Actividades fin de semestre Integrantes: Leonel Pérez Blanco Dylan Martínez Mora Carmen Palestino Rosas Aaron Gómez Olvera Filosofía 612 QUIN A. Conceptualización del término estética. Belleza. Como categoría estética, encuentran su reflejo y valoración los fenómenos de la realidad y las obras de arte que proporcionan al hombre un sentimiento de placer estético, que traduce en forma objeto-sensorial la libertad y la plenitud de sus fuerzas creadoras y cognoscitivas, signan también sus actitudes en todas las esferas de la vida pública: trabajo, actividad política, social y vida espiritual. Fealdad. Es una propiedad de una persona o cosa que no es agradable de mirar y trae como consecuencia, una evaluación muy desfavorable. Ser feo es ser poco estético, repulsivo u ofensivo. Sublime. sublime es aquello que daña o destruye al observador, causando un fuerte dolor, por ser imposible de asimilar el objeto que se percibe. El término sublime es una belleza extrema, que vas más allá de la racionalidad del espectador. Pasión. La pasión es generalmente asociada a un sentimiento tan profundo que desborda la frontera del dolor físico o psicológico. La palabra pasión deriva del latín passio que significa "sufrir", que a su vez es de la familia ligada al verbo "padecer" y de raíz etimológica en común con "paciencia". B. Descripción de la estética a través del tiempo. Arte griego. Se denomina arte griego al conjunto de manifestaciones artísticas producidas en la Antigua Grecia. Estas producciones, especialmente la arquitectura y la escultura, ejercieron una influencia extraordinaria en la cultura occidental hasta el presente. Ciertas formas incluso se expandieron hacia Oriente a partir de las conquistas de Alejandro Magno, dando lugar al desarrollo del estilo greco-búdico o Gandhara en la India. Las fuentes para conocer el arte griego son los propios restos que se han conservado, aunque deteriorados y dispersos; las copias realizadas por los romanos a partir de la conquista de Grecia y, finalmente, las obras literarias o tratadistas escritas de la antigüedad, ya que la griega fue la primera cultura que escribió acerca del arte y los artistas. Arte medieval. El arte medieval es un periodo de la historia del arte que desarrollo un largo periodo para una grande extensión espacial. En la Edad Media, que va desde el siglo X al siglo XV, son más de mil años de este tipo de arte para África del norte, Europa y Oriente medio. Es por lo que el arte medieval está considerado uno de los periodos más largos de la historia del arte. Se incluyen varios movimientos artísticos en diferentes períodos entre ellos se encuentran los regionales, locales y nacionales, tiene diversos géneros, varias etapas de florecimiento a las cuales se les llamaron renacimiento, tiene obras de artes destacadas y propios artistas que en la Alta Edad Media se mantenían en el anonimato. En la Antigüedad tardía se incorporó la herencia artística clásica traída por el Imperio romano con contribuciones del cristianismo primitivo y de la cultura bárbara. Por la mezcla de estilos artísticos se produjo unas características artísticas muy particulares. El arte medieval se manifestó en diferentes medios y distintas disciplinas tanto artísticas como técnicas entre ellas destacan: manuscritos, orfebrería, escultura, pintura en tabla, mosaicos, frescos, arquitectura, entre otras. También tenemos que incluir los oficios y las artes que no se incluían normalmente en las bellas artes como por ejemplo la confección de la vestimenta medieval. El arte medieval tenía que cumplir tres características fundamentales para ser ese tipo de arte. 1. Tiene que tener carácter de ofrenda hacia Dios, difuntos o santos. Su objetivo es conseguir su indulgencia, su gracia, entre otros. Por esto todo artista medieval no duda de legitimidad de la riqueza en los adornos de monasterios, iglesias y otros lugares de cultos ya que dicha riqueza era una ofrenda para Dios. 2. Tiene que ser un intermediario entre lo humano y el mundo sobrenatural. Suele incluir imágenes medievales en función pedagógica que explican los dogmas de la fe cristiana y su historia sagrada. 3. Ha de ser una confirmación de poder, por un lado, ha de ser el poder de Dios y de la Iglesia y por otro sitio el poder político. Aunque a finales de la Edad Media surgen otros agentes sociales. Arte renacentista. El arte renacentista es un estilo artístico que incluye la pintura, la escultura y la arquitectura surgida en Europa alrededor del año 1400; específicamente en Italia. El arte fue uno de los principales exponentes del Renacimiento europeo. En esta etapa se empezó a reconocer a artistas que aún tienen renombre, como Boticelli, Giotto y van der Weyden. La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la comprensión de la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades del conocimiento. El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de desarrollo de nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de manera directa en la difusión del conocimiento, las artes y la filosofía. Se destacaron artistas como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael. El arte renacentista atravesó dos etapas principales: • • El Quattrocento (siglo XV). En este período se investigó sobre las construcciones de monumentos romanos y griegos y se introdujo la perspectiva y la pintura al óleo. El Cinquecento (siglo XVI). Se logró la madurez de la época renacentista. Surgieron los grandes artistas que marcaron época, tales como Miguel Ángel, Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael, entre otros. El arte renacentista se caracterizó por: • • Recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y la proporción como ideal de belleza, además de los temas mitológicos. Basarse en el concepto del ser humano como centro de todas las cosas, en lugar de considerar a Dios como centro del universo (si bien el arte renacentista tomó como figuras principales a los ángeles, a los apóstoles y a Dios). • • • • • • • • Debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva concepción de la razón como el centro de todo. Predominaba la idea de razón por sobre la fe. Considerar al sufrimiento humano como consecuencia de la ignorancia. Sostenía que el conocimiento conducía a la felicidad del hombre. Buscar la perfección, simetría y proporción en las líneas, tanto en la pintura como en la escultura, para representar el cuerpo humano. Considerar las artes plásticas como forma de expresar conocimientos de geometría, matemática, anatomía, botánica y filosofía. Abordar temas como la mitología, la historia, el cuerpo humano y la naturaleza. Emplear la técnica de la pintura al óleo en la pintura sobre lienzo. Crear el ensayo, un nuevo género en la literatura. Incorporar el mecenazgo, durante este período las figuras importantes y poderosas de la época (reyes, príncipes y nobles) realizaban encargos para la decoración de iglesias u otras construcciones de importancia. Arte moderno. Se denomina arte moderno o arte del modernismo a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente, con un carácter internacional. Denominado a este periodo fin de siglo y belle époque, pero Según los países recibió diversas denominaciones, como Art Nouveau, en Bélgica y en Francia, Jugendstil, en Alemania y los países nórdicos y Austria, Modern Style, en los países anglosajones, Nieuwe Kunst, en los países Bajos y Liberty o Floreale, en Italia. Características del Arte Moderno 1. Los artistas modernistas se inspiraban en la naturaleza y usaban elementos de origen natural, pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. 2. -Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y alzados de los edificios como en la decoración. 3. -Había una tendencia a la estilización en los motivos y menos en su representación realista. 4. -Se utilizaron imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con claro énfasis en las ondas de los cabellos de las mujeres y en los pliegues de sus vestidos. 5. -Los cuadros modernistas, tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando incluso al erotismo. 6. -Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo era el uso de estampas japonesas. Arte posmoderno. El arte posmoderno es aquel asociado con la posmodernidad, un movimiento cultural e intelectual surgido a finales del siglo XX que se caracteriza por el individualismo, el fin de las utopías y la crítica al racionalismo. El mismo se destaca por la búsqueda de nuevas formas de expresión, en las que se combinan elementos de todos los estilos y corrientes anteriores, desde los clásicos hasta los de vanguardia. De esta manera, en sus obras se mezclan imágenes del arte tradicional con los grafitis, los avisos publicitarios, el cine y la televisión, intentando reflejar el caos del mundo actual sobrepoblado de información. A su vez, otro de sus aspectos distintivos es el uso de la tecnología, incluyendo programas de diseño y manipulación de fotos, audios y video para obtener nuevas perspectivas. Al reciclar técnicas e ideas de todos los movimientos, el arte posmoderno no tiene un estilo concreto y definido, más allá de lo conceptual. C. Concepción de elementos relacionados con la estética. El gusto. El problema del gusto es indisociable de la constitución de la estética como área de estudio autónoma que se interroga por los diferentes ámbitos de la experiencia humana, pero que busca dar un carácter general o universal a su contenido. El gusto es una experiencia que afecta a la subjetividad a través del sentimiento de placer o dolor, y por tanto se relaciona con la belleza. El gusto planteó una serie de problemáticas a los filósofos que se abocaron a pensarlo, los cuales buscaban determinar la posibilidad de una norma del gusto o de preceptos universales que permitieran agrupar la diversidad de los fenómenos. Es decir, se preguntaban si éste es una facultad o una capacidad adquirida y condicionada históricamente. Sí como señala el refrán en la variedad está el gusto, la búsqueda de un engarce entre lo que disgusta a unos y gusta a otros se antoja cuando menos complicada. Dentro del pensamiento francés denominado la Querelle (pugna entre antiguos y modernos) se consideraba que al estar determinado por diversos factores como las costumbres, los hábitos adquiridos, el clima, la religión, la universalidad del gusto no era algo que se pudiera sostener. Dividieron el gusto en dos esencial y arbitrario a partir de su relación con el canon grecolatino. El gusto esencial adoptaba el canon grecolatino (antiguos) y a partir de él normaba la producción artística. El segundo pugnaba por romper con la antigüedad (modernos) Para la estética empirista, que toman como base el conocimiento de los sentidos, el gusto es la capacidad de percibir la belleza. Y, aunque los diversos autores que la conforman no llegan a un acuerdo en lo relacionado al carácter del gusto, se pretende justificar su universalidad apelando a una suerte de condición compartida por naturaleza. Se propuso la existencia de un sentido interior que frente a determinadas cualidades de los objetos formaban la idea de belleza. Autores de la estética empirista Francis Hutcheson (Investigación sobre el origen de nuestras ideas de belleza y virtud) y Joseph Addison (Los placeres de la imaginación) David Hume en la Norma del gusto propone la existencia tanto de un órgano interno compartidos por la generalidad de los hombres, y de principios de aprobación y censura también compartidos. Desde este punto de vista existe una estructura interna que nos permite aprehender los estímulos; sin embargo, encontramos diferencias en la percepción debido a que la facultad del gusto es perfectible, lo cual puede explicar el buen o mal gusto Dentro de la tradición racionalista, aunque sin ser tal, Kant escribe en La crítica del juicio que el gusto es “la facultad de juzgar sobre lo que hace universalmente comunicables el sentimiento de placer provocado por una representación, sin concepto”. Para Kant el gusto debe poder ser pensado como universal. Pero retomando a Hume tener buen gusto implica que existen formaciones culturales mejores que otras, esto parecería claro hasta que nos interrogamos por los criterios que nos permiten diferenciar unas de otras. Es decir, por las razones que tenemos para asegurar que el gusto por el vino es mejor, más refinado, que el gusto por el pulque o el mezcal La sensibilidad. Capacidad de recibir representaciones al ser afectados por objetos. Los objetos nos vienen dados por la sensibilidad y ella es la única que nos suministra intuiciones. existen dos modos de sensibilidad: -en sentido externo: por el cual nos representamos en el espacio los objetos como exteriores a nosotros. -en sentido interno: por el cual retiramos en el tiempo nuestro estudio psíquico. espacio y tiempo no son propiedades de las cosas, por lo que no son dadas por la sensibilidad y si son condiciones subjetivas a priori que hacen posible la experiencia. Son algo puesto por la sensibilidad en el acto de conocer. Son intuiciones puras de un espacio y un tiempo que la forma. El resultado es el fenómeno, el objeto de nuestro conocimiento, de nuestra experiencia. Consecuencias: • La experiencia contiene algo más que simples sensaciones. • El objeto conocido es el fenómeno que ya no coincida con la cosa en si misma(noúmeno) • Aparece así una distinción fenómeno y noúmeno • Lo que conocemos es el fenómeno que no coincide con el noúmeno • Espacio y tiempo fuera del sujeto no son nada. La experiencia. -Por experiencia se entiende, corrientemente, la experimentación o verificación de nuestros conocimientos, mediante la observación de los fenómenos, ya sea en el laboratorio o en la realidad objetiva. -En filosofía, la experiencia se explica en forma materialista o idealista. Para el materialismo dialéctico, la experiencia supone la presencia del mundo objetivo material, que existe independientemente de la conciencia del hombre. La experiencia se constituye en el proceso de la interacción entre el hombre social y el mundo exterior, en el proceso de la actividad práctica, durante el cual el hombre modifica la naturaleza y a sí mismo. A juicio de los idealistas (por ejemplo, los machistas), nosotros tratamos, en la experiencia, no con objetos materiales y fenómenos, sino nuestras propias impresiones pasadas. El sentimiento religioso, por ejemplo, ellos lo consideran como una demostración “experimental” de la existencia de Dios. -En general se entiende por experiencia todo aquello que depende, directa o indirectamente, de la sensibilidad; es decir, el conjunto de contenidos que proceden de los sentidos, ya se refieran dichos contenidos a un acto cognoscitivo o a un acto vivencial (emocional) de modo que el ámbito de la experiencia viene a identificarse con el ámbito de la sensibilidad, de la percepción sensible. En un sentido más cotidiano se entiende por experiencia el saber acumulado por una persona mediante el aprendizaje (por repetición, las más de la veces) o por una vivencia reflexiva sobre las circunstancias profesionales o vitales, en general. En el caso de la actividad científica se admite, al hablar de la experiencia, que no haya una relación directa de lo estudiado con los datos sensibles, pero sí debe poder establecerse una relación indirecta, (obtenida por inferencia de otros fenómenos que sí tienen esa relación directa con la sensibilidad), de modo que el fenómeno estudiado no pierda su característica de fenómeno observable. Cuando la observación está orientada y controlada por el observador se habla de "experimento" científico. La imaginación. En general se reconoce que la imaginación es una actividad mental que difiere de la representación y de la memoria pero que se relaciona con ambas de alguna forma. Se relaciona con la representación, porque la imaginación es el resultado de la combinación de elementos que fueron en algún momento representaciones sensibles; y se relaciona con la memoria porque si no se pudieran recordar esas representaciones, o las combinaciones que se hicieron entre ellas, no se podría imaginar nada. En el sentido etimológico, la imaginación es una representación nueva de imágenes; y sin la posibilidad de esa nueva presentación de imágenes, que representa la imaginación, el conocimiento sería imposible. Hume nos dice al respecto, que la imaginación puede separar las ideas simples y luego las puede unir de la manera que le guste; y reconoce que la imaginación supera a las ideas; y que no habría combinación de ideas sin imaginación. La operación imaginativa se puede explicar, porque se rige por ciertos principios universales, o sea que es una facultad que opera en forma regular con cierta fuerza. Esta forma regular de operar que tiene la imaginación, es la que da origen a la creencia, como adhesión a una idea con el convencimiento que es verdadera; o sea que el conocimiento depende de la posibilidad de imaginar lo que se quiera, basado en el hábito de imaginar lo que se acostumbra imaginar. En Kant, la imaginación desempeña un papel más fundamental, ya que le atribuye la posibilidad de unir la diversidad de lo dado en la intuición produciendo una síntesis, que no da lugar al conocimiento pero sí que lo hace posible. La diversidad de lo dado se unifica por medio de tres síntesis: 1) la aprehensión en la intuición 2) la reproducción en la imaginación 3) el reconocimiento en el concepto La síntesis de la reproducción en la imaginación, ligada a la aprehensión en la intuición, es lo que hace posible que la apariencia vuelva a aparecer siguiendo patrones reconocibles. La imaginación puede ser productiva, como facultad de una síntesis “a priori”, cuando consideramos el entendimiento como la unidad de la síntesis de la imaginación en relación con la apercepción. Cuando consideramos el entendimiento puro como la unidad mencionada con respecto a la síntesis trascendental de la imaginación, es una actividad espontánea, que no combina libremente representaciones sino según modelos e intuiciones. La imaginación de Fichte, por ejemplo, sugiere que el Yo pone al No Yo mediante la actividad imaginativa, que no es una fantasía sino una consecuencia del carácter espontaneo del Yo, gracias a su facultad de poner. Para Fichte, el poner, el imaginar y el ser real son la misma cosa. En el siglo pasado se realizaron varios esfuerzos para entender la naturaleza de la imaginación desde el punto de vista fenomenológico. Para Sartre, la imagen no es algo intermedio entre el objeto y la conciencia, ni tampoco es algo fuera del mundo de los objetos. Sartre liga el mundo del pensamiento al mundo de la imaginación y considera que la imaginación está relacionada con la acción o con las posibles acciones. La capacidad de imaginar es la fuente de la creatividad, ya que permite crear ideas nuevas a partir de otras conocidas y lograr ascender en el nivel de conocimiento. ACTIVIDAD 33 GUIA PEDAGOGICA Punto 2. Responde estas preguntas. - • ¿Qué impresión te causa cada una? R.- Me desconcierta el ver que cada uno tiene un distinto acabado, no puedo imaginar en que estaba pensando el autor de cada una o con que finalidad lo hizo. • ¿Qué sensación te genera cada una? R.- La primera y la tercera me generan confusión, la segunda me impresiona el nivel de detalle que se tiene. • ¿Cuáles te parecen bellas? R.- Las tres a su manera, pero opto más por la segunda • ¿Hay alguna que no te parezca bella? R.- No realmente • ¿Qué representa cada una? R.- No tengo idea • ¿El autor tuvo la intención de hacer algo agradable a la vista? R.- Tal vez, pero creo que trataba de plasmar alguna idea, sentimiento o mensaje • ¿El autor tuvo la intención de representar algo? R.- Posiblemente, de eso trata el arte, ¿no? • ¿El autor tuvo una intención diferente a las dos anteriores? R.- Muy posiblemente • En alguno de los tres casos, ¿se necesita conocer el contexto para decir que es bella? R.- Por supuesto • En alguno de los tres casos, ¿es necesario conocer el contexto para saber qué se quiso representar? R.- Claro que si • ¿En alguno de los tres casos la obra se entiende por sí misma? R.- No lo creo Punto 4.- Totalmente de acuerdo, la belleza es subjetiva, cada uno tiene un punto de vista distinto y no necesariamente hay uno equivocado. Punto 5. – ÉPOCA ANTIGUA 1. ARISTOTELES: la belleza consistía en magnitud y orden, cuestiones puramente físicas, y se encuentra en las proporciones perfectas, en la justa medida, en la simetría. El arte humaniza la naturaleza, magnificando la realidad. Así pues, la tragedia es un proceso estético: de la mímesis, la imitación de la realidad, a la poíêsis, la producción creativa. Para Aristóteles, la belleza es buena, aunque no todo lo bueno es bello 2. SÓCRATES: Opinó que el arte es la idealización de la naturaleza, y que cuando representa al ser humano no lo hace tan sólo en cuerpo sino también en el alma, estableciendo por primera vez el concepto de belleza espiritual, contrariamente al de belleza física que había defendido hasta entonces la filosofía griega. 3. PLATÓN: En el Protágoras habló del arte como la capacidad de hacer cosas por medio de la inteligencia, a través de un aprendizaje. Para Platón, el arte (téchnê) tiene un sentido general, es la capacidad creadora del ser humano. Entendía el arte como «destreza» o «habilidad», tanto en el terreno material como en el intelectual EDAD MEDIA 1. SANTO TOMAS DE AQUINO: Reformula el concepto de belleza. Piensa que la percepción de la belleza es una especie de conocimiento, del tal manera que se extrae de un objeto la forma que le hace ser lo que es, definiendo belleza de dos maneras, en primer lugar como “lo que utiliza el movimiento del apetito en forma de descanso en la forma deseada” y “belleza es aquello que agrada a la vista” 2. SAN AGUSTÍN: habló de una serie de características de un objeto para que este sea bello, primero menciona a la Unidad luego el número, la proporción, el orden, que hace que se puedan agrupar las cosas respecto a un fin. 3. SOFISTAS: los sofistas como Protágoras y Gorgias, consideraron la belleza como «lo que produce placer por medio del oído y de la vista», relativizando el concepto de belleza como algo diferente para cada individuo
