ORIGENES DEL TEATRO

6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
22- MARZO - 2021
INTRODUCCIÓN
“Esta es primera llamada… es segunda llamada… Esta es tercera llamada. ¡Comenzamos!"
Habrás escuchado en alguna ocasión esta frase. O te han dicho no seas melodramático, no
exageres. Otra vez muestras ese numerito, vuelves a hacernos tu tragedia. Son términos propios de la
jerga lingüística del teatro.
En esta unidad queremos ampliar tus conocimientos mostrándote el tema de texto dramático y el espectáculo
teatral o puesta en escena para que conozcas estos géneros, selecciones algunas obras destacadas y
comiences con este maravilloso viaje que es el teatro en todos los sentidos.
En esta unidad aprenderás qué son el texto dramático, la representación teatral o espectáculo teatral y las
características primordiales de los géneros dramáticos. Realizarás la lectura de algún texto y asistirás a
alguna representación para que escribas una reseña crítica.
ORÍGENES DEL TEATRO
Al hablar del origen del teatro nos remontamos a la civilización griega. Esta es considerada como cuna de
la cultura occidental y alcanzó su máximo desarrollo en distintas áreas del conocimiento como la arquitectura,
la filosofía y la literatura. Una de ellas fueron las artes escénicas, como lo es el arte dramático o el teatro.
El origen del teatro está envuelto en misterio y mito pero está relacionada con la danza, la música, la magia
y las prácticas simbólicas-religiosas. Algunos especialistas señalan que las primeras obras dramáticas
surgieron en la práctica de las fiestas dionisiacas (Dioniso es el dios del vino, de la vegetación, del ciclo
nacimiento muerte y resurrección).
Representación escultórica de una fiesta dionisiaca y un sátiro griego.
En ellas un coro de hombres disfrazados de chivos a modo de sátiros, entonaban ditirambos y danzaban con
las bacantes o ménades a honor del dios. El propósito era asemejarse a las divinidades y asimilar algo de
su poder de desenfreno y placer. El culto se popularizó hacia el siglo VIII o VII A.C y sus ritos poco a poco
fueron difundiéndose y llegaron a mezclarse con otros ritos antiguos, orgías y fiestas que parecían una fuerte
lucha entre los poderes superiores que dictan el sufrimiento y la muerte.
Según Aristóteles (384-322 a.C filósofo) la representación dionisiaca, era sencilla y alegre; mientras que,
otros señalan que los coros cantaban las alabanzas del dios en forma violenta; era el coro trágico (del
griego” tragos”: macho cabrío).
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Teatro de Lepis Magna
Los festivales evolucionaron y en el siglo VI se introdujo un actor que alternaba con el coro; este conservó el
estilo dórico, propio de la poesía coral griega, mientras que el actor usaba el lenguaje y el estilo jónico de los
senarios y yámbicos1. De ahí que la representación denominada tragedia, es de las primeras manifestaciones
artísticas, en las que dialogaban tanto actor como el coro.
En el siglo V se establecieron los relatos clásicos de la tragedia y la comedia. Los
dramaturgos Esquilo y Sófocles aumentaron el número de actores a la acción, lo que hizo necesario la
creación de un mayor escenario. Así se construyeron grandes teatros de piedra que fueron capaces de
albergar más de 10.000 espectadores.
Los teatros griegos se erigieron en contra de una pendiente rocosa, creando las gradas en forma semicircular
alrededor de la orquesta, plaza circular en la que se efectuaba la mayor parte de la representación. Atrás de
ella se levantaba la skené, escena, destinada a que los actores cambiaran su vestimenta. El proscenio, una
pared con columnas, sostenía las decoraciones que evocaban el lugar de la acción.
Las representaciones se realizaban por los actores varones al aire libre. Ellos se disfrazaban con túnicas y
máscaras. Así surgió lo que hoy denominamos teatro o drama: a aquellas obras literarias que son escritas
para su representación por unos actores en un escenario. El drama es un fenómeno complejo que incide
individual y socialmente, pues el hombre es un ser social; pero también es individuo.
Observa el siguiente video:
Según Aristóteles, lo que nosotros llamamos "obra dramática" o " teatro clásico" es un arte que emplea al
mismo tiempo recursos variados (que en otras artes son utilizados específicamente y por separado), como
el ritmo, la palabra y la música, con el fin de imitar a personas que realizan acciones. Y todo ello porque de
esa imitación el ser humano extrae un placer cuyo gozo es connatural a su carácter, así como también lo es
su mero gusto por aprender.
1 En la literatura griega el yambo da nombre a la poesía yámbica, la cual parece tener su origen en las canciones populares ligadas a los cultos
religiosos del nacimiento y la muerte.
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PARTES DEL TEATRO GRIEGO
El teatro griego, también llamado theatron, es el lugar donde se presentaban cantos y danzas en honor a
Dionisos. Estos se dividían en tres partes: la escena, el coro y la zona dedicada a los espectadores.
Estaban localizados en la ladera de una colina, ya que los griegos no sabían elaborar bóvedas de hormigón.
Su construcción se realizaba con una forma semicircular, donde tanto el sonido como la visión resultan ser
excelentes.
El teatro griego también hace referencia a las obras que se creaban y se representaban durante la época de
la Antigua Grecia, englobando a todos los espectáculos teatrales realizados en Grecia entre el siglo V y el III
antes de Cristo.
¿CUALES SON SUS PARTES?
Partes del teatro griego
1. Orchestra
2. Koilon
3. Skené
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Orchestra. Se trata del área circular y central de los teatros griegos, donde la tierra es compacta y a la vez
lisa. Está descubierto por completo, o sea, está al aire libre. Es en esta parte del teatro griego donde se
presentaba el coro, en el cual se cantaba y bailaba.
Esta se conecta a unos pasillo llamados parodoi, es por estos que los artistas acceden a la orchestra.
Koilon. Se trata del graderío del teatro, o sea, es el espacio desde donde se contempla, la zona donde se
sentaban los espectadores.
Esta parte del teatro tiene una forma semicircular y el lugar donde se sienta y se mantiene el público para
observar las presentaciones realizadas en la orchestra. Para su realización siempre se emplea la falda de
una colina, la cual es preparada con diversos asientos de piedra o de madera.
Se dividía en sectores o kerkus y en dos grupos de gradas. Esta zona disponía de un o dos pasillos por
donde pasa el público a la hora de ubicarse en los asientos. Estos pasillos son semicirculares y disponían
de escaleras.
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La primer hilera de asiento eran fabricados en base a mármol y decorados con inscripciones. Estos se
destinaban sólo para el uso de los sacerdotes y autoridades de Dionisos.
También había un muro pequeño que era conocido como balteus, el cual separaba la orchestra de las gradas.
Skené. Llamado en español
escena. Es la parte del teatro
griego ubicado detrás de la
orchestra, donde se presentan los
actores, la cual presenta una
forma alargada, rectangular y a la
vez estrecha donde su mayor lado
de cara al público.
Se eleva a unos tres metros por
encima de ella a través de una
plataforma hecha de tablas que se
sostiene a través de columnatas,
creando así dos pisos con nichos
adornados de estatuas.
Tras de este se halla una construcción hecha de madera que sirve de bastidores, de decorado y a la vez de
camerinos para los artistas. Por la parte delantera del skené se encuentra la zona donde los actores
realizaban sus representaciones, esta es la parte más próxima al público.
Esta área en algunos teatros griegos eran adornados con columnas y estatuas donde se colocaban ciertas
decoraciones o pinakes. Así mismo algunos disponían de ciertos recursos escénicos, como es el caso de los
periaktos o pantallas giratorias que permitía cambiar la escenografía, también disponía de ekkyklema o
plataformas móviles que permite trasladar por la escena a las personas, y tenían theologeion o grúas desde
donde bajaban a los personajes o dioses que tenían relación con el Olimpo. Por último solían tener escaleras
subterráneas por donde salían los héroes o dioses que venían del Hades.
Bibliografía
Referencias, créditos & citaciones APA:
Portal educativo Partesdel.com. Equipo de redacción profesional. (2017, 08). Partes del teatro griego. Escrito
por: Equipo de Redacción PartesDel.com. Obtenido en fecha 03, 2021, desde el sitio web: .
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GÉNEROS DRAMÁTICOS
El teatro comprende siete géneros mayores, se les denomina así por considerarlos con una estructura más
completa es decir, desarrollan de tres a cinco actos. En cambio los menores son representaciones breves
que comprenden un acto o una parte de éste.
GÉNEROS MAYORES
GÉNEROS MENORES
Tragedia
Opera, opereta, zarzuela, ballet
Comedia
Comedia musical, comedia de enredo, comedia de caracteres
Tragicomedia
Vaudeville
Obra didáctica (Auto sacramental)
Pastorelas, Pasos y entremés
Pieza
Sketch, performance
Farsa
Sátira y sainete
Melodrama
Revista política y juguete cómico
Tragedia
Comedia
Tragicomedia
Obra didáctica
Pieza
Farsa
Melodrama
DEFINICIÓN
Del griego tragodia canción del macho cabrío, uno de los grandes géneros de la
poesía dramática. Es una obra dramática extensa, en la que el diálogo, la acción y los
caracteres están revestidos de solemnidad y cuyo desenlace es funesto. De origen
religioso, representa el conflicto del carácter humano contra el destino y los dioses.
CARACTERÍSTICAS
1. El propósito de la acción trágica es provocar entre los espectadores los sentimientos de
horror y de compasión, ante la grandeza de la acción.
2. Sus personajes son siempre nobles y superiores; víctimas de terribles pasiones que no
pueden dominar, cual si estuvieran gobernados por la fatalidad.
3. Es primordial la crisis a que ha conducido la postura del protagonista.
4. La tragedia encierra una finalidad aleccionadora.
5. Por medio de la compasión purga los ánimos de las pasiones (catarsis).
6. Estructuralmente tiene un prólogo que precedía al coro, el párodo o cántico de entrada del
coro. El cántico con el que el coro se retiraba: éxodo. Los episodios o partes completas dentro
de la obra, se intercalaban con cantos del coro (párodo y éxodo).
Ejemplo: Edipo Rey de Sófocles, Macbeth de W. Shakespeare
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Reconoces y analizas el género dramático
Origen y desarrollo del género dramático
Las primeras manifestaciones dramáticas conocidas en el mundo occidental se realizaron en la antigua
Grecia en el siglo V a.C. Debido a su cultura politeísta, Grecia se concebía al mundo con dioses que protegían
las diversas actividades humanas; por lo tanto, las prácticas religiosas estaban presentes en cualquier
quehacer, tenían una estrecha relación con la naturaleza, principalmente con todos los fenómenos
relacionados con la Tierra.
Lo anterior se manifestaba de la siguiente forma: luego de que la ardua labor del campo culminaba con la
cosecha exitosa, la población se entregaba tanto al descanso como a los diversos festejos. Todas las
personas que participaban en sembrar, abonar y cultivar, organizaban comilonas donde bebían y cantaban,
para después agradecer a los dioses las cosechas abundantes.
Comilonas: que come mucho, o que come de manera desordenada. Comida muy abundante y variada.
Los banquetes iniciaban con ruidosos himnos cantados en honor a Dionisio (dios de la fertilidad de la tierra,
la uva y el vino), a quien se le atribuía la bendición de tener un año próspero y cosecha de abundantes
Frutos. Para celebrar se planificaban grandes fiestas anuales en las cuales muchos se disfrazaban y
actuaban como cierto personaje. Así surgieron las primeras manifestaciones artísticas relacionadas con este
género literario: los ditirambos (alabanzas) o cantos de Dionisio, que con el tiempo dejaron de ser una
canción improvisada para convertirse en un verdadero himno coral (coro) con música y actuación mímica.
Estaban también los directores de coro, quienes eran los organizadores de procesiones que reunían
alrededor de 20 mil personas, mientras que las procesiones en las zonas rurales (procesiones de campo),
contaban con un público menor.
El primer director de coro Fue Tespis o Thespis (en griego antiguo Θέσπις), quien fue invitado por el tirano
Pisístrato para dirigir la procesión desde Atenas. Tespis desarrolló el uso de máscaras para representar
porque, como consecuencia del gran número de participantes, era imposible escuchar a todos y de esta
manera podrían visualizar el sentimiento a través de las máscaras y empatizar con la escena.
El coro fue compuesto por los narradores de la historia, que a través de la actuación, canto y baile informaban
sobre los personajes. Fue el intermediario entre el actor y el público, y trajo los pensamientos y sentimientos
en primer plano, así como la conclusión o mensaje/moraleja de la obra.
En el siglo - VI a. C., un actor llamado Tespis, introdujo a estos cantos un primer actor que dialogaba con el
corifeo, fren6te al coro que también intervenía en la acción. Con este nuevo elemento nace el drama
propiamente dicho. Posteriormente Esquilo añade un personaje más y así se fue conformando la tragedia
clásica griega. Del culto a Dionisos surge también la comedia, pero más bien de la parte festiva, en la que
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los campesinos se entregaban al baile y alegría mediante diversiones llamadas comos. En el siglo - VI a. C.,
el teatro griego implementó en las tragedias y comedias otros elementos: incluyen coro, corifeo y un
promedio de cinco actores, tienen una trama y un desenlace fatal o feliz.
En Atenas existían dos importantes festividades en honor del dios Dionisos: las fiestas en Leneas, que se
realizaban a fines de enero, y las Grandes Dionisiacas efectuadas a finales del mes de marzo. En ambas
festividades se llevaban a cabo representaciones en el teatro de Dionisos. Las fiestas Leneas eran sencillas
solo participaban ciudadanos atenienses: Las Grandes Dionisiacas eran fastuosas y brillantes a las cuales
asistían personas provenientes de diferentes ciudades del mundo griego.
Estas representaciones se prolongaban hasta por un máximo de tres días, en estos festejos competían
grandes dramaturgos de la época, solo podían participar un máximo de tres autores cómicos y tres trágicos;
los trágicos presentaban cuatro obras juntas (una tetralogía) tres tragedias y una pieza satírica, en cambio
los poetas cómicos sólo podían participar con una comedia. En ambos festejos los autores eran premiados
al igual que los participantes en las obras.
Los primeros teatros fueron construidos de madera, pero a causa de algunos incendios fueron sustituidos
por piedra. Se construían en una hondonada para que las colinas que quedaban a los lados sirvieran de caja
de resonancia a las voces y a la música, de esta forma se aprovechaba la acústica natural del lugar.
El teatro en las culturas americanas
El teatro se hace presente también en las culturas
prehispánicas, con motivos religiosos y bélicos. El
Rabinal Achí, que signifca “Danza del Tambor” es una
obra literaria de la cultura maya del siglo XV, la cual
evidencia
el conflicto entre los rinaleb y los kiche, dos grupos
sociales diferentes.
Los personajes principales de esta obra son dos príncipes: Rabinal Achí y Kiche. Achí. Narra la historia del
príncipe Kiche Achí, que es condenado a muerte por obligar al pago de tributos y destrucción en algunas
poblaciones de los Rabinaleb.
Antes de morir, se le concede bailar al ritmo del tambor con la princesa de Rabinal y disfrutar bebidas reales.
Consta de cuatro actos y es representada cada año el 25 de enero en Rabinal, poblado cercano a la capital
guatemalteca, pues se tiene la creencia de que los espíritus de los guerreros muertos se hacen presentes
en la danza.
Fuente: Padial, A. (1991). Quiché Vinak: tragedia. Nueva versión española y estudio histórico literario del llamado Rabinal Achí.
México: Fondo de Cultura Económica.
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Aprende más: Elementos del texto dramático
El texto dramático es el documento escrito en el que se encuentran la historia e indicaciones que se deben
realizar para llevar a cabo la representación.
Entre sus elementos más representativos
podemos mencionar:
La modalidad discursiva puede ser de los siguientes tipos:

Diálogo: conversación entre dos o más personas, es la forma de expresión básica del teatro, ya sea
en prosa o verso. El diálogo es la manera en la cual se transmite el mensaje teatral, es decir, con él
se construye el mundo externo e interno de la ficción y de los personajes.

Monólogos: Forma discursiva en la cual el personaje está solo en el escenario, donde plantea
dudas acerca de las decisiones o compromisos que tomará su debate interno. Es la expresión de
pensamientos y sentimientos sin esperar respuesta. Recuerda acontecimientos y descubre el mundo
interior del personaje.

Soliloquios: forma discursiva en la que el personaje habla en voz alta, está solo y hace referencia
al acontecer con presencia de un auditorio.

Aparte: en algún momento un personaje, se aparta del resto o desvía su mirada, para hacer un
comentario en voz alta destinado al público/lector, que no es oído por el resto de los personajes.
Este recurso se denomina aparte. Mediante los apartes, los personajes realizan reflexiones en voz
alta, hacen comentarios malintencionados o declaran un pensamiento que puede ser de utilidad para
el desarrollo de la acción. La finalidad de los apartes es informar al público.
Las acotaciones son indicaciones del autor de la obra acerca del montaje, la actuación, el vestuario, los
gestos y el comportamiento de los personajes, aparecen siempre entre paréntesis.
Dentro de este conjunto se organiza la estructura del mundo dramático, es decir, marca con medios
estrictamente literarios las posibilidades de la representación física. En las acotaciones se especifican las
condiciones de enunciación que afectan al diálogo, por ejemplo, cuando se pide algo, se puede decir enojado,
asustado, emocionado, triste, etc.
La historia o trama es lo que relata la obra. Cada texto se hace en función de la dramaticidad y la teatralidad
de su época. La historia se presenta en forma segmentada, distribuida en actos y escenas que los personajes
exponen durante el diálogo.


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Discursiva: propio del discurso o del razonamiento.
Ficción: acción y efecto de fingir. Invención, cosa fingida. Clase de obras literarias o
cinematográficas, generalmente narrativas, que tratan de sucesos y personajes imaginarios.
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El teatro reúne una multitud de elementos heterogéneos no verbales como: escenografía, iluminación,
música y vestuario, los cuales se convierten en el lenguaje teatral. En éste, la palabra es sólo uno de los
elementos de idioma teatral que empapa al protagonista y al espectador en un mundo ficticio.
Finalmente, no se debe hablar de lenguaje en teatro sin antes mencionar su carácter apelativo que pretende
llamar la atención del público, y se manifiesta en el diálogo de los personajes y la búsqueda de respuesta de
otros. Esto se logra mediante la relación de seres que entran en conflicto y tratan de provocar una reacción.
Heterogéneo: que está formado por elementos de distinta clase o naturaleza.
Apelativo: se dice de las expresiones lingüísticas, textos, etc., que pretenden influir en el receptor.
El espacio es el lugar donde ocurren los hechos. Cuando se habla de espacio teatral nos referimos tanto al
lugar ficcional como al lugar físico en que se lleva a cabo la obra. En las obras dramáticas, la información
sobre los espacios en donde se desarrolla la acción, se indica mediante las acotaciones.
El tiempo se clasifica en tres tipos:
Época: etapa histórica en la que se sitúan los hechos.
Tiempo de la historia u objetivo: es la duración de los hechos. El tiempo que transcurre en el
mundo dramático se puede considerar desde dos puntos de vista: por un lado, el tiempo total en que
se supone transcurrió el conflicto, y por el otro, se puede tomar en cuenta únicamente el tiempo
ficticio que transcurre desde que comienzan hasta que terminan los hechos contados en la obra.
Tiempo subjetivo: es el tiempo que transcurre en la mente de los personajes a través de recuerdos,
sueños o anticipaciones.



Personaje proviene de la palabra persona, término de origen griego, πρόσωπον, que signifca “máscara de
actor”, o “personaje teatral”. Son cada una de las personas o seres, ya sean humanos, animales o de
cualquier otra naturaleza, reales o imaginarios, que aparecen en una obra artística.
En varios espectáculos teatrales, puestas en escena y películas (con excepción de las animaciones), los
personajes son protagonizados por actores, bailarines y cantantes. Para las animaciones y títeres existen
actores vocales que le dan vida al personaje.
Tipos de personajes según su grado de importancia
Dentro de la obra existen diferentes tipos de personajes:

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Protagonista: personaje más importante que representa al grupo.
Antagonista: personaje que se opone a los fines del protagonista.
Personajes secundarios: son aquellos que no representan una de las
dos fuerzas en conflicto, sino que se suman a una de las dos, dando su
apoyo al protagonista o al antagonista.
Personajes colectivos: tipo de personajes que, a pesar de ser una sola
persona, representan a muchas otras; es como si fuera la encarnación de
un grupo. Por ejemplo, un representante del pueblo o de los súbditos de
un rey.
Personajes alegóricos: constituyen la encarnación de cosas abstractas
que no son personas. Evidentemente, son personajes simbólicos a los que
se les dan las características de aquellas cosas a las que representan.
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Alegórico: representación simbólica de ideas abstractas por medio de figuras, grupos de éstas o
atributos.
Esto ocurre en aquellas obras donde participan como personajes “La Primavera”, por ejemplo, o “La Muerte”,
representada como una mujer vestida de negro.
Tipos de personajes según su modificación durante el desarrollo de la acción
Estáticos: son invariables en sus rasgos, no evolucionan. Se comportan de una misma manera
desde el comienzo hasta el término de la obra.
Dinámicos o evolutivos: varían, experimentan cambios de manera conjunta con el desarrollo de la
acción. Modifican su modo de ser.


Tipos de personajes según la complejidad de los rasgos que los constituyen
Planos o lineales: presentan sólo un rasgo dominante y absorbente.
Ejemplos: la bruja-mala, la princesa-buena.
Relieve o redondos: presentan más de un rasgo caracterizador y su personalidad es polifacética,
ya que son capaces de sorprender con un cambio o variación significativa.



Polifacética: que ofrece varias facetas o aspectos. Dicho de una persona: de variada condición
o de múltiples aptitudes.
Aprende más: Estructura del texto dramático
El texto dramático, además, contiene una estructura externa y otra interna.
Revisemos de qué se trata cada una de ellas.
Estructura externa
Con base en la representación escénica, una historia se divide en:
A continuación estudiaremos cada uno de estos elementos.
Acto
Es cada una de las partes en que se encuentra dividida una obra dramática. En cuanto a su amplitud, es la
parte de mayor extensión respecto al cuadro y la escena.
Los actos están determinados por las acciones principales de los personajes y señalan cambios bruscos de
tiempo y lugar. Se indican con la caída del telón, y en el caso del teatro griego antiguo, con la intervención
del coro. En general, una obra puede estar dividida en el número de actos que requiera la historia, sin
embargo, la mayoría de las obras están compuestas de tres, cinco o uno solo. Por ejemplo, una obra de tres
actos se conforma como en el siguiente esquema:
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Por otra parte, en el teatro moderno se ha optado por dividir las obras en dos actos: de la situación inicial a
la ruptura del equilibrio o a un primer clímax y de ahí al desenlace.
El acto puede ser marcado por la salida de todos los personajes a escena o por un cambio importante en la
historia, y esto quiere decir que los límites del acto dependen gradualmente de la estructura interna con la
cual se maneja la historia.
Cuadro
El cuadro, por su parte, indica cambios de lugar mediante la variación de las luces que iluminan diversas
partes del escenario (decorado). Por ser divisiones menores, pueden comprenderse dentro de los actos.
Muestra una particularidad del problema y lo desenvuelve en un mismo lugar o con el desplazamiento de un
personaje. El cuadro no se limita por las acciones sino por los espacios representados.
Escena
Unidades mínimas de construcción dramática que están marcadas por la entrada o salida de algún personaje.
También se considera como escena a la parte del escenario en donde se representan las acciones, de ahí
que éstas puedan ser abiertas o cerradas dependiendo del tipo de espacio en el cual se lleve a cabo.
Escenas cerradas
Se desarrollan en un escenario cerrado, es como una
caja que tiene una cara abierta (se le llama la cuarta
pared). Es la más común y el público percibe la obra sólo
al frente.
Escenas abiertas
Es aquella que se genera casi al aire libre, mientras el
público la está rodeando en 180 grados. El ambiente y
la profundidad le permiten al público sentirse parte de la
obra misma.
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1. Utiliza materiales que tengas a tu alcance (plastilina, barro, papel, cajas de cartón, masa, etc.)
para elaborar una maqueta donde representes:
 Una escena abierta o cerrada.
 Un cuadro.
Puede ser de una obra que ya exista, o bien, que desde tu creatividad generes.
2. Posteriormente, explica en un texto breve:
 ¿Qué tema representaste?
 ¿A qué acto podría pertenecer?
 ¿Cuál es la escena que elaboraste?
 Describe el cuadro.
 ¿Quiénes son los personajes y a qué tipo de clasificación corresponde cada uno?
3. Organicen
 una exposición con sus maquetas e inviten a gente de su comunidad a visitarla.
Estructura interna
El esquema estructural de la obra dramática no es muy diferente del que conforma a la narrativa, pero cuenta
con una terminología particular.
Al inicio de cualquier obra, lo primero será la presentación de los personajes, así como la relación que
guardan entre ellos, ya que esto nos permite tener una perspectiva del orden de la obra. Una vez que se dan
a conocer los personajes sucede algo que rompe el equilibrio, es decir, un conflicto. De acuerdo con algunos
autores, lo que sigue en la obra, es desarrollar una historia para recobrar este equilibrio o resolver el conflicto,
y llegar a un desenlace.
Situación inicial
Por lo general son escenas cortas que aluden a los antecedentes de la obra. En estas escenas se dan a
conocer los personajes y la situación donde se genera la obra.
Ruptura de equilibrio
También es llamada comienzo de la acción y se refiere al momento en que algo rompe con el equilibrio de
la situación inicial, es una fuerza que aparece en conflicto.
Esta lucha, que puede representarse de diversas formas, es la que mantiene la tensión dramática de la obra.
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Desarrollo
En este momento de la obra cuando ya se estableció el conflicto, da inicio la lucha entre varias fuerzas para
lograr la superioridad, generalmente entre el protagonista y el antagonista de la obra. Aquí se desarrolla una
serie de obstáculos que el protagonista debe librar para alcanzar sus objetivos, que pueden ser muy variados,
reconquistar a la persona amada, salvar su vida, liberar a su pueblo, luchar con sus miedos etc. La obra
puede tener varias escenas donde se generan conflictos de distinto carácter que van creando tensión en el
espectador o público.
Aquí mismo, también se llega al clímax, que es el momento en que se presenta la máxima intensidad de la
acción dramática, incluso puede ser un choque frontal del protagonista con el personaje antagonista.
Podemos decir, que es el momento más emocionante de la obra.
Desenlace
Una vez que pasa el punto crítico o clímax, se desarrolla un nuevo orden de equilibrio.
Es el momento en que culminan todas las acciones de los personajes y sobreviene el regreso al orden inicial.
En este momento, el protagonista logra su objetivo y se presenta una solución, en ocasiones alegre y en
otras de desgracia, dependiendo del género dramático de la obra.
¡Llegó el momento de hacer tu propio guion dramático!
Guíate con los siguientes pasos:
1. Formen equipos de tres personas.
2. Elijan un tema que refleje una problemática de su comunidad.
3. Determinen y elaboren los elementos del texto:
 ¿Qué personajes intervendrán?
 ¿En qué tiempo se desarrolla?
 ¿En qué espacio?
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Aprende más
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6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
Modalidades de
presentación
Texto dramático y representación teatral
“El texto impreso de una obra teatral apenas es
más que el plano de un arquitecto para una casa
que no ha sido construida todavía”.
T. Williams
Después de lo que hemos aprendido en este bloque podemos recapitular las dos
formas en que se puede presentar el género dramático: mediante la lectura del
texto dramático y a través de la representación teatral. La
obra dramática
es el texto
literario mismo, mientras que la
obra teatral
es la representación de ese texto en el
escenario; en esta última, entran en juego elementos propios del mundo real, tales
como iluminación, música, vestuario, escenografía y los mismos actores. La obra
dramática cumple su esencia cuando se convierte en obra teatral.
Entre estas formas de presentación, es que la obra dramática es una creación a nivel
mental, ya que reside en la imaginación de quien lee a medida que va avanzando en
la lectura del texto. Por otra parte, la obra teatral, es una interpretación de lo que el
autor o dramaturgo le da a la obra dramática.
En el siguiente ejercicio especifcaremos los rasgos distintivos de cada una.
Texto dramático.
Representación teatral.
“El texto impreso de una obra teatral apenas es
más que el plano de un arquitecto para una casa
que no ha sido construida todavía”.
T. Williams
Después de lo que hemos aprendido en este bloque podemos recapitular las dos
formas en que se puede presentar el género dramático: mediante la lectura del
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texto dramático y a través de la representación teatral. La
obra dramática
es el texto
literario mismo, mientras que la
obra teatral
es la representación de ese texto en el
escenario; en esta última, entran en juego elementos propios del mundo real, tales
como iluminación, música, vestuario, escenografía y los mismos actores. La obra
dramática cumple su esencia cuando se convierte en obra teatral.
Entre estas formas de presentación, es que la obra dramática es una creación a nivel
mental, ya que reside en la imaginación de quien lee a medida que va avanzando en
la lectura del texto. Por otra parte, la obra teatral, es una interpretación de lo que el
autor o dramaturgo le da a la obra dramática.
En el siguiente ejercicio especifcaremos los rasgos distintivos de cada una.
Texto dramático.
Representación teatral.
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Recapitulemos…
Escribe en el siguiente cuadro si las características corresponden al texto dramático o a la
representación teatral, coméntalo con tus compañeros.
El proceso comunicativo que se genera en una obra teatral es directo y se manifesta
entre los emisores y receptores. El desarrollo en la comunicación es complejo, ya
que en la puesta en escena intervienen un grupo de emisores: autor, director de
escena junto con los actores, músicos, cantantes y muchos receptores (el público).
Veamos los elementos:
•
Emisor:
es el
que produce el acto de comunicación, el autor o dramaturgo.
•
Código:
conjunto de signos relacionados entre sí, como: expresión, vestuario,
escenario, iluminación, entre otros que maneja el emisor y que son visuales y
auditivos para el receptor.
•
El mensaje de la obra teatral:
resultado de la codifcación, del portador de la
información o conjunto de informaciones que se transmiten.
•
Canal:
medio físico por el que se transmite el mensaje, es decir, el texto literario
(escrito) se convierte en un texto hablado.
•
Receptor:
lector y espectador que decodifca y recibe el mensaje de la obra
teatral.
•
Está escrito por un dramaturgo.
•
Tiene parlamentos.
•
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Pertenece al mundo literario.
•
Está destinado a un lector.
•
La representación es realizada por
el lector en su imaginación.
•
Existen personajes.
•
Es el texto llevado a la práctica en una
puesta en escena.
•
Requiere de un director teatral.
•
Es oral.
•
Está destinada a un público.
•
La representación se realiza sobre un
escenario.
•
Existen actores.
Elementos que articulan la comunicación dramática
Aprende más
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6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
En el siguiente esquema puedes observar la función que desempeña cada uno de
los elementos que articulan la comunicación dramática:
Avasallar:
sujetar, rendir o someter a obediencia. Hacerse súbdito o
vasallo de algún rey o señor. Sujetarse, someterse por impotencia o
debilidad a quien tiene poder o valimiento.
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Funesto:
que es origen de pesares o ruina. Triste y desgraciado.
Forma dramática en la que el héroe padece las consecuencias
de una lucha, ya sea real o simbólica, en la que es vencido
frente a su incapacidad para superar las fuerzas que lo
avasallan
: su destino. El estilo de la tragedia siempre es
elevado y su desenlace
funesto
, fatal. Se caracteriza por el
horror, la desgracia y la muerte. El protagonista suele ser el
héroe, que representa un ideal de comportamiento humano.
La tragedia sigue diciendo algo al hombre actual, que enfrenta
la misma problemática que el de hace siglos.
Código
Código
Texto
literario
Mensaje
Representación
Espectáculo
Enunciador
Autor
Referente
Enunciador
Espectador
Referente
Director
Actor
Técnicos
Público
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Respuesta
Mediador
Interpretación
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Del latín
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comoedia
, del griego
komodia, komodos
-comediante.
Esta forma teatral tiene la Fnalidad de divertir al espectador
poniendo en escena los caprichos, extravagancias y
debilidades humanas. Busca provocar la risa del espectador,
emplea con frecuencia recursos humorísticos, así como el
ingenio verbal. Se caracteriza porque regularmente tiene
un desenlace festivo o placentero. Se le reconoce como el
género cómico. La comedia actual sigue siendo un género
que presenta una problemática sencilla de fácil solución, es
decir, sin complicaciones.
Obra literaria mayor que pone en escena un con icto serio,
donde están en juego valores importantes como el amor,
la honradez o la dignidad. A diferencia de la tragedia, sus
protagonistas pueden ser de cualquier condición social y el
con icto se sitúa en la vida cotidiana. Representa situaciones
en torno al hombre y los diversos problemas que enfrenta:
soledad, odio, venganza, celos, muerte. En el desenlace,
el protagonista obtiene un triunfo moral, aunque a costa de
muchos sufrimientos.
Actividad de aprendizaje 9
(Portafolio de evidencias)
Para terminar el bloque, formen equipos de ocho personas y organicen una
representación teatral. Les sugerimos dos obras, aunque pueden elegir alguna otra.
Nombren un director, responsables de escenografía, designen personajes, etc. ¡Y
manos a la obra!
Las enaguas coloradas
Norma Román Calvo
Personajes
Santos
Chole
Martín el compadre
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La escena representa el interior de una típica cocina de pueblo. A la izquierda, en primer término,
una mesa de pino cubierta con un hule de vistosos colores. En segundo término, un trastero de
madera con platos y tazas de barro. A la derecha, en tercer término, un gran brasero de ladrillos
rojos; sobre él, cazuelas, ollas y un comal. En la pared, colgados, jarros y dos aventadores, un
cucharero de madera con molinillo y cucharas de diversos tamaños; una, muy grande.
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El teatro griego - YouTube
https://www.youtube.com/embed/hx640mxyfRM
La tragedia griega.
https://www.youtube.com/watch?v=cXmvxHTW_60
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Teatro Griego
Los principios del Teatro Griego remota en el siglo VI a. C. en Ática, entre
cantos corales y danzas de las fiestas en las Grandes Dionisíacas que se
festejaban en la época de primavera en honor al Dios Dionisio. Iniciaban con
un desfile con la estatua del homenajeado Dionisio, la paseaban encima de un
barco rodeada de músicos y flautistas. Estas manifestaciones se llevaban a cabo
en espacios al aire libre cerca al templo o altar de la deidad festejada.
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Esta celebración religiosa practicaba durante cinco días. El primer día ofrecido a la procesión, el segundo
dedicado a la función de comedias y los últimos tres días a una competición de tragedias. Las obras
presentadas en las tragedias eran elegidas por el público y dirigentes, donde los poetas mostraban tres
tragedias y un drama, el ganador del concurso recibía una corona de oro y laureles como premio.
La fiesta iniciaba en la mañana y seguía hasta salir el sol, con un número de cuatro actores máximos; estaba
constituido por el coro, quince personas en el acto de las tragedias y veinticuatro en las comedias. Los
actores tenían un vestuario lujoso en las tragedias y ordinario para las comedias, y se colocaban
máscaras con rostros excesivos que proyectaba la voz con un sonido más alto.
Partes del Teatro Griego
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El diseño del teatro griego es una construcción típico de los griegos, caracterizados por ser
edificaciones al aire libre., En los inicios se usaba un área circular de tierra simple y compacta llamada
Orchestra, donde el centro se situaba el altar denominado Thymile y sacrificaban un cordero en nombre del
Dios Dioniso. Luego edificaron construcciones hechos de madera con el objetivo de que los actores se
vistieran y escalones para el público.
Al teatro se le complicó el tamaño del altar que fue reduciéndose hasta salir por fuera de la Orchestra donde
se colocaba el coro, después se construyó un escenario elevado llamando proskenion en que los actores se
presentaban, una skene o garita para que los actores se vistieran y cambiarán la máscara, las gradas eran
de piedra o madera.
Las partes del teatro griego clásico son:

Orchestra: que significa bailar en griego orcheisthai. Era un área de forma circular donde la tierra
era simple y compacta, ubicado a cielo abierto en que el coro cantaba y a su vez bailaban, entraban
por unos pasillos llamados parodoi.

Skené: espacio de forma rectangular larga y estrecha con el lado superior de frente al público
ubicado detrás de la Orchestra y elevado tres metro sobre la misma por medio de una plataforma de
madera sustentada por una columna. En el lado posterior se localizaba una construcción de madera
que se usaba como decorado para los camerinos de los actores. Del lado anterior de la sheké más
cerca al público donde se presentaban los actores. La sheké tenía como característica que podía
estar adornada por estatuas y decoradas las columnas, además tenían recursos como pantallas y
plataformas móviles para que bajaran dioses o actores vinculados con el Olimpo.

Koilon: significa en griego lugar desde donde se contempla. Con forma semicircular hecho para el
público. Usando la falda de una colina arreglada con asientos de piedra o madera. Las gradas se
dividían en sectores, con pasillos semicirculares para garantizar con facilidad el paso de los
espectadores. Los sacerdotes de Dionisos y sus dirigentes se sentaban en primera fila del teatro,
elaboradas especialmente con mármol y decoradas, cerca de la Orchestra. Con un muro estaban
separadas las gradas de la Orchestra.
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1.
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•
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Actividad de aprendizaje 5
(Portafolio de evidencias)
1. Utiliza materiales que tengas a tu alcance (plastilina, barro, papel, cajas de
cartón, masa, etc.) para elaborar una maqueta donde representes:
•
Una escena abierta o cerrada.
•
Un cuadro.
Puede ser de una obra que ya exista, o bien, que desde tu creatividad generes.
2. Posteriormente, explica en un texto breve:
•
¿Qué tema representaste?
•
¿A qué acto podría pertenecer?
•
¿Cuál es la escena que elaboraste?
•
Describe el cuadro.
•
¿Quiénes son los personajes y a qué tipo de clasificación corresponde cada uno?
3. Organicen una exposición con sus maquetas e inviten a gente de su comunidad a visitarla.
¡Llegó el momento de hacer tu propio guión dramático!
Guíate con los siguientes
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6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
pasos:
1. Formen equipos de tres personas.
2.
Elijan un tema que refeje una problemática de su comunidad.
3. Determinen y elaboren los elementos del texto:
•
¿Qué personajes intervendrán?
•
¿En qué tiempo se desarrolla?
•
¿En qué espacio?
Actividad de aprendizaje 6
(Portafolio de evidencias)
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Modalidad discursiva.
•
Acotaciones.
•
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6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
¿Cuál será el lenguaje artístico?
4. Ahora
desarrollen su guión mediante la estructura interna y externa.
•
Estructura externa:
- Actos.
- Cuadros.
- Escenas.
•
Estructura interna:
- Situación inicial.
- Ruptura de equilibrio.
- Desarrollo.
•
Clímax.
•
Desenlace.
5. Elaboren con bolsas de papel o algún otro material que tengan a la mano, títeres
con las características propias de cada personaje.
6. Con una caja de cartón grande pueden fabricar su escenario, decórenlo con
pintura, tela, dibujos, etc.
7.
Hagan una representación ante su grupo.
En México tenemos una historia cuyo trágico fnal es similar al de Romeo y Julieta,
nos referimos a la “Leyenda de Iztaccíhuatl y Popocatépetl”. Léela detenidamente
y transfórmala en un texto dramático escribiendo los elementos y estructura que ya
conoces: diálogos, acotaciones, personajes, escenas, etc.
Ésta es una de las principales evidencias mediante las cuales vas a demostrar que
has alcanzado la competencia de identifcar, analizar y producir textos dramáticos.
Sabías que.
.
.
Romeo y Julieta
de William Shakespeare
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es la obra más representada en la
historia del teatro mundial.
Actividad de aprendizaje 7
(Portafolio de evidencias)
leyenda de los volcanes
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La
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Había una vez un emperador que
tenía una hija llamada Iztaccíhuatl,
la cual era hermosa y se enamoró
de Popocatépetl, un joven guerrero,
valiente, inteligente y valeroso.
El emperador veía con agrado el
matrimonio de su hija.
Cuando Iztaccíhuatl y Popocatépetl
iban a celebrar su boda, los ejércitos
declararon guerra al imperio.
El emperador reunió a sus guerreros
y confó a Popocatépetl la misión de
dirigirlo en los combates.
Popocatépetl fue a la guerra y tras varios meses de combate logró vencer al enemigo.
Antes de que el emperador supiera de la victoria, unos guerreros envidiosos
informaron que Popocatépetl había muerto en combate.
Iztaccíhuatl escuchó la noticia falsa y lloró amargamente. Dejó de comer y cayó en
un sueño profundo sin que nadie la lograra despertar.
Cuando él regresó victorioso supo lo que había sucedido y buscó a Iztaccíhuatl, la
cargó en sus brazos, tomó una antorcha y salió del palacio. El guerrero Popocatépetl
con su preciosa carga a cuestas caminó días y noches hasta llegar a la cima de
la montaña. Encendió una antorcha cerca de ella, la veló, como si Iztaccíhuatl
durmiera. Popocatépetl se quedó junto a ella, sin moverse, hasta morir.
Ella se convirtió en la “mujer dormida” (Iztaccíhuatl) y él en el cerro que humea
Popocatépetl. Después de varios días, todas las personas del Valle de México
se asombraron al ver dos montañas muy altas que habían surgido de la tierra y
lanzaban llamas hacia el cielo. Se trataba de dos volcanes.
Cuando el emperador los vio dijo a su pueblo: “Iztaccíhuatl y Popocatépetl murieron
de tristeza porque no podían vivir el uno sin el otro. El amor los ha transformado en
volcanes y su corazón fel arderá como una Fama para siempre”.
Fuente:
http://mitosyleyendasradioudem.blogspot.mx/
2010/03/leyendas-mexicanas-prehistoricas.html
consultado el 30 de octubre de 2014.
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La dramática historia del amor prohibido entre jóvenes
de familias rivales, Romeo Montesco y Julieta Capuleto.
Frente a las miles de adversidades que su amor les
presenta, los jóvenes enfrentan las presiones de la
rivalidad para fnalmente ser derrotados por la desdicha.
Hamlet
William
Shakespeare
Hamlet retrata la locura que deviene de la venganza,
con una pizca de dolor, ira, traición, incesto y corrupción
moral. Es una de las obras que más críticas ha
generado desde que fue creada (1599-1601). Tiene un
fnal trágico y lúgubre.
Sueño de
una noche
de verano
William
Shakespeare
Comedia romántica y clásica de la literatura teatral
mundial, que narra la historia de dos parejas de amantes
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sumidos en un mundo de fantasía, magia, sueños y
comicidad.
La
Celestina
Fernando de
Rojas
Una de las obras más reconocidas del teatro español,
donde se retrata un violento amor entre Calisto y
Melibea, que es trastornado por las siniestras tramas
de Celestina y los sirvientes de Calisto, Sempronio y
Pármeno. Creada en 1499, este clásico sentó las bases
de la novela y el teatro que hoy conocemos.
Don Juan
Tenorio
José de
Zorrilla
Un drama romántico de 1844 donde el protagonista
logra el perdón divino y se salva del inferno gracias al
amor que profesa por Doña Inés, lo que en versiones
anteriores no ocurría.
La vida es
sueño
Pedro
Calderón de
la Barca
La obra gira en torno a la libertad y las decisiones que
cada uno toma. Se incorporan conceptos religiosos
de diFerentes credos y la in uencia de la legendaria
“Alegoría de la Caverna” de Platón —que ya revisaste en
la asignatura de Introducción a las Ciencias Sociales—
es amplia y explícita. El protagonista, Segismundo,
vive en completa oscuridad en la cárcel de su mente y
desconocimiento personal y alcanza la iluminación sólo
al descubrirse y atesorarse a sí mismo.
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La casa de
Bernarda
Alba
Federico
García Lorca
Esta tragedia retrata la vida de luto de la viuda
sexagenaria Bernarda Alba y los lazos con sus cinco
hijas.
Fuente:
http://noticias.universia.net.mx/tiempo-libre/noticia/2014/03/25/1090748/8-mejores-obras-teatro-historia.html consultado el 30 de octubre de 2014.
Grandes obras del teatro en la historia
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6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
REINALDO: Sí, muy bien, mi señor.
POLONIO:
Y aun a él un poco, pero.
.. puedes decir.
.. no lo conozco bien; pero si es como
yo creo, él es muy alocado, inclinado a tal o cual vicio.
.. y luego dirás de él lo que se te
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6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
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ocurra; pero que no sean cosas tan fuertes que puedan deshonrarlo. Habla sólo de aquellas
travesuras y extravíos comunes a todos, que se reconocen por compañeros inseparables
de la juventud y la libertad.
REINALDO: ¿Como jugar, mi señor?
POLONIO:
Sí, o beber, esgrimir, jurar, pelear, galanear. Puedes decir todo eso.
REINALDO.- Mi señor, con eso lo deshonraría.
POLONIO:
Por mi fe que no; todo depende del modo con que lo acuses. No debes achacarle
delitos escandalosos, ni decir que es un joven de hábitos indecentes. No es esa mi idea;
sólo insinuar sus defectos con tal arte, que parezcan producidos por demasiada libertad;
extravíos de una imaginación ardiente; ímpetus nacidos de la efervescencia de la sangre
juvenil.
REINALDO: Pero, mi buen señor.
..
POLONIO:
Quieres saber ¿por qué debes hacer esto?
REINALDO: Sí, mi señor, quisiera saberlo.
POLONIO:
Pues el propósito es éste; y creo que es proceder con mucha cordura. Cargando
estas pequeñas faltas sobre mi hijo, como ligeras manchas de una obra preciosa, ganarás
por medio de la conversación la confanza de aquel a quien pretendas examinar. Si él está
persuadido de que el muchacho es culpable de las faltas que tú mencionas, no dudes que
convendrá con tu opinión, diciendo: Buen señor, o amigo, o caballero, según la frase o el
título de la persona y del país.
REINALDO: Muy bien, mi señor.
POLONIO:
Y entonces él dirá.
.., dirá.
.. ¿Qué iba yo a decir? ¡Por el cielo! Algo iba yo a decir.
¿En qué estábamos?
REINALDO: En que él diría: Amigo o algo así, o caballero.
POLONIO:
Sí, por lo tanto, él te diría: Conozco al caballero; lo vi ayer, o lo vi el otro día; o
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6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
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en tal ocasión; con éste o con aquel sujeto; y allí, como usted ha dicho, lo vi que jugaba;
o allá lo encontré en un festín; o acullá en una discusión sobre el juego de pelota; o quizá
diga: Lo vi entrar en una casa pública, es decir, en un burdel, o algo parecido. ¿Lo entiendes
ahora? Con el anzuelo de la mentira pescarás la verdad; que así es como nosotros, los
que tenemos talento y prudencia, conseguimos por medio de indirectas llegar al fn directo
usando artifcios y disimulación. Así lo harás con mi hijo, según la instrucción y los consejos
que acabo de darte. ¿Me has entendido, o no?
REINALDO: Sí, señor, lo entiendo.
POLONIO:
Pues adiós, buen viaje.
REINALDO: Mi buen señor.
..
POLONIO:
Observa tú mismo sus inclinaciones.
REINALDO: Lo haré, mi señor.
POLONIO:
Y déjalo que actúe libremente.
REINALDO: Bien, mi señor.
POLONIO:
Adiós
(Sale Reinaldo).
(Entra Ofelia)
POLONIO:
Y ahora, Ofelia, ¿qué te sucede?
OFELIA:
¡Oh, mi señor, mi señor! He recibido un susto muy grande.
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POLONIO:
¿Con qué? ¡Dímelo por Dios!
OFELIA:
Mi señor, estaba cosiendo en mi cuarto, cuando el príncipe Hamlet con la ropa
desabotonada, sin sombrero en la cabeza, sucias las medias, sin atar y caídas hasta los
tobillos; pálido como su camisa, las piernas temblorosas, y con un semblante tan terrible
como si hubiera salido del inferno para anunciar horror, se presentó delante de mí.
POLONIO:
¿Loco por tu amor?
OFELIA:
No lo sé, mi señor; pero en verdad lo temo.
POLONIO:
¿Y qué te dijo?
OFELIA:
Me tomó una mano y me la apretó fuertemente. Luego se alejó hasta la distancia
de su brazo, y poniendo la otra mano sobre su Frente fjó la vista en mi rostro, como si
quisiera grabárselo. Así permaneció largo rato. Por último, sacudiéndome ligeramente el
brazo y moviendo tres veces la cabeza hacia arriba y abajo, exhaló un suspiro tan profundo
y triste, que pareció deshacérsele en pedazos el pecho y terminar su existencia. Hecho
esto, me dejó, y con la cabeza caída sobre los hombros, sin valerse de los ojos para hallar
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el camino, atravesó la puerta; y al último volteó a mirarme.
POLONIO:
Ven conmigo. Iremos a ver al rey. Ésta es la locura del amor, cuya violencia la
destruye a sí misma y dirige la voluntad hacia empresas desesperadas, más que ninguna
otra pasión de cuantas debajo del cielo a igen nuestra naturaleza. Lo siento. Pero dime, ¿lo
has tratado con dureza últimamente?
OFELIA:
No, mi buen señor; sólo como usted me lo ordenó, le he devuelto sus cartas y me
he negado a sus visitas.
POLONIO:
Eso lo ha hecho enloquecer. Me pesa no haber juzgado con más acierto su
pasión. Yo temía que Fuera sólo un artifcio suyo para perderte. ¡Sospecha indigna! Pero,
¡por los cielos!, es tan propio de nuestra edad ir más allá de nosotros mismos en nuestras
opiniones, como es común para los más jóvenes la falta de discreción. Ven, vamos a ver
al rey. Esto tiene que saberlo. Si lo callo, podría causarle más dolor al ocultárselo que el
disgusto que recibirá al enterarse de este amor. Vamos.
(Salen).
Fuente:
Shakespeare, W. (1975).
Hamlet.
Barcelona: Editorial Vosgos.
Después de la actividad anterior, comenta con tus compañeros los
siguientes aspectos:
1. ¿Por qué crees que la lectura de diálogos es un paso importante para
una puesta en escena?
2. ¿Leer los diálogos te da una idea general de cómo es cada personaje?
3. A medida que transcurría la lectura, ¿fuiste imaginando cómo debía
moverse en el escenario cada personaje, cómo debía ir vestido, qué
actitudes iba a mostrar, etc.?
4. ¿Qué otras ventajas se obtienen al realizar la lectura del guión con los
actores?
Refexionemos sobre la actividad
¿De qué te das cuenta?
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6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
Modalidades de presentación
Texto dramático y representación teatral
“El texto impreso de una obra teatral apenas es
más que el plano de un arquitecto para una casa
que no ha sido construida todavía”.
T. Williams
Después de lo que hemos aprendido en este bloque podemos recapitular las dos
formas en que se puede presentar el género dramático: mediante la lectura del
texto dramático y a través de la representación teatral. La
obra dramática
es el texto
literario mismo, mientras que la
obra teatral
es la representación de ese texto en el
escenario; en esta última, entran en juego elementos propios del mundo real, tales
como iluminación, música, vestuario, escenografía y los mismos actores. La obra
dramática cumple su esencia cuando se convierte en obra teatral.
Entre estas formas de presentación, es que la obra dramática es una creación a nivel
mental, ya que reside en la imaginación de quien lee a medida que va avanzando en
la lectura del texto. Por otra parte, la obra teatral, es una interpretación de lo que el
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6. ORIGENES DEL TEATRO – LITERATURA II
autor o dramaturgo le da a la obra dramática.
En el siguiente ejercicio especifcaremos los rasgos distintivos de cada una.
Texto dramático.
Representación teatral.
Estructura Interna de una obra
Acción:
Es toda la actuación de los personajes, lo que acontece
durante la obra de principio
a fin.
Sorpresa:
Es todo elemento inesperado, personaje o situación
.
Situación:
Circunstancias por las que pasa el personaje.
Suspenso:
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Es la prolongación de los tiempos en la resolución del
conflicto, se emplea para mantener el interés del público.
Retrovisiones:
Son los recuerdos de un personaje.
Temática:
Es la escancia de la obra, es el asunto fundamental de la
misma.
Argumento:
Es una reseña de los acontecimientos de la obra.
Conflicto:
Es la situación central en torno a la gira toda la obra.
Personajes:
Son los encargados de ejecutar la acción.
Espacio:
Es el lugar donde se desarrolla la acción, puede ser físico o
abstracto. En caso de ser abstracto, su visualización se da a través del
accionar de los person
ajes.
Tiempo cronológico
:
Es el tiem
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GÉNEROS DRAMÁTICOS
El teatro comprende siete géneros mayores, se les denomina así por considerarlos con una estructura más
completa es decir, desarrollan de tres a cinco actos. En cambio los menores son representaciones breves
que comprenden un acto o una parte de éste.
GÉNEROS MAYORES
GÉNEROS MENORES
Tragedia
Opera, opereta, zarzuela, ballet
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GÉNEROS MAYORES
GÉNEROS MENORES
Comedia
Comedia musical, comedia de enredo, comedia de caracteres
Tragicomedia o Drama
Vaudeville
Obra didáctica (Auto sacramental)
Pastorelas, Pasos y entremés
Pieza
Sketch, performance
Farsa
Sátira y sainete
Melodrama
Revista política y juguete cómico
Tragedia
Comedia
Tragicomedia
Obra didáctica
Pieza
Farsa
Melodrama
DEFINICIÓN
Del griego tragodia canción del macho cabrío, uno de los grandes géneros de la
poesía dramática. Es una obra dramática extensa, en la que el diálogo, la acción y los
caracteres están revestidos de solemnidad y cuyo desenlace es funesto. De origen
religioso, representa el conflicto del carácter humano contra el destino y los dioses.
CARACTERÍSTICAS
7. El propósito de la acción trágica es provocar entre los espectadores los sentimientos de
horror y de compasión, ante la grandeza de la acción.
8. Sus personajes son siempre nobles y superiores; víctimas de terribles pasiones que no
pueden dominar, cual si estuvieran gobernados por la fatalidad.
9. Es primordial la crisis a que ha conducido la postura del protagonista.
10. La tragedia encierra una finalidad aleccionadora.
11. Por medio de la compasión purga los ánimos de las pasiones (catarsis).
12. Estructuralmente tiene un prólogo que precedía al coro, el párodo o cántico de entrada del
coro. El cántico con el que el coro se retiraba: éxodo. Los episodios o partes completas dentro
de la obra, se intercalaban con cantos del coro (párodo y éxodo).
Ejemplo: Edipo Rey de Sófocles, Macbeth de W. Shakespeare
Reconoces y analizas el género dramático
Origen y desarrollo del género dramático
Las primeras manifestaciones dramáticas conocidas en el mundo occidental se realizaron en la antigua
Grecia en el siglo V a.C. Debido a su cultura politeísta, Grecia se concebía al mundo con dioses que protegían
las diversas actividades humanas; por lo tanto, las prácticas religiosas estaban presentes en cualquier
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quehacer, tenían una estrecha relación con la naturaleza, principalmente con todos los fenómenos
relacionados con la Tierra.
Lo anterior se manifestaba de la siguiente forma: luego de que la ardua labor del campo culminaba con la
cosecha exitosa, la población se entregaba tanto al descanso como a los diversos festejos. Todas las
personas que participaban en sembrar, abonar y cultivar, organizaban comilonas donde bebían y cantaban,
para después agradecer a los dioses las cosechas abundantes.
Comilonas: que come mucho, o que come de manera desordenada. Comida muy abundante y variada.
Los banquetes iniciaban con ruidosos himnos cantados en honor a Dionisio (dios de la fertilidad de la tierra,
la uva y el vino), a quien se le atribuía la bendición de tener un año próspero y cosecha de abundantes
Frutos. Para celebrar se planificaban grandes fiestas anuales en las cuales muchos se disfrazaban y
actuaban como cierto personaje. Así surgieron las primeras manifestaciones artísticas relacionadas con este
género literario: los ditirambos (alabanzas) o cantos de Dionisio, que con el tiempo dejaron de ser una
canción improvisada para convertirse en un verdadero himno coral (coro) con música y actuación mímica.
Estaban también los directores de coro, quienes eran los organizadores de procesiones que reunían
alrededor de 20 mil personas, mientras que las procesiones en las zonas rurales (procesiones de campo),
contaban con un público menor.
El primer director de coro Fue Tespis o Thespis (en griego antiguo Θέσπις), quien fue invitado por el tirano
Pisístrato para dirigir la procesión desde Atenas. Tespis desarrolló el uso de máscaras para representar
porque, como consecuencia del gran número de participantes, era imposible escuchar a todos y de esta
manera podrían visualizar el sentimiento a través de las máscaras y empatizar con la escena.
El coro fue compuesto por los narradores de la historia, que a través de la actuación, canto y baile informaban
sobre los personajes. Fue el intermediario entre el actor y el público, y trajo los pensamientos y sentimientos
en primer plano, así como la conclusión o mensaje/moraleja de la obra.
En el siglo - VI a. C., un actor llamado Tespis, introdujo a estos cantos un primer actor que dialogaba con el
corifeo, fren6te al coro que también intervenía en la acción. Con este nuevo elemento nace el drama
propiamente dicho. Posteriormente Esquilo añade un personaje más y así se fue conformando la tragedia
clásica griega. Del culto a Dionisos surge también la comedia, pero más bien de la parte festiva, en la que
los campesinos se entregaban al baile y alegría mediante diversiones llamadas comos. En el siglo - VI a. C.,
el teatro griego implementó en las tragedias y comedias otros elementos: incluyen coro, corifeo y un
promedio de cinco actores, tienen una trama y un desenlace fatal o feliz.
En Atenas existían dos importantes festividades en honor del dios Dionisos: las fiestas en Leneas, que se
realizaban a fines de enero, y las Grandes Dionisiacas efectuadas a finales del mes de marzo. En ambas
festividades se llevaban a cabo representaciones en el teatro de Dionisos. Las fiestas Leneas eran sencillas
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solo participaban ciudadanos atenienses: Las Grandes Dionisiacas eran fastuosas y brillantes a las cuales
asistían personas provenientes de diferentes ciudades del mundo griego.
Estas representaciones se prolongaban hasta por un máximo de tres días, en estos festejos competían
grandes dramaturgos de la época, solo podían participar un máximo de tres autores cómicos y tres trágicos;
los trágicos presentaban cuatro obras juntas (una tetralogía) tres tragedias y una pieza satírica, en cambio
los poetas cómicos sólo podían participar con una comedia. En ambos festejos los autores eran premiados
al igual que los participantes en las obras.
Los primeros teatros fueron construidos de madera, pero a causa de algunos incendios fueron sustituidos
por piedra. Se construían en una hondonada para que las colinas que quedaban a los lados sirvieran de caja
de resonancia a las voces y a la música, de esta forma se aprovechaba la acústica natural del lugar.
El teatro en las culturas americanas
El teatro se hace presente también en las culturas
prehispánicas, con motivos religiosos y bélicos. El
Rabinal Achí, que signifca “Danza del Tambor” es una
obra literaria de la cultura maya del siglo XV, la cual
evidencia
el conflicto entre los rinaleb y los kiche, dos grupos
sociales diferentes.
Los personajes principales de esta obra son dos príncipes: Rabinal Achí y Kiche. Achí. Narra la historia del
príncipe Kiche Achí, que es condenado a muerte por obligar al pago de tributos y destrucción en algunas
poblaciones de los Rabinaleb.
Antes de morir, se le concede bailar al ritmo del tambor con la princesa de Rabinal y disfrutar bebidas reales.
Consta de cuatro actos y es representada cada año el 25 de enero en Rabinal, poblado cercano a la capital
guatemalteca, pues se tiene la creencia de que los espíritus de los guerreros muertos se hacen presentes
en la danza.
Fuente: Padial, A. (1991). Quiché Vinak: tragedia. Nueva versión española y estudio histórico literario del llamado Rabinal Achí.
México: Fondo de Cultura Económica.
Aprende más: Elementos del texto dramático
El texto dramático es el documento escrito en el que se encuentran la historia e indicaciones que se deben
realizar para llevar a cabo la representación.
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Entre sus elementos más representativos
podemos mencionar:
La modalidad discursiva puede ser de los siguientes tipos:

Diálogo: conversación entre dos o más personas, es la forma de expresión básica del teatro, ya sea
en prosa o verso. El diálogo es la manera en la cual se transmite el mensaje teatral, es decir, con él
se construye el mundo externo e interno de la ficción y de los personajes.

Monólogos: Forma discursiva en la cual el personaje está solo en el escenario, donde plantea
dudas acerca de las decisiones o compromisos que tomará su debate interno. Es la expresión de
pensamientos y sentimientos sin esperar respuesta. Recuerda acontecimientos y descubre el mundo
interior del personaje.

Soliloquios: forma discursiva en la que el personaje habla en voz alta, está solo y hace referencia
al acontecer con presencia de un auditorio.

Aparte: en algún momento un personaje, se aparta del resto o desvía su mirada, para hacer un
comentario en voz alta destinado al público/lector, que no es oído por el resto de los personajes.
Este recurso se denomina aparte. Mediante los apartes, los personajes realizan reflexiones en voz
alta, hacen comentarios malintencionados o declaran un pensamiento que puede ser de utilidad para
el desarrollo de la acción. La finalidad de los apartes es informar al público.
Las acotaciones son indicaciones del autor de la obra acerca del montaje, la actuación, el vestuario, los
gestos y el comportamiento de los personajes, aparecen siempre entre paréntesis.
Dentro de este conjunto se organiza la estructura del mundo dramático, es decir, marca con medios
estrictamente literarios las posibilidades de la representación física. En las acotaciones se especifican las
condiciones de enunciación que afectan al diálogo, por ejemplo, cuando se pide algo, se puede decir enojado,
asustado, emocionado, triste, etc.
La historia o trama es lo que relata la obra. Cada texto se hace en función de la dramaticidad y la teatralidad
de su época. La historia se presenta en forma segmentada, distribuida en actos y escenas que los personajes
exponen durante el diálogo.


Discursiva: propio del discurso o del razonamiento.
Ficción: acción y efecto de fingir. Invención, cosa fingida. Clase de obras literarias o
cinematográficas, generalmente narrativas, que tratan de sucesos y personajes imaginarios.
El teatro reúne una multitud de elementos heterogéneos no verbales como: escenografía, iluminación,
música y vestuario, los cuales se convierten en el lenguaje teatral. En éste, la palabra es sólo uno de los
elementos de idioma teatral que empapa al protagonista y al espectador en un mundo ficticio.
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Finalmente, no se debe hablar de lenguaje en teatro sin antes mencionar su carácter apelativo que pretende
llamar la atención del público, y se manifiesta en el diálogo de los personajes y la búsqueda de respuesta de
otros. Esto se logra mediante la relación de seres que entran en conflicto y tratan de provocar una reacción.
Heterogéneo: que está formado por elementos de distinta clase o naturaleza.
Apelativo: se dice de las expresiones lingüísticas, textos, etc., que pretenden influir en el receptor.
El espacio es el lugar donde ocurren los hechos. Cuando se habla de espacio teatral nos referimos tanto al
lugar ficcional como al lugar físico en que se lleva a cabo la obra. En las obras dramáticas, la información
sobre los espacios en donde se desarrolla la acción, se indica mediante las acotaciones.
El tiempo se clasifica en tres tipos:
Época: etapa histórica en la que se sitúan los hechos.
Tiempo de la historia u objetivo: es la duración de los hechos. El tiempo que transcurre en el
mundo dramático se puede considerar desde dos puntos de vista: por un lado, el tiempo total en que
se supone transcurrió el conflicto, y por el otro, se puede tomar en cuenta únicamente el tiempo
ficticio que transcurre desde que comienzan hasta que terminan los hechos contados en la obra.
Tiempo subjetivo: es el tiempo que transcurre en la mente de los personajes a través de recuerdos,
sueños o anticipaciones.



Personaje proviene de la palabra persona, término de origen griego, πρόσωπον, que signifca “máscara de
actor”, o “personaje teatral”. Son cada una de las personas o seres, ya sean humanos, animales o de
cualquier otra naturaleza, reales o imaginarios, que aparecen en una obra artística.
En varios espectáculos teatrales, puestas en escena y películas (con excepción de las animaciones), los
personajes son protagonizados por actores, bailarines y cantantes. Para las animaciones y títeres existen
actores vocales que le dan vida al personaje.
Tipos de personajes según su grado de importancia
Dentro de la obra existen diferentes tipos de personajes:





Protagonista: personaje más importante que representa al grupo.
Antagonista: personaje que se opone a los fines del protagonista.
Personajes secundarios: son aquellos que no representan una de las
dos fuerzas en conflicto, sino que se suman a una de las dos, dando su
apoyo al protagonista o al antagonista.
Personajes colectivos: tipo de personajes que, a pesar de ser una sola
persona, representan a muchas otras; es como si fuera la encarnación de
un grupo. Por ejemplo, un representante del pueblo o de los súbditos de
un rey.
Personajes alegóricos: constituyen la encarnación de cosas abstractas
que no son personas. Evidentemente, son personajes simbólicos a los que
se les dan las características de aquellas cosas a las que representan.
Alegórico: representación simbólica de ideas abstractas por medio de figuras, grupos de éstas o
atributos.
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Esto ocurre en aquellas obras donde participan como personajes “La Primavera”, por ejemplo, o “La Muerte”,
representada como una mujer vestida de negro.
Tipos de personajes según su modificación durante el desarrollo de la acción
Estáticos: son invariables en sus rasgos, no evolucionan. Se comportan de una misma manera
desde el comienzo hasta el término de la obra.
Dinámicos o evolutivos: varían, experimentan cambios de manera conjunta con el desarrollo de la
acción. Modifican su modo de ser.


Tipos de personajes según la complejidad de los rasgos que los constituyen
Planos o lineales: presentan sólo un rasgo dominante y absorbente.
Ejemplos: la bruja-mala, la princesa-buena.
Relieve o redondos: presentan más de un rasgo caracterizador y su personalidad es polifacética,
ya que son capaces de sorprender con un cambio o variación significativa.



Polifacética: que ofrece varias facetas o aspectos. Dicho de una persona: de variada condición
o de múltiples aptitudes.
Aprende más: Estructura del texto dramático
El texto dramático, además, contiene una estructura externa y otra interna.
Revisemos de qué se trata cada una de ellas.
Estructura externa
Con base en la representación escénica, una historia se divide en:
A continuación estudiaremos cada uno de estos elementos.
Acto
Es cada una de las partes en que se encuentra dividida una obra dramática. En cuanto a su amplitud, es la
parte de mayor extensión respecto al cuadro y la escena.
Los actos están determinados por las acciones principales de los personajes y señalan cambios bruscos de
tiempo y lugar. Se indican con la caída del telón, y en el caso del teatro griego antiguo, con la intervención
del coro. En general, una obra puede estar dividida en el número de actos que requiera la historia, sin
embargo, la mayoría de las obras están compuestas de tres, cinco o uno solo. Por ejemplo, una obra de tres
actos se conforma como en el siguiente esquema:
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Por otra parte, en el teatro moderno se ha optado por dividir las obras en dos actos: de la situación inicial a
la ruptura del equilibrio o a un primer clímax y de ahí al desenlace.
El acto puede ser marcado por la salida de todos los personajes a escena o por un cambio importante en la
historia, y esto quiere decir que los límites del acto dependen gradualmente de la estructura interna con la
cual se maneja la historia.
Cuadro
El cuadro, por su parte, indica cambios de lugar mediante la variación de las luces que iluminan diversas
partes del escenario (decorado). Por ser divisiones menores, pueden comprenderse dentro de los actos.
Muestra una particularidad del problema y lo desenvuelve en un mismo lugar o con el desplazamiento de un
personaje. El cuadro no se limita por las acciones sino por los espacios representados.
Escena
Unidades mínimas de construcción dramática que están marcadas por la entrada o salida de algún personaje.
También se considera como escena a la parte del escenario en donde se representan las acciones, de ahí
que éstas puedan ser abiertas o cerradas dependiendo del tipo de espacio en el cual se lleve a cabo.
Escenas cerradas
Se desarrollan en un escenario cerrado, es como una
caja que tiene una cara abierta (se le llama la cuarta
pared). Es la más común y el público percibe la obra sólo
al frente.
Escenas abiertas
Es aquella que se genera casi al aire libre, mientras el
público la está rodeando en 180 grados. El ambiente y
la profundidad le permiten al público sentirse parte de la
obra misma.
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4. Utiliza materiales que tengas a tu alcance (plastilina, barro, papel, cajas de cartón, masa, etc.)
para elaborar una maqueta donde representes:
 Una escena abierta o cerrada.
 Un cuadro.
Puede ser de una obra que ya exista, o bien, que desde tu creatividad generes.
5. Posteriormente, explica en un texto breve:
 ¿Qué tema representaste?
 ¿A qué acto podría pertenecer?
 ¿Cuál es la escena que elaboraste?
 Describe el cuadro.
 ¿Quiénes son los personajes y a qué tipo de clasificación corresponde cada uno?
6. Organicen
 una exposición con sus maquetas e inviten a gente de su comunidad a visitarla.
Estructura interna
El esquema estructural de la obra dramática no es muy diferente del que conforma a la narrativa, pero cuenta
con una terminología particular.
Al inicio de cualquier obra, lo primero será la presentación de los personajes, así como la relación que
guardan entre ellos, ya que esto nos permite tener una perspectiva del orden de la obra. Una vez que se dan
a conocer los personajes sucede algo que rompe el equilibrio, es decir, un conflicto. De acuerdo con algunos
autores, lo que sigue en la obra, es desarrollar una historia para recobrar este equilibrio o resolver el conflicto,
y llegar a un desenlace.
Situación inicial
Por lo general son escenas cortas que aluden a los antecedentes de la obra. En estas escenas se dan a
conocer los personajes y la situación donde se genera la obra.
Ruptura de equilibrio
También es llamada comienzo de la acción y se refiere al momento en que algo rompe con el equilibrio de
la situación inicial, es una fuerza que aparece en conflicto.
Esta lucha, que puede representarse de diversas formas, es la que mantiene la tensión dramática de la obra.
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Desarrollo
En este momento de la obra cuando ya se estableció el conflicto, da inicio la lucha entre varias fuerzas para
lograr la superioridad, generalmente entre el protagonista y el antagonista de la obra. Aquí se desarrolla una
serie de obstáculos que el protagonista debe librar para alcanzar sus objetivos, que pueden ser muy variados,
reconquistar a la persona amada, salvar su vida, liberar a su pueblo, luchar con sus miedos etc. La obra
puede tener varias escenas donde se generan conflictos de distinto carácter que van creando tensión en el
espectador o público.
Aquí mismo, también se llega al clímax, que es el momento en que se presenta la máxima intensidad de la
acción dramática, incluso puede ser un choque frontal del protagonista con el personaje antagonista.
Podemos decir, que es el momento más emocionante de la obra.
Desenlace
Una vez que pasa el punto crítico o clímax, se desarrolla un nuevo orden de equilibrio.
Es el momento en que culminan todas las acciones de los personajes y sobreviene el regreso al orden inicial.
En este momento, el protagonista logra su objetivo y se presenta una solución, en ocasiones alegre y en
otras de desgracia, dependiendo del género dramático de la obra.
¡Llegó el momento de hacer tu propio guion dramático!
Guíate con los siguientes pasos:
4. Formen equipos de tres personas.
5. Elijan un tema que refleje una problemática de su comunidad.
6. Determinen y elaboren los elementos del texto:
 ¿Qué personajes intervendrán?
 ¿En qué tiempo se desarrolla?
 ¿En qué espacio?
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Aprende más
Modalidades de presentación
Texto dramático y representación teatral
“El texto impreso de una obra teatral apenas es más que el plano de un arquitecto para una casa que no
ha sido construida todavía”.
T. Williams
Después de lo que hemos aprendido en este bloque podemos recapitular las dos formas en que se puede
presentar el género dramático: mediante la lectura del texto dramático y a través de la representación teatral.
La obra dramática es el texto literario mismo, mientras que la obra teatral es la representación de ese texto
en el escenario; en esta última, entran en juego elementos propios del mundo real, tales como iluminación,
música, vestuario, escenografía y los mismos actores. La obra dramática cumple su esencia cuando se
convierte en obra teatral.
Entre estas formas de presentación, es que la obra dramática es una creación a nivel mental, ya que reside
en la imaginación de quien lee a medida que va avanzando en la lectura del texto. Por otra parte, la obra
teatral, es una interpretación de lo que el autor o dramaturgo le da a la obra dramática.
En el siguiente ejercicio especificaremos los rasgos distintivos de cada una.
Texto dramático.
Representación teatral.
Recapitulemos…
Escribe en el siguiente cuadro si las características corresponden al texto dramático o a la representación
teatral, coméntalo con tus compañeros.
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Aprende más
Elementos que articulan la comunicación dramática
El proceso comunicativo que se genera en una obra teatral es directo y se manifiesta entre los emisores y
receptores. El desarrollo en la comunicación es complejo, ya que en la puesta en escena intervienen un
grupo de emisores: autor, director de escena junto con los actores, músicos, cantantes y muchos receptores
(el público).
Veamos los elementos:

Emisor: es el que produce el acto de comunicación, el autor o dramaturgo.
Código: conjunto de signos relacionados entre sí, como: expresión, vestuario, escenario,
iluminación, entre otros que maneja el emisor y que son visuales y auditivos para el receptor.
El mensaje de la obra teatral: resultado de la codificación, del portador de la información o conjunto
de informaciones que se transmiten.
Canal: medio físico por el que se transmite el mensaje, es decir, el texto literario (escrito) se convierte
en un texto hablado.
Receptor: lector y espectador que decodifica y recibe el mensaje de la obra teatral.












Está escrito por un dramaturgo.
Tiene parlamentos.
Pertenece al mundo literario.
Está destinado a un lector.
La representación es realizada por el lector en su imaginación.
Existen personajes.
Es el texto llevado a la práctica en una puesta en escena.
Requiere de un director teatral.
Es oral.
Está destinada a un público.
La representación se realiza sobre un escenario.
Existen actores.




Elementos que articulan la comunicación dramática
Aprende más
En el siguiente esquema puedes observar la función que desempeña cada uno de los elementos que
articulan la comunicación dramática:
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Aprende más
Subgéneros dramáticos.
El género dramático se divide en tres subgéneros mayores.
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Para terminar el bloque, formen equipos de ocho personas y organicen una representación teatral. Les
sugerimos dos obras, aunque pueden elegir alguna otra.
Nombren un director, responsables de escenografía, designen personajes, etc. ¡Y manos a la obra!
Las enaguas coloradas
Norma Román Calvo
Personajes
Santos
Chole
Martín el compadre
La escena representa el interior de una típica cocina de pueblo. A la izquierda, en primer término, una mesa
de pino cubierta con un hule de vistosos colores. En segundo término, un trastero de madera con platos y
tazas de barro. A la derecha, en tercer término, un gran brasero de ladrillos rojos; sobre él, cazuelas, ollas y
un comal. En la pared, colgados, jarros y dos aventadores, un cucharero de madera con molinillo y cucharas
de diversos tamaños; una, muy grande.
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El teatro griego - YouTube
https://www.youtube.com/embed/hx640mxyfRM
La tragedia griega.
https://www.youtube.com/watch?v=cXmvxHTW_60
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DEFINICIÓN
Género realista donde generalmente los autores a través de la risa intentan que el espectador reflexione
acerca de lo que sucede. Algunos autores la consideran moralista.
CARACTERÍSTICAS
1. Los personajes son comunes y corrientes que encarnan los vicios y defectos humanos.
2. El protagonista siempre está en conflicto con su antagonista.
3. El conflicto que se presenta siempre es posible y probable en la vida real.
4. Su contenido siempre tiende a exagerar o ridiculizar.
Ejemplo: Tartufo o el impostor de Molière
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DEFINICIÓN
Género no realista que no se trata de la unión o mezcla de la tragedia y la comedia. Tiene como objetivo el
mostrar cómo funciona un defecto o una virtud cuando es enfrentada a circunstancias superiores a lo normal.
CARACTERÍSTICAS
1. Lo trágico tiene que ver con lo serio.
2. Lo cómico se refiere a la conducta viciosa.
3. El personaje protagónico busca un ideal.
4. La anécdota se construye a través de episodios.
5. Cada episodio representa un obstáculo a superar.
Ejemplo: La Celestina de Fernando de Rojas
DEFINICIÓN
Obra didáctica (del griego didaktikus, enseñar) elementos de índole intelectual, contiene los órdenes
temáticos, anecdóticos, estéticos y estructurales, que son sometidos al servicio del autor dramático. El cual
sostiene una postura doctrinal o tesis orientada a dirigir o afirmar a la sociedad en una determinante corriente
ideológica.
CARACTERÍSTICAS
1. Los temas que desarrolla religiosos, sociales y políticos.
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2. La estructura es ideológica y se constituye en tres partes como se muestra a continuación
Tesis. Es la idea principal e inicial que propone el asunto a demostrar.
Antítesis. La obra en sí. La anécdota propone un proceso dialéctico a través de las
contraposiciones
entre
los
personajes
y
las
circunstancias.
Síntesis o conclusión. Parte final donde se llega a una síntesis de la proposición inicial y a
una conclusión sobre lo discutido en el drama.
3. En cuanto a los rasgos personajes, la obra didáctica sólo posee característica de
comportamiento, o bien inalterabilidad en sus reacciones ante las circunstancias que se le
presentan. Aunque por el tono empleado en la representación de una obra didáctica, los
personajes pueden asemejarse a, en cuanto a las características del melodrama, y por tanto
algunos de ellos muestran cambios o modificaciones.
4. También pueden existir personajes alegóricos o simbólicos. Como por ejemplo, la Inocencia,
el Amor, el Pecado, el Mal, las tentaciones, etcétera.
5. Asimismo estas representaciones tienden a mostrar un tono o trasfondo melodramático.
6. Cumple
con
Hace
Atiende
Establece
un
Fomenta
Conlleva
Censura el enajenamiento.
80
las
siguientes
proposiciones
al
equilibrio
con
un
a
la
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funciones
el
básicas:
colectivas.
orden.
público.
debate.
crítica.
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Melodrama
DEFINICIÓN
La pieza es un género que surgió a principios del siglo XIX (Rivera:2001;2001. Pavis, P: 1990; 367), otros
especialistas como Marcela Ruiz Lugo la ubica a finales del siglo XIX (1999;163). Algunos autores le han
llamado la tragedia moderna, pero se diferencia de ella porque la pieza tiene poca acción, su anécdota
mostrará un conflicto cotidiano mínimo, en el que el personaje extrae conclusiones importantes los cuales
transformarán su vida, siendo el mismo personaje el centro de la acción. (Alatorre: 1999;53). Otros autores
Cervantes (2005; 78-79) mencionan que este subgénero teatral permite mostrar aspectos esenciales de una
clase social. Aunque el término pieza parecería despectivo, representa fragmentos de la vida. Nos muestra
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aspectos ideológicos, sociales, actitudes y la forma de ser y comportamiento de los personajes, es decir, que
muestran una variedad de matices en cuanto a una clase social determinada. La acción aparentemente es
lenta, llena de densidad, como si los personajes no tuvieran la fuerza de luchar. La vida es monótona, sin
aliciente y adversa. Hay melancolía y desesperación, como si se esperara un cambio en la vida misma y no
en el propósito de luchar por esa transformación ya sea a lo peor o mejor. Posee dos esquemas: a) El
protagonista toma conciencia de su desajuste con el medio y se ubica consigo mismo. b) El protagonista no
toma conciencia de su desajuste con el medio, ni se ubica en el mismo. Su duración es de 20 a 50 minutos.
CARACTERÍSTICAS
1. Los personajes representan a una clase que le da excesivo valor a la seguridad, a la vida
apacible, al confort.
2. Al producirse los cambios surge el drama.
3. Sus personajes no se adaptan a la pérdida de la comodidad de su situación económica.
4. El personaje persigue un fin, para lograrlo pasará por conflictos que le harán tomar
conciencia de sí mismo y de su vida y como consecuencia reajustará sus valores y metas.
Ejemplos: El jardín de los cerezos de Antón Chejov, Los frutos caídos de Luisa Josefina Hernández y Los
signos del zodíaco de Sergio Magaña
ENLACES TRANSVERSALES DE BOOK PARA GÉNEROS DRAMÁTICOS

Orígenes del Teatro


Ejercicio - Analiza un género dramático
DEFINICIÓN
Del latín farsire, rellenar. Entre los griegos y latinos ya existían las farsas pero es durante la Edad Media que
se constituye como género y se le llamaban así a unas composiciones teatrales dedicadas a entretener o a
moralizar con un tono burlesco. Actualmente se considera que no es un género propiamente dicho sino que
es una forma teatral en proceso de simbolización, es decir de una sustitución de la realidad. La farsa llega a
su máxima expresión en el siglo XX con Ionesco y Beckett.
CARACTERÍSTICAS
1. La
farsa
puede
ser
a)
De
escape:
donde
se
da
b) Satírica: agresiva y de crítica corrosiva.
de
la
risa
dos
por
2. La temática es diversa desde lo más sencillo hasta los de importancia universal.
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formas:
la
risa.
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3. El tono es de exageración, caricaturesco incluso grotesco.
4. Los personajes son simples y muchas veces simbólicos.
5. Género no realista, catártico; que logra una purificación mediante la contemplación escénica
de una realidad no aceptada.
6. Lleva hasta sus últimas consecuencias los vicios, provocando el escándalo.
7. La farsa enfrenta al espectador a la realidad descarnada.
Ejemplos: Los amores criminales de las vampiras Morales de Hugo Argüelles
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DEFINICIÓN
El término melodrama, similar al melólogo pero con varios personajes, es originario del griego
μέλος=canto o música yδράμα = acción dramática
Es género que produce emociones contrapuestas, como entusiasmo y depresión, alegría o tristeza, procura
divertir y entretener al espectador.
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CARACTERÍSTICAS
1. Sus personajes demuestran características opuestas, por ello encontramos villanos
exageradamente malvados, pero inteligentes, mientras el protagonista es víctima y sufrido
llega en extremos a pecar de inocente. Por ello los personajes son simples.
2. Es un arte que extrae conclusiones positivas, su moral es individual e infantil. Tiene dos
posibles
esquemas
temáticos:
El protagonista triunfa en un conflicto gracias a sus virtudes y el antagonista sale derrotado
siempre.
El protagonista sucumbe por sus virtudes, puede o no ganar, pero el hecho de perder
conmueve al espectador.
3. Es socialmente intrascendente, se comenta que después de haber visto un melodrama el
público no recuerda cómo terminó, pero vive intensamente las emociones, tiene un sentido
catártico momentáneo.
4. Los temas son la comprensión e incomprensión, el dolor humano, intrigas, bajas pasiones.
5. No hay una reflexión el espíritu, la ética, la conciencia brillan por su ausencia.
6. Los tonos pueden parecerse al de la tragedia y la comedia.
Ejemplo: Fotografía de Emilio Carballido.
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La vida es sueño
es una obra de Pedro Calderón de la Barca cuya estructura consta
de tres actos, que están divididos en escenas de la siguiente manera: el acto I, consta
de 8 escenas, el acto II tiene 19 escenas y el acto III y último suma 14 escenas. A
continuación la descripción del:
Primera Acto
Escena I
Aparece Rosaura, que acaba de llegar a Polonia. Se lamenta de su vida. Aparece
Clarín el gracioso. Él intenta hacerle olvidar sus penas. Clarín también ha llegado a
Polonia recientemente en busca de nuevos aires o aventuras. Comienzan a caminar
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hacia el castillo.
Escena II
En una de las celdas del castillo, Rosaura y Clarín escuchan voces de alguien
quejándose: es Segismundo, príncipe de Polonia, que está atado y vestido con
pieles. Segismundo afrma que su delito es haber nacido.
Escena III
A la celda ha llegado Clotaldo, el guardián de Segismundo. Clotaldo descubre a
Rosaura y Clarín.
Escena IV
Clotaldo ordena a sus guardias que desarmen y aten a Rosaura y Clarín. Al desarmar
a Rosaura, Clotaldo se da cuenta por la espada de que Rosaura es su hija, pero no
dice nada.
Escena V
Salen Astolfo, príncipe, y Estrella, infanta, hablando en un baile. Astolfo explica que
son sobrinos del rey y herederos al trono, si se casan. Estrella duda de sus palabras,
porque Astolfo lleva un colgante con un retrato y ella quiere ver el retrato.
Escena VI
Sale el rey Basilio y habla con sus sobrinos, Estrella y Astolfo. Cuenta que su hijo
Segismundo ha sido desterrado a una torre porque existe una predicción de que
será un funesto rey. Aún así, ha decidido traerlo a la corte y ver cómo se comporta.
Escena VII
Clotaldo le cuenta al rey que alguien ha conseguido entrar en la torre y ver al príncipe
Segismundo, pero el rey perdona a Rosaura y Clarín.
Escena VIII
Clotaldo libera a Clarín y a Rosaura.
Fuente:
http://espanol.free-ebooks.net/ebook/Resumen-de-la-vida-es-sueno-por-actos/html#ixzz3OlpCGYvi consultada el 25 de octubre de 2014.
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Teatro Griego
Los principios del Teatro Griego remota en el siglo VI a. C. en Ática, entre cantos corales y danzas de
las fiestas en las Grandes Dionisíacas que se festejaban en la época de primavera en honor al Dios
Dionisio. Iniciaban con un desfile con la estatua del homenajeado Dionisio, la paseaban encima de un barco
rodeada de músicos y flautistas. Estas manifestaciones se llevaban a cabo en espacios al aire libre cerca al
templo o altar de la deidad festejada.
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Esta celebración religiosa practicaba durante cinco días. El primer día ofrecido a la procesión, el segundo
dedicado a la función de comedias y los últimos tres días a una competición de tragedias. Las obras
presentadas en las tragedias eran elegidas por el público y dirigentes, donde los poetas mostraban tres
tragedias y un drama, el ganador del concurso recibía una corona de oro y laureles como premio.
La fiesta iniciaba en la mañana y seguía hasta salir el sol, con un número de cuatro actores máximos; estaba
constituido por el coro, quince personas en el acto de las tragedias y veinticuatro en las comedias. Los
actores tenían un vestuario lujoso en las tragedias y ordinario para las comedias, y se colocaban
máscaras con rostros excesivos que proyectaba la voz con un sonido más alto.
Partes del Teatro Griego
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El diseño del teatro griego es una construcción típico de los griegos, caracterizados por ser
edificaciones al aire libre., En los inicios se usaba un área circular de tierra simple y compacta llamada
Orchestra, donde el centro se situaba el altar denominado Thymile y sacrificaban un cordero en nombre del
Dios Dioniso. Luego edificaron construcciones hechos de madera con el objetivo de que los actores se
vistieran y escalones para el público.
Al teatro se le complicó el tamaño del altar que fue reduciéndose hasta salir por fuera de la Orchestra donde
se colocaba el coro, después se construyó un escenario elevado llamando proskenion en que los actores se
presentaban, una skene o garita para que los actores se vistieran y cambiarán la máscara, las gradas eran
de piedra o madera.
Las partes del teatro griego clásico son:

Orchestra: que significa bailar en griego orcheisthai. Era un área de forma circular donde la tierra
era simple y compacta, ubicado a cielo abierto en que el coro cantaba y a su vez bailaban, entraban
por unos pasillos llamados parodoi.

Skené: espacio de forma rectangular larga y estrecha con el lado superior de frente al público
ubicado detrás de la Orchestra y elevado tres metro sobre la misma por medio de una plataforma de
madera sustentada por una columna. En el lado posterior se localizaba una construcción de madera
que se usaba como decorado para los camerinos de los actores. Del lado anterior de la sheké más
cerca al público donde se presentaban los actores. La sheké tenía como característica que podía
estar adornada por estatuas y decoradas las columnas, además tenían recursos como pantallas y
plataformas móviles para que bajaran dioses o actores vinculados con el Olimpo.

Koilon: significa en griego lugar desde donde se contempla. Con forma semicircular hecho para el
público. Usando la falda de una colina arreglada con asientos de piedra o madera. Las gradas se
dividían en sectores, con pasillos semicirculares para garantizar con facilidad el paso de los
espectadores. Los sacerdotes de Dionisos y sus dirigentes se sentaban en primera fila del teatro,
elaboradas especialmente con mármol y decoradas, cerca de la Orchestra. Con un muro estaban
separadas las gradas de la Orchestra.
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