CONTENIDO ELABORADO POR WALDO IVÁN CASTRO ROMÁN Este material didáctico es de uso exclusivo del Taller de Animación Demiurgo, partes del mismo pueden reproducirse o transmitirse por cualquier procedimiento electrónico o mecánico, grabación magnética, o cualquier almacenamiento de información y sistema de recuperación, siempre y cuando se cite la fuente y que no sea con fines de lucro individual o empresarial. ANIMACIÓN DESDE EL PRINCIPIO FUNDAMENTOS DE LA ANIMACIÓN ¿Qué es la animación? “La animación es arte en movimiento. Más aún, es el arte del movimiento”. Laybourne. La Animación no sólo es arte en movimiento; es el arte de dar vida a elementos inertes. Animación Animus (latín) Alma La animación a pesar de ser considerada un género menor en el cine, puede ser tomada como un arte independiente que sólo comparte con éste sus aspectos lingüísticos y su soporte; pues, la animación puede inclusive prescindir de la cámara. Por estas características puede situarse más cerca de las artes plásticas (pintura y escultura) que del cine tradicional. “La animación es un arte dentro de otro arte, una extensión de los principios generales del cine al mundo aparte de la plástica”. Halas y Manvell “Gracias a él, todas las artes plásticas pueden en lo sucesivo ser dotadas de movimiento”. George Sadoul En concreto se podría definir a la animación como una rama independiente del arte cinematográfico, cuyo proceso consiste —no sólo— en dar movimiento a imágenes dibujadas o fotografías de objetos (reales o virtuales) inicialmente inmóviles; sino y sobretodo en proporcionaro darles la ilusión de vida, donde la imaginación, la creatividad y la locura son los únicos límites. Lógica de la animación. Definamos a la lógica como: Una secuencia o asociación de hechos que terminan generando una condición esperada, la que a su vez determina un resultado o resuelve un problema En otras palabras podríamos resumirlo como: Causa Efecto En la animación, con la única excepción de animaciones experimentales, los personajes y elementos responden a una lógica, una experiencia vital. Por muy disparatada que sea una situación siempre tendrá algo de sentido y lógica, o mínimamente, el resultado obedecerá a ciertas leyes. Pero esto también implica que puedan permitirse ciertas licencias exagerando estas leyes y obteniendo resultados ilógicos. Es necesario que se sepa lo que es lógico, para lograr que se entienda y se ría de lo que no lo es. Naturaleza de la animación. La animación, como ningún otro género audiovisual, proporciona un control absoluto de la puesta en escena. Permite al animador diseñar y expresar plásticamente todo lo que se le ocurra, desde vivir mundos inexistentes, visualizar abstracciones o simplemente divertirse con disparatadas ocurrencias. “Los dibujos animados son en la actualidad el único arte auténtico, por que en ellos, y sólo en ellos, el artista está absolutamente libre y puede hacer lo que quiere” Charles Chaplin “… el artista tiene mayor libertad –escapa a las fronteras del mundo real- y sus limitaciones son el medio en el que dibuja, el contexto, la estructura del trabajo mismo, y su propia imaginación.” Luis Medina El oficio del animador. La animación es un oficio. Requiere de cualidades como la meticulosidad, la paciencia y la perseverancia que, con mucha disciplina, se pueden adquirir o reforzar; así como de orgullo y satisfacción por lo que se esta realizando. Animar es dar vida a lo inanimado, por cuanto, el aprendizaje de la animación se rige por la experiencia vital y la expresión cultural; y NO por la existencia de la tecnología. Es importante estudiar lo que se ha venido realizando, lo que han hecho los grandes. Ver hasta el cansancio, desmenuzando y estudiando los clásicos, los animé, los “cartoons”, cualquier técnica o tipo de animación que nos interese. “El animador deberá dominar alguna bella arte (dibujo o escultura, por ejemplo), sabrá de cine (no sólo técnica, sino también como narrar en ese medio), tendrá conocimientos de música, de cómo y por qué se mueven las cosas (física) y deberá lidiar con cálculos matemáticos (elementales, pero cálculos al fin) mientras arma sus planillas de filmación. Si a todo eso le agregamos que debe resultar creativo, por que está desarrollando una disciplina artística, entonces se nos torna increíble que una persona pueda reunir todas esas cualidades, pero existir, existen.” Rodolfo Sáenz El actor de la animación. Los personajes que actúan en una película animada lo hacen porque es el animador quien los hace actuar así, es decir: el animador es el actor de una película de animados. El tiempo y el movimiento de una animación se basan en el instinto y la personalidad del animador. “Un animador debe ser un buen actor, debe poder expresar sentimientos a través de la actuación. (...) Esta condición es imprescindible para lograr dar vida a nuestros personajes” Rodolfo Saénz ANIMACIÓN DESDE EL PRINCIPIO HISTORIA DE LA ANIMACIÓN “Si la primera manifestación escrita de la inteligencia humana fue el dibujo, su segunda aspiración fue dotar a éste de movimiento”. La historia de la animación se remonta más allá de los inicios del cine, corre paralela a los juguetes ópticos y se puede afirmar que llega a las pantallas antes que el cine mismo. “Nacen con las sombras chinescas, se convierten en breves aventuras cómicas y terminan por ser filmes de carísima y larga producción”. Ignacio Taibo En 1824, el físico inglés Peter Mark Roget presenta su teoría de “La Persistencia Retiniana”, según la cual, nuestra retina se impresiona por una imagen un periodo Thaumatropo Phenakistoscopio Zootropo de 1/10 de segundo. Gracias a esta teoría, —base para el desarrollo de la animación y del cine mismo— a lo largo del siglo XIX, se suceden una serie de experimentos ópticos; consecutivamente van apareciendo en Europa el Thaumatropo del Dr. Paris (1826), el Phenakistoscopio de Plateau (1832), el Estroboscopio de Von Stampfer (1833), el Zootropo de Horner (1834), hasta llegar al Praxinoscopio de Emile Reynaud (1877). El mismo Reynaud mejora su invento consiguiendo la proyección de figuras animadas sobre una pantalla, y patenta éste como “Teatro Óptico” (1888). El 28 de octubre de 1892, Reynaud inicia las proyecciones de sus “Pantomimas Luminosas” en el museo Grévin de Paris; está podría denominarse la primera exhibición de dibujos animados con características de la animación actual. “Esos aparatos podían por sí solos dar nacimiento al dibujo animado moderno”. Georges Sadoul. Teatro Óptico Ya nacido el cine, en 1907, un desconocido técnico de la Vitagraph descubre el procedimiento de “vuelta de manivela” a través del cual se podían tomar vistas imagen por imagen. Casi paralelamente, Stuart Blackton en EE.UU. y Emile Cohl en Francia, utilizan este procedimiento para crear: “Haunted Hotel” (Blackton, 1907) animando cubiertos sobre una mesa; y “Fantasmagorie” (Cohl, 1908) dando vida a sus fantoches. En los siguientes diez años Cohl desarrollaría tanto el dibujo animado que “... veinte años más tarde, Walt Disney (...) no tendrá que hacer ningún esfuerzo” (Georges Sadoul). Entre 1909 y 19013 la animación comenzaría a popularizarse en los EE.UU. gracias a Winsor McKay y su “Gertie, el dinosaurio”. A partir de 1914, y en el período de dos años, la técnica de la animación se desarrolla hasta adquirir las condiciones actuales. Se introduce el acetato, el fondo móvil, etc. Gertie, el dinosaurio En 1917 hace su aparición el primer personaje famoso de los dibujos animados: el gato Felix de Pat Sullivan. Los años ’20 están marcados por la presencia del Payaso Koko y la serie “Out of the inkwell” , los hermanos Fleischer (Max y Dave), creadores entre otros personajes de: Popeye y la sensual Betty Boop que escandalizó a las ligas puritanas y terminó censurada en 1935 por el código Hays. Out of the Inkwell En esta época hay que citar a Lotte Reiniger que realiza “Las aventuras del príncipe Ahmed” (1926) con figuras recortadas. Ese mismo año, dos ex empleados de los Fleischer se asocian para crear al Conejo Oswald; se trata de Ub Iwerks y Walt Disney. En 1927, Oswald hace su desafortunado debut en “Dificultades con una vagoneta”, pues el distribuidor (Universal Pictures) se quedaría con los derechos del personaje. Un dato importante a rescatar en esta época es la creación del ratón Mortimer de Ub Iwerks, dibujo olvidado que años más tarde Disney lo transformará y explotará con el nombre de Mickey. Con la mala experiencia de Oswald, Walt Disney crea junto a su hermano Roy, la “Disney Brothers”, en ella produce sus “Sinfonías Tontas” y en 1928 realiza el primer corto con sonido post-sincronizado “El Vaporcito Willie” donde debuta Mickey junto a una parodia del gato Felix. Durante la segunda mitad de la década de los 20’ y la primera mitad de los 30’, Disney desarrollará toda la técnica para construir su imperio: “Danza macabra” (1929) primera animación sincronizada con música —antecedente de Fantasía—; “Árboles y flores” (1932) primera película a color; “El viejo molino” (1935) primera animación con mesa multiplazo. Todos estos avances le permitieron en 1937 realizar su primer largometraje: “Blanca nieves y los siete enanos”. El éxito de los subproductos de ésta y sus siguientes películas derivan en el decaimiento artístico en favor del comercio. A partir de 1940, la supremacía Disney impone su estilo no sólo en EE.UU., sino también en Europa. La mayoría de los animadores de Hollywood, diseñan sus propias versiones “disneyanas” de animales humanizados: Paul Terry con sus Urracas Parlanchinas y Súper Ratón; Walter Lantz con el Pájaro Loco y Andy Panda; William Hanna y Joseph Barbera con Tom y Jerry; Leon Schelsinger con los Looney Toons y Merry Melodies. Cabe destacar entre todos ellos a Tex Avery, creador del Pato Lucas, que con su estilo agresivo marco una época e influenció a Chuck Jones, Friz Freeleng y Robert Mckinsom (el mejor ejemplo es el corto “Duck Amuck”), quienes a partir de 1944 se hicieron cargo del área de animación de la Warner Bros. La década de los ’50 está marcada por la irrupción en las pantallas de la UPA (United Productions America); Robert Canon y Stephen Bosustow con “Gerald McBoing Boing” y “Mr. Magoo” respectivamente revolucionan el mundo de los dibujos animados con su trazo nervioso y agresivo, echando por tierra el estilo Disney de la animación perfecta. Gerald McBoin Boing Mientras esta batalla “estética” se libraba en EE.UU., países como Rusia, Inglaterra, Francia, Checoslovaquia, etc. generan sus propias experiencias. En 1933, el ruso Cholpo en su “Sinfonía del mundo” dibuja la pista sonora sobre la película, obteniendo sonidos imposibles de reproducir por cualquier instrumento musical. Alexander Alexeiff, en 1935, desarrolla su método único de “pantalla de alfileres”. Ruka Después de la Segunda Guerra Mundial, se forman escuelas en Zagreb (ex Yugoslavia) y Praga (actual República Checa). Uno de los nombres más destacados es el checo Jiri Trnka que desarrollo y perfecciona la animación de marionetas, a él se le debe la considerada obra maestra de la animación “Ruka” (La Mano). Otro checo, Karel Zeman, un verdadero investigador del cine de animación, inventó un sorprendente procedimiento filmando figuritas de cristal en “Inspiración”. Willis O’brien, en EE.UU., es el pionero en la animación de muñecos cuyas más célebres participaciones fueron en “El Mundo Perdido” (1925) y “King Kong” (1933); su discípulo más cercano, Ray Harryhausen será el responsable de desarrollar más esta técnica llevándola a niveles de perfección como en“Los siete viajes de Simbad”, “Jasón y los Argonautas”, o asesorará junto a Will Vinton a George Lucas en las primeras versiones de “La Guerra de las Galaxias”. En Canadá, la National Film Board deja en manos de un prometedor animador escocés, Norman McLaren, la creación de un estudio de animación. McLaren en su permanencia al frente de este estudio y a lo largo de 40 años desarrolló, experimentó e inventó distintas y nuevas técnicas de animación. Desde el dibujo directo sobre la película (Blinkity Blank), hasta filmes de trucaje como “Vecinos” o “Historia de una silla”. Un dato poco claro es el de la primera película de “animación limitada”, es decir aquella en la que se combinan dibujos con actores. Algunos autores citan a “Saludos amigos” (1943) de Disney; otros mencionan al baile de Blinkity Blank Esther Williams y Gene Kelly con el ratón Jerry en “Leven anclas”; mientras por otro lado se dice que el checo Zeman ya experimentaba esta modalidad. Lo cierto es que el retorno más exitoso de esta técnica es “¿Quién engañó a Roger Rabitt?” de Robert Zemeckis (1989), un verdadero tributo al dibujo animado, ambientada en el Hollywood de 1947 y donde todos los personajes fueron dibujados como en se los conocía en esa época. “Tron” La irrupción de la computadora en la realización de películas se remonta a 1982 en “Tron” película de animación limitada de Disney. Ya en 1991 se hace evidente la espectacularidad con que se introducen las nuevas técnicas de dibujo por ordenador (el baile en un salón de 360 grados en “La bella y la bestia”). Los avances en el procesamiento digital de la imagen llegan a su cúspide en 1995, “Toy Story” dirigida por John Lasseter y producida por Pixar y Disney; se convierte en el primer largometraje enteramente realizado por computadoras. A pesar de ello, en 1993, se realiza “Pesadilla antes de Navidad”, joya de la técnica de stop motion, considerada por muchos la obra maestra absoluta de la animación de la década de los ’90. Un dúo que no se puede dejar de mencionar es el de Nick Park y Peter Lord, creadores de los divertidísimos “Wallace y Gromit” y de la fabulosa “Pollitos en Fuga” , quienes demuestran el absoluto dominio de la técnica de claymation que no tiene nada que envidiar a las películas hechas en computador. El año 2002, Dreamworks estrenó “Spirit: el corcel indomable”, primer largometraje donde la animación tradicional (dibujada a mano) y la animación asistida por computadora se complementan perfectamente, creándose el término de Animación Tradigital. Esta película marcará las bases del cine de animación actual. Sin importar la técnica, la computadora se ha convertido en una herramienta indispensable. Esto no quiere decir que la animación tradicional va a desaparecer, más al contrario, este año, las dos principales películas de animación (“La novia cadáver” de Tim Burton, “Wallace y Gromit: La batalla de los vegetales” de Aardman) fueron realizadas en una técnica tradicional, el stop motion. En cuanto a la animación en Bolivia la información que se tienen data de 1961, año que el Instituto Cinematográfico Boliviano (ICB) realizó la serie de dibujos animados “Emeterio”, del cual sólo se conservan los negativos. El año 77, Jesús Pérez realiza “Un instante, una vida”, animación con plastilina filmada en Súper 8. La inexistencia de apoyo a su trabajo le obligó a renunciar a la animación hasta 1987, año que retorna a este campo con el Grupo Antares del Perú. Desarrolla su “cine de papel”, basado en el principio del libro mágico y construye una máquina manual que podía reproducir la secuencia en forma continua. Inclinándose por la factibilidad del video y el apoyo de procesos computacionales, Jesús Pérez ha continuado una prolífica labor destacándose nítidamente en este campo en Bolivia. En 1989, “La muñeca de maíz”, y en 1994, “Paulina y el cóndor” de la boliviana Marisol Barragán y con la animación de Javier Peraza y Pepe Infantozzi (ambos del grupo Imágenes del Uruguay) respectivamente, muestran una propuesta artística con la técnica de papel rasgado. No se puede dejar de mencionar a la productora Nicobis, verdadera escuela para los animadores en Bolivia, ha realizado animaciones en soporte de video y asistidas por ordenador entre los que destaca “Pintemos el mundo de colores”, sensiblemente su primer cortometraje en 16 mm. “El Quirquincho músico” con la técnica de dibujo recortado ha quedado inconclusa. ANIMACIÓN DESDE EL PRINCIPIO TÉCNICAS DE ANIMACIÓN “La única técnica que merece la pena dominar, es la que uno mismo INVENTA”. Jean Costeau. Si bien el término animación se asocia al dibujo animado, existen una variedad de técnicas y modalidades tan amplias y diferentes que no se las puede resumir en exponentes; más aún, el terreno creativo que ofrece está todavía abierto a un desarrollo mayor. Para una mejor comprensión de estas técnicas de animación las hemos clasificado en cuatro áreas: Animación de Dibujos. A esta área pertenecen los dibujos animados, desde la denominada ani- mación de crecimiento hasta el cell animation: • Animación de crecimiento. Consiste en el dibujo de una escena o personaje que paulatinamente va evolucionando y/o va adquiriendo movimiento. Esta se la podría realizar sobre un pizarrón o un vidrio con pinturas de dedo. • Dibujos sobre la película misma. Poco factible en nuestro medio, consiste en dibujar sobre la misma película elementos muy esquemáticos. • Animación plena. Técnica sumamente trabajosa y artesanal, que obliga a redibujar todo el cuadro para cada nueva toma. No se requiere mayor material que lápiz y papel. • Dibujos sobre acetato (Cell animation). Técnica usada por el cine comercial y por ende la más cara, consiste en dibujar los personajes sobre acetato de celulosa. El perfeccionamiento de esta técnica ha llevado a los animadores a dividir en cuatro niveles a sus personajes permitiendo de esta manera alivianar el trabajo y posibilitando el movimiento independiente de sus partes. El empleo de acetatos en lugar de hojas de papel ahorra el dibujo del fondo; su transparencia permite el uso de fondos únicos (fijos o móviles). En cualquier caso no deben emplearse más de cuatro calcos a la vez, pues el fondo no quedara bien expuesto. El dibujo animado es la forma más diversa de entretenimiento y así como también es la más cara. La cantidad de variantes es muy grande, tanto en la técnica como en la forma, y existe un gran cúmulo de posibilidades de realización. Animación de Recortes. Como su nombre los define puede ingresar en este grupo: • Recortes Articulados (Cut Out). Consiste en hacer evolucionar muñecos articulados de papel cartón u hojalata, cuyos movimientos son filmados imagen por imagen. • Sombras Chinescas. Son una variante de los recortes que emplea personajes en negro y blanco en decorados grisáceos. Es una técnica económica, aunque requiere una buena planificación para la fluidez del movimiento. Animación de Objetos. Una de las técnicas más variada y versátil, puede usarse objetos, muñecos e inclusive seres humanos. Ofrece grandes posibilidades aunadas a inversiones mínimas en tiempo y en dinero. Conforman un tipo de animación más personal • Stop Motion. Término ingles que define a la animación de objetos y/o muñecos, se ha ligado al cine de ficción bajo el rubro de los efectos especiales y pasó a ser sinónimo de impresión de movimiento a todo tipo de figuras tridimensionales. • Objetos Animados. Producen un movimiento en tres dimensiones por el modelado o traslado de volúmenes. La animación de objetos ofrece grandes posibilidades aunadas a inversiones mínimas en tiempo y en dinero. Mientras más sencillo es el material empleado en este tipo de animación de objetos, su impacto es usualmente mayor. • Muñecos Animados. Consiste en el uso de muñecos articulados; estos pueden construirse de plastilina o ser marionetas. o Muñecos de plastilina, son inestables y requieren reforzar sus articulaciones para que se queden quietos tras cada movimiento. La plastilina es mucho más detallable que cualquier otro material moldeable, no tiene limitaciones en cuanto a su forma y además no se endurece nunca, de manera que se puede conseguir el máximo nivel de acabado, tiene variedad de colores mezclables entre sí; es muy adherente y permite la incorporación de piezas extra en cualquier momento. Las animaciones realizadas con plastilina acostumbran a ser ricas en imaginación y recursos, ya sea con relación a los guiones como a la puesta en escena. o Marionetas. Se emplea figuras totalmente móviles equipadas con una diversidad de caras intercambiables y varían en tamaño hasta un tercio del tamaño de la figura humana. • Pixilación. Consiste en el empleo de seres humanos que son fotografiados en fases de acción que al ser reproducidos crean movimientos irreales y fantásticos. La animación con objetos puede hacerse con el equipo más simple de producción y no necesita necesariamente de un departamento de diseño o de material poco común. La capacidad de invención del productor en la animación con objetos, se demuestra principalmente en la selección del material a usarse delante de las cámaras. El hecho se reduce a ir modificando paulatinamente la posición de brazos, piernas y cuerpos – mientras se cuida el traslado total y los fondos- lo que implica paciencia y meticulosidad extremos, consiguiendo la necesaria unidad del movimiento continuado. Animación en Computadoras. Se puede distinguir dos tipos de empleo de la computadora en la animación: • Infografía (CGI), conocida como animación generada por ordenador, puede ser 3D o 2D. La animación CGI es el procesamiento digital de imágenes, es decir, se elabora todos los elementos visuales: personajes, objetos y fondos, en la computadora. En la actualidad ha reemplazado al stopmotion en la realización de efectos especiales en las películas de acción real, esto debido a su hiperrealismo. Una vez pasado el “boom” de las animaciones en 3D, mayormente se han circunscrito series de televisión y algún largometraje que desea mostrar algún avance tecnológico al respecto. “Las producciones de animaciones en 3D a menudo se basan en guiones flojos, creados en función del lucimiento de unas innovaciones técnicas que hacen que el producto final no sea más que un ‘demo’ visualmente espectacular y narrativamente pobre”. Cecilia Casanova. • Animación asistida por ordenador. Es el empleo del computador para facilitar el trabajo en productos de animación tradicional. Principalmente utilizada en la creación de fondos, efectos especiales (fuego, agua, lluvia, etc.), o en el control automático de la cámara (Go-motion). “Sin embargo, estoy convencido, la elaboración casi artesanal posibilita una implicación personal completa, difícil de lograr cuando en el proceso creativo media el aparataje cibernético”. Pedro Süsz “… las mejores obras se dan por la creatividad del espíritu humano, no por la existencia de la tecnología”. Albert Einstein
