Preguntas Romanticismo

POSIBLES PREGUNTAS DE EXAMEN SOBRE EL ROMANTICISMOMUSICAL
1.- ¿Qué elementos musicales de la música orquestal constituyen
novedades del Romanticismo?
Durante el Romanticismo continúan cultivándose las formas instrumentales
clásicas: sinfonía y concierto. Los compositores se van liberando de los
esquemas formales clásicos y explotando con gran efectividad la riqueza
tímbrica de la orquesta (se potencia la familia de viento metal y la de
percusión ampliándose el número de integrantes). Además, el virtuosismo
de los intérpretes queda establecido como signo de genialidad.
2.- ¿Qué se entiende por música programática?
La búsqueda de formas libres y abiertas más adecuadas a la necesidad de
expresión romántica dará lugar al desarrollo de la música programática. La
utilización de la música como un lenguaje descriptivo no es una novedad,
pero sí se plantea ahora una ampliación de los modelos artísticos (héroes,
mitos, personajes históricos, personajes literarios, pinturas), sobre los que
se escribe la música.
3.- ¿Qué dos tipos de composiciones orquestales desarrollan la música
programática?
La sinfonía programática que en lugar de basarse en una estructura formal,
se desarrolla en torno a la descripción de un programa o argumento. El
creador de este género es el compositor Héctor Berlioz con su obra Sinfonía
Fantástica en la que narra su amor no correspondido.
El Poema sinfónico es una composición orquestal en un solo movimiento
basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es
Liszt.
4.- Cita los principales compositores de música sinfónica y explica algunas
de sus características musicales.
La trayectoria sinfónica en el siglo XIX discurre por dos corrientes paralelas
que parten de Beethoven. Una, más conservadora, parte de la 8ª sinfonía
de Beethoven y se encuentra más a gusto dentro de las estructuras,
desarrollos armónicos y orquestación heredados del Clasicismo, con mayor
tendencia hacia la música absoluta y pura, tal es el caso de Mendelssohn y
Brahms. La otra corriente, más innovadora, parte de la 6ª y 9ª sinfonías de
Beethoven y se siente impulsada por ideas literarias o extramusicales. En
esta línea se inserta la música programática de Berlioz, Liszt, Schumann,
etc.
5.- ¿Qué entendemos por pequeñas formas de la música romántica? Cita las
principales.
Las pequeñas formas son otra faceta de la expresión romántica, opuesta a
los alardes instrumentales de la música sinfónica y de los grandes
conciertos. Es una música de salón, compuesta para el disfrute en veladas
íntimas. Las principales son: el lied y las piezas para piano.
6.- Define lied, explica sus características y nombra sus principales
cultivadores.
Término alemán que significa canción de corta extensión escrita para voz y
piano sobre un texto poético, de estilo íntimo y con una plena
compenetración de la música con el texto. La forma más generalizada es el
lied ternario (A B A), en el que la primera y la última estrofa tienen la
misma melodía.
Entre los compositores más destacados figura Schubert con lieder de
influencia de la música popular, compuso más de 600. Schumann con lieder
de carácter más culto, se diferencian de los de Schubert en la forma de
entender la melodía, en el acompañamiento y en su preocupación por el
sentimiento y Hugo Wolf compuso lieder influenciado por Wagner, en el que
el texto es la parte más importante, se sintió atraído por la música italiana y
española y les dedica dos ciclos de canciones.
7.- ¿Por qué se dice que el piano es el instrumento que mejor expresa los
sentimientos del alma romántica?
Su graduable y potente sonoridad, así como el abanico tímbrico y el calor
de sus ejecuciones abrirán la puerta a las posibilidades expresivas de la
apasionada alma romántica que hacen de este predilecto instrumento el
más apto para las evocaciones íntimas y del concierto, capaz de oponerse a
toda una orquesta. La posibilidad de realizar matices dinámicos y sus
enormes posibilidades sonoras permiten expresar desde el más íntimo
sentimentalismo a la más grandiosa exaltación.
8.- Diferencias musicales entre Chopin y Liszt.
Mientras que el romanticismo de Chopin es íntimo y poético, el de Liszt es
brillante y espectacular. Chopin escribió casi exclusivamente para piano. Su
producción musical la realizó en pequeñas formas (nocturnos, polonesas,
valses, estudios) y compuso dos conciertos para piano y orquesta. Liszt
compuso también para orquesta. Fue un pianista con unas facultades tan
extraordinarias que se le considera más virtuoso que compositor.
9.- Principales representantes del bel canto italiano.
Rossini es la figura que representa la transición de la ópera
clásica a la
romántica. Su obra El barbero de Sevilla compuesta en 1816, fue la ópera
más representada y aclamada durante todo el siglo XIX.
Donizetti con L’elisir d’amore y Bellini con Norma, son los máximos
representantes del “bel canto”, estilo vocal tan expresivo como espectacular
que tenía como objeto la exhibición
del
cantante
mediante
pasajes
melódicos de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el registro
agudo de la voz.
Giuseppe Verdi representa la cumbre de la ópera italiana con obras como
Nabucco, Rigoletto, La Traviata o Aida. No abandona el ideal del bel canto
pero construye melodías más sencillas con ritmos claramente marcados
(componía sus arias con el tic-tac del metrónomo) y otorga una gran
importancia a los coros.
A finales del siglo XIX la corriente del realismo literario se traslada a la
música creando una nueva tendencia denominada “verismo”. Los
argumentos de las óperas se centrarán en personajes de la vida cotidiana
reflejando sus emociones de forma realista, sin idealizaciones románticas.
Los principales representantes del verismo son Pietro Mascagni con
Caballería rusticana, Ruggiero Leoncavallo con Pagliacci y Puccini con La
Bohème, Tosca o Madame Butterfly.
10.- ¿Qué es la opereta y en qué país se cultiva?
Es un tipo de ópera cómica de argumentos humorísticos que incluye pasajes
dialogados y danzas de moda. Jacques Offenbach compuso Orfeo en los
infiernos, en su obertura incluye el famoso baile del cancán. En ritmo
binario las bailarinas dispuestas en fila, levantan las piernas al frente
alternativamente agarrándose las faldas y enseñando las enaguas.
11.- Características más destacadas del drama musical wagneriano.
Wagner concibe la ópera como una “obra de arte total” en la que se
aglutinan todos los elementos (poesía, música, escenarios, acción) de forma
inseparable. Su idea es crear un “drama musical” continuo en el que las
escenas se encadenan sin distinción utilizando técnicas como el leitmotiv, la
“melodía infinita” sin marcar cadencias claras, un tratamiento protagonista
de la orquesta con grandes efectos colorísticos y dinámicos, armonías
crómáticas en constante modulación. Los textos de sus óperas, escritos por
el propio Wagner, están inspirados en la mitología germánica.
De forma resumida, las características principales de su obra son:
a) Intento de la “obra de arte total”: unión de la poesía, música,
escena, iluminación, etc.
b) Uso y potenciación del alemán en todas sus óperas.
c) Temas basados en los mitos y leyendas alemanes.
d) Formación de una gran orquesta dramática, con la creación de
nuevos instrumentos.
e) Creación del leitmotiv: motivo musical que caracteriza a los
diferentes personajes de la ópera, en cuyos contrastes conseguirá
el aspecto dramático.
f) Uso de armonías cromáticas que significaron el principio de la
ruptura del sistema tonal clásico.
12.- Planteamientos musicales del nacionalismo musical.
Los nacionalismos surgen a mediados del siglo XIX como un componente
más del movimiento romántico que busca acentuar la individualidad y la
autonomía musical y cultural de los países. La música nacionalista se
caracteriza por el uso del folclore: copiando literalmente las fuentes, por
ejemplo, introduciendo una melodía tradicional dentro de una obra o
utilizando rasgos propios de cada país como ritmos de danzas, escalas,
instrumentos populares.
13.- El nacionalismo musical español.
La búsqueda de una conciencia nacional española condicionó el resurgir de
una música basada en nuestro folclore. Podemos distinguir dos etapas: la
primera, con Albéniz Y Granados como principales representantes, fue una
etapa de asimilación. La segunda, con Falla y Turina, fue una etapa de
madurez que se desarrolló en la primera mitad del siglo XX.
También hay que citar a Francisco Tárrega, extraordinario virtuoso
responsable de la proyección internacional de la guitarra. Jesús de
Monasterio, fundador de la primera escuela violinística española y a Pablo
Sarasate, famoso violinista y autor de las célebres Danzas españolas.