Festival Punto Aparte

Festival
Punto Aparte
Bendita locura
25 Mayo/16 Junio
09
Festival
Punto Aparte
Bendita locura
www.festivalpuntoaparte.com
Benditos los cuerdos, porque sólo ellos pueden
descubrir la locura, el frenesí, el miedo. Benditos los
cuerdos que se cuestionen su propia cordura. Benditos
los cuerdos que no se escondan ante su insensatez.
Benditos los cuerdos que se aparten de la normalidad.
Benditos los cuerdos que pierdan el control, que se
abandonen a sus sentimientos...
Benditos los cuerdos que no tengan en cuenta las
consecuencias de sus propios actos. Benditos los
cuerdos que se pierdan en la frontera de lo real y lo
irreal. Benditos los cuerdos que abracen la locura,
porque este es el primer paso para alcanzar la
genialidad. Benditos los cuerdos que se enfrenten
con locura a este mundo loco...
Benditos los cuerdos enajenados que quieran cambiar
esta aburrida y cuerda realidad. Benditos los cuerdos
que se den cuenta de que la locura es algo que todavía
nos va haciendo mucha falta para curarnos de la
peste del sentido común, que descubran que la locura
cambiará el mundo, que es el único modo de plantar
en el cielo estrellas danzantes...
Benditos los cuerdos que pongan un PUNTO
APARTE a su cordura, que se abracen a la pequeña
locura de este festival, que se sumerjan en la genialidad
de quienes se han abandonado a la locura para retar
a un mundo terriblemente cuerdo...
Benditos los cuerdos que se vuelvan locos. Benditos
los locos. Bendita locura.
Dirección y programación
Jorge Martínez
Diseño
Germinal Comunicación
Web
Paula Paje
Prólogo
Juan Manuel Soriano
Fotografía de portada y contra
Roger Ballen
Traducción
Lola Vidal
25 Mayo
Grido
Un film de:
Pippo Delbono
Cine. (Italia)
21:00 h.
Museo Arqueológico de Murcia
Salón de Actos
Una autobiografía filmada del director y realizador
Pippo Delbono sobre los encuentros y los momentos
importantes de su vida. Relato poético y retrato de
su recorrido a través del teatro y de la realidad. Evoca
particularmente su encuentro con Bobó y sus
espectáculos donde se mezclan arte y vida.
Pippo Delbono, autor y director italiano, es un artista
múltiple. Se rodea de actores, bailarines y otros
personajes de un universo atípico, para crear un
lenguaje narrativo original. Ha creado con su compañía
numerosos espectáculos presentados en el mundo
entero. ‘Grido’ es su segundo largometraje.
“Grido nace de la necesidad de contar una experiencia
que me ha traspasado la vida. Un trabajo de dos años
para extraer la esencia de una historia que es mucho
más larga. No quería escribir un guión ni inventar
personajes. La historia estaba allí, como las personas,
vivas. Y con ello mi deseo de buscar en el lenguaje del
cine la libertad del vuelo, de lo irreal, del sueño, de la
poesía. Sin perder la conciencia de la verdad.”
(Pippo Delbono)
“En la Fiesta del Cinema di Roma descubrimos una
perla, Grido, autoretrato del director teatral Pippo
Delbono. Una película a la medida del artista:
sorprendente, insólita, alteradora. Evoca a través de
la locura su encuentro con un hombrecillo llamado
Bobó, el sentido del compañerismo artístico y humano
que los une.”
(Jacques Mandelbau, LeMonde)
Sobre el escenario una mesa, una silla y un vaso. Lo
esencial. Solo en escena, Pippo Delbono se entrega
y se libera a través de palabras y de pequeños gestos,
singularmente aptos para captar y transmitir la
intensidad de un recorrido dedicado a la necesidad
de los hombres y del teatro. Como un funámbulo,
camina por el hilo de sus pensamientos, evocando la
“memoria física de la herida”, base de sus espectáculos,
y se despliega a través de una escritura escénica
poética, elaborada a partir de los cuerpos. Generando
una intimidad que se fue desarrollando en la
presentación de estos encuentros y con la presencia
de sus cómplices de creación -como Pepe Robledo,
Bobó, el hombrecito sordomudo que el actor sacó
del hospital psiquiátrico en el que vivía-, Delbono
cuenta su propia historia y la de ellos entremezclada
con fragmentos de otras obras: “Urlo, il tempo degli
assassini”, “La rabbia” y “Enrique V”. A mitad de
camino entre la confidencia y conferencia, “Racconti
di giugno” expone esta búsqueda íntima, existencial,
y la celebra en el pudor o la impudicia, entre silencios
elocuentes y un decir, a veces, improvisado. De esta
manera el espectáculo confirma la verdad del creador
y del actor sin máscara, en un conmovedor momento
de abandono sobre el escenario.
26 Mayo
Raconti
di Giugno
Pippo Delbono
Teatro. (Italia)
Photos: Jean Louis Fernandez
21:00 h.
Centro Párraga
Esp 0
Autor, actor, director de cine y narrador innato, Pippo
Delbono es uno de los más importantes directores de
teatro italiano de la actualidad. Delbono puede evocar
a Pasolini o a Beckett, pasar de la anécdota a la
alegoría. Para él es la manera de poner en escena un
teatro de la diferencia y del compartir con el que se
comprometió desde sus inicios junto con sus
colaboradores.
Unido para siempre a la existencia del Festival Punto
Aparte de Murcia, donde Pippo ha presentado en
otras ediciones trabajos teatrales como “Guerra” o
“El tiempo de los asesinos”, donde ha realizado la
premiere española de su primer film “Guerra”, y
presentado el único libro editado en castellano sobre
su teatrografía “El teatro de la rabia”, la Compañía
Pippo Delbono fue creada en 1986 por Delbono y
Pepe Robledo, y está compuesta en parte por personas
marginadas por la sociedad. Desde “Il tempo degli
assassini” (1987) hasta “Urlo” (2004), pasando por “Il
silenzio, Guerra o Gente di plastica”, este teatro de la
necesidad se impuso gracias a la intensidad de sus
imágenes que surgen de verdaderas experiencias de
vida. Del burlesco a los rituales, de la danza al texto,
sus espectáculos nacen de múltiples relatos testimoniales,
experimentados y transfigurados sobre el escenario.
“La curiosidad sobre otras personas. El significado
oculto de las relaciones. La delgada línea que separa
el enamoramiento de la actuación. La conciencia de
una belleza sin límites en las historias. Una pasión casi
inmoral por la escena en la vida y la vida en la escena.
El aspecto del deseo que no es expresado aunque sí
mostrado. El éxtasis de las cosas por las que te perdono
y por las que no. Las coincidencias (tantas) en junio,
el mes en que nací. Algo dentro nuestro de lo que
nunca hablamos, quizá, porque nunca nos preguntan.”
(Pippo Delbono)
28 Mayo
Roger Ballen
Retrospectiva
Fotografía. (Sudafrica)
Inauguración
20:00 h.
Sala de Exposiciones
Archivo Regional
Hasta el 30 de junio
Fotógrafo norteamericano. Roger Ballen crece en el
seno de una familia vinculada a la fotografía: su
madre, Adrienne Ballen, es editora en la agencia
Mágnum, y los fotógrafos Bruce Davidson y Andrè
Kertesz -a quien considera su principal inspiradorson amigos de la familia.
ellas personas y animales aparecen en posturas
inquietantes en composiciones formadas por
alambres, sombras, sábanas, paredes manchadas,
dibujos y desechos. Estas imágenes de tintes
surrealistas comunican sensaciones de confusión
psicológica y abandono físico.
En su adolescencia realiza fotografías por afición, al
tiempo que estudia la carrera de geología en la
universidad de Berkley, California. La muerte de su
madre y un general descontento con los valores
occidentales le empujan a abandonar Estados Unidos
y a embarcarse en un viaje de cinco años que le lleva
hasta El Cairo, Grecia, Nepal e Israel, estableciéndose
definitivamente en Sudáfrica en 1974.
Entre las monografías publicadas por Ballen destacan
Boarding House (Phaidon, 2009), Shadow Chamber
(Phaidon, 2005), Fact or Fiction (Galerie Kamel
Mennour, 2003) y Outland (Phaidon, 2001).
Photos: Roger Ballen
Durante este tiempo se gesta su primer libro Boyhood.
Su denuncia del régimen de apartheid cristaliza en
el libro Platteland (1995), que despierta una gran
controversia en todos los ámbitos. Formado por una
serie de impresionantes retratos en blanco y negro
de la gente de esta región sudafricana, la visión de
Ballen evita cualquier resquicio de romanticismo o
sentimentalidad, ofreciendo una realidad cruda y
descarnada. Los modelos son captados casi siempre
en sus casas: parejas mixtas, mineros, funcionarios...
y aparecen unidos por el nexo común de la soledad
y la miseria.
En los noventa se aleja de la fotografía documental
para explorar la ficción con imágenes compuestas
en las que convive la hermosura y la angustia. En
Ballen es fundador de la Roger Ballen Foundation
que promueve la educación de la fotografía en
Sudáfrica mediante la organización de cursos
impartidos por fotógrafos internacionalmente
reconocidos.
Su obra ha sido expuesta en diversos países desde
1997 y forma parte de colecciones y museos e
instituciones como son el Museum of Modern Art
de Nueva York, Centre Georges Pompidou de Paris,
Victoria and Albert Museum de Londres o el Stedelijk
Museum de Ámsterdam, y fue nombrado Fotógrafo
del Año en Les Recontres d’Arles de 2002 por su
trayectoria artística.
Durante su estancia en Murcia, con motivo de la
restrospectiva que le dedica el Festival Punto Aparte,
Roger Ballen desarrollará un taller de fotografía con
los internos del Hospital Psiquiátrico “Román
Alberca” de El Palmar.
El 7 de Agosto de 1.974 puedo verse en Nueva York
un espectáculo memorable. Un joven francés llamado
Phillipe Petit, ayudado por sus más próximos
colaboradores y amigos, había tendido un cable entre
las Torres Gemelas para, a más de 400 metros de
altura, cruzarlo haciendo ejercicios de funambulismo.
02 Junio
Man on
Wire
Este acto, calificado como el crimen artístico del siglo
XX, dió la vuelta al mundo. Pero ¿qué motivó a Petit
y a sus colaboradores ha realizar esta aparente locura?.
La respuesta a esta pregunta tiene que ver más con
la actitud ante la vida de cada uno. Ese día de 1.974,
al levantar la vista en la ciuda más importantes del
mundo, se pudo contemplar en su cielo la respuesta
a todos los sueños.
Jean L. Blondeau
Fotografía. (Francia)
Photos: Jean Louis Blondeau
Inauguración
21:00 h.
Galería La Aurora
Hasta el 30 de junio
Para algunos fue una locura, un riesgo, un sinsentido.
Para otros fue una obra de arte, una llamada de
atención, un acto salvaje, chocante, fuera de lugar y
terriblemente sentimental. Para sus autores, fue la
culminación de un sueño. Uno por el que merecía la
pena vivir y luchar y tal vez, si hubiera sido necesario,
morir. Para Petit, aún hoy apasionado con su
experiencia, la vida no tiene sentido si no se vive para
alcanzar los sueños. O mejor aún, el único sentido de
la vida es alcanzarlos. ¿Cómo vivir el día a día,
enclaustrado en el sinsentido, en la mediocre
monotonía, sabiendo que con cada segundo que pasa
esas ilusiones se hacen cada vez más distantes? ¿Más
improbables?. La película Man on Wire, dirijida por
James Marsh, y ganadora de un Oscar al mejor
largometraje documental, narra la historia de Petit y
sus colaboradores, pero no va sólo de un hombre que
camina por un cable. Man on Wire, aunque suene
exagerado, habla del sentido de la vida. De intentar
dejar una marca no ya tanto en los demás, sino en uno
mismo. De alcanzar una plenitud personal aunque
sea arriesgándolo todo. Y como dice Petit, de vivir
cada día como un desafío. De vivir cada día en la
cuerda floja y saber que el riesgo merece la pena.
El Festival Punto Aparte inaugura la primera exposición
en España de Jean Louis Blondeau, fotógrafo, amigo
y fiel colaborador de Philippe Petit durante más de
cuarenta años. Jean Louis era el encargado de
documentar las peripecias y acciones del grupo que
Petit lideraba, desde su accion en la catedral de Notre
Dame, el teatro de Sydney, o el ya histórico paseo por
las nubes de Petit atravesando un cable entre las
desaparecidas Torres Gemelas de Nueva York.
18 fotografías, que se convierten en documento, en
testigo para la historia, de uno de los acontecimientos
más increíbles de todos los tiempos, un maravilloso y
genial acto de locura, que sirve de estímulo y ejemplo
a este festival que en su edición de 2009 tiene por título
“Bendita locura”.
Desgraciadamente, durante la producción de la película
y la promoción de la misma, la relación entre Philippe
Petit y Jean Louis Blondeau se rompio para siempre,
el cable, de acero, que sustentaba su relación y
complicidad, y que fué testigo de un encuentro
memorable, se quebró lanzando su amistad al abismo.
Durante los primeros pasos de esta creación, los
bailarines y yo trabajamos sobre las Goldberg
Variations de Bach tal y como las interpretó Glenn
Gould en 1981, así como la voz del pianista, con sus
cadencias orales durante una entrevista de radio
dedicada a esta particular interpretación.
03 Junio
La Verdad Grupo Multimedia
presenta:
Body Remix
Emprendí el trabajo con una mezcla de los cuerpos
de los bailarines, a través del uso de varios elementos
de apoyo: muletas, picos, arneses, etc. Una barra de
ballet fue trasformada en un material musical. Pedí
también al compositor Louis Dufort que usara un
“apoyo”, concretamente una interpretación de Gould
y su voz, y a proponer variaciones sobre las Variations.
Diez de las treinta variaciones, así como las dos Arias,
fueron remezcladas o incluso recompuestas. Otras
tres variaciones se ofrecen en su versión original.
(Marie Chouinard)
Marie Chouinard
Danza. (Canada)
Photos: James Viveiros y Kirsten Andersen / Carol Prieur
21:00 h.
Auditorio Víctor Villegas
Sala Narciso Yepes
ImPulsTanz de Viena, el Teatro de la Villa de Paris,
la Fundación Gulbenkian de Lisboa, Movimentos
Festwochender Autostadt en Wolfsburg, etc. Quince
años después de su creación, la obra maestra La
Consagración de la Primavera, se continúa
representando. Otro trabajo de Marie Chouinard,
24 Preludios de Chopin, se convirtió en parte del
repertorio del Ballet Nacional de Canadá en 2008.
Durante los últimos años, Marie Chouinard ha
diseñado ella misma, la iluminación de sus
coreografías, así como elementos escenográficos y
dibujos para sus producciones. Su obra cuenta, a
menudo, con trabajos multimedia (la instalación
interactiva de Cantique no 3, la instalación de vídeo
Icônes, creada con Luc Courchesne) y la película
(Body_Remix/Goldberg_Variations).
De 1978 a 1990, Marie Chouinard, creó e interpretó
más de 50 solos, performances, trabajos vocales,
instalaciones y películas. Sus viajes por Nueva York,
Berlín, Bali y Nepal, su curiosidad, sus eclécticos
estudios y su entendimiento de las diversas técnicas,
la permiten explorar el cuerpo de diferente manera.
Marie Chouinard fue nombrada Oficial de la Orden
de Canadá en 2007. Ha recibido premios por su
contribución al mundo de la danza y las artes: en 2006,
el Grand Prix du Conseil des Arts de Montreal, en
2003, los Premios de Artes Escénicas en Ottawa, en
2000, un Premio Bessie en Nueva York y en 1994, el
Premio Barco de papel en Glasgow.
En 1990 creó la Compagnie Marie Chouinard. Desde
su creación, la compañía ha presentado más de 900
representaciones por todo el mundo, y realizando
coproducciones con algunas de las citas más
importantes del panorama internacional, como la
Bienal de Venecia, el Festival de Danza Internacional
Una producción de la Compagnie Marie Chouinard,
en co-producción con the National Arts Centre
(Ottawa), Montréal High Lights Festival (Montréal),
Schlossfestspiele (Ludwigsburg), Théâtre de la Ville
(París), Venice Biennale (Venecia), White Bird (Portland),
y el apoyo de ImPulsTanz (Viena).
11 Junio
¿Quién es
el loco aquí?
Actitudes y
comportamientos
“desviados” en el
mundo (y la prensa)
de hoy
Charla/Proyección
20:30 h.
Centro Párraga
Esp 0
Photo: Glynnis Mc Daris
Intervienen:
Toni L. Querol (Editor de Vice España)
Jesús Brotons (Redactor)
Lo que empezó hace 15 años como un fanzine punk
en Montreal (Canada) con el que tres punks
justificaban un subsidio del estado que percibían, se
ha convertido en la revista gratuita e independiente
más importante -y controvertida- del mundo, así
como en un grupo mediático que engloba también
una televisión online (VBS.tv), una editorial de libros,
una agencia de publicidad, un sello discográfico y
una productora cinematográfica.
como la multipremiada Heavy Metal In Baghdad,
una crónica de las aventuras y desventuras de
“Acrassicauda”, el único grupo heavy de Irak
intentando sobrevivir a la guerra y a los fanatismos.
Con delegaciones en 20 países, Vice aborda temas
como la política, el arte, el sexo y las drogas con un
estilo muchas veces imitado, pero nunca igualado:
directo, deslenguado e irreverente. Como revista ha
acogido algunos de los nombres referenciales de la
fotografía actual (Richard Kern, Terry Richardson,
Ryan McGinley) y como televisión online -bajo la
dirección artística de Spike Jonze (Cómo ser Jon
Malkovich, El Ladrón de Orquídeas, Jackass) produce
algunos de los programas más rompedores que puedan
verse e internet, desde reportajes en Corea del Norte
o Afganistán hasta crónicas de la América Profunda,
una Guía de Sexo o canales especializados en skate,
surf, música, ecologismo y tecnología.
Programa:
El sello discográfico de Vice ha acogido a grupos
como Black Lips, King Khan & The Shrines,
Chromeo, Justice, Japanese Motors o Raveonettes.
Pero en los últimos años el grupo Vice ha destacado
aún más si cabe como editora de libros (“True
Norwegian Black Metal” de Peter Beste, “Skins &
Punks” de Gavin Watson) y productora de películas,
Vice aterrizó en España hace poco más de dos años
y desde entonces se ha granjeado muchas adhesiones
(y alguna que otra repulsa para dar color).
1ª parte
Charla/presentación
Proyección de:
Alarma!
(Reportaje sobre el principal diario de sucesos
mexicano)
The Vice Guide to North Korea
(Uno de los fundadores de Vice se cuela en Corea
del Norte y nos cuenta lo que ve)
Toxic Napoli
(En Nápoles, la Camorra lo controla todo, hasta la
recogida de basuras)
Duración total: 1 h 45 min
2ª parte
Proyección de:
'Heavy Metal in Baghdad'
Película documental dirigida por Eddy Moretti y
Suroosh Alvi
Duración: 90 min
12 Junio
mPalermu
Emma Dante
Teatro. (Italia)
21:00 h.
Centro Párraga
Esp 0
mPalermu en dialecto siciliano significa "En Palermo"
con el sentido de estar «en el corazón de la ciudad»,
y esta pieza de Emma Dante es un estudio de la
mente rústica que prevalece en una sociedad
estancada en el tiempo, que se defiende con estrategias
hipócritas como el ritual de la conspiración del silencio
u "omerta", que ha hecho tan célebre a Sicilia y su
mafia. El espectáculo versa sobre este silencio y la
estruendosa esquizofrenia social que le acompaña.
El montaje muestra a cinco miembros de una familia
listos para salir de paseo, colocándose con sumo
cuidado sus mejores atuendos antes de exponerse a
las miradas de sus vecinos y conciudadanos, de
exponerse al chismorreo y los susurros. Por una razon
u otra esta salida no se logra. El esquema se repite
en la pieza y cada vez que ellos piensan salir de la
casa, un incidente, una complicación o un
malentendido pospondrá el encuentro con el mundo
allá afuera.
Esta es una obra que nos muestra las ligaciones y
constricciones que no nos permiten cambiar pues
somos todos prisioneros de nuestros temores.
Emma Dante estudió en "Teatés", en la ciudad de
Palermo y en la Accademia d´Arte Drammatica
"Silvio D´Amico" de Roma. Comenzó su carrera de
actriz en teatro, televisión y cine. En el año 1999,
fundó la Compagnia Sud Costa Occidentale en
Palermo, con la cual creó sus primeras producciones,
basadas principalmente en sus propios textos. En
breve tiempo, la compañía obtuvo un reconocimiento
extraordianario de parte del publico y de la critica.
Obtiene el premio "Scenario" por el espectaculo
mPalermu y tambien el prestigioso premio UBU de
la asociacion de la critica teatral.
En 2002 con la creacion del espectáculo "Carnezzeria"
gana una vez mas el premio UBU, y en 2004, gana el
premio de la Crítica italiana y el "Best Director"
("Donnadiscena").
Este éxito y reconocimiento permite hoy a Emma
Dante inaugurar la prestigiosisima temporada del
teatro Alla Scala de Milan con la puesta en escena de
La Carmen de Bizet el proximo 7 de dicembre 2009.
En las artes escénicas La compañía Sud Costa
Occidentale está considerada hoy como de las que
más innovadoras companias de teatro y esto se ha
logrado atraves de un "cortocircuito" que sus interpretes
producen entre el teatro de lo físico y el de la palabra
que lleva a considerar la "simplicidad" como elemento
esencial de sus propuestas.
15 Junio
Híbridos
Nueva dramaturgia
murciana
Charla presentación de libro
Laboratorio Tabatha:
Esther Ruiz
Blás Martínez
Miguel Ángel Hernández
Marta Zafrilla
Crsitina Morano
Remedios Perni
Rachid Mountasar
21:00 h.
Centro Párraga
Esp 0
¿Qué mundo representamos? ¿Qué convenciones
culturales aceptamos para poder representarlo? ¿Hasta
dónde el creador está sujeto a una visión convencional
absurda que le impide mirar con sus propios ojos? Y
ya para acabar, una última pregunta estúpida más:
¿Dónde están las personas, dónde sus conciencias?.
Reflexionando, he decidido partir de la necesidad de
construir, por eso intento hablar de lo que me importa,
sin dejarme arrastrar por ese maldito lastre informativo
asumido como nuestra identidad. Yo soy ahora, aquí,
este es mi espacio-tiempo. Mi pensamiento es un
pensamiento sin mapas, de ahí que la dramaturgia
que me interesa, o lo que es lo mismo, el teatro que
defiendo, no puede hacer de la historia de las formas
y de las palabras su propia cárcel. Esto sucede en todas
las manifestaciones artísticas, auténticas claro. Pero
volviendo al teatro que es la herramienta que manejo
ahora. Si el espectador va al teatro sólo para reconocer
las habitaciones, las cortinas y el cenicero de su casa,
estamos jodidos, fracasados, antes del propio inicio.
Debido al asco que siento por esto, hemos decidido,
crear un laboratorio propio. TÁBATHA, parte de la
idea de hibridación, no la hibridación en sí, como algo
estético. Hibridación como algo mental, casi universal.
Antes he hablado del asco que sentía por la cultura,
por ese flujo de interacciones, apropiaciones y traspasos
que lo obstaculizan. Lo que entendemos por unidad
de la cultura, es mentira, es una puta telaraña de
contradicciones, un estar siempre en la identidad falsa,
una máscara absurda que se alimenta siempre de la
conciencia de los mediocres. Por poner un ejemplo,
ahí tenéis la excitada indiferencia de las televisiones,
asco, asco a la indiferencia de los idiotas. Diversidad.
La diversidad, es la primera de nuestras pulsiones al
enfrentarnos al hecho creativo. Explorar, tejer,
transformar la cortina que nos divide de los otros, en
un velo a través del cual, esos otros puedan mirar y
descubrir su propia visión. Para esto se hace necesaria
la idea de devastación, intentar escuchar esa voz extraña
que no es nuestra y no es no-nuestra a la vez.
El lenguaje, siempre ha de intentar llenar el vacío,
construyendo grandes muros hechos de grandes
significados, frente al estruendoso silencio sin más.
Ya lo dijo Shakespare: “nada humano me es ajeno”.
Pues eso.
Hablamos acerca de los procesos de cambio de
mentalidad, es decir, una mayor conciencia del teatro
como lenguaje múltiple… la interpretación del teatro
como dramaturgias contaminantes.
La recepción teatral, implica siempre una capacidad
de comunicación que desafía y destroza los esquemas
de análisis previos. De ahí que el significado de
cualquier propuesta, está no sólo en la propuesta en
sí misma sino también en el que la recibe e interpreta.
Esto sin pretender obviar que la propuesta escénica,
deba ser también una continua provocación, un
desafío o un enfrentamiento con la concepción del
público. De todos modos nunca renunciaremos a las
pretensiones del YO, a su autenticidad.
16 Junio
Gitánforas
El escaparate de la
locura
Laboratorio Tabatha
Teatro. (España)
21:00 h.
Centro Párraga
Esp 0
Caos mental. Cierto desorden. Gritar. Buscar. Incidir
en la intención última del grito. Imágenes que nos
han habitado internamente, casi fragmentándonos.
Imágenes que han transformado la corporeidad de
nuestra conciencia, casi rompiéndola, siendo
marionetas casi. Imagen de un grito contenido.
Cuando el grito logra hacerse palabra, entonces algo
empieza a construirse.
Palabra que es también cuerpo, cuerpo compartido,
Palabra necesaria, MELODÍA, en medio de este
gran Teatro del Mundo, lleno de ruido y de furia.
El gran escaparate del mundo. Habitar este escaparate
se hace cada vez más inhumano. Este es el germen, la
idea generadora de la propuesta. Insisto, lo que veamos
dentro del escaparate es lo que verdaderamente somos.
Por eso la constante idea del escaparate, escaparate
como algo trasparente, como algo que nos coloca
frente al otro sin poder evitar ser vistos, observados,
analizados y sobre todo manipulados. Y que aunque
lo queráis obviar, os aseguro que todos estáis dentro
del escaparate, todos.
Una gran crítica social. Un punto de partida para
rehacernos, reconstruirnos dentro de esta locura
lúcida. Limpiándonos desde muy dentro de después.
Adquiriendo conciencia de la sociedad, desde el
inconsciente, para que no nos afecte esta gran
manipulación universal del sistema que nos impulsa
a ser un producto y nos estropea el humanismo. Desde
lo bufonesco, desde la locura, desde el escaparate, se
dicen verdades que no pueden dejar de escucharse,
una y otra vez. Atacamos contra la ignorancia y
construimos una gran estructura de conciencia donde
todos y digo todos, seremos reflejo, de este espejo que
nos muestra la vida.
Es esta una propuesta donde se establecen unas
relaciones dinámicas, con una fuerte hibridación de
lenguajes como consecuencia de la incorporación de
teatralidades de otras disciplinas (flamenco- danza interpretación “texto poético” - percusión- video arte,
etc…) que potencian procedimientos contaminantes
donde la imagen adquiere una alta densidad de fuerza.
RODEÁNDONOS.
La dimensión corporal ocupa también un lugar
privilegiado. El cuerpo se presenta como espacio,
desde donde captar poderosamente la atención del
espectador. Esta propuesta en concreto intenta llevar
al actor-bailarín, hasta sus límites de resistencia y
concentración, para entrar en un estado de
percepción, separándose del propio cuerpo hasta los
contornos de la oscuridad de donde emerge la vida,
dando como resultado el nacimiento de otro cuerpo
que ya no es el mismo. El énfasis está puesto en la
transformación, en la Catarsis.
En definitiva, se trata de un viaje abierto a múltiples
interpretaciones, sin tener un significado excesivamente
cerrado. “La finalidad del viaje, puede ser el viaje
mismo” donde inevitablemente la Catarsis, se instala
en nosotros, en nuestra mente.