones teatrales. Esto crea una
ambigüedad sobre si siguen siendo actores o si han llevado su teatralidad a la vida cotidiana.
En cuadros como "El cuarteto musical", Pierrot es el centro de atención, pero su
posición de espaldas y su actitud no permiten interpretar sus emociones. Watteau crea
indecisión en la escena, evitando que el espectador construya una narrativa lineal.
La tradición occidental ha comparado la vida con una actuación teatral. Algunos ven a
los humanos como marionetas manipuladas por destinos superiores, mientras que otros
resaltan la pluralidad de papeles que desempeñamos.
Watteau crea cuadros en los que la línea entre la vida y la representación se
desvanece. Los actores se comportan como individuos reales, y los individuos adoptan las
posturas y gestos de los actores.
Watteau sugiere que los papeles que interpretamos en la vida importan más que
nuestra identidad real. Los personajes en sus cuadros adoptan máscaras y gestos teatrales,
insinuando que todos actuamos en cierta medida.
Watteau pinta un mundo en el que la continuidad entre el teatro y la vida es
constante. Los personajes actúan y se adaptan a los papeles de la comedia humana. La pintura
de Watteau se ubica en la intersección entre teatro y pintura, creando una experiencia única.
Todorov destaca cómo Watteau desdibuja los límites entre el teatro y la vida cotidiana
en sus cuadros, creando una continuidad entre la representación teatral y la experiencia
humana.
LOS JUEGOS DEL AMOR Y DEL AZAR
Watteau representa los juegos del amor y del azar en sus cuadros, utilizando
elementos de la commedia dell'arte y la música como símbolos de las emociones y la
ambigüedad del amor.
Watteau se enfoca en los temas de amor, seducción, celos y sueños en sus cuadros, en
lugar de representar situaciones trágicas o violentas. Utiliza la commedia dell'arte como fuente
de inspiración para sus personajes y tramas.
Los personajes se encuentran en un espacio fuera del tiempo y del mundo, creando
imágenes de ensueño. En cuadros como "El paso en falso", los gestos y posturas sugieren
deseos y resistencia, pero Watteau no narra una historia detallada, sino que crea un ambiente
evocador.
La música y la danza están fuertemente asociadas al amor en la obra de Watteau.
Estos elementos representan la conexión entre el movimiento coordinado de los cuerpos y las
emociones compartidas. La música también se relaciona con la seducción.
Watteau introduce estatuas en sus cuadros, a menudo con una apariencia sensual y
humana. Estas estatuas a veces crean una sensación de irrealidad en la escena, mezclando la
representación artística con la vida misma.
La ambigüedad se extiende a la presencia de los personajes en los cuadros. Se
cuestiona si son individuos corrientes o alegorías, y si viven en el mismo universo que los
espectadores. Watteau crea un ambiente que cruza los límites entre lo real y lo ilusorio.
Algunos cuadros, como "El indiferente", pueden ser vistos como retratos simbólicos de
la propia actitud de Watteau hacia el mundo. La mirada limpia pero indescifrable del personaje
refleja la conexión entre la vida y la ilusión que caracteriza su obra.
FIESTAS GALANTES
Watteau representa el amor y la interacción humana en su arte.
Todorov destaca que el tema de las "Fiestas Galantes" tiene sus raíces en tradiciones
anteriores, desde la Edad Media hasta la pintura holandesa del siglo XVII. Watteau toma
inspiración de estas tradiciones, pero al mismo tiempo se distingue al enfocarse en la
representación de los sentimientos en lugar de los placeres sensuales.
Uso de la Mitología y la Realidad: A diferencia de la pintura holandesa, que era realista
en sus detalles, Watteau pinta escenas utópicas que se desarrollan en lugares que mezclan
elementos arquitectónicos y naturales. Utiliza estatuas mitológicas y dioses como Venus para
crear un ambiente de ensueño, pero estas figuras parecen vivas y carnales, en contraste con
las personas que participan en las fiestas.
Todorov señala que el término "fiesta galante" evoluciona en su significado a lo largo
del tiempo. Originalmente, designaba a personas con buenos modales, pero con el tiempo se
relacionó más con el amor y las relaciones amorosas. Watteau es uno de los primeros pintores
en representar este tema y crea un nuevo subgénero dentro del género de la pintura de
género.
Representación de los Personajes: Estos personajes a menudo están en pareja,
interactuando en diferentes momentos y aspectos de la relación amorosa: seducción,
coquetería, rechazo, etc. Watteau no se enfoca en la pasión o el amor duradero, sino en los
juegos de coquetería y seducción.
A diferencia de la pintura holandesa, donde la ropa de los personajes ayudaba a
identificar su posición social, en los cuadros de Watteau, todos visten de manera similar, con
trajes elegantes y caros. Esto refuerza la idea de que todos participan en la fiesta y en el juego
del amor sin distinción social.
Significado de la "Isla de Citera": Watteau crea cuadros que representan
"Peregrinación a la isla de Citera", donde las parejas están rodeadas de un ambiente idílico.
Todorov sugiere que Citera puede ser un símbolo del amor y su apoteosis, ya que el significado
exacto de estas escenas es ambiguo y no se pueden situar en un contexto específico.
Todorov menciona que Watteau viajó a Inglaterra en busca de tratamiento para la
tuberculosis y pintó sus últimos cuadros allí. Uno de sus cuadros finales, "La muestra de
Gersaint", es una representación de la pintura en sí misma. Watteau muere en 1721 en
Nogent-sur-Marne.
En resumen, Todorov explora cómo Watteau retrata el amor, la seducción y la
coquetería en sus "Fiestas Galantes", creando un ambiente onírico y utópico en el que los
personajes se mezclan con elementos mitológicos y naturales. Estos cuadros reflejan la visión
particular de Watteau sobre el amor y la interacción humana en un contexto de belleza y
ensueño.
PENSAMIENTO DE WATTEAU
El análisis destaca varias características clave de la obra de Watteau y su relación con
el contexto social y cultural de la época.
1. Ruptura con la tradición: Watteau rompió con la tradición artística y cultural predominante
de su época. A pesar de la sociedad fuertemente influenciada por la corte y la Iglesia en la
Francia de su tiempo, Watteau se alejó de representar temas religiosos y de la realeza en sus
pinturas.
2. Influencia del teatro: El vocabulario inicial de Watteau proviene del teatro, específicamente
de formas populares como la commedia dell'arte. Su estilo y enfoque artístico se asemejan a
las actuaciones teatrales, y sus pinturas capturan momentos de galantería, amor y seducción.
3. Cambios en la concepción del arte: A lo largo del tiempo, hubo un cambio en la percepción
del arte y el placer en la sociedad. Se pasó de la idea de que las artes podían servir para la
enseñanza de virtudes a una visión en la que el placer y el amor se convirtieron en la finalidad
de la vida.
4. La representación del amor: Watteau se destaca por centrarse en la representación del
amor y la galantería en su obra. Sus cuadros son descritos como una "enciclopedia de los
juegos amorosos" que celebran el amor y la seducción como temas centrales.
5. Atmósfera y ensoñación: Watteau no pintaba acciones o pasiones en sus cuadros, sino más
bien una atmósfera, una ensoñación que trascendía lo real y se sumergía en lo poético. Sus
figuras a menudo se interpenetran y sus pinturas crean una sensación de sueño y fantasía.
6. Lo invisible y lo visible: Watteau aspiraba a pintar lo verdadero más que lo real. Sus pinturas
reflejan sentimientos, estados de ánimo y emociones invisibles, y utilizaba la representación
visual para guiar a los espectadores hacia estos aspectos internos.
En general, se profundiza en la filosofía artística de Watteau y su relación con las
tendencias culturales y sociales de su época. Muestra cómo su enfoque en el amor, la
galantería y la ensoñación se apartó de las normas establecidas, y cómo su obra capturó un
sentido de poesía y fantasía en un mundo en el que el teatro y la representación artística
asumieron nuevos significados.
William Hogarth
ORÍGENES Y RELIGIÓN
Aborda la vida y obra del pintor William Hogarth, particularmente en relación con la
religión y la crítica social en su arte. Todorov, analiza cómo Hogarth, a través de su pintura,
cuestiona la presencia y la influencia de la religión en la sociedad de su época.
Hogarth, de origen humilde en una familia cultivada, comienza a trabajar temprano en
una variedad de oficios debido a dificultades financieras. Se casa con la hija de James Thornhill,
quien era pintor y también miembro de los francmasones.
Todorov señala que Hogarth fue bautizado pero no parece ser un creyente en el
sentido tradicional. Describe cómo el siglo XVII vio la prevalencia de la Iglesia anglicana en
Inglaterra, pero con una mentalidad marcada por el racionalismo. Menciona que Hogarth se
unió a los francmasones, un grupo que abogaba por la tolerancia religiosa y el deísmo, una
forma de cristianismo basada en la razón y la naturaleza, sin depender de la revelación.
Hogarth tenía un compromiso con la moral cristiana y la filantropía. Aunque Hogarth
no adhiere al ritual de la iglesia, sigue principios morales en sus acciones. Todorov menciona
que Hogarth estuvo involucrado en actividades filantrópicas para mejorar las condiciones en
cárceles, hospitales y asilos, y estuvo particularmente interesado en el bienestar de los niños
abandonados.
Crítica Social y Religión: Todorov analiza algunas de las obras de Hogarth que
cuestionan la relación entre la religión y la sociedad. Menciona el cuadro "Los fieles dormidos",
en el que se representa una iglesia en la que la devoción parece estar ausente y las figuras
religiosas se comportan de manera cuestionable. También discute los ciclos narrativos de
Hogarth que representan un mundo donde no se ve la presencia de Dios, a pesar de la
presencia de clérigos.
Retratos y Crítica Religiosa: Todorov destaca cómo Hogarth pintó retratos de amigos
que compartían puntos de vista deístas o ateos. Describe un retrato de sir Francis Dashwood,
un aristócrata libertino que desafía las normas religiosas, y cómo Hogarth cuestiona la religión
en este retrato.
Crítica a la Iglesia: Todorov menciona un grabado llamado "Credulidad, superstición y
fanatismo", en el que Hogarth critica la credulidad y el fanatismo religioso. Este grabado
muestra a un predicador manipulador y a una multitud fanática bajo su influencia,
representando un comentario sobre la influencia ciega de la religión en la sociedad.
CONSCIENCIA POLITICA
Todorov explora la conciencia política y las posturas de William Hogarth, el pintor, en
relación con la sociedad, la moralidad y la política de su tiempo.
Destaca cómo Hogarth fue un espíritu libre y crítico con las instituciones de su época.
Aunque respetuoso con la moral cristiana, no ocultaba sus simpatías hacia las personas
comunes y expresaba cierto escepticismo hacia aquellos en el poder.
Hogarth buscó formas de liberarse del control de sus ricos clientes, como la corte real,
y optó por difundir grabados para reforzar sus ingresos. Todorov señala que Hogarth defendió
el derecho de los artistas a la propiedad de sus obras, lo que llevó a la promulgación de una ley
del Parlamento inglés que protegía los derechos de autor de los pintores sobre los grabados de
sus cuadros.
Hogarth introdujo principios igualitarios en la academia de pintura que dirigió.
Permitió a los alumnos tener más iniciativa y redujo la brecha entre maestros y estudiantes, lo
que reflejaba su inclinación hacia la igualdad y el empoderamiento de las personas.
Todorov destaca cómo Hogarth tomó partido en sus obras, particularmente en ciclos
como "La ópera del mendigo" y "Cuatro imágenes de una elección". En estas obras, Hogarth
aborda temas como la corrupción, la influencia política y la vida pública. Su arte presenta a
menudo a personajes poco recomendables como víctimas de la sociedad.
Todorov menciona el sentimiento patriótico de Hogarth en su defensa de lo inglés
frente a influencias extranjeras. Hogarth critica la preferencia por la pintura extranjera y aboga
por la valoración de la pintura inglesa y la captura de realidades locales.
La paradoja que Hogarth enfrentaba: su simpatía por las clases humildes y su deseo de
vender sus obras a aquellos con recursos. Todorov señala que esta contradicción es común en
artistas que desean llegar a una audiencia más amplia mientras equilibran sus intereses
personales.
En sus obras, Hogarth reflejó la sociedad y la política de su tiempo de manera
compleja. Tomó partido y criticó problemas como la corrupción electoral, la influencia de la
aristocracia y la moralidad pública.
En resumen, Todorov destaca cómo Hogarth utilizó su arte como una herramienta para
cuestionar, reflexionar y expresar sus opiniones sobre la sociedad, la política, la igualdad y la
moralidad en la Inglaterra de su época. Hogarth se mostró como un crítico perspicaz y
comprometido con la representación auténtica de la realidad social y política, a la vez que
navegaba por las complejidades de su posición como artista en la sociedad.
EN LA ESCUELA DEL TEATRO
Todorov explora la relación entre el pintor William Hogarth y el teatro en su carrera
artística. A continuación, se resumen los puntos clave del análisis de Todorov:
1. Influencia Teatral Temprana: Desde el comienzo de su carrera, Hogarth mostró interés por la
escena teatral de su época. Uno de sus primeros grabados, "Máscaras y óperas", refleja esta
sensibilidad. También creó obras relacionadas con la ópera "La ópera del mendigo", que
desafió el modelo heroico predominante en los espectáculos de la época y abrió espacio para
la participación de las clases populares en el teatro.
2. Vinculación con el Teatro: Hogarth pintó numerosas escenas teatrales y demostró
admiración por Shakespeare, su dramaturgo favorito. Todorov señala que Hogarth compartía
un enfoque similar con Molière en su genio cómico y que la influencia entre imágenes y textos
fluía en ambas direcciones.
3. Relación con David Garrick: Hogarth también se interesó por la vida de los actores,
especialmente David Garrick, un actor famoso de su tiempo. Hogarth pintó retratos de Garrick
y lo admiraba por su estilo revolucionario de actuación que se alejaba de las tradiciones
declamatorias y se centraba en acercar el discurso teatral a la conversación cotidiana.
4. Comparación entre Teatro y Pintura: Todorov destaca cómo Hogarth constantemente
comparaba el teatro con la pintura. Hogarth asimiló la actividad del actor y del pintor como
ambas artes que imitan acciones y personajes concretos en la naturaleza. Utilizaba la
referencia teatral para dar una dimensión temporal y narrativa a sus obras pictóricas.
5. La Comedia y la Pintura de Género: Hogarth vinculó su pintura de género con la comedia, en
contraposición a la tragedia que reservaba para sus pinturas históricas. En su retrato "Mogarth
pintando a la musa de la comedia", Hogarth se representa pintando a Talía, la musa de la
comedia, con una máscara teatral en una mano y un libro en la otra.
6. Interacción entre las Artes: La comparación constante entre el teatro y la pintura en el
trabajo de Hogarth le permitió superar limitaciones artísticas, como la representación del
tiempo, y dar vida y dinamismo a sus obras.
En resumen, Todorov destaca cómo Hogarth no solo fue influenciado por el teatro en su arte,
sino que también utilizó el teatro como un recurso para enriquecer su representación
pictórica. La relación entre las dos artes influyó en su enfoque narrativo, la representación de
personajes y la búsqueda de dar una dimensión más humana y cercana a sus obras.
PINTURA Y LITERATURA
Ilustración de Libros: Hogarth comenzó como ilustrador de libros antes de descubrir la
obra de John Gay. Sus primeros trabajos incluyeron ilustraciones para "Hudibras" de Samuel
Butler, un poema satírico popular. Hogarth también intentó ilustrar "Don Quijote" de
Cervantes y creó cuadros inspirados en otras obras literarias.
Contexto Literario: La primera mitad del siglo XVIII fue una época de efervescencia
literaria en Inglaterra, con la aparición de novelas realistas como "Robinson Crusoe", "Moll
Flanders", "Pamela", "Clarissa", "Joseph Andrews" y "Tom Jones".
Influencias Literarias: Hogarth tuvo contacto con escritores de su época, como
Jonathan Swift y Alexander Pope. Swift, en particular, elogió a Hogarth por su contribución al
enderezamiento de la moral y la crítica social a través del humor y la caricatura.
Relación con Henry Fielding: Hogarth y Henry Fielding, un novelista de la época,
compartían una mutua admiración. Fielding alabó a Hogarth en sus escritos, y Hogarth
valoraba el enfoque realista y cómico de Fielding en la literatura.
Crítica Literaria y Social: Hogarth y Fielding compartían una tendencia a evitar
extremos en sus respectivas obras. Hogarth criticó a Samuel Richardson y su novela "Pamela"
por embellecer la realidad y sustituir la observación de las costumbres por ensoñaciones
bienpensantes.
Relación con Laurence Sterne: Hogarth también tuvo una relación cercana con el
novelista Laurence Sterne. Sterne admiraba la obra de Hogarth y buscó su colaboración para
ilustrar su novela "Tristram Shandy".
Representación del Artista Literario: Hogarth retrató a los escritores en sus cuadros,
como se ve en su obra "El poeta atormentado", que representa a un poeta mediocre en
apuros.
Integración de Literatura y Pintura: Hogarth se sintió cercano a los escritores y
consideró sus obras como fuentes de inspiración para sus pinturas. En su autorretrato, coloca
los nombres de escritores como Shakespeare, Swift y Milton en los lomos de libros en el fondo,
simbolizando su conexión con la literatura.
En resumen, Todorov resalta cómo Hogarth encontró inspiración en la literatura de su época y
cómo estableció relaciones y conexiones con escritores notables. Esta interacción entre la
pintura y la literatura enriqueció su enfoque artístico y le permitió abordar temas sociales y
morales de manera más efectiva y atractiva.
LA VERDAD SIN MAQUILLAJE
Todorov explora varios aspectos clave de la obra de Hogarth, incluyendo sus
intenciones artísticas, su enfoque en la verdad y la representación de la sociedad de su época.
1. Alegoría de la Verdad Artística: En la tarjeta de suscripción dibujada para su primer ciclo de
cuadros, "La carrera de una prostituta", Hogarth utiliza una alegoría para expresar su enfoque
artístico. La estatua de la diosa Diana Multimammia rodeada de niños simboliza la necesidad
de ir más allá de las apariencias y mostrar la verdad oculta bajo las máscaras y el maquillaje
social.
2. Desnudando la Verdad: Hogarth muestra su preferencia por la verdad sobre la complacencia
del espectador. Utiliza la pintura para revelar la realidad detrás de las escenas galantes y de la
vida en general, como se ve en los cuadros "Antes y Después", que contrastan las apariencias
con la realidad.
3. Crítica a la Hipocresía: A través de sus ciclos de cuadros como "La carrera de una prostituta"
y "La carrera del libertino", Hogarth critica la hipocresía y la falsedad en la sociedad. Destapa
las ilusiones de la vida en la ciudad y muestra las consecuencias de las acciones imprudentes.
4. Representación de Clases Sociales: Hogarth retrata a personas humildes y criados en
cuadros como "Los criados de Hogarth". Estos retratos demuestran su interés en las vidas de
las personas comunes y su habilidad para capturar la humanidad de sus sujetos.
5. Interés por el Paisaje Urbano: Hogarth también se interesa por el paisaje urbano de su
época. A diferencia de las "vistas" planas de Canaletto, Hogarth observa el paisaje de cerca y
sin embellecerlo, capturando la vida cotidiana y la diversidad de situaciones.
6. Verdad y Anatomía Artística: Todorov menciona la relación entre Hogarth y el filósofo David
Hume. Hume demandaba verdad en la representación anatómica, y Hogarth aplicaba ese
enfoque a la observación de la vida moderna, levantando la "piel maquillada" de las
costumbres sociales para mostrar la realidad subyacente.
7. Equilibrio en la Representación: Hogarth buscaba un equilibrio entre la sátira y la
idealización, prefiriendo los "temas intermedios" que reflejaran la vida en su autenticidad y
complejidad.
En resumen, Todorov resalta la dedicación de Hogarth a la verdad artística y su compromiso
con la representación honesta de la sociedad y la vida cotidiana. Su obra captura tanto las
luces como las sombras de la realidad, y su estilo realista y crítico influyó en cómo se
representaba el mundo en su época.
MODERNO, MORAL Y ESTÉTICO
El enfoque artístico de Hogarth se caracteriza por su dedicación a representar la
realidad contemporánea y las costumbres de su sociedad, en contraposición a los temas
mitológicos y religiosos tradicionales que prevalecían en la pintura de la época. A través de sus
obras, Hogarth buscaba explorar y comprender los aspectos morales y sociales de su sociedad,
capturando la vida urbana de Londres y presentando una visión cruda y veraz de la condición
humana.
Hogarth estaba orgulloso de haber introducido en la pintura los "temas morales
modernos" porque sentía que al retratar la vida cotidiana y los asuntos sociales
contemporáneos, estaba rompiendo con la tradición y abriendo nuevas posibilidades artísticas.
Se consideraba a sí mismo como un moralista visual, preocupado por capturar las
complejidades y realidades de la vida en lugar de idealizarla o embellecerla. Su enfoque en
temas morales modernos también reflejaba su deseo de abordar los problemas y desafíos de
su sociedad en lugar de simplemente recrear mitos y leyendas del pasado.
La preferencia de Hogarth por la verdad y la autenticidad sobre la idealización y la
convención se manifiesta en su enfoque artístico y en la elección de sus sujetos. A través de
sus ciclos narrativos y retratos de la vida urbana, como "La carrera de una prostituta" y "La
carrera del libertino", retrató los aspectos menos glamorosos y más oscuros de la sociedad,
como la prostitución, la corrupción política y las consecuencias de la vida disoluta. Al hacerlo,
revelaba la verdad detrás de las apariencias y cuestionaba la hipocresía y la falsedad que a
menudo se ocultaban bajo la superficie.
Hogarth también abogaba por la variedad y la individualidad en su enfoque artístico.
Rechazaba la idea de una belleza ideal universal y defendía la importancia de capturar la
diversidad y singularidad de las personas y las situaciones. Para él, la verdadera belleza estaba
en la autenticidad y la representación honesta de la realidad.
En resumen, Hogarth se consideraba un pintor y grabador dedicado a la representación de los
temas morales modernos y a la búsqueda de la verdad en la pintura. Su enfoque en la vida
contemporánea, sus ciclos narrativos y su énfasis en la variedad y la autenticidad influyeron en
su distinción como un artista que desafió las convenciones artísticas de su tiempo y abogó por
una representación más honesta y cruda de la sociedad y la vida humana.