LAS VANGUARDIAS DEL SIGLO XX ÍNDICE 1.- FUTURISMO 1.1- GIACOMO BALLA (1871-1958). 1.2- UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). 1.2- CARLO CARRÁ (1881-1966). 2.- DADAISMO 2.1- MARCEL DUCHAMP (1887-1968). 2.2- MAN RAY (1890-1976). 2.3- FRANCIS PICABÍA (1879-1953). 2.4- HANS ARP (1887-1966). 3.- SURREALISMO. 3.1- SALVADOR DALÍ (1904-1988). 3.2- JOAN MIRÓ (1893-1983). 3.3- MARC CHAGALL (1887-1985). 3.4- RENÉ MAGRITTE (1898-1967). 3.5- GEORGIO DE CHIRICO(1888-1978). 3.6- MAX ERNST (1891-1976). 3.7- YVES TANGUY (1890-1955). 4.- LA ABSTRACCIÓN 4.1- LA ABSTRACCIÓN LÍRICA VASSILY KANDINSKY. PAUL KLEE (1879-1940). 4.2- LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA A- NEOPLASTICISMO Y DE SIJL PIET MONDRIAN (1872-1944). B- CONSTRUCTIVISMO RUSO EL LISSITZKY C- SUPREMATISMO KAZIMIR MALEVICH (18781935). 4.3- EXPRESIONISMO ABSTRACTO JACKSON POLLOCK (1912-1956). 4.4- EL INFORMALISMO TAPIES (1903-1970). 1- El Futurismo -Este estilo se desarrollará casi íntegramente en Italia. -Milán ciudad industrial por excelencia, fue la capital de este movimiento artístico. -Es un movimiento tremendamente revolucionario, que pretende acabar con todo el arte anterior a base de exaltar el futuro y todas sus nuevas sus posibilidades. -Su extensión cronológica es breve: desde 1909, cuando se produce el manifiesto de Marinetti hasta 1916, año en que muere su principal impulsor, Boccioni. El cine, que ofrecía posibilidades más autenticas de representar imágenes en movimiento, desplazó a este estilo. Filippo Tommaso Marinetti (centro), con los pintores del movimiento futurista (de izquierda a derecha) Luigi Russolo, Carlo Carrà, Umberto Boccioni, and Gino Severini. Fotografía de Étienne-Jules Marey -En el periódico “Le Figaro” en 1909, se encuentra por primera vez el término “Futurismo” aplicado al arte. Incluía un manifiesto del poeta italiano Marinetti que pretendía iniciar un humanismo dinámico: ”Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”. Y termina diciendo: “Queremos demoler todos los museos, las bibliotecas, combatir el moralismo, el feminismo y todas las vilezas oportunistas y utilitarias”. Marinetti, cubierta del libro Zang Tumb Tumb, 1914. Marinetti, «Palabras en libertad futuristas», 1919. -Los pintores futuristas hicieron su propio manifiesto en 1910, en el cual BOCCIONI; CARRA, BALLA y SEVERINI insistían en el tema de la velocidad como expresión de la vorágine de las vida moderna. -Características del estilo futurista: A)- Aunque el Futurismo italiano se presentó ante el mundo como una creación plenamente vanguardista de ideología y estéticas revolucionarias, lo cierto es que posee una fuerte carga cubista. B)- La representación de las cualidades dinámicas de la realidad comienza con el impresionismo, Los futuristas tienen como objetivo la representación del movimiento y no la luz. C)- Su estilo se inicia con una pincelada parecida a la de Signac (divisionismo) pero en contacto con el Cubismo tratarán de imitarlo, algunos han denominado al estilo como cubismo dinámico. Umberto Boccioni Giacomo Balla D)- Para representar el movimiento en un plano, pintan caballos, perros, figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. E)- El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración regulando el valor o luminosidad del tono. Data / Ora Date(s) - 12/09/2015 - 08/12/2015 Balla Il cavaliere rosso (1913), obra de Carlo Carrà, uno de los integrantes del movimiento futurista. MUSEO DEL NOVECENTO, COMUNE DI MILANO -Muchos de sus autores terminaron afiliándose a partidos de extrema derecha, pues el canto al vértigo y la belleza de la lucha coinciden con el talante del fascismo. El punto 9 del Manifiesto de Marinetti parece un resumen de esta ideología: “Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan, y el desprecio a la mujer.” -Entre los autores más importantes del grupo destacarán: Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Gino Severini y Carlo Carrà. Gino Severini. Tren armado en acción, 1915. MOMA 1.1- GIACOMO BALLA (1871-1958). Es el más viejo del grupo y maestro de Boccioni. Al principio aparece ligado al puntillismo, más tarde se declaró plenamente futurista. En su “Niña corriendo en un balcón” intenta transmitirnos la sensación de velocidad repitiendo las piernas de la niña muchas veces y utilizando una pincelada de cuadraditos similar a la que utilizaba Signac, de este modo consigue movimiento y parece que el cuadro vibre. Muchacha corriendo en el balcón óleo sobre lienzo 125x 125 cm Milán, Galleria d´Arte Moderna “Street Light” Giacomo Balla Dinamismo de perro con correa. 1912. Óleo sobre lienzo. Galería de Arte Albright-Knox de Buffalo. New York. USA. Trazados y secuencias dinámicas de movimiento.1913. Óleo sobre lienzo. 96.8 x 120 cm. The Museum of Modern Art. New York. U.S.A 1.2- UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). -Es el pintor futurista más capacitado e imaginativo. -En sus obras aparece un torbellino de cosas que producen en el espectador la imposibilidad de leer ordenadamente la pintura. -Debe mucho a los cubistas, se ve muy influido por ellos. -Su obsesión es la representación del dinamismo. -Su serie sobre la ciudad son un cuadros de difícil lectura. En ellos exalta el trabajo humano. Son un canto épico al movimiento vertiginoso y al impulso incontenible del mundo moderno. -Como escultor su obra más famosa fue Formas únicas de continuidad en el espacio. Umberto Boccioni ‘’la ciudad que se levanta’’ La calle ante la casa, 1911, óleo sobre lienzo, 100 x 106,5 cm, Hanóver, Sprengel Museum Hannover. Composición de La ciudad se levanta Formas únicas de continuidad en el espacio- Umberto Boccioni EL GUERRERO CON LANZA ( 46cm & 8,7kg) UNA BOTELLA EN EL ESPACIO (1913) DINAMISMO DE UN CABALLO CORRIENDO (1914-1915) 1.3- CARLO CARRÁ (1881-1966). Se encuentra más próximo que los anteriores al Cubismo, en realidad participa de los dos movimientos. Se declaró favorable a la intervención italiana en la I Guerra Mundial. “Caballo y caballero” es una obra en la que al caballo le pinta veinte patas para que dé la sensación de velocidad. “Los funerales del anarquista Galli” Manifestación intervencionista. Carlo Carrá. 1914 https://www.youtube.com/ watch?v=847y5CGCqys Futurismo En 1911 pintó una de sus obras más conocidas de estilo futurista: “Funeral por el anarquista Galli”. 2- El Dadaísmo Contexto del movimiento Dadá -A partir de la época contemporánea, debido a las fuertes crisis sociales que en ella se han producido, el artista plástico cae en la cuenta de que sus obras pueden actuar como potentes revulsivos. Quizá Goya al caricaturizar a los personajes influyentes en sus retratos, no hacia otra cosa sino manifestar su descontento con la situación establecida y esta protesta era una provocación. -Durante el Romanticismo el descontento hacia las formas de vida burguesas se manifiesta no sólo en la temática de las obras, sino incluso en la forma de comportarse sus creadores, que escandalizaba sin piedad a los partidarios de la tradición a ultranza. La Bohemia francesa, asocial y amoral, es el ejemplo que corrobora esta hipótesis. Mediante el Arte se opta por una marginalidad voluntaria. -Durante el siglo XX los artista plásticos habían denunciado, todo tipo de valores sociales, tanto los políticos como los morales o los sexuales. Pero nadie se había atrevido a poner en tela de juicio la cultura, los valores artísticos (excepto el futurismo italiano). Arrasar el arte y la cultura va a ser la forma que el Dadaísmo elegirá para provocar a la Humanidad. En esta vanguardia se combinan tres factores coyunturales: a) la decepción ante una guerra que todos han perdido, b) el desencanto personal por ser todos artistas de segunda fila, c) y el deseo de igualar la absurda y destructiva realidad con el arte, es decir, destruir el Arte o hacer el Arte de la destrucción. Definición. -Dadá es más que un movimiento artístico, es una actitud intelectual de una serie de poetas, pintores y escultores angustiados por una guerra de magnitud insospechada. Es una postura social y vital cercana al nihilismo antiartístico. -El Zurich (Suiza) de 1914, la cuna de la nueva manifestación, era sin duda el lugar idóneo para que esto surgiera. Acogiéndose a la neutralidad suiza, convivían allí exiliados y agitadores políticos y grupos de pacifistas anarquizantes. Precisamente este grupo de poetas, escultores, pintores y escritores, unidos por un sentimiento común de desprecio hacia la Guerra, decide alquilar en 1916 un viejo local que bautizan como Cabaret Voltaire, en homenaje al filósofo francés. -En aquel cabaret se organizan veladas literarias v se pronuncian conferencias y, sin saber como, comienzan a mostrarse extrañas exposiciones. Pretendidas obras artísticas que nadie entendía. Feria internacional Dada en Berlín (1920) -Un buen día en 1918, Tristán Tzara solicitó la atención del público para leer lo que él llamó el Manifiesto Dada que comenzaba en los siguientes términos: … "Señoras y señores, nosotros queremos orinar en diferentes colores". -Fue también Tzara quien bautizó todas aquellas locuras abriendo un diccionario y eligiendo al azar la palabra Dada, que en francés es el término con que los niños de corta edad designan al caballo. La descabellada manera de encontrar denominación refleja el deseo de los dadaístas de responder al absurdo social con el absurdo personal de sus actitudes vitales. Póster del Matinée Dadá, enero de 1923 Escrito por Tristan Tzara y publicado en 1918 en el número 3 de la revista DADA de Zurich, “el Manifiesto Dadá” es el primer manifiesto del movimiento dadaísta. Otros textos importantes para la historia del dadaísmo son: “el Manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo”, también de Tzara, leído en París el 12 de diciembre de 1920 en la Galería Povolozky y publicado posteriormente en el número 4 de la revista La vie des lettres también de París; y La premiere aventure celeste de Mausleur Antipyrine, que Tzara escribió y publicó en Zurich en 1916. https://www.youtube.com/watch?v=5AyxoPWUsqA Tristán Tzara - Manifiesto Dadaista (fragmento) -El Dadaismo es la manifestación más nihilista que se conoce ya que su pretensión es hacer tabla rasa de todos y cada uno de los valores establecidos. Su lema: "la destrucción es también creación” es ya suficientemente significativo. "Dadá es antiestilo, antitécnica, porque es por primera vez en la Historia un Anti-arte”. Tzara lo degrada aún más al afirmar que el Arte es "la materialización del asco". -Pero es preciso analizar los factores que subyacen debajo de tanta negación: a) Todos los seguidores del Dadá habían formado parte antes de otras vanguardias artísticas y habían constatado el hecho del riesgo que implicaba ser un innovador. Por ello una decepción enorme se había apoderado de ellos. b) Ningún camino conducía a nada. Y con esa decepción viene la duda acerca de la validez de la elección artística en una sociedad que había, demostrado optar por la guerra cuya consecuencia era la muerte. Es como si los dadaístas renegaran de unas convicciones artísticas que no habían podido evitar la catástrofe bélica. c) Por esta razón, no crearán obras de arte sino que emplearán materiales de desecho, trapos viejos, papeles mugrientos, clavos oxidados y los llamados Ready-Made. En cuanto a la plástica se caracterizó por: – Se desecharon formas y técnicas tradicionales, rechazando las corrientes del momento. – Prevalecían las imágenes incomprensibles, donde destacaron los collages (empleando papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.) y fotomontajes con recortes de imágenes de diversa índole. ABCD, Autorretrato, 1921, Raoul Hausmann, Fotomontaje de Jean Arp – Renovación de la expresión mediante el empleo de objetos inusuales como nuevos materiales artísticos. de desecho cotidiano presentándolos como los ready-mades (del francés Marchel Duchamp) o nueva escultura. – Realizaron las primeras acciones artísticas con palabras, pancartas, recitales espontáneos que buscaban principalmente la provocación y el escándalo. Esta actividad artística evolucionó posteriormente hacia el happening, la performance y el arte de acción. – Desde el punto de vista estético su pensamiento se resume en la frase “Todo es arte porque nada es arte”. Duchamp El movimiento Dadá, en su contenido o temática, se caracterizó por: – Protesta continua contra las convenciones de su época. – Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor. – Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación. – Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos). – Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, etc. – Predilección por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición. – Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente. – Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo. – Quieren volver a la infancia. – Consideran más importante al acto creador que el producto creado. https://www.youtube.com/watch?v=fkl92oV1kMc Dada and Cabaret Voltaire -El dadaísmo tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. En Alemania encontró seguidores entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento. En Francia tuvo escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti. -En poesía abrió el campo al surrealismo, creando un lenguaje sin límites. Los consejos de Tzara describen como se realiza un poema dadá: recortar las palabras de un artículo de un periódico, meterlas en una bolsa para mezclarlas y copiar las palabras según vaya sacando de la bolsa. -En Europa decayó en 1920 para finalizar en 1922. A mitad de la década del 50 resurgió en Nueva York. El movimiento dada generó el camino para que nazcan otras corrientes, como el Surrealismo y el Pop Art. 2.1- MARCEL DUCHAMP (1887-1968). -Se inicia en el Cubismo pero marca pronto un distanciamiento con su Desnudo bajando la escalera, donde vemos una obra con influencias cubistas y futuristas, el cuadro se basa en las investigaciones fotográficas sobre el movimiento. https://www.youtube.com/watch ?v=Te9cZq7txX4 Grandes Artistas Marcel Duchamp -Desarrollará más tarde lo más conocido de su producción como son los objetos ready-made, que literalmente significa ya hecho, lleva una gran labor intelectual coger un objeto, sacarlo de contexto y darle un significado totalmente distinto del conocido. -Muchas veces critica a la obra de arte, famosa fue su Rueda de bicicleta de 1916. En 1917 pintó su Fuente, en esta obra representa un urinario boca arriba y el título le sirve para criticar el arte clásico. https://www.youtube.com/ watch?v=2QcemEji-UU Dada Art Movement History - "Dada on Tour“. 30min Marcel Duchamp, Hat Rack. 1917 Marcel Duchamp, Paris Air (Air De Paris), 1919 https://www.youtube.com/watch?v=s A3qlW9AOBE PINTORES (Marcel Duchamp) 18871968 35min Marcel Duchamp, "Why Not Sneeze Rrose Sélav y'," 1921 Marcel Duchamp, in Advance of the B roken Arm (En avance du Bras Cassé), 1964 -Una obra importante fue L.H.O.O.Q., la realizó en 1919 en París. Es una reproducción de la Gioconda a la que coloca bigotes y perilla, tal vez intentando unir lo masculino y lo femenino. Las letras que le dan título son provocadoras, leídas en francés contienen una frase grosera: ella tiene calor en el culo. https://www.youtube.com/watch? v=Bwk7wFdC76Y Marcel Duchamp 1968 BBC interview https://www.youtube.com/wa tch?v=DzwADsrOEJk Marcel Duchamp interview on Art and Dada (1956) 30 min -Una obra con muy difícil interpretación es El gran vidrio, entre dos planchas de vidrio representa connotaciones sexuales, manchas, novias, solteros, agua, gas... todo se completaba con una máquina que debía mover todo esto, la realiza entre 1913 y 1923. https://www.youtube.com/watch?v=HDyHDSZyhF0 Viaje a través del gran vidrio Con estructura dicotómica marcada por una barra de aluminio, en la parte superior aparece la novia desnuda, reducida casi a una estructura que recuerda a la de los insectos, acompañada a al derecha por la Vía Láctea y los Pistones de corriente de aire, en medio de un gran espacio abierto que permite la comunicación con el espacio que rodea a la obra. Mientras que en la parte inferior están los nueve solteros (Nueve moldes metálicos): sacerdote, mensajero, coracero, gendarme, policía, jefe de estación, criado, repartidor y sepulturero. Junto a ellos un trineo que incorpora una rueda de molino, las aspas de unas tijeras y un molinillo de chocolate, creando un mecanismo que se mueve con una denominada "gasolina del amor", que acabaría por mover al "motor del amor" como si de un motor de un vehículo se tratara. El mecanismo existe pero su función es claramente metafórica. 2.2- MAN RAY (1890-1976). -Su verdadero nombre fue Emmanuel Rudnitzki, la elección del nombre artístico Man Ray hace referencia al descubrimiento de los rayos X. Este pintor americano se formó en los círculos anarquistas neoyorquinos y esto va a marcar su obra que tiene una importante carga crítica. Su obra deriva hacia el montaje fotográfico y los readymade (objetos). Las referencias sexuales están también presentes en su obra como en Pisapapeles de Priapo. -Su obra va a derivar más tarde hacia el diseño y la fotografía. Glass tears Man Ray, 1922, Untitled Rayograph, gelatin silver photogram, 23.5 x 17.8 cm Man Ray, 1919, Seguidilla, airbrushed gouache, pen & ink, pencil, and colored pencil on paperboard, 55.8 × 70.6 cm,. Man Ray, 1920, The Coat-Stand (Porte manteau), reproduced in New York dada (magazine), Marcel Duchamp and Man Ray, April 1921 2.3- FRANCIS PICABÍA (1879-1953). -Es el prototipo de pintor viajero y apátrida, con amplios contactos internacionales. -Se inicia en el Cubismo, más tarde conoce en 1910 a Duchamp y se verá influido por él. Francis Picabia: “Retrato de Marie Laurencin, 1916-17. Tinta y acuarela sobre cartón, 56 x 45 -Retrato de una chica americana en estado de desnudez es una obra irónica, se trata del dibujo de una bujía de automóvil, critica a la sociedad de su época y a la mecanización. -Utilizará mucho en sus cuadros las máquinas, dos máquinas son para él la alegoría de una relación amorosa como en Desfile amoroso. Francis Picabia:” He ahí a la mujer”, 1915. Acuarela, gouache y óleo sobre papel. 73 x 48. Francis Picabia:”Parade amoureuse, 1917. Óleo sobre lienzo, 96 x 73. 2.4- HANS ARP (1887-1966). -Experimenta con collages, al cuadro incorpora todo tipo de materiales, fundamentalmente papeles. -Más tarde añadirá otro tipo de materiales y acabará dando a la obra un toque más o menos escultórico. 3- El Surrealismo -Fue el movimiento artístico más importante del periodo de entreguerras -El surrealismo se deshizo como movimiento en 1944, debido a la Segunda Guerra Mundial, pero la tendencia surrealizante se extendió por todo el mundo y aún hoy sobrevive. -En España los grandes pintores de nuestro siglo: Picasso, Dalí y Miró, han participado del surrealismo. - Este estilo abre la puerta a lo irracional, lo imaginativo y fantástico en el arte, el mundo de los sueños y de las pesadillas, lo absurdo, en cierto sentido tiene conexiones o paralelismos con el Romanticismo y con el Dadaismo. -Precedentes de este estilo encontramos en: • El Bosco • Bruehel, • Goya, • Ensor... • Romanticismo • Dadaísmo • … -En 1924 un amigo de Tzara, el poeta André Breton, sacaba a la luz el Manifiesto del Surrealismo, junto con la revista La Revolution Surrealiste. -El nuevo movimiento planteaba no sólo el uso constante de la provocación y manifestaba la profunda insatisfacción por la realidad, sino que además, tenían la profunda convicción de que la razón no era más que un molesto corsé, otro límite artístico que impedía el desarrollo libre de la imaginación. -André Breton, teórico del surrealismo, tomó como punto de partida la obra clave de Sigmund Freud: La interpretación de los sueños, publicada en 1900 y llegó a la conclusión de que la única forma de romper las ataduras de la razón era tener acceso al subconsciente. -André Breton define el propósito de los artistas surrealistas en el Primer manifiesto del Surrealismo en 1924 de la siguiente manera: …“Creo que el encuentro futuro de estos dos estados, en apariencia tan contradictorios, como son el sueño y la realidad, en una especie de realidad absoluta, de surrealismo”. -Los poetas surrealistas encontraron el medio de penetrar en el subconsciente por varios caminos que constituyen a su vez técnicas surrealistas fundamentales: *El dibujo automático, como la escritura automática, consistía en dibujar o escribir sin lógica, moviendo libre e incontroladamente la mano y el pincel. *Otra técnica surrealista es la desorientación-reflexiva, mediante la cual se fijaban las imágenes surgidas del subconsciente, plasmando en espacios perfectamente lógicos objetos extraños entre sí. *Acudir directamente al subconsciente por medio de las drogas *Practicando juegos creativos, como el “cadáver exquisito” en el que cada uno de los participantes escribía en un panel una palabra sin saber cual iba a escribir el anterior o el posterior. El juego se bautizó así porque la primera frase lograda por tal juego decía “El cadáver exquisito beberá el vino nuevo". -Características comunes a todos estos pintores: 1-Animación de lo inanimado. 2-Metamorfosis. 3-Confrontación de objetos y elementos incongruentes. 4-Perspectivas vacías. 5-Evocación al caos. 6-Aislamiento de fragmentos anatómicos. 7-Máquinas fantásticas, autómatas, maniquíes… 8-Relación erótica entre el desnudo y la máquina. 9-La presencia del tema erótico. 10-Desde el punto de vista técnico añadieron algunos métodos a los ya utilizados por el Dadaísmo como el frottage o pintura fortuita producida por el roce de algún objeto, y la decalcomanía (técnica pictórica que consiste en aplicar pintura sobre un papel, al que se le coloca encima otro, se ejerce una ligera presión y luego se despegan antes de que se seque la pintura). 11-Una faceta curiosa de estos autores es la ruptura no sólo de la consciencia sino también de las convenciones humanas, de ahí la excentricidad de muchos de ellos como Dalí, uno de los más geniales provocadores, un prodigio de automatismo irracional. 12-En general su temática gira entorno al mundo de los sueños (mundos oníricos); de los fenómenos subconscientes tapados por la consciencia, la influencia de Freud y el psicoanálisis no puede ser más clara. -A finales de los años treinta fueron acogidos con frialdad, pero tras la II Guerra Mundial la crítica entendía ya un arte que repudiaba lo racional. -Dentro del Surrealismo se mueve un gran número de autores, algunos fueron temporalmente surrealistas, otros permanecieron: *Dalí, *Marc Chagall, *Duchamp (lo habíamos visto antes como dadaista), *De Chirico, *Magritte, *Miró... -Dentro del surrealismo existen dos modalidades distintas de representación: *Línea objetiva de la que participan las obras que imitan formas de la realidad mediante una técnica casi fotográfica. *Línea antiobjetiva que son realizaciones más o menos abstractas y que no reproducen las formas naturales. Indefinite Divisibility. Yves Tanguy, 1942 3.1- SALVADOR DALÍ (1904-1988). -La diferencia fundamental entre Salvador Dalí (1904-1989) y los restantes surrealistas, como René Magritte o de Chirico, estriba en el hecho de que este pintor es el único de ellos que hacia los años 30 se comercializó y perdió todo interés para este movimiento. -Sin embargo, su periodo surrealista es de los más perfectos y se caracteriza por la invención de un método prospectivo que él definió como "actividad paranoico-crítica" consistente en despojar a los objetos de su significación convencional, ablandándolos o cubriéndolos de putrefacción, hasta dejarlos en un estado de identificación con el mundo irracional. -Dalí utiliza para conseguir sus fines una técnica muy minuciosa y elaborada, llena de elementos reales pero unidos de forma irracional e inconexa, tal y como puede apreciase en Placeres Iluminados. Esta obra es de una factura minuciosa de lo concreto y de un dibujo magnífico, pero de caótica composición. Con muchas cosas concretas y reales podía crear una composición irreal. -Fue amigo de Buñuel, de García Lorca ... En 1929 se encontró con Gala, su compañera. -En su vida podemos distinguir varias etapas: a) Hasta 1928, su vida se desarrolla en Figueras, Madrid y Cadaqués. Es su etapa inicial y conoce el Postimpresionismo, el Cubismo... Pierrot tocando la guitarra Dalí , recién llegado de Figueras con 18 años a la Residencia de Estudiantes. allí pintó sus primeros cuadros cubistas, directamente influenciado por las nuevas corrientes surrealistas que comenzaban a despuntar fuera de las fronteras b) De 1929 a 1945, su obra se centra en París, es la etapa más surrealista de su creación. Con la llegada de la madurez y su viaje a París, Dalí conocerá a los principales exponentes del surrealismos y del cubismo, entre ellos a Picasso. Es entonces donde comienza su etapa más fructífera, mística y nuclear. Sus cuadros serán una constante búsqueda de la novedad plástica, mientras que sus temáticas serán siempre el reflejo de su alma. Este binomio dará lugar a piezas tan importantes como La persistencia de la memoria. Será también una etapa de cambios personales, puesto que la relación con su padre se enfriará tras el comienzo del romance con Gala, a la cual retratará en muchas de sus obras. https://www.youtube.com/watch? v=mOHC8PC0nC0 Salvador Dali "La persistencia de la memoria" -De este período también destacará su colaboración escenográfica con Federico García Lorca, en la obra teatral Mariana Pineda. Realizará junto a Luis Buñuel la a reconocida obra surrealista Un perro andaluz. c) Con el estallido de la Guerra Civil española y de la Segunda Guerra Mundial se alejará de España, alcanzando su madurez pictórica en los Estados Unidos, donde triunfará como personaje excéntrico y peculiar. De esta etapa veremos cuadros relevantes, no tanto por su técnica sino por su significado, como El estigma de Hitler y El gran masturbador. Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar Salvador Dalí – Niño geopolítico observa el nacimiento del hombre nuevo Premonición de la Guerra Civil (1936) Asimismo, encontramos sus primero retratos, donde puede verse el sublime cuadro de su hermana, Ana María, posando para él arrimada a una ventana. Un cuadro que posteriormente el pintor versionará una vez que encuentre a su otra gran musa, Gala, y comience a tener diferencias con su familia. A continuación, la comparativa entre Muchacha en la ventana, de 1925, y Joven virgen sodomizada por su propia castidad, de 1954. d) De particular relevancia en cuanto a la evolución de su obra resulta el viaje que realizó a Italia en 1937; tras el contacto directo con los clásicos, adquirió cierto gusto por los temas religiosos y por una técnica más academicista, que durante mucho tiempo seguiría aplicando, no obstante, a lo onírico y extraño. La última cena (1955, National Gallery, Washington). Pueden destacarse, entre otros muchos ejemplos, lienzos como Madonna de Port Lligat (1950, Museo Minami, Tokio), como Madonna de Port Lligat Crucifixión (1954, Museo Metropolitano, Nueva York) y La última cena (1955, National Gallery, Washington). e) En 1948 regresó a España, fijando su residencia de nuevo en Port Lligat y hallando en el régimen del general francisco Franco toda suerte de facilidades. Sueño de Cristóbal Colón de 1959. El gobierno incluso declaró aquel rincón catalán que tanto fascinaba al pintor "Paraje pintoresco de interés nacional". Para muchos historiadores del arte lo mejor de su obra ya había sido realizado y, sin embargo, aún le quedaban cuarenta años de caprichosa producción y de irreductible endiosamiento y exhibicionismo. Sus últimas obras se centran en temas históricos como su Sueño de Cristóbal Colón de 1959. -Desde 1982, coincidiendo con la muerte de Gala, abandona prácticamente la pintura. -Para apreciar su carácter, su obra y su espíritu es aconsejable una visita al Museo Dalí de Figueras. https://www.youtube.com/watch ?v=hlVheDQUCAc Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria [Documental 1/8] 8 cap de 10min https://www.youtube.com/watch ?v=pw0zH_JdHRY Draw my Life - Salvador Dalí 8min 3.2- JOAN MIRÓ (1893-1983). -Joan Miró es considerado una figura de influencia decisiva en el Surrealismo, principalmente, por su interpretación personal y única, de este estilo. Esa influencia se extendió a muchos de los artistas posteriores. Es un nombre indispensable para el arte del siglo XX, tanto en pintura como en escultura o como ceramista. -Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp. -De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos. "Retrato de una niña" (1918) "Calle de Prades" (1917) -Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso y a algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. -Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. -En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior. "La mujer del granjero" (1922-1923) -Otra obra es La Masía, con caracteres muy poéticos y subjetivos. Para Breton, Miró es el verdadero líder del movimiento surrealista. -Miró recurrió al dibujo infantil y a los enigmáticos símbolos del neolítico para crear una obra agresiva y poética a la vez. -En su obra el color es alegre, vivo, emotivo. La masia (1922) Descripción: Óleo sobre lienzo. 132 x 147 cm. Localización: National Gallery of Art. Washington Autor: Joan Miró -En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra. -Un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra: • Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los Ballets Rusos. • Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. • Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho. "Interior holandés " (1928) "Composic ión" (1933) -Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico (El carnaval del arlequín). -La otra gran influencia de la época vendría de la mano de Paul Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos. Carnaval en las montañas (1924), de Paul Klee El carnaval del arlequín (1925) -En El perro ladrando a la luna ha desaparecido la descomposición de planos que hace el Cubismo, estilo al que había llegado pese a su formación impresionista y la influencia fauvista, la luna, el perro y la escalera aparecen flotando en la noche, son producto de un sueño. -La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. Constelaciones Cabeza de mujer -En 1937 realiza murales para el pabellón de la República Española en la Exposición Universal de París, así como el Cartel en ayuda de la República Española, para este mismo pabellón realizó Picasso El Guernica. -Elabora también esculturas y cerámicas con temas de pájaros. "El Payés catalán en rebeldia" (1937) de Joan Miró. “El Payés catalán en rebeldía" (1937) de Joan Miró. -Decía que la inspiración le venía tras un shock y entonces pintaba maquinalmente, en estado de alucinación, de esta época son sus dibujos que nos recuerdan garabatos infantiles. -Se le etiqueta normalmente como surrealista toda su obra, pero tuvo solamente una etapa, muchas de sus más conocidas obras son abstractas, entre las obras pertenecientes a este movimiento tenemos Mujer, pájaro y estrella. -En 1950 realiza los mosaicos-murales del Palacio de la UNESCO de París. Muro de la luna, 1955-1958. Mural de cerámica, 7,50 x 2,20 m -Desde 1956 vivió en Mallorca, allí sigue con su obra pero se centra en litografías, cerámica. -En su última época el color en sus cuadros se reduce muchísimo. -Fue junto con Picasso y Dalí uno de los mejores pintores españoles de este siglo. El carnaval del arlequín (1925) https://www.youtube.com/watch?v=Sjk6oQdQUC4 El mejor documental Joan Miró Project Oeuvre 3.3- MARC CHAGALL (1887-1985). -Es de origen ruso pero desarrolló casi toda su producción en París. -Pasó por varios estilos sin adentrarse totalmente en ninguno. -Sus cuadros tienen algunas zonas figurativas y otras de manchas de colores. -En sus obras no suele aparecer la perspectiva, esto es debido quizá a la influencia cubista. -Los temas más frecuentes que va a pintar son campesinos rusos con sus útiles de labranza cuidando unos animales que por su expresión parecen humanizados. -En Yo y la aldea evoca poéticamente su infancia, los elementos reales de sus recuerdos son transformados por los sueños, dentro de la cabeza de la vaca aparece la lechera ordeñando, esto es también por influencia cubista. Las bóvedas de la Ópera de París. París a través de la ventana. https://www.youtu be.com/watch?v=x zuRxVeeveI Marc Chagall - El camino de la poesía 'El Cumpleaños' 'La María' 'Sobre la Ciudad 3.4- RENÉ MAGRITTE (1898-1967). -Pintor belga. -Durante un primer período la obra de Magritte estuvo fuertemente influida por la figura de Giorgio De Chirico y por la atmósfera misteriosa de sus pinturas. Golconda -Más tarde entró en contacto con la vanguardia parisina del momento, presidida por André Breton, y comenzó a desarrollar un surrealismo que iría evolucionando con los años hacia un estilo muy personal, cuyos símbolos giran con frecuencia alrededor de la relación entre el lenguaje y sus objetos. El modelo rojo -Contrario ya al automatismo, su pintura se hizo reflexiva y minuciosa, y se caracterizó sobre todo por la asociación de elementos disímiles entre los que establece ingeniosas analogías o nexos insólitos y disparatados, pero convincentes dentro de la realidad pictórica. Así, sus referencias se van haciendo cada vez más intelectualizadas, hasta el punto de que muchas de sus obras deben leerse en relación con las tesis del estructuralismo. Son habituales en sus cuadros los juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones. Los valores personales. 1952 Serezade -Los cuadros de Magritte no son revelaciones oníricas ni jeroglíficos cuyo sentido hay que descifrar. Obras como Tiempo pasado (1939, Art Institute, Chicago) no ilustran nada en concreto; en ella no hay nada más que la magia de una locomotora suspendida en una chimenea que actúa como túnel. -No hay otro enigma en Los amantes (1928), Colección privada, Nueva York) que el de sus rostros desconocidos, aludiendo quizá a la imposibilidad de saber quién es el otro. Magritte manipula imágenes cotidianas como un juego con el que quiere devolvernos la frescura de la mirada. Igualmente fantástica es la noche de oscuridad impenetrable que rodea una casa recortada contra un cielo misteriosamente luminoso en El imperio de la luz (1953-1954, Colección Peggy Guggenheim, Venecia). https://www.youtube.com/watch ?v=atHQpANmHCE What Is The Treachery of Images? -En el cuadro Esto no es una pipa (1928) muestra el equívoco que subyace en la formulación de la pintura como representación de la realidad, y evidencia el desfase entre el lenguaje y la cosa que designa poniendo en cuestión la equivalencia entre la palabra y la imagen, y entre ésta y el objeto. La breve emoción de este descubrimiento es lo que Magritte nos ofrece como maravilloso, porque para la construcción de lo fantástico no hacen falta grandes alardes imaginativos; basta con la violación de las leyes que rigen el orden común poético de las cosas, con cuestionar la solidez de los principios, siempre convencionales y estereotipados, sobre los que construimos nuestra existencia cotidiana. -Magritte parodió además en ocasiones cuadros célebres, creando de los mismos una especie de versión surrealista. Un conocido ejemplo es Madame Récamier de David (1949, colección privada), en el que copió el conocido retrato de Jacques Louis David substituyendo a la señora Récamier por un ataúd colocado en su misma pose. La llave de los campos (1936), El hijo del hombre (1964). Los compañeros del miedo (1942) https://www.youtu be.com/watch?v=9 OusQZtF-Fc Monsieur Rene Magritte Español QyKHQ0hyGug 35min -En el año 1965 recibió el reconocimiento internacional de la obra de Magritte, gracias a una exposición realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Sin duda alguna Magritte constituyó un hito de la historia del arte del siglo XX. Tal es el caso, que la cultura pop supuso un nuevo redescubrimiento de la figura y la obra de Magritte y actualmente está vigente. -Su obra ha tenido influencia no solo en el arte sino en el cine y la música. Ejemplo de ello es la portada del Grupo Jeff Beck en el álbum llamado Beck- Ola donde aparece la obra de Magritte La Sala de Escucha (1954). Por otro lado, en el comic número 41 de Dylan Dog, aparece la obra de Golconda (1953). https://www.youtube.com/watch?v=KDXOzr0GoA4 Jain - Come (Official Video) 3.5- GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978). -Nacido en Grecia de padres italianos, estudió a partir de 1906 en Munich, donde conoció la filosofía alemana. - Está considerado el padre de la Escuela Metafísica junto a Carrà, movimiento que fue la antesala del surrealismo. -En 1910 se trasladó a París. No se interesó por las diversas corrientes de vanguardia que se desarrollaban en la capital francesa y se mantuvo ajeno a ellas durante toda su vida. *El contemplador. 1976 Las musas inquietantes, 1947 -Fue en París donde comenzó una búsqueda autónoma de soluciones pictóricas, que no tardó en desembocar en un empleo peculiar de arquitecturas y maniquíes para definir un espacio intemporal y solitario que resulta extraño y misterioso; las arquitecturas (Melancolía otoñal) no cumplen la función de definir el espacio, sino la de acentuar el vacío y la soledad; los maniquíes (El gran metafísico, Héctor y Andrómaca) representan al hombre-autómata contemporáneo. Canto de amor *La Escuela metafísica La incertid umbre del poeta, 1913 3.5- MAX ERNST (1891-1976). -Procede del Dadaismo, realizará obras como -Pintor y escultor alemán. Formó parte del movimiento dadaísta de Colonia, aunque desde 1919 ya realizaba asociaciones en sus obras que pueden considerarse surrealistas. Napoleon in the Wilderness, 1941, The Museum of, Modern Art, New York, 2013 The Robing of the Bride (Detalle), 1940, Peggy Guggenheim Collection, -Ernst practicó diversas y originales técnicas pictóricas, siempre dentro de la estética de lo absurdo y dictadas por el automatismo característico del surrealismo. Empleó durante toda su vida el procedimiento del collage. -Algunos frottage realizados por Marx Ernst. -En 1926 descubrió el grattage, al raspar la pintura aún húmeda sobre el lienzo, colocado previamente sobre una superficie rugosa y rica en texturas como la de las piedras, conchas, maderas… -Fruto de este experimento surgieron algunas de las series más representativas del artista, como las dedicadas a los bosques o a los pájaros, sirva como ejemplo “Oiseaux rouges”, actualmente en el Museo Reina Sofía de Madrid. -Mediante el balanceo de una lata de pintura agujereada experimentó la técnica del goteo, claro antecedente del futuro dripping de Jackson Pollock. Experimentó con la La decalcomanía . Es una técnica pictórica que consiste en realizar con una técnica húmeda, por ejemplo el gouache, sobre ella se posa una hoja de papel y se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen. 3.6- YVES TANGUY (1890-1955). -Pintor surrealista francés. En 1923, luego de servir en la marina mercante y sin contar con estudios artísticos formales, se despertó su vocación al ver las obras de Giorgio de Chirico y comenzó a pintar. -Se integró al grupo surrealista en 1925 y participó en todas sus exposiciones más importantes. Desarrolló un estilo original, que recuerda el de Salvador Dalí, que presentaba extrañas figuras amorfas y objetos no identificables en paisajes yermos, con luz brillante y horizontes infinitos. Pese a sus suaves y esmerados detalles, sus pinturas poseen una calidad atemporal y onírica. Emigró a Estados Unidos en 1939. Dama ausente (1942), de Yves Tanguy "The Sensitive Layer" 1933 17.3 x 34.8 cm. private collection, Germany through birds through fire but not through glass by yves tanguy Indefinite Divisibility by Yves Tanguy, 1942; Oil on canvas. My life, black and white by yves tanguy https://www.you tube.com/watch ?v=T4lGPHYz4Sg El surrealismo El umbral de la libertad 58min Yves Tanguy. Vieil horizon 1928
