ARTE GRIEGO HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO Algunas preguntas previas Templo de Aphaia (Egina) ¿Qué significa “Clásico”? Diadúmeno, de Polícleto ¿Qué es la “Belleza”? ¿Clásico? ¿Clasicismo? El “arte clásico” es un concepto de la Historia del Arte que nos remite a la Antigüedad, época en la que se forjaron las bases formales y estéticas del arte occidental. Unos ideales a los que se volverá, de forma recurrente, en diferentes momentos de la historia, como comprobaremos a lo largo del curso. Pero quizás deberíamos plantearnos primero la siguiente pregunta: ¿qué entendemos por “clasicismo”? ¿Algo pasado de moda? ¿algo que representa un ejemplo o paradigma de perfección? ¿la encarnación de un ideal? El término “clásico” se utiliza con mucha frecuencia, pero en la Historia del Arte sólo hay un arte clásico, y éste nació y se formó en la antigua Grecia y tuvo su continuación en la época del Imperio Romano. El ideal de belleza platónico «¿Qué es lo que te impresiona cuando al mirar una cosa sientes interés, atracción, desbordante placer? La opinión general, atreveríame a decir, es que la relación de las partes entre sí y de aquéllas con el conjunto constituye la belleza sensible; es decir, que la belleza de las cosas que vemos, como la belleza de todo lo demás, se compone de simetría y proporción. Según este criterio, nada simple y desprovisto de partes puede ser bello, sólo un compuesto». PLOTINO El arte griego CONDICIONANTES HISTÓRICOS: • ¿QUIÉNES ERAN LOS GRIEGOS? • EL ESPACIO GEOGRÁFICO • EL TIEMPO HISTÓRICO • CLAVES DE LA CIVILIZACIÓN GRIEGA EL CONCEPTO DE “CLÁSICO” MANIFESTACIONES ESTÉTICAS ARQUITECTURA ESCULTURA ACARACTERÍSTICAS GENERALES: EL ORDEN ARQUITECTÓNICO CARACTERÍSTICAS GENERALES PRINCIPALES OBRAS ARQUITECTÓNICAS EVOLUCIÓN Y OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS Los condicionantes históricos: ¿quiénes eran los griegos? EL ESPACIO GEOGRÁFICO (LA HÉLADE) ANTECEDENTES HISTÓRICOS (II - I Milenio a.C.): • LA CIVILIZACIÓN CRETENSE • LA CIVILIZACIÓN MICÉNICA • LAS INVASIONES INDOEUROPEAS (dorios, rodios y aqueos) LA HÉLADE LA COLONIZACIÓN GRIEGA EL IMPERIO DE ALEJANDRO MAGNO LOS REINOS HELENÍSTICOS EL TIEMPO HISTÓRICO: • LA POLIS ARCAICA (ss. VIII - VI a.C.) • LA POLIS CLÁSICA (ss.V-IV a.C.) • LA ETAPA HELENÍSTICA (ss. IV-II a.C.): del Imperio de Alejandro Magno a los reinos helenísticos LA INFLUENCIA DE EGIPTO Y EL PRÓXIMO ORIENTE El espacio de las civilizaciones cretense y micénica El origen histórico de los griegos se remonta a los grandes movimientos de pueblos que se produjeron en la llamada Edad del Bronce (entre el II y el I milenio antes de nuestra era). Las llamadas invasiones indoeuropeas trajeron a la península Balcánica a estas tribus, los aqueos. La civilización cretense La civilización micénica El espacio originario de los griegos Los griegos nunca constituyeron una nación o estado unitario en el sentido moderno del término. Se trataba más bien de un conjunto de tribus que tenían en común la lengua, la creencia en unos mismos dioses y mitos ancestrales, así como unos mismos antepasados. Es decir, compartían una misma cultura. Nunca llegaron a constituir un estado homogéneo y siempre estuvieron organizados políticamente en “polis” o “ciudades-Estado” independientes entre sí y, a menudo, rivalizando entre ellas en continuas guerras. El espacio originario de los griegos El espacio originario de los griegos El espacio originario de los griegos Características del espacio geográfico en el que nació la cultura griega: la Hélade es una península y, además, tiene un relieve muy accidentado y compartimentado. La península Balcánica se relaciona, asimismo, con multitud de islas en las proximidades, sobre todo en el Mar Egeo. El período arcaico: tiempo histórico y expansión del espacio originario El período arcaico (700-500 a.C.) es una época de formación, de tanteo y concreción de algunas de las formas que culminarán en la siguiente etapa. En estos primeros tiempos afloran y se perfeccionan, sobre el sustrato propio, las diferentes influencias que concurren en el arte griego: la de la civilización cretense, la civilización micénica y, sobre todo, las grandes civilizaciones orientales, especialmente la egipcia. Es una época en la que el arte evoluciona desde el geometrismo y la abstracción de raíz oriental hacia el naturalismo expresivo. Kourós griego arcaico La colonización griega (ss. VIII-VI a.C.) Factores: Un medio físico montañoso y fragmentado en más de 8.000 islas: escasez de tierras, acaparadas por la aristocracia. La vocación marinera y viajera de los griegos. Ello determinó un amplio movimiento migratorio por todo el Mar Mediterráneo, que se llenó de colonias griegas. La colonización griega (ss. VIII-VI a.C.) Allí, los griegos implantaron su civilización, que a veces se desarrolló más que en la madre patria (metrópolis). Así pues, al hablar de la civilización griega, nos referimos al amplio, diverso y rico mundo de la “civilización griega”. Esta civilización extendió su lengua, mitos, dioses…; su modo de vida, en definitiva, convirtiendo la cuenca mediterránea en el verdadero crisol de la civilización clásica. La colonización griega (ss. VIII-VI a.C.) El período clásico (siglos V-IV a.C.) El período clásico (s.V-IV a.C.) representa la culminación y perfeccionamiento de todas las manifestaciones artísticas griegas, tanto a nivel formal como técnico. El siglo V a.C. es el verdadero siglo de oro de la cultura griega. Coincide con el apogeo político, económico y cultural de las “polis” griegas, en especial Atenas. En estos años nace la “democracia” como forma de organización política del Estado. La decadencia política de las polis a lo largo del s. IV a.C., consecuencia directa de las guerras del Peloponeso, marca un cambio fundamental en el arte, que evoluciona hacia nuevas formas de expresión. El período helenístico: el Imperio de Alejandro Magno El imperio creado por Alejandro Magno (336-323 a.C.) hará posible la difusión de la cultura griega por un amplísimo espacio geográfico. Con la cultura griega viajaron sus formas artísticas y soluciones técnicas, que desde entonces se convirtieron en el referente estético indiscutible en toda la cuenca mediterránea. Para muchos historiadores, esta etapa está ya fuera de los límites cronológicos del arte griego, por considerar que sus resultados estéticos son distintos del arte griego clásico. El período helenístico: los reinos helenísticos Tras la prematura muerte de Alejandro Magno, el imperio se fragmentó en varios reinos donde la cultura griega siguió floreciendo en contacto con las culturas originarias de los territorios “helenizados”. El progresivo avance de Roma por el Mediterráneo oriental acabará integrando los reinos helenísticos en el vasto imperio romano. Con la fusión de estas dos grandes corrientes surge lo que se conoce como cultura clásica, fundamento de la civilización occidental. El mundo helenístico en el siglo I a.C. El resultado es, sin embargo, una civilización con caracteres y resultados unitarios. Y es el arte el mejor testimonio de ese pasado griego. Hoy, cuando viajamos, podemos encontrar un templo griego en la isla de Sicilia, un teatro en las costas de Turquía, o restos de la bella ciudad de Alejandría, en Egipto. Todos ellos son el mejor testimonio de aquella civilización que legó a la Humanidad un ideal de belleza que hoy, casi veinticinco siglos después, seguimos considerando clásico. Claves de la civilización griega UNA COMUNIDAD DE CIUDADANOS LA POLIS O CIUDAD-ESTADO. EL CIUDADANO LIBERTAD INDIVIDUAL E ISONOMÍA. LA DEMOCRACIA. IMPORTANCIA DEL INDIVIDUO • Escuelas locales (época helenística) CONCIENCIA DEL ARTISTA Pericles ANTROPOCENTRISMO “El Hombre es la medida de todas las cosas” (Protágoras) • Figura reconocida • Trabaja en su polis, fundamentalmente • Técnica e investigación, al servicio del arte Claves de la civilización griega UNA RELIGIÓN HUMANIZADA DIOSES Y HÉROES HUMANIZADOS (los griegos crean a sus dioses a su imagen y semejanza) NO HAY UN CLERO PROFESIONAL: • Libre albedrío • La religión es un elemento cohesionador de la ciudad LA MITOLOGÍA: • Fuente de inspiración para el arte • Vínculo entre los griegos Estatua de la diosa Afrodita ICONOGRAFÍA Y PROGRAMA TEMÁTICO DEL ARTE • Dioses y héroes • El mito Los dioses griegos Los dioses griegos Claves de la civilización griega LIBRE EJERCICIO DEL PENSAMIENTO LA NATURALEZA ES CUESTIONADA A TRAVÉS DE LA OBSERVACIÓN, EL RAZONAMIENTO Y LA EXPERIENCIA (nacimiento de la Ciencia) EL NÚMERO, CLAVE ORDENADORA DEL MUNDO (Pitágoras) La diosa Atenea, pensativa LA BELLEZA ES ARMONÍA Y PROPORCIÓN (Platón) 1. CONTEXTO HISTÓRICO Aunque Grecia en la Antigüedad estuvo dividida en pequeños estados, la civilización griega tuvo caracteres unitarios. Los rasgos de conjunto son el racionalismo, el amor por la belleza entendida como suprema armonía entre las cosas, y el antropocentrismo, ya que consideraban al hombre medida de todas las cosas, de acuerdo con la máxima de Protágoras. El antropocentrismo influyó en la religión (los griegos eran politeístas y sus dioses tenían forma y actuaban como seres humanos) y en el arte, que buscó la medida y la proporción. El arte griego, no está apegado a la religión ni a la magia; es arte por el arte como ideal de belleza. 1. CONTEXTO HISTÓRICO Tras la invasión de los Dorios, que destruyeron el mundo micénico, Grecia entró en una época oscura, el periodo geométrico, que se extiende hasta el s. IX a.C. A partir del s.VIII comienza la Etapa Arcaica (siglos VIII y VI a.C.), cuya forma de organización política fue la polis oligárquica, pequeña ciudad estado gobernada por los aristócratas terratenientes. En esta época los griegos comienzan las colonizaciones por el Mediterráneo. Las polis griegas Expansión griega Colonia griega 1. CONTEXTO HISTÓRICO En la Etapa Clásica (siglos V y IV a.C.), Grecia siguió organizada en polis, en algunas de las cuales (Atenas, Corinto...) nació la democracia. A principios del s. V a.C. los griegos vencieron a los persas en las Guerras Médicas, y Atenas, bajo la dirección de Pericles, se convirtió en la capital de la democracia, la cultura y el arte. Sin embargo, a finales de este siglo, las Guerras del Peloponeso entre Esparta y Atenas sumieron a las polis en una crisis que aprovechó Filipo, rey de Macedonia, para unificarlas. Esparta La sociedad espartana Atenas La democracia ateniense Pericles 1. CONTEXTO HISTÓRICO Alejandro Magno, su hijo, conquistó el Imperio Persa, incluido Egipto. Con su muerte, en el año 323 a.C., se abrió la Etapa Helenística, que dura hasta la conquista por Roma iniciada en el siglo II a.C. La cultura griega se difundió por Asia y Egipto, territorios del imperio de Alejandro, a la vez que asimilaba elementos orientales. Imperio de Alejandro Magno 1. CONTEXTO HISTÓRICO El marco geográfico del arte griego es muy extenso debido a las colonizaciones. Encontramos restos artísticos en la Grecia continental e insular, en las costas de Asia Menor y en las colonias del Mediterráneo, es decir, en el sur de Italia y Sicilia, Ampurias, Marsella, etc. Este ámbito se amplió con las conquistas de Alejandro. Grecia, relieve 1. CONTEXTO HISTÓRICO Etapas: Período Arcaico, siglos VIII al VI a.C., desde el final de la llamada Edad Oscura hasta las Guerras Médicas (490-480 a.C.). Etapa Clásica, siglos V y IV a.C., desde las Guerras Médicas contra los invasores persas hasta el fin de la Guerra del Peloponeso (404 a. C.). Período Helenístico, desde finales del siglo IV a.C., a partir del reinado de Alejandro Magno (336-323 a. C.), hasta la conquista de Grecia por Roma, a mediados del II a.C. Introducción histórica al arte creto-micénico Cultura desarrollada a partir del III milenio a.C., y extendida por Asia Menor y por Grecia. Momento de apogeo en torno al II milenio a.C. Dividida en tres periodos minoicos (rey Minos): el más importante fue el Minoico medio (1600 a.C.). Hegemonía micénica a partir de 1450 a.C. Desaparición de la cultura creto-micénica en torno a 1250 a.C. Tras las invasiones dorias. (Guerra de Troya 1200 a.C.). Principales ciudades: En Creta: Knosos, Festos y Hagia Triada. En el Peloponeso: Micenas y Tirinto. Culturas minoica y micénica Arquitectura creto-micénica Primeras construcciones en madera, posteriormente, en piedra. Arquitectura megalítica. Sistemas arquitrabados. Empleo de la columna. Estructuras con gran complejidad: numerosas dependencias. Tipos principales: Palacios. Ciudades-fortaleza. Palacios cretenses Complicado conjunto de dependencias que se desarrollan laberínticamente en torno a un patio. Sistemas adintelados. Soportes: pilares cuadrados o columnas de fuste liso, de forma troncocónica invertida, con capitel con equino y ábaco cuadrado. Recubrimiento con pinturas. Palacios de Knossos, Festos y Hagia Triada. El palacio de Knossos El palacio de Knossos El palacio de Knossos El palacio de Knossos El palacio de Knossos Ábaco cuadrado Equino Fuste troncocónico invertido El palacio de Knossos El palacio de Knossos Ciudades-fortaleza en Micenas Construcciones militares defensivas en un periodo muy belicoso. Murallas ciclópeas: entradas monumentales, muros sólidos... Sistemas adintelados. Tumbas de tipo mediterráneo: Tirinto y Micenas (Puerta de los Leones). Cámara con corredor. Cúpula por aproximación de hiladas. Tesoro de Atreo. Vivienda (Megarón): cámara rectangular, con antecámara y pórtico: antecedente del templo griego. Micenas Micenas, Puerta de los Leones Micenas, Puerta de los Leones Micenas, tumbas Micenas, Tesoro de Atreo Micenas, Tesoro de Atreo Micenas, Tesoro de Atreo Origen del templo griego Era un lugar cerrado precedido por un PÓRTICO con dos columnas, de fuste en tronco de con invertido. Tenía una SALA PRINCIPAL con 4 columnas que sostenían el techo en el que se abría un lucernario cuadrado El mégaron prehelénico El mégaron prehelénico 2. ARQUITECTURA GRIEGA DECIR ARQUITECTURA GRIEGA ES DECIR “TEMPLO” ¿Qué podemos deducir sobre la arquitectura griega, a partir de esta imagen? La arquitectura griega LA ARQUITECTURA GRIEGA: EL URBANISMO FUNDAMENTOS DE LA ARQUITECTURA GRIEGA SISTEMAS CONSTRUCTIVOS EL TEMPLO GRIEGO TIPOLOGÍA DEL TEMPLO GRIEGO EL ORDEN DÓRICO LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS EL ORDEN JÓNICO EL ORDEN CORINTIO LAS GRANDES OBRAS DE LA ARQUITECTURA GRIEGA: LA ACRÓPOLIS DE ATENAS Antecedentes de la arquitectura griega Civilización minoica (Creta) •Palacios y ciudades •Arquitectura arquitrabada •Importancia de la columna •Paredes decoradas con pinturas de rico colorido •Plano urbano ortogonal. •Representaciones naturalistas •Frisos adornados con relieves. •Fortificación de las ciudades (acrópolis). •Uso de grandes sillares. •Columna con basa, fuste, equino y ábaco. Civilización micénica Precedente de la columna dórica Modelo para el templo griego •Muros ciclópeos. •Entradas adinteladas a las ciudades. •Casa micénica: mégaron (casa rectangular con pórtico de columnas). Rasgos generales de la arquitectura griega • Medida • Proporción BELLEZA • Equilibrio • Simetría • Armonía Escala humana El ser humano y su cuerpo son la base del arte griego. 2. ARQUITECTURA GRIEGA Aunque los griegos también construyeron algunas obras monumentales, su arquitectura se caracteriza por la medida y proporción, a escala humana, en aplicación del principio de que el hombre es la medida de todas las cosas. El material preferido es la piedra: mármol, caliza... Los sillares, tallados con mimo propio de los escultores, se disponen en hiladas regulares, a hueso, unidos con grapas metálicas. Arquitectura y ciudad: el urbanismo La ciudad griega era concebida como una obra de arte. Atención a las perspectivas, relación con la naturaleza y topografía (ejemplos: Acrópolis de Atenas y santuario de Delfos). El edificio es concebido como parte de un conjunto: lo que importa son sus valores plásticos dentro de ese conjunto. Estaba organizada y diseñada para el disfrute de sus habitantes. Escala humana. El arte ocupaba un lugar preferente en el bienestar ciudadano. Función pública (civil y religiosa): progresivamente se adecuará a las necesidades de la democracia. En la polis podemos distinguir diferentes zonas: Ruinas del Ágora de Atenas Acrópolis de la ciudad griega Arquitectura y ciudad: el urbanismo La ACRÓPOLIS era la parte alta de la ciudad, un recinto fácilmente defendible donde destaca el templo, dedicado a la divinidad protectora de la polis, y donde se guardaba sus tesoros. Arquitectura y ciudad: el urbanismo EL ÁGORA, plaza principal de la ciudad dedicada a la actividad pública (función política y comercial), en la que se hallan: Los edificios oficiales: Ecclesiasterón Bouleuterión Stoá Prytaneion Las construcciones recreativas (odeón, estadio, gimnasio, palestra, teatro) para el disfrute de los ciudadanos. Reconstrucción del ágora de Atenas. A su alrededor, junto a las casas de los aristócratas, vivían artesanos y comerciantes. Arquitectura y ciudad: el urbanismo El urbanismo griego En la época helenística muchas ciudades nuevas adoptaron el plano hipodámico u ortogonal, con el fin de racionalizar el espacio urbano. La ciudad se desarrolla en cuadrícula, es decir, con una trama ortogonal o con las calles en damero. Los modelos más antiguos fueron planificados por Hipodamos de Mileto en Grecia, de ahí que este plano se conozca como trazado hipodámico: un trazado caracterizado por la regularidad y claridad, modelo difundido desde el urbanismo helenístico y romano hasta nuestros días. 2. ARQUITECTURA GRIEGA "Quien investigue arquitectónicamente el templo griego, buscando en primer lugar una concepción espacial, tendrá que huir horrorizado, señalándolo amenazadoramente como típico ejemplar de no-arquitectura. Pero quien se acerque al Partenón y lo contemple como una gran escultura, quedará admirado como frente a pocas obras del genio humano (...). El mito que hace de Fidias más que de Ictinos y Calícrates, el ideador del Partenón, parece simbolizar el carácter meramente escultórico de la edilicia religiosa griega en el curso de siete siglos de desarrollo.” La arquitectura griega Fundamentos de la arquitectura griega Se rige por los mismos principios que hemos visto para el urbanismo: Conjuntos proporcionados. Arquitectura (el templo) para ser vista, contemplada. El edificio se concibe como una escultura. La belleza es, ante todo, proporción y medida (la antítesis del colosalismo egipcio). Armonía visual. A esa importancia de la armonía se El edificio fundamental y debe la aparición de los órdenes. materialización de los ideales estéticos Concebida desde la dimensión griegos es el Templo, concebido como humana (por y para el hombre), residencia del dios, no como un lugar aunque pueda servir para honrar a de oración o recogimiento para los fieles; los dioses. de ahí que su concepción del espacio interior carezca de relevancia arquitectónica: lo que importa es la concepción del espacio exterior, su volumen. Fundamentos de la arquitectura griega El modo en que estaban organizadas las polis griegas no facilitó el desarrollo de una arquitectura palaciega. Sí permitió, sin embargo, el desarrollo de otros edificios: teatros, santuarios, gimnasios, etc., que combinan los ideales de belleza con soluciones prácticas de primer orden. Teatro de Epidauro Teatro de Atenas Reconstrucción del Ágora de Atenas Sistemas constructivos Adintelada o arquitrabada, de apariencia equilibrada y serena (aunque conocían el arco y la bóveda). La columna (stylo) es el elemento plástico característico; su tratamiento (como una forma estética, más que de sustentación) determina la creación de los tres órdenes arquitectónicos griegos. Los materiales constructivos utilizados fueron la piedra arenisca, la caliza y, en la época clásica, el mármol blanco del Pentélico. Las construcciones se policromaban de rojo, azul, dorado… Templo de Atenea Niké Erecteion La edilicia griega El aparejo de los muros se hace con sillares de tipo isódomo, perfectamente cortados y uniformes, dispuestos a soga y tizón, sin ningún tipo de argamasa, cogidos con grapas de hierro. 2.1. Estructura arquitectónica Los edificios griegos son arquitrabados: están construidos utilizando los órdenes. Un orden arquitectónico es un conjunto de tres elementos pedestal, columna y entablamento- cuyas formas, proporciones y decoración se disponen según normas fijas. 2.1. Estructura arquitectónica Llamamos orden arquitectónico a un conjunto formado por tres elementos: pedestal, columna y entablamento. El pedestal o crepidoma consiste en un basamento escalonado donde se sitúa el edificio. Los escalones inferiores se denominan estereóbatos y el superior estilóbato. La columna es estriada, con acanaladuras en su fuste, y suele estar formada por tambores que se engarzan mediante encajes de plomo. En la parte alta de la columna se sitúa el capitel. El entablamento reposa sobre el capitel. Está formado por el arquitrabe, el friso y la cornisa. Por último, el frontón triangular donde se ubica la escultura exenta. El edificio se remata con acróteras y gárgolas. Partes del templo griego Tejado a dos aguas Entablamento Acrótera Naos Frontón Pronaos Crepidoma La aparición de los órdenes En los templos griegos no hay dimensiones fijas, sino relaciones fijas de proporción entre las diferentes partes del edificio. La búsqueda de la armonía visual del edificio, basada en la medida y la proporción, condujeron a los griegos a la creación del “ORDEN ARQUITECTÓNICO”. El orden es la articulación de las partes fundamentales del edificio en una serie de elementos, dotados de función y formas determinados, unidos por reglas fijas de proporción. La aparición de los órdenes Cada orden consta de tres partes: Entablamento: es la Parte sustentada del edificio Soporte: el elemento Vertical de sustentación Es la columna (stylo). Basamento: es la parte inferior y se divide en escalones, siendo el superior el estilóbato. 2.1. Estructura arquitectónica El orden dórico Es el más sobrio y sus proporciones son las más robustas; por ello se le considera masculino. Nació en la Grecia peninsular, la tierra de los dorios. Origen del orden dórico «(Ión) conquistó el territorio de Caria y fundó allí ciudades grandiosas... Estas ciudades, después de haber expulsado a los carios y a los Lélegos, llamaron Jonia a esta parte de la tierra a partir del nombre de su jefe lón y, después de haber señalado recintos consagrados a los dioses inmortales, empezaron a edificar templos. El primer templo.. que vieron construido así estaba en una ciudad de los dorios. Como quisieron poner columnas en este templo y no tenían la medida de las proporciones, investigaron cómo hacerlas para que no sólo fuesen aptas para soportar la carga, sino que también fuesen de aspecto agradable por sus proporciones. Midieron la huella de un pie humano y la relacionaron con su altura. Cuando supieron que el pie era la sexta parte de la altura de un hombre, transfirieron esta relación a la columna. Hicieron la altura del fuste, incluido el capitel, seis veces mayor que la anchura de su base. Así fue cómo la columna dórica aportó a los edificios las proporciones de un cuerpo varonil y su solidez y belleza». 2.1. Estructura arquitectónica El orden dórico La disposición de la columna (elemento arquitectónico sustentante) es: Carece de basa; se apoya directamente sobre el estilóbato, el último escalón del crepidoma. El fuste está formado por tambores, perfectamente ajustados. Su diámetro mengua desde el estilóbato al capitel y tiene un ligero éntasis o abombamiento en su tercio inferior. En la columna encontramos una relación proporcional entre el radio del primer tambor de la base (que sirve de módulo) y su altura. Este canon se mantiene con escasas variantes, de modo que la altura de la columna dórica oscila desde los 10 módulos de la época arcaica hasta los 14 de los templos clásicos. Por último, el fuste tiene también una serie de acanaladuras o estrías en arista viva, cuyo número varía de 14 a 26. El capitel consta de una o varias molduras finas, el collarino; una moldura convexa de sección semicircular, llamado equino; y un paralelepípedo de base cuadrada, el ábaco, sobre el que descansa el entablamento. El orden dórico 2.1. Estructura arquitectónica El orden dórico El entablamento (elemento sostenido), se compone de tres partes: arquitrabe, friso y cornisa. El arquitrabe, el dintel, está formado por bloques horizontales de piedra lisa. El friso, que se dispone sobre el arquitrabe, consta de triglifos y metopas. Los primeros son bloques rectangulares recorridos por una triple acanaladura vertical y con gotas en su base; entre ellos se colocan las metopas, pequeñas losas, también rectangulares, que suelen tener relieves decorativos. El número de triglifos de cada fachada es el doble que el de columnas, menos uno; las metopas son el doble que las columnas menos dos. La cornisa es saliente, de perfil rectangular y tiene en su parte inferior unas tabletas aplanadas llamadas mútulos, rematados también por gotas. El tejado es a doble vertiente y forma dos triángulos, frontones, en las fachadas del templo. El orden dórico Tímpano Frontón Cornisa Friso dividido en triglifos y metopas Arquitrabe o dintel liso Capitel sencillo (compuesto por un ábaco y un equino) Fuste estriado y con arista viva (no es un bloque monolítico, sino que está dividido en piezas; cada una de las cuales se llama “tambor”. Sin basa (el fuste descansa sobre el stilóbato) El orden dórico FRONTÓN TÍMPANO CORNISA FRISO ARQUITRABE CAPITEL FUSTE ESTILÓBATO El orden dórico 2.1. Estructura arquitectónica El orden jónico Nació en las costas de Asia Menor. Es de mayor esbeltez y apariencia más ligera que el dórico, y se le consideraba femenino. Origen del orden jónico «Cuando decidieron levantar un templo en honor de Diana, inventaron un nuevo estilo, dándole esbeltez al aplicar la misma proporción que para el estilo anterior, pero ahora la relacionaron con las pisadas de una mujer. Hicieron que la anchura de la columna fuera la octava parte de su altura, para que tuviera un aspecto más grácil. Después pusieron en su base un anillo a manera de calzado, y en el capitel colocaron como cabellera unos bucles rizados que le caían a derecha y a izquierda, y con ondas y guirnaldas adornaron la frente como si llevara flequillo. A lo largo de todo el fuste marcaron estrías como si fueran los pliegues de las estolas que llevan las matronas. Así hicieron el modelo de los dos estilos de columnas, uno de belleza severa, sin adornos, varonil, y el otro con la figura, la ornamentación y la proporción femenina... Y como los primeros que lo usaron fueron los jonios, se le llamó estilo jónico». 2.1. Estructura arquitectónica El orden jónico La columna: Tiene basa. La más usual es la llamada ática que combina dos molduras convexas (toros) y una cóncava (escocia). Su fuste no tiene éntasis y se halla recorrido por 24 estrías en arista muerta o pulida. La altura oscila entre 16 y 21 módulos. El capitel está formado por collarino, equino con dos grandes espirales o volutas a los lados, y un ábaco reducido. El equino se suele decorar con ovas, mientras que las volutas y el ábaco llevan frecuentemente decoración de perlas. El entablamento está compuesto por un arquitrabe dividido en bandas en resalte (llamadas platabandas), un friso, liso o con relieves, y la cornisa con los frontones. El orden jónico Friso, decorado Con relieves Arquitrabe (dividido en 3 franjas Horizontales escalonadas) Capitel con 2 volutas, (Decorado con una línea De ovas y un cordón de Perlas) Fuste cilíndrico estriado (monolítico, de una Basa pieza) ática (consta de dos toros Separados por una escocia) El orden jónico 2.1. Estructura arquitectónica El orden corintio Surgió tardíamente, en el V a.C., y se impuso en la etapa helenística. Es una variedad del orden jónico. El capitel tiene como decoración una doble fila de hojas de acanto en la parte inferior, y en la superior rosetas y hojas grandes enroscadas, los caulículos. Un ábaco sirve el apoyo al entablamento. Origen del orden corintio «El tercer estilo, llamado corintio, imita la esbeltez virginal, porque su forma recuerda los adornos más bellos de una doncella, representada con los miembros más esbeltos a causa de su tierna edad. Cuentan que el descubrimiento de este capitel fue así.- una doncella de Corinto, ya en edad de casarse, se puso enferma y murió.. Su nodriza cogió los juguetes con los que la muchacha jugaba cuando estaba viva, los colocó en un cestito y, llevándolo a su tumba, lo puso encima y, para que todo aquello se conservase más tiempo al aire libre, lo tapó todo con un ladrillo. Este cestito quedó colocado por casualidad encima de una raíz de acanto. Más tarde, la raíz de acanto, a pesar de tener encima este peso, en primavera sacó hojas y brotes, y estos brotes, creciendo por los lados del cestito y por los costados del ladrillo, doblaron por el peso en sus extremos superiores formando volutas». El orden corintio El orden corintio El Orden Corintio tiene basa y el fuste es muy esbelto. El capitel tiene pequeñas volutas, y entre ellas presenta hojas de acanto. Se acentúan los elementos decorativos en el friso y la cornisa. El más ornamental de los cinco órdenes clásicos, desarrollado por los griegos en el siglo IV a.C., pero empleado con mayor profusión en la arquitectura romana. Similar en muchos aspectos al orden jónico, pero generalmente de proporciones mas estilizadas y caracterizado especialmente por un capitel en forma de campana profunda, decorado con hojas de acanto y un ábaco con lados cóncavos. Comparación órdenes arquitectura Comparación órdenes arquitectura Las cariátides y atlantes Otro tipo de soporte utilizado en Grecia. Se sustituyen las columnas por esculturas femeninas, generalmente cuando soportan entablamentos jónicos. Si las esculturas son masculinas se denominan atlantes. Cariátides 2.2. Elementos decorativos El edificio griego se decora con: Relieves y esculturas en las metopas dóricas, en los frisos jónicos y en los frontones. A veces en las columnas jónicas, en sustitución de los fustes, encontramos figuras de mujer, llamadas cariátides. Motivos seriados, como rosetas, palmetas, ovas, perlas, grecas..., adornando las molduras. Acróteras, es decir, figuras de monstruos en las cornisas. Las gárgolas, canalones en forma de cabezas de animal que disimulan los desagües en las cornisas. También tuvieron policromía, aunque ha desaparecido. Decoración de un templo griego 2.3. Correcciones ópticas Para evitar las sensaciones deformantes producidas por la vista humana y conseguir que la apariencia de los edificios fuese armónica y perfecta, los griegos aplicaron, sobre todo en época clásica, una serie de correcciones ópticas de las que el ejemplo arquetípico es el Partenón: El crepidoma está milimétricamente abombado. Las columnas no son todas iguales, sino que las del centro de la fachada tienen unos centímetros más de altura que en las esquinas. Como consecuencia, las líneas horizontales del entablamento no son rectas, sino ligeramente curvas en la parte central. La distancia entre las columnas es menor en las esquinas. Las columnas se inclinan ligeramente hacia el interior, para evitar la sensación visual de que se abalanzan hacia el espectador. Las columnas de los ángulos son más gruesas porque de no ser así parecerían más pequeñas. El fuste del orden dórico tiene éntasis, para evitar que parezca estrecharse en el centro. En el orden jónico, los capiteles angulares son algo diferentes para no romper la armonía. Correcciones ópticas de El Partenón 2.4. Tipos de edificios La práctica totalidad de la arquitectura griega estaba destinada a ubicarse en un marco urbano. Las principales ciudades griegas tenían una serie de edificios y lugares que revelan la importancia concedida a la vida ciudadana y comunitaria: los más importantes eran el templo, el teatro y el ágora o plaza pública. 2.4. Tipos de edificios Los templos El edificio más representativo, el arquetípico del arte griego, fue el templo. Era la casa en que se guardaba la imagen del dios. Los fieles, aunque podían acceder libremente al interior del templo, no se reunían allí para las ceremonias del culto, sino que éstas se celebraban en el exterior ante un altar. El templo griego Origen del templo griego Los orígenes: el megarón prehelénico, construido de madera. La fachada es el elemento principal del templo, donde se crean los llamados órdenes arquitectónicos. Origen del templo griego El MEGARÓN Micénico Era la parte principal de un palacio, destinado a actos religiosos y políticos. Era un lugar cerrado precedido por un pórtico con dos columnas, de fuste en tronco de con invertido. Origen del templo griego Era un lugar cerrado precedido por un PÓRTICO con dos columnas, de fuste en tronco de con invertido. Tenía una SALA PRINCIPAL con 4 columnas que sostenían el techo en el que se abría un lucernario cuadrado El mégaron prehelénico 2.4. Tipos de edificios Los templos La planta más frecuente era la rectangular, derivada del mégaron. Tiene columnas exteriores: si se limitan únicamente a la fachada principal, el templo es próstilo; cuando las tiene en el frente y en la parte posterior es anfipróstilo; si las hay alrededor de todo el templo es períptero; y es díptero, si tiene doble hilera de columnas en su torno. Por el número de columnas de la fachada, el templo puede ser dístilo, tetrástilo, hexástilo, octástilo... También usaron, aunque excepcionalmente, la planta circular rodeada de columnas (templo monóptero). Partes del templo griego Partes del templo griego Tejado a dos aguas Entablamento Acrótera Naos Frontón Pronaos Crepidoma Templos según la disposición de las columnas Templos según la disposición de las columnas Templos según la disposición de las columnas Tipología del templo según el número de columnas en la fachada Octástilo: ocho columnas Tetrástilo: cuatro columnas. Hexástilo: seis columnas. 2.4. Tipos de edificios Los templos El interior del templo rectangular suele tener tres partes: pronaos o vestíbulo, naos o cella (sala de la estatua), y opistodomos, la cámara para guardar las ofrendas. Planta tipo de templo griego Crepidoma Pronaos Pórtico de entrada Opistódomos Naos Columnata Planta tipo de templo griego Planta rectangular. Disposición interior: de una a tres naves. Pronao (vestíbulo abierto); Nao o cella (la capilla del dios) ; opistódomo (vestíbulo análogo en el lado opuesto, que podía servir para guardar el tesoro del dios). 2.4. Tipos de edificios Los templos Los exteriores. Los templos griegos eran construidos para ser admirados desde fuera, en el ámbito urbano, como si de inmensas esculturas se tratara. Por eso se cuida más el volumen exterior que el espacio interior. Les interesa la envoltura del edificio, la visión general que del templo obtiene el espectador. El templo griego posee más valores escultóricos que arquitectónicos. Partes del templo griego 2.4. Tipos de edificios El teatro Consta de una plataforma donde se desarrolla la acción (escena, skené); gradas para los espectadores en forma de herradura (koilon), adaptadas a la pendiente de una colina; y, entre la escena y el graderío, se dispone una orchestra circular para el coro, de donde parten las escaleras que dividen como radios el graderío. El teatro griego LA ESCENA era el espacio rectangular situado detrás de la orquesta donde se movían los actores. EL PROSCENIO era el espacio detrás de la escena dedicado a almacenes. LA ORQUESTA era el espacio circular donde actuaba el coro EL AUDITORIO era el espacio para sentarse 2.5. Ejemplos de arquitectura griega Los templos más antiguos son de la época arcaica como el de Hera en Paestum, en la Magna Grecia, y el de Apolo en Corinto, en la Grecia peninsular, ambos de orden dórico. Templo de Hera en Paestum Templo en Selinonte Templo de Apolo en Corinto Templo de Aphaia en Egina 2.5. Ejemplos de arquitectura griega De la etapa clásica son el Templo de Zeus en Olimpia y los edificios de la Acrópolis de Atenas. Destruida tras las Guerras Médicas, la Acrópolis, fue reconstruida por iniciativa de Pericles, en el siglo V a.C., utilizando mármol pentélico. En ella se encuentran los Propileos (entrada monumental); el Erecteion (de orden jónico), cuya peculiar planta se debe a que ocupaba un lugar sagrado; el pequeño templo de Atenea Niké Áptera (jónico); y el Partenón, dedicado a la diosa Atenea Parthenos, patrona de los atenienses. Fue edificado por Ictinos y Calícrates entre 447 y 432 a.C. Es de orden dórico, octástilo y períptero, y constituye el prototipo del arte griego por la armonía de sus proporciones y las sofisticadas correcciones ópticas. Templo de Zeus en Olimpia Templo de Zeus en Olimpia La Acrópolis La Acrópolis La Acrópolis Partenón Atenea Niké Erecteion Propileos Acrópolis de Atenas Acrópolis de Atenas Acrópolis de Atenas Partenón Erecteion Propileos Atenea Niké Acrópolis de Atenas Los Propileos Los Propileos Sobre los restos de los propileos levantados en época de Pisístrato, Pericles le encarga al arquitecto Mnesiklés la construcción de un nuevo acceso a la Acrópolis. Mnesicles supo resolver magistralmente el problema de la topografía. Dos terrazas superpuestas, divididas por un corredor transversal con columnas jónicas, daban lugar a cuatro estancias rectangulares (uno de ellos, corresponde a la famosa pinacoteca). Los Propileos Los Propileos Erecteion Erecteion También destaca de la Acrópolis el templo del Erecteion, construido en el siglo V a.C. (421-406 a.C.) en mármol por el arquitecto Mnesicles. Es quizá el templo más bello de orden jónico. Tiene un pórtico hexástilo y forma rectangular. Su planta es muy irregular al tener que adaptarse a las desigualdades del terreno. En el lado sur se encuentra la parte más conocida, llamada la “tribuna de las cariátides”, ya que las columnas jónicas han sido reemplazadas por representaciones femeninas. Erecteion Erecteion Templo compuesto, dedicado a tres dioses: Poseidón, Krekrops y Athenea. Su disposición Es de planta rectangular, con un pórtico de Orden jónico hexástilo. Destaca el pórtico de Las Cariátides. Su constructor fue Mnesicles. Erecteion, pórtico Tribuna de las Cariátides Tribuna de las Cariátides Tribuna de las Cariátides Templo de Atenea Niké Templo de Atenea Niké Templo de Atenea Niké o Niké Áptera: pequeño templo de orden jónico, anfipróstilo y tetrástilo, con dos pilares entre las antas en lugar de columnas, también conocido como templo de Niké Áptera o de la Victoria Áptera, se encuentra en un promontorio adelantado en la parte sur occidental de la Acrópolis y se dispuso construirlo con el tratado de paz con los persas, pero no se inició hasta el 421 a.C., a cargo de Calícrates. El Partenón El Partenón Templo dórico griego edificado en tiempos de Pericles para reconstruir en la Acrópolis de Atenas. Dedicado a Atenea, patrona protectora del Ática, destruido por los persas en los años 480 y 479 a.C. Arquitectos: Ictino y Calícrates. Fidias dirige todas las obras que se realizaban en la Acrópolis. El Partenón El Partenón El Partenón El Partenón El Partenón El Partenón El material utilizado es mármol del Pentélico, cuyos bloques eran tallados finamente y colocados “a hueso”. Fue cincelado de arriba abajo y posteriormente coloreado. El Partenón El Partenón El Partenón Capitel, arquitrabe y friso Orden dórico: estrías en arista viva El Partenón El Partenón El Partenón La planta de estructura rectangular dividida en tres espacios (pronaos, naos o cella y opistódomos) a los que se añade, y es uno de los aspectos de su originalidad, un nuevo recinto, el Partenón o Salas de las vestales formada por cuatro columnas jónicas; Es un templo anfipróstilo y Hexástilo en ambos pórticos, el anterior o pronaos y el posterior o opistodomos, de estilo dórico, aunque éste se ha fundido con otros elementos jónicos. El Partenón La cella está dividida en tres naves separadas por una doble fila de columnas superpuestas en dos pisos, formando una galería circundante en cuyo centro se colocaba la gran imagen de oro y marfil (criselefantina) de la diosa Atenea Parthenos realizada por Fidias. La innovación introducida en el Partenón es la sala cuadrada donde estaban las doncellas vírgenes de la diosa, el Partenón que ha dado nombre a todo el edificio. El Partenón El Partenón Diferentes intercolumnios La fachada se inclina hacia atrás Éntasis Columnas laterales más anchas Correcciones ópticas de El Partenón La búsqueda de la armonía visual determinó la utilización de ciertos recursos técnicos que corregían las alteraciones ópticas que todo edificio produce al ser contemplado: La curvatura del entablamento y del estilóbato hacia arriba, para evitar el efecto de pandeo, de vencimiento por el centro. La inclinación de las columnas hacia adentro para impedir la sensación de caída, y así crear el llamado efecto piramidal. El éntasis (ensanchamiento) del fuste de las columnas, para reducir el efecto de concavidad que producen las columnas de lados rectos. La mayor anchura de las columnas de los lados (que se recortan nítidamente en el horizonte), para anular el achatamiento óptico que se produce en ese punto. Desigual distancia de los intercolumnios (espacio entre columnas). Todas estas alteraciones permitían corregir los defectos ópticos que perturban toda creación articulada sobre líneas horizontales y verticales, como era el templo griego. Correcciones ópticas de El Partenón Correcciones ópticas de El Partenón El Partenón El Partenón, desde su construcción, permaneció XXI siglos sin grandes alteraciones, salvo las realizadas para transformarlo en: Iglesia bizantina (levantamiento de un ábside en el pronaos, y apertura de accesos). Mezquita con un minarete en el opistodomos. En el siglo XVII pasó a ser polvorín (en 1687, explotó sobre él una granada que prácticamente derribó los elementos estructurales básicos). Las esculturas de los frontones que aún quedaban fueron en los primeros años del siglo XIX, vendidas al embajador británico Lord Elgin, quien en el año 1816 las donó al Museo Británico. En el año 1894 un terremoto produjo deterioros en el entablamento y columnata En 1921 y 1929 se inician algunas restauraciones, que hace posible la reconstrucción de toda la parte septentrional. El Partenón, reconstruido en Nashville (EE.UU.) 2.5. Ejemplos de arquitectura griega En este período, el urbanismo, adquiere gran importancia y coexisten dos tipos de planos: el plano ortogonal de Hipódamos de Mileto. Es normal también en la ciudad griega diferenciar bien el centro cívico de la zona de viviendas. El primero es el lugar de concentración de los ciudadanos y en él destaca el ágora o plaza amplia en la que se enmarcan los grandes edificios; en cuanto a las viviendas, suelen ser sencillas y sus dependencias giran en torno a un patio central con columnas. Plano de Hipódamos de Mileto 2.5. Ejemplos de arquitectura griega De la etapa clásica, pero ya del siglo IV a.C., son la Linterna de Lisícrates, en Atenas, y el Teatro de Epidauro. Tholos del Santuario de Delfos Tenía un peristilo formado por dos anillos con columnatas circulares concéntricas: la exterior de 20 columnas dóricas y la que rodeaba el interior de la Cella eran 10 columnas corintias, muy próximas al muro pero no estaban adosadas Construido entre el 390 y el 380 a.C. Linterna de Lisícrates De carácter conmemorativo, es el primer monumento de orden corintio en el exterior del edificio, del 334 a.C. El teatro griego LA ESCENA era el espacio rectangular situado detrás de la orquesta donde se movían los actores. EL PROSCENIO era el espacio detrás de la escena dedicado a almacenes. LA ORQUESTA era el espacio circular donde actuaba el coro EL AUDITORIO era el espacio para sentarse Teatro de Epidauro Teatro de Epidauro, planta 2.5. Ejemplos de arquitectura griega En el periodo helenístico se difundieron las formas helénicas por el antiguo Imperio Persa, pero a su vez el arte griego se impregnó de la estética de los pueblos conquistados. Por influencia oriental, se acentuó la decoración y se tendió al colosalismo. Los órdenes se emplearon con mayor libertad, dándose preferencia al corintio. Alejandría, ciudad fundada por Alejandro Magno y trazada según el tipo griego de plano regular hipodámico, era célebre por la Biblioteca, el Museo y el Faro, edificios hoy desaparecidos. De época helenística son el Olimpeion en Atenas y el Altar de Zeus, de la Acrópolis de Pérgamo. Entre las obras monumentales destacó el desaparecido Mausoleo de Halicarnaso. Templo de Zeus Olímpico en Atenas (Olimpeion) Templo de Zeus Olímpico en Atenas (Olimpeion) Templo de Zeus Olímpico en Atenas (Olimpeion) Altar de Zeus en Pérgamo Altar de Zeus en Pérgamo Altar de Zeus en Pérgamo PLANTA (38 x 36 m de lado) casi cuadrada, constituida por una gran escalinata que rodea la construcción; una amplia plataforma donde se dispone el ara o altar, y dos brazos o antepechos que avanzan hacia el espectador y encuadran el altar. En ALZADO la escalinata es muy prolongada en la parte frontal del edificio, y un inmenso zócalo decorado con relieves, y que sirve de soporte a una columnata de orden jónico que a su vez actúa como pantalla visual ocultando el altar de los sacrificios. La enorme elevación del podium y la poca altura de las columnas tiende también a exagerar la sensación de la volumetría exterior de todo el conjunto. Altar de Zeus en Pérgamo Altar de Zeus en Pérgamo Mausoleo de Halicarnaso Construido en forma de templete jónico períptero, sobre un alto podium decorado con frisos escultóricos y rematado con una pirámide escalonada, del 352 a.C.; Un encuentro con la armonía: el número de Oro El número de oro, sección áurea o proporción áurea, es uno de los conceptos matemáticos relacionados con la naturaleza y con el arte. Se denomina con la letra griega (Phi), en memoria del escultor griego Fidias. Está presente en el crecimiento de las plantas, las piñas, la formación de caracolas... y por supuesto en cualquier estudio armónico del arte. La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al segmento mayor, como éste es a la totalidad. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo y sus segmentos. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea. El número áureo aparece en las proporciones que guardan edificios, esculturas, objetos, partes de nuestro cuerpo. Un ejemplo de rectángulo áureo en el arte es el alzado del Partenón griego. Euclides (c. 300-265 a. C.) lo definió así: «Se dice que una línea recta está dividida en el extremo y su proporcional cuando la línea entera es al segmento mayor como el mayor es al menor.» (Euclides, Los Elementos). 3. ESCULTURA GRIEGA ¿Qué podemos deducir sobre la escultura griega, a partir de estas imágenes? La escultura como búsqueda y expresión del ideal de belleza griego BELLEZA VOLUMEN EL CUERPO HUMANO DESNUDO EXPRESIÓN MOVIMIENTO 3. ESCULTURA GRIEGA La escultura griega constituye uno de los capítulos más brillantes de la historia del arte universal. Gran parte de las piezas originales se han perdido, pero disponemos de multitud de copias romanas, que si bien no son más que un pobre reflejo de la escultura griega, han provocado la admiración en generaciones de amantes del arte. 3.1. Características Los principales materiales fueron el mármol, cincelado y pulido, y el bronce, fundido a la cera perdida. Las obras de mármol recibían policromía, que casi nunca se ha conservado pero de la que quedan restos. La mayor parte de las esculturas de bronce se ha perdido, dada la posibilidad de refundirlas; de las más importantes conservamos copias romanas hechas en mármol. También realizaron obras en terracota y en metales preciosos, como las llamadas crisoelefantinas (de oro y marfil). 3.1. Características El tema principal de la escultura griega es la figura humana en representaciones de dioses, héroes, atletas, etc. Su realización plástica no se mantiene invariable sino que evoluciona y avanza. Desde la rigidez y frontalidad de las obras arcaicas, se progresó en la búsqueda del movimiento, del desarrollo en el espacio y de la relación proporcional entre las partes del cuerpo. Una vez conseguida la forma arquetípica en la etapa clásica, el camino condujo a la expresión del sentimiento en el periodo postclásico y al patetismo y emoción de algunas escuelas helenísticas. La escultura griega. Características El tema principal de la escultura griega es la figura humana en representaciones de dioses, héroes, atletas, etc. Su realización plástica no se mantiene invariable sino que evoluciona y avanza. Desde la rigidez y frontalidad de las obras arcaicas, se progresó en la búsqueda del movimiento, del desarrollo en el espacio y de la relación proporcional entre las partes del cuerpo. Una vez conseguida la forma arquetípica en la etapa clásica, el camino condujo a la expresión del sentimiento en el periodo postclásico y al patetismo y emoción de algunas escuelas helenísticas. 1 2 3 4 5 6 7 Belleza es proporción 3.1. Características La escultura griega tiende al naturalismo idealizado: son figuras carentes de defectos, arquetipos perfectos que buscan la belleza ideal. 3.1. Características Idealización expresiva Contrapposto La evolución del ideal de belleza a través de la escultura Las raíces son orientalizantes y presentan una clara influencia egipcia. La constante evolución hizo que pronto se distanciara de los modelos iniciales, creando un mundo de formas nuevo y original. Los artistas griegos partieron de lo ya realizado por asirios, babilonios y egipcios, para desarrollar su propio lenguaje, definido por una permanente búsqueda de nuevas soluciones para representar la figura humana. La evolución del ideal de belleza a través de la escultura La representación de la figura humana como encarnación de la belleza física y el equilibrio espiritual. La representación del hombre atlético y bien proporcionado se corresponde con el ideal varonil del hombre guerrero y deportista. La belleza se concibe como medida, proporción entre las partes (el Canon). La anatomía humana se representa de forma armoniosa e idealizada. Estamos, por tanto, ante la plasmación de un IDEAL DE BELLEZA ANTROPOMÓRFICA. La evolución del ideal de belleza a través de la escultura El artista griego busca la expresión, entendida como la exteriorización de los sentimientos; en la expresión se funde la dimensión espiritual del hombre con su cuerpo. Pero se trata, también, de una EXPRESIVIDAD IDEALIZADA, donde sólo cabe la quietud y la serenidad de ánimo, el equilibrio perfecto entre la belleza física y la belleza espiritual. Será en la época helenística cuando el artista rompa este corsé expresivo para plasmar los sentimientos humanos de forma realista y menos idealizada. La evolución del ideal de belleza a través de la escultura El artista griego, partiendo de la rigidez y el estatismo oriental que evidencian las primeras esculturas del período arcaico (Kouroi y Korés), tratará de REPRESENTAR EL MOVIMIENTO. Ensayará todas las posibilidades plásticas del dinamismo: figuras que se doblan para adaptarse al marco arquitectónico (muros, frontones, etc.), grupos donde las figuras se relacionan de forma dinámica; representación de la tensión muscular, la flexibilidad de los miembros, la agilidad, etc. La representación del movimiento reforzará los valores expresivos de la escultura griega. La evolución del ideal de belleza a través de la escultura El artista griego se mostrará profundamente preocupado por la REPRESENTACIÓN DEL VOLUMEN. Pronto romperán con la frontalidad egipcia. Concebirán la escultura como una forma que debe ser contemplada desde todos los ángulos y puntos de vista posibles. De ahí que la mayor parte de la escultura griega sea exenta (salvo los frisos con relieves de los muros o los conjuntos de los frontones). La evolución del ideal de belleza a través de la escultura Los MATERIALES empleados por los artistas griegos son: la piedra caliza (talla) en la época arcaica y el bronce (modelado a partir de la técnica de la cera perdida) y mármol blanco en la plenitud del clasicismo. Muchas de las obras griegas que conocemos nos han llegado a través de copias romanas en mármol de originales en bronce. 3.2. Evolución de la escultura Etapa arcaica (siglos VIII a VI a.C.) Las imágenes de culto más antiguas fueron las Xoana, de madera, pero no quedan restos. El repertorio del escultor griego arcaico incluye fundamentalmente dos temas: el hombre desnudo y la mujer vestida. 3.2. Evolución de la escultura Etapa arcaica (siglos VIII a VI a.C.) El Kouros es una representación en piedra de un hombre joven desnudo. Tiene carácter votivo, es decir de agradecimiento a los dioses, por el triunfo en una competición atlética. La influencia egipcia es manifiesta en el volumen cerrado y en la frontalidad: aunque los kouroi están representados de pie y adelantan la pierna izquierda, su cuerpo es rígido y los brazos están pegados al cuerpo con los puños cerrados. Su anatomía es precaria: los músculos son planos o apenas modelados, a veces tan sólo marcados por surcos incisos; los ojos aparecen almendrados y prominentes y el pelo tiene trazos geométricos. Muestran una mueca en los labios, la sonrisa arcaica, que parece querer dotarles de una vida que los hace inconfundibles con las obras egipcias. Entre los ejemplos más conocidos están el Kouros de Anavyssos, el Moscóforo y el Efebo de Kritios. Descripción de un kouros Punto de partida: la concepción egipcia: rigidez y frontalidad. Monumentalidad. Las figuras se presentan con los brazos pegados al cuerpo y la pierna izquierda ligeramente adelantada. Son como bloques cerrados, de donde la figura humana apenas puede desprenderse. Simetría en la composición, evitando torsiones y giros de la figura. Disposición geométrica de los cabellos. Ojos almendrados y globulares. Rigidez de las articulaciones. Sonrisa arcaica. Representación naturalista de la figura humana: modelado de los músculos, tratamiento de las rodillas. Kouros de Anavyssos El Moscóforo El Moscóforo Procede de la Acrópolis de Atenas. La figura masculina aparece en posición de kouros, pero difiere en el ternero y en la posición de los brazos para sujetarlo, y en que lleva un manto adherido a la espalda y es barbado. Es el primer grupo escultórico de la escultura griega. Los ojos son incrustados de vidrio, y la barba, el pelo, el manto y el ternero estaban pintados. Aún sigue criterios no naturalistas. El Moscóforo Efebo rubio Efebo critio 3.2. Evolución de la escultura Etapa arcaica (siglos VIII a VI a.C.) La Koré aporta soluciones para la representación de la anatomía femenina vestida. Las más antiguas son la Dama de Auxerre y la Hera de Samos, ambas del siglo VII a.C. Durante la segunda mitad del siglo VI a.C. se realizaron en Atenas numerosas figuras femeninas para exvotos en los templos de la Acrópolis. Son las Korai de la Acrópolis. En ellas, la sonrisa arcaica o el cabello, trenzado geométricamente, se complementa con los pliegues de la ropa que caen paralelos o en abanico. Visten a la moda jónica, con una túnica fina (chiton) y un manto (himation). Descripción de una koré Estatuaria votiva (figurillas de terracota o piedra que se depositaban en la tumba a modo de ofrenda), de pequeñas dimensiones. El cuerpo humano casi se reduce a un tablero de mármol, con un leve estrechamiento a la altura de las caderas y un ligero abultamiento en el pecho. El carácter de bloque cerrado es aún más evidente. Son figuras poco expresivas, con una tendencia a la idealización estática. Su cabellera está formada por rígidas guedejas. Sigue la moda egipcia de representar la cabellera en diferentes pisos. El geometrismo es, como en el caso de las figuras masculinas, el rasgo más característico de estas imágenes. Dama de Auxerre Hera de Samos y Kore del Peplo 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) La mayoría de las obras de este periodo se conocen por copias romanas. Se suele hablar de tres etapas: En la primera mitad del siglo V a.C. se produjo la transición al clasicismo. La escultura comenzó a liberarse del arcaísmo, eliminando la sonrisa y los ojos almendrados, y buscó el movimiento mediante un incipiente desarrollo de la figura en el espacio. Podemos constatarlo en el Poseidón del Cabo Artemision, figura de bronce que muestra el contraste entre el movimiento de las extremidades y la rigidez del torso. A esta etapa, denominada también estilo Severo, pertenecen el Auriga de Delfos, los Frontones del templo de Zeus en Olimpia y el Trono Ludovisi. La transición al clasicismo EL CAMINO HACIA LA PERFECCIÓN Impulsada por los relieves que se realizan en torno al año 500 a.C. en los frontones de los templos de Egina y Olimpia. Son muestras de escultura compositiva, donde las figuras comienzan a acoplarse al espacio arquitectónico. Son un ejemplo del avance hacia formas naturalistas, la representación moderada de los sentimientos, con integración de ritmos compositivos. En ellos las figuras adoptan actitudes naturales, pero aún rígidas, contrarrestadas por los primeros apuntes de movimiento. Esta mayor flexibilidad se completa con una mayor variedad temática. Representación de ninfa. Trono Ludovisi (Roma) Trono Ludovisi Trono Ludovisi Relieve de tres caras encontrado en Roma. Representa el nacimiento de Venus del mar y a dos adoradoras: una matrona que quema incienso y una muchacha desnuda (primer desnudo femenino del arte griego) que toca la flauta. Poseidón Auriga de Delfos Auriga de Delfos Auriga de Delfos Formaba parte de un grupo de cuadriga, pero solo se conserva el personaje que conducía el carro y parte de éste. Es de bronce, y fue realizada en honor de Polizalos, tirano de Gela (Siracusa) en los juegos délficos del 474 a.C. Está fundida en hueco, y fue fundida en varias piezas (falda, parte superior del torso, extremidades, cabeza y rizos laterales ). Su autor fue Pitágoras de Regio. La cabeza y el tronco giran claramente hacia la derecha, aunque la composición del cuerpo queda escondida bajo los pliegues espesos de la túnica. le falta aun movilidad y el peso del cuerpo está distribuido de forma uniforme, pero ha logrado la tensión. Los brazos, manos y pies son naturalistas, pero el cabello casi es geométrico‚ muy arcaizante. Quedan restos de la diadema de plata y de cobre en los labios. Los ojos insertos de vidrio de color. La cara inexpresiva. Su altura es de 1’80 m. Frontón del templo de Zeus en Olimpia 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) La mayoría de las obras de este periodo se conocen por copias romanas. Se suele hablar de tres etapas: La plenitud del Clasicismo se alcanzó en la segunda mitad del siglo V a.C. La escultura griega clásica busca la belleza ideal en la armonía y proporción. El cuerpo humano desnudo se concibe como un edificio unitario, aunque sus partes deben mostrar también con claridad sus líneas fronterizas. El primer escultor del clasicismo fue Mirón, un broncista cuya obra maestra es el Discóbolo. Pese a que algunos escritores romanos consideraban que el Discóbolo era una obra artificiosa, es indudable que Mirón dio un paso importante en la representación del movimiento. El atleta aparece en la transición entre las dos trayectorias opuestas de un movimiento pendular. Contrasta la tensión de los músculos de las piernas y los hombros con la fría serenidad del rostro, como si el esfuerzo no afectase a la expresión. Otra de sus obras fue el grupo de Atenea y Marsias. El Discóbolo El discóbolo o lanzador de disco, desarrolla su movimiento en un instante fugaz. El estudio anatómico: músculos perfectamente definidos, aunque algo planos. A pesar del dinamismo compositivo, la obra es bastante inexpresiva, no hay relación alguna entre la tensión muscular y el esfuerzo físico que se le supone al atleta en el momento de máxima concentración y la expresión del rostro, que parece ajeno a lo que el cuerpo ejecuta. Es la expresión del interés por la representación del cuerpo humano en movimiento. La figura humana se representa ya por sí misma, no como un exvoto o representación de la divinidad. El Discóbolo La composición es muy atrevida, curvilínea en espiral, contrapesada por las líneas quebradas de brazos y piernas. Esta composición multiplica los puntos de vista, logrando transmitir la sensación de instantaneidad. Atenea y Marsyas 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Policleto era un broncista de Argos que escribió un tratado, Canon, sobre las proporciones armónicas del cuerpo humano. En el Doríforo, que conocemos únicamente por copias romanas, aplica los principios expuestos en el libro. Es una escultura que responde a planteamientos geométricos: la cabeza es muy esférica y la vertical que divide el centro del rostro se compone de tres segmentos iguales (frente / nariz / boca y barbilla). El estudio de proporciones es riguroso, de modo que la cabeza es la séptima parte del cuerpo. La figura muestra un ritmo deambulatorio como si estuviera entre un paso y el siguiente. La postura es de contraposto con equilibrio compensado: el torso presenta una ligera inclinación hacia el lado derecho y la cabeza gira en la misma dirección. El punto de vista es todavía bastante frontal, pero incorpora el espacio al retrasar la pierna izquierda y adelantar el brazo que sostiene la lanza. En el Diadúmeno, anatomía y postura están tratadas con mayor libertad. El Doríforo Su máxima preocupación son las proporciones del cuerpo humano y la ponderación de sus masas en las actitudes. Teoriza sobre ello en su obra: “El Kanon” (La Norma). Para este gran escultor la belleza reside en la armonía (Symetria) del cuerpo humano. La representación del cuerpo humano alcanza su plenitud. El joven es un perfecto estudio de la anatomía humana (idealizada), en estado de perfección y plenitud. El Doríforo Policleto: la búsqueda del canon ideal La belleza es un juego sutil de proporciones (canon): las dimensiones de la cabeza representan 1/7 del cuerpo. La geometría determina ciertos criterios en la representación y composición de la figura humana: el pliegue inguinal (un semicírculo) y el tórax, son sendos segmentos de circunferencia cuyo centro sería el ombligo. Policleto: la búsqueda del canon ideal La composición es asimétrica: uso del contrapposto (ligera curvatura de la cadera y pierna izquierda adelantada). Perfecta plasmación del equilibrio físico y espiritual. Un equilibrio dinámico que logra llenar el vacío a su alrededor y multiplicar los puntos de vista. Diadúmeno Didadúmeno 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Fidias representa la culminación del clasicismo por su maestría en el equilibrio compositivo y en la idealización de las formas, por la serena expresividad de los rostros, por la solemne majestuosidad de sus dioses, por la perfección de sus paños mojados. Dirigió las obras de la Acrópolis y realizó la estatua de Atenea Parthenos a la que los atenienses rendían culto en el Partenón. Pero, acusado de robo, huyó a Olimpia, donde esculpió el Zeus Olímpico, en oro y marfil, que según los textos antiguos era la obra más perfecta de la escultura griega. Atenea Parthenos Zeus de Olimpia Atenea Promacos Atenea Lemnia 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Dirigió la decoración escultórica del Partenón, donde puso de moda la técnica de los paños mojados. El programa iconográfico consistía en tres temas superpuestos jerárquicamente: los frontones, la zona más alta, se reservaron a los dioses; en las metopas, en altura intermedia, aparecían los héroes atenienses; en el friso, la parte inferior, estaban representados los hombres, los ciudadanos atenienses participando en la procesión en honor a su patrona. Los frontones están dedicados a Atenea: en el oriental se representa su nacimiento; en el occidental, la disputa con Poseidón por el patronazgo de la ciudad. Las noventa y dos metopas tienen temas relacionados con el héroe ateniense Teseo: amazonomaquia, gigantomaquia y centauromaquia. El Friso de las Panateneas, situado en la parte alta exterior del muro del templo, representa la procesión de las fiestas Panatenaicas, en que el pueblo de Atenas ofrendaba un velo a la Diosa. Es la culminación del equilibrio ideal fidíaco, por la armónica fusión de cuerpos y vestimentas, por el ritmo solemne y variado del relieve procesional, por la expresión serena de rostros y gestos. La decoración de El Partenón La decoración de El Partenón E N S W Relieves del Partenón: frontón y metopas Metopa del Partenón: lucha de centauros y lapitas Metopa del Partenón: lucha de centauros y lapitas Metopa del Partenón: lucha de centauros y lapitas Metopa del Partenón: lucha de centauros y lapitas La decoración de El Partenón, metopas y friso de las Panateneas La decoración de El Partenón, metopas y friso de las Panateneas Friso de las Panateneas, procesión Friso de las Panateneas, asamblea de los dioses Fiesta de las Panateneas Frontón del Nacimiento de Atenea Figuras del frontón del Partenón Los frontones destacan por su sabia composición y la belleza y grandiosidad de las actitudes. Démeter y Perséfone, figuras del frontón del Partenón Las Parcas, figuras del frontón del Partenón 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) De la plenitud clásica se conservan también algunas obras anónimas, como los guerreros de Riace. Pero quizás la más hermosa es la Niké atándose la sandalia, excepcional ejemplo de paños mojados, que adornó el pretil del templo de Niké Áptera. Guerreros de Riace Niké atándose la sandalia 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) En el siglo IV a.C. entramos en la crisis del clasicismo Tras las guerras del Peloponeso, Atenas dejó de ser el centro artístico, que pasó a las ciudades jónicas del Asia Menor. La crisis se manifestó en el creciente agnosticismo, y en la escultura; los dioses perdieron la serenidad de Fidias y parecen hombres realizando acciones intrascendentes; también aparece el desnudo femenino. Las formas se estilizan, se multiplican los puntos de vista (Lisipo) y se empiezan a expresar sentimientos intensos (Scopas). 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Praxíteles, ateniense, fue escultor de mármoles. Acentúa el contraposto de Policleto creando la curva praxitélica, sinuosa y rítmica, que hace que las figuras parezcan inestables e indolentes. Fue escultor de dioses, pero humanizados, despojados de majestad y de grandeza. Buscó la belleza ideal, pero la impregnó de hedonismo. Difumina las aristas de los cuerpos modelando con gran suavidad y dando lugar a texturas esfumadas. El claroscuro del cabello, realizado a trépano, los rostros algo melancólicos, los cuerpos blandos y voluptuosos, son otros rasgos característicos de su estilo. Se conservan copias del Apolo Sauróctono y de la Afrodita de Gnido; el Hermes con Dionisio niño de Olimpia es considerado, aunque no unánimemente, obra original. Canon de Praxíteles 1 2 3 4 5 6 7 8 Apolo Sauróctono Se representa al dios como adolescente matando un lagarto (lanzándole un dardo) que sube por el tronco que, de ese modo, además s de servir de soporte, queda integrado en la composición. La obra original fue en bronce, sin embargo otras obras las realizó en mármol . Afrodita de Cnido Hermes con Dionisos 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Scopas trabajó sobre todo el mármol. Su obra, de marcado patetismo, influyó en algunas escuelas helenísticas. Cimentó su prestigio en la representación de héroes de tragedia. Pretendía representar las emociones del alma y por ello sus personajes son muy expresivos. Esculpe los ojos rehundidos, la boca entreabierta, la frente saliente, el cuerpo movido y tenso, como queda patente en los relieves del Mausoleo de Halicarnaso y en la Ménade furiosa. Scopas, trabajos para el Mausoleo de Halicarnaso Ménade herida 3.2. Evolución de la escultura Periodo clásico (siglos V y IV a.C.) Lisipo aportó como novedades un tipo humano más esbelto (el cuerpo es ocho veces la cabeza), y el dominio del espacio a través del movimiento en tres dimensiones y de la variedad de puntos de vista. Obras suyas son el Apoxiomenos, el Ares Ludovisi, se le atribuye la estatua de Heracles Farnesio en bronce y varios retratos de Alejandro Magno, Apoxiomeno El Apoxiomeno representa a un joven atleta quitándose la grasa y el polvo de después de la competición. No lo representa en una actitud heroica sino vulgar. Es de esbeltas proporciones, y parece que creó un nuevo canon con la cabeza más bien pequeña y las extremidades muy alargadas. Es importante que la estatua ya tiene una concepción espacial: se puede observar desde distintos puntos de vista. El efecto es de movimiento atrapado: la separación de los pies no solo ayuda a producir esa sensación sino que sirve al mismo tiempo para equilibrar la acción de los brazos. Canon de Lisipo, de 7 cabezas y 1/2 Ares Ludovisi Hércules Farnesio 3.2. Evolución de la escultura Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.) En la época helenística la cultura griega se difundió por Asia y Egipto, y, debido al contacto con las culturas orientales, absorbió elementos que la transformaron. La escultura, en concreto, aunque presenta variedad de escuelas y hasta de estilos, buscó mayormente el ardor y la intensidad, acentuó la expresividad, los valores espaciales y, en suma, los aspectos sensoriales. Parece seguir la idea aristotélica de que el arte es catarsis (purgación de las pasiones, desahogo); estas ideas llevan incluso a justificar la fealdad. Podemos encontrar cuatro escuelas diferenciadas: La etapa helenística (siglos IV – I a.C.) Período de gran amplitud cronológica y geográfica, donde la tradición griega se impregnará e impregnará, a su vez, de la cultura de los territorios que formaron parte del Imperio de Alejandro Magno. Tradición clásica y orientalismo se fundirán para crear y expresar, a través del arte, una nueva concepción de la vida. Se pierde, además, la unidad estilística de la época clásica. Nuevos focos y escuelas artísticas se suman a Atenas, como Rodas, Alejandría o Pérgamo. Retrato de Alejandro Magno La etapa helenística (siglos IV – I a.C.) Principales características: • Abandono del canon de proporcionalidad • Se acentúa el movimiento • Se abandona la idealización expresiva • Varían los temas hacia lo cotidiano e intrascendente • Se sustituye el ethos por el pathos • Skiagraphía (sombreado) y Skenographía (perspectiva) Vieja ebria El Pathos helenístico Un profundo realismo lo impregna todo. Se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas superficies clásicas; el dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos; la fealdad, a veces monstruosa, a la belleza clásica. Predominan las obras “barrocas”, caracterizadas por un intenso movimiento y tensión, aunque algunos artistas repiten y conservan los ideales clásicos. Pathos ≠ ethos 3.2. Evolución de la escultura Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.) A lo largo de toda esta etapa helenística existe una corriente clasicista que tuvo su centro en Atenas y en el Peloponeso, con los seguidores de los principales escultores del s. IV a.C. A esta escuela pertenecen el Niño de la espina y el Torso Belvedere. Clasicista, con un recuerdo ecléctico de Praxíteles y de Lisipo, es la Afrodita (Venus) de Milo, actualmente en el Louvre, caracterizada por el acentuado contraposto. El Espinario Los escultores abandonan a los dioses como tema exclusivo y se entregan a la observación de personajes, acciones y gestos cotidianos. Los temas son humildes o grotescos, pero expresivos: La vejez; lo feo, como imperfección; la niñez. Todos estos temas habrían sido considerados indignos durante la época clásica. Torso Belvedere Se mantiene el profundo interés por la anatomía que caracteriza al arte griego, desde un punto de vista técnico. La insistencia en delimitar cada uno de los músculos en tensión produce desnudos con un claroscuro inédito en la escultura griega. Torso Belvedere Venus de Milo Venus de Milo La Venus de Milo presenta la grandiosidad majestuosa de la que carecen la mayoría de las Afroditas helenísticas. Esta Afrodita es el ejemplo máximo de este arte ecléctico, sublimado aquí por la serenidad y la armonía de las proporciones. Combina, así, la serenidad y grandiosidad del estilo de Fidias y la armonía de Praxíteles. Venus de Milo Vieja ebria Hermafrodita dormido Luchadores Pugilista 3.2. Evolución de la escultura Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.) En cuanto a los retratos vemos en el retrato de Séneca esos rostros realistas que se recrean en los defectos físicos, o en el retrato de Homero donde el autor (anónimo) se recrea en la representación de la vejez, o en el retrato del tirano Lisímaco de Tracia donde el autor se recrea en la fealdad. Retratos Séneca Homero 3.2. Evolución de la escultura Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.) La Escuela de Pérgamo cultivó con preferencia lo patético y lo heroico. Destacan las estatuas de los gálatas que adornaban un monumento situado en el ágora de la acrópolis pergamasca. El centro lo ocupaba el jefe suicidándose tras matar a su esposa; alrededor, cuatro galos moribundos arrastran su dolor. Se conservan fragmentos del Altar de Zeus en Pérgamo, cuyos relieves representan, con un estilo expresivo y dinámico, la lucha mítica de los dioses y los gigantes por el dominio del Olimpo. Galo suicidándose Gálata moribundo, escuela de Pérgamo Esculpido hacia el 230 a.C. su temática es típicamente helenística: ya no se representa la confrontación de fuerzas en la lucha, sino el momento de la muerte o el suicidio. Se prescinde de la alegría de los victoriosos, solo el dolor y el orgullo de los enemigos que se expresan con patético realismo. Gálata moribundo, escuela de Pérgamo En él se observan una mezcla de realismo y de tradición ideal: la desnudez heroica (los galos llevaban pantalones), se combina con rostros con bigote y sin barba, el cabello desigual y los torques, todo ello cuidadosamente señalado. Reproducción realista del cuerpo. Estas estatuas son creadas espacialmente y pueden observarse todo alrededor. La obra también es una copia del siglo II d.C. Gálata moribundo, escuela de Pérgamo Relieves del Altar de Zeus en Pérgamo Las victorias de sus reyes, en la primera mitad del siglo III frente a los Galos invasores del mundo helenístico, dan lugar a que se labren una serie de esculturas y grupos conmemorativos de estas guerras. Los relieves del Altar de Zeus en Pérgamo representan, con una altura de 2’5 metros las luchas entre los dioses y los gigantes, en él las formas anatómicas se distorsionan y se exageran formando torsiones violentas y dolor en los rostros. Fue realizado a mediados del siglo II a. C. y se conserva en Berlín. Relieves del Altar de Zeus en Pérgamo Construido sobre una terraza, el altar de Pérgamo sigue un esquema poco habitual; en lugar de un friso bajo con columnata, nos encontramos un enorme podio, con un fabuloso friso de altísimo relieve y una majestuosa escalera. En lo alto del todo, domina la columnata jónica de escasa altura. Dentro del friso se desarrolla la gran escena de la lucha del principio del tiempo: los dioses, representantes del orden, contra los gigantes, fuerzas del desorden y del caos (Gigantomaquia). Todos los artistas que trabajaron en el relieve, procedentes de diferentes ciudades (Pérgamo, Atenas,Tralles, Rodas), consiguieron mantener la unidad de estilo en toda la obra. 3.2. Evolución de la escultura Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.) La Escuela de Rodas se caracterizó por la complejidad compositiva y el movimiento contrastado. Tenía en su haber el famoso y gigantesco Coloso de Rodas. Del Laooconte y sus hiijos se conserva una copia hecha en torno al año 50 a.C. Fue encontrada en unas excavaciones, durante el Renacimiento, y restaurada por Bernini. Es un grupo ultrarrealista, de intenso patetismo, claro antecedente de la escultura barroca. La Victoria de Samotracia, obra original del s. II a.C., nos muestra el movimiento de los ropajes sacudidos por el viento sobre un cuerpo terso y vibrante. De la isla de Rodas proviene también el grupo escultórico del Toro Farnesio realizado en el siglo II a.C. En él vemos a un grupo de figuras intentando capturar y dominar al animal mitológico. Coloso de Rodas Fauno Barberini Victoria de Samotracia Victoria de Samotracia Victoria de Samotracia Laocoonte y sus hijos Se encontró en el año 1506 y conmocionó todo el arte renacentista del siglo XVI. Se fecha en el siglo I a.C. y se cree que fue realizado por los artistas de Rodas Agesandros, Polydoros y Athenodoros. Fuerte expresividad y patetismo, sobre todo de Laocoonte, que sufre por el dolor físico y por ver desaparecer a sus hijos (episodio de la Guerra de Troya, en el que el sacerdote troyano Laocoonte no quiere dejar entrar el caballo a Troya. Poseidón, que ayuda a los griegos, manda unas serpientes que lo estrangulan. Los troyanos creen que es un castigo divino por dudar del regalo, y lo aceptan). Sus poderosas musculaturas están en plena tensión y se logra un efecto contrastado de claroscuro. Laocoonte y sus hijos Laocoonte y sus hijos Toro Farnesio Monumentalismo, dinamismo expresividad y teatralidad son también rasgos escultóricos del periodo helenístico. 3.2. Evolución de la escultura Etapa helenística (Desde finales del s. IV al s. I a.C.) Escuela de Alejandría. Alejandría se convirtió, con los Ptolomeos, en un importante centro económico, cultural y artístico. Sin embargo en sus obras falta la grandeza barroca de las escuelas de Rodas o de Pérgamo. Abundan las estatuillas de terracota que representan temas cotidianos. Existe también una corriente más elitista a la que pertenece el Grupo del Nilo y numerosas estatuas de Afrodita que recuerdan a Praxíteles. El Nilo
