universidad tecnológica equinoccial facultad de ciencias sociales y

UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
FACULTAD DE CIENCIAS SOCIALES Y COMUNICACIÓN
PROGRAMA DE PUBLICIDAD
TESIS PREVIA A LA OBTENCIÓN DEL TÍTULO DE LICENCIADO
EN PUBLICIDAD
“Análisis del impacto del afiche publicitario en la difusión de
películas ecuatorianas”
AUTOR: DANIELA FERNANDA ALVEAR CADENA
DIRECTOR: DIEGO CÓRDOVA
QUITO, OCTUBRE 2012
Del contenido del siguiente trabajo se responsabiliza Daniela Fernanda Alvear
Cadena.
C.I. 171721287-0
2
Dedicatoria
A mis padres por su apoyo incondicional, y quienes han sido mi mayor inspiración
para poder culminar esta etapa de mi vida.
3
Tabla de contenido
1
El Cine......................................................................................................... 9
1.1 Antecedentes del cine ............................................................................. 9
1.2 Definición de Cine .................................................................................. 9
1.3 Origen del cine ..................................................................................... 10
1.4 Géneros de Cine ................................................................................... 16
1.5 Principales directores de Cine a nivel mundial ........................................ 23
1.6 El cine independiente ........................................................................... 63
1.7 Cine Latinoamericano ........................................................................... 65
1.8 El cine en Ecuador ................................................................................ 66
1.9 Principales directores de cine en el país ................................................. 91
2
El Afiche .................................................................................................. 100
2.1 Definición del Afiche ........................................................................... 100
2.2 Antecedentes del afiche. ..................................................................... 101
2.3 Elementos de un afiche ...................................................................... 105
2.4 Clases de afiche ................................................................................. 107
2.5 Funciones del Afiche ........................................................................... 108
2.6 Afiche Cinematográfico ....................................................................... 109
2.7 Principales Pósters Cinematográficos del mundo ................................... 112
2.8 Principales Pósters Cinematográficos latinoamericanos ......................... 119
2.9 Principales Pósters Cinematográficos ecuatorianos................................ 122
2.10 Salas de cines más importantes del Ecuador ...................................... 124
3
Investigación de mercado ......................................................................... 128
3.1 Propósito de la Investigación............................................................... 128
3.2 Tipos de investigación ....................................................................... 128
3.3 Métodos de investigación ................................................................... 128
3.4 Fuentes de investigación ..................................................................... 129
4
3.5 Muestreo ........................................................................................... 129
3.6 Técnica .............................................................................................. 130
3.7 Análisis de resultados ......................................................................... 132
3.8 Conclusiones de la Investigación ......................................................... 142
4
Propuesta ................................................................................................ 144
4.1 Desarrollo .......................................................................................... 145
4.2 Piezas ................................................................................................ 147
4.3 Plan de medios................................................................................... 157
4.4 Cronograma de actividades ................................................................. 163
5
Conclusiones y recomendaciones .............................................................. 164
5
INTRODUCCIÓN
La publicidad hoy en día se está desarrollando de una manera mucho más
avanzada, rápida y creativa, por lo que ahora es mucho más difícil llegar a
captar la atención del consumidor.
De la misma forma se ha venido desarrollando el cine ecuatoriano y sus
producciones, las mismas que a pesar de ser galardonadas en el exterior, no
son tomadas de la misma forma en el Ecuador.
Anteriormente se han realizado otros estudios, como el de Ramiro Loza, que
esta enfocado hacia la creación de una cultura para prevalecer la producción
cinematográfica
ecuatoriana;
esta
investigación
presenta
datos
muy
interesantes y amplios, que permitieron realizar algo más amplio que un
análisis, por lo que se decidió plantear una propuesta de difusión de la
promoción de películas ecuatorianas en medios publicitarios alternativos dentro
de las salas de cine de la ciudad de Quito.
Es importante poder plantear una propuesta de comunicación con el fin de dar
a conocer el arduo trabajo que los cineastas realizan para poder conseguir todo
lo indispensable para la realización de sus producciones, los mismos que han
sido premiados a nivel internacional, creando conciencia de lo importante que
es apoyar y apreciar un trabajo que es nuestro y que además es bueno.
Invito a la lectura de este proyecto con el fin de conocer el arduo trabajo que
los cineastas ecuatorianos han venido realizando, lo importante que es nuestro
apoyo hacia ellos, y sobre todo conocer una nueva propuesta de promoción
innovadora y actual.
6
Protocolo de Tesis
Planteamiento del problema:
Las carteleras de cine son un medio publicitario que tienen como fin promocionar
las producciones cinematográficas.
A pesar de la promoción que se realiza, no existen estrategias comunicacionales
suficientemente motivantes para aplicarlas en nuevos medios.
Tema:
Análisis del impacto del afiche publicitario en la difusión de películas ecuatorianas
Objetivos
Objetivo general:
Proponer luego del análisis del impacto del afiche publicitario, estrategias para el
uso de nuevos medios publicitarios alternativos para la promoción de películas
ecuatorianas en la ciudad de Quito.
Objetivos específicos:
Investigar sobre el crecimiento del cine mundial y nacional, desde su
nacimiento hasta la actualidad.
Realizar un análisis de las funciones y acciones del afiche como medio de
promoción en el cine.
Diagnosticar a través
de una investigación el impacto y atracción
que
generan los medios de promoción del cine ecuatoriano en el público
quiteño.
7
Determinar las preferencias del público.
Proponer estrategias para el uso de nuevos medios publicitarios alternativos
para la promoción de películas ecuatorianas en la cuidad de Quito.
Idea a defender
Con el desarrollo de elementos, herramientas innovadoras para el diseño y
promoción de estrategias publicitarias en la difusión de películas ecuatorianas, se
podrá obtener un mayor impacto en el público quiteño para que asistan
masivamente a las proyecciones de los proyectos cinematográficos.
8
CAPÍTULO I
1
1.1
El Cine
Antecedentes del cine
El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el movimiento.
Los bisontes con seis patas que los prehistóricos pintaban en las cavernas
demuestran este hecho. Durante siglos, diversas civilizaciones o personas han
buscado procedimientos para reproducir la realidad. Es el caso de las
representaciones con sombras, los primeros espectáculos en público con
proyección de imágenes animadas.
El cine se desarrolló desde el punto de vista científico antes de que sus
posibilidades artísticas o comerciales fueran conocidas y exploradas. Uno de los
primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine fueron las
observaciones de Peter Mark Roget, secretario de la Real Sociedad de Londres,
que en 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de “Persistencia
de la visión en lo que afecta a los objetos en movimiento”, en el que establecía
que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después
de que el sujeto deja de tenerlas delante. Este descubrimiento estimuló a varios
científicos a investigar para demostrar el principio.
1.2
Definición de Cine
“Se llama cine o cinematografía a la tecnología que reproduce fotogramas de
forma rápida y sucesiva creando la llamada “ilusión de movimiento”, es decir, la
percepción visual de que se asiste a imágenes que se mueven. El término tiene la
9
misma raíz griega que otras palabras como cinética, kinesiología y otras que se
relacionan con el movimiento” .1
“Historia narrada mediante imágenes que son proyectadas sobre una pantalla de
una sala de espectáculos”.
2
“El cine es la técnica que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y
sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo o
película”.3
Al cine se lo considera como la reproducción de imágenes en movimiento de forma
secuencial y continua que cuenta una historia con el fin de entretener al
espectador.
1.3
Origen del cine
La idea de combinar las imágenes con sonido grabado es casi tan antigua como la
cinematografía en sí, pero hasta finales de los 20, la mayoría de las películas eran
mudas.
Este periodo anterior a la introducción del sonido se conoce como la "era muda" o
el "período silente".4
“El cine mudo es aquel cine que no posee sonido grabado y sincronizado, referido
especialmente a diálogo hablado, consistiendo únicamente en imágenes”.5
1
http://www.definicionabc.com/general/cine.php
http://es.wiktionary.org/wiki/cine, Septiembre 2011
3
http://codacinemania.wordpress.com/2010/09/02/que-es-el-cine-historia-cinemudo/,Septiembre 2010
4
Anónimo, “Cine Mudo”, http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_mudo, Noviembre 2011
5
Anónimo, “Cine Mudo”, http://www.swingalia.com/cine/historia-del-cine-mudo.php, Nov 2011
2
10
El cine mudo es el cine primitivo, y no posee sonido de ninguna especie. Esto
debido a que la tecnología de la época no lo permitía, pues la idea siempre estuvo
presente.6
Entonces, el cine mudo es la narración de una historia a través de imágenes,
situaciones, actuaciones, etc. Sin el uso de ningún sonido, ni vocablo.
Louis Le Prince fue el creador de la primera película muda en 1888. En el filme se
veían a dos personas caminando alrededor del jardín de Roundhay Garden, fue por
esto que fue titulada “La escena del Jardín de Roundhay”.
Las películas mudas o cine mudo son consideradas como un arte primitivo, carente
de calidad estética y visual, hasta que agentes, directores, y personal de
producción se adaptaron al nuevo “cine sonoro”.
Este fue un pensamiento muy erróneo, ya que se conoce que las películas mudas
tenían una calidad visual muy alta, especialmente las producidas realizadas
durante los años 20.
Esta errónea concepción está basada en archivos que fueron dejados en el olvido y
con el pasar de los años contienen daños ya que muchas de las grabaciones, por
no decir todas, fueron descuidadas y con el tiempo fueron perdiendo su calidad
original.
Las grabaciones que encontramos en la actualidad existen solamente gracias a las
copias de segunda y tercera generación que se hicieron, ya que los filmes
originales estaban dañados.
6
Anónimo, “Cine Mudo”, http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_mudo, Noviembre 2011
11
Las proyecciones de películas mudas normalmente no transcurrían en completo
silencio, solían estar acompañadas por música en directo.
Ya en
los comienzos de la industria cinematográfica se reconocía a la música
como parte esencial de cualquier película, para ambientar la acción que transcurría
en la pantalla.
Los efectos de sonido y la banda sonora de los filmes mudos, eran interpretados
en vivo, en los pueblos pequeños tenían un piano para acompañar las
proyecciones, mientras que en las ciudades mas grandes tenían un órgano, o
inclusive contaban con una orquesta completa para ejecutar algunos efectos
sonoros.
Ciertos órganos de teatro podían reproducir algunos sonidos de orquesta al igual
que un gran número de efectos de sonoros, tales como la famosa Rudolph
Wurlitzer Company, en ese entonces conocida como la poderosa Wulitzer.
Debido a que en el cine mudo no podía emplearse una sincronización entre la
imagen y el audio para mostrar los diálogos, se opto por incorporar cuadros de
texto para que el contenido de cada escena sea más claro para la audiencia, o
para resaltar conversaciones importantes en donde se daba una narrativa real del
diálogo.
También en algunas oportunidades había un narrador que, con voz en off, relataba
los intertítulos o títulos como se les llamaba en ese entonces. Los intertítulos se
convirtieron en elementos gráficos por si mismos, ya que no eran simples textos,
sino que venían acompañados por ilustraciones y decoraciones abstractas que
explicaban lo que iba sucediendo en la pantalla.
12
El encargado de escribir los intertítulos se convirtió en todo un profesional del cine
mudo, hasta el punto que a menudo se le mencionaba en los créditos, de igual
manera que al guionista.
En los años previos a la introducción del sonido se filmaron literalmente miles de
películas mudas, pero un número considerable de ellas (algunos historiadores
estiman que entre el 80 y el 90 por ciento) se han perdido para siempre. Las
películas de la primera mitad del Siglo XX se grabaron en rollos de película de
nitrato, que era inestable, altamente inflamable, y requería de una conservación
cuidadosa para evitar que se descompusiera con el tiempo.
La mayoría de estas películas no fueron conservadas; con los años, las grabaciones
se convirtieron en polvo.
Muchas de ellas fueron recicladas, y un número importante fueron destruidas en
incendios. Por este motivo la conservación de películas ha sido una prioridad entre
los historiadores de películas.
7
La salida de unos obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un
muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del puerto, proyectadas el 28 de
diciembre de 1895 por los hermanos Lumiére, fueron las imágenes también
consideradas como el origen del cine.
Con el éxito que tuvieron las primeras imágenes de los hermanos Lumiére, estos
comenzaron a producir más y más. En un año los hermanos Lumière creaban más
de 500 películas, caracterizadas por la ausencia de actores y los decorados
naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero
los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas.
7
Anónimo, “Cine Mudo”, http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_mudo, Noviembre 2011
13
Y fue George Mélies quien profundizó por primera vez en el hecho de contar
historias ficticias, cine hoy llamado “Cine Ficción” y quien comenzó a desarrollar las
nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en
1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la
cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada.
8
“El viaje a la Luna”
http://carmengilda.blogspot.com/2011/01/cine-1001-peliculas-que-hay-que-ver.html
A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron
grandes directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles
Chaplin que mantuvieron en constante evolución la técnica.
Hasta que en 1927 se estrenó la primera película con sonido “El cantante de jazz”,
a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron
8
Anónimo, “Cine”, http://es.wikipedia.org/wiki/Cine
14
guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la
época muda había creado.9
Paramount Pictures crea la técnica cinematográfica conocida como doblaje en ese
mismo año 1927.
La técnica del color tardó más en ser adoptada por el cine, ya que para el público
no existía mucha relevancia entre la fotografía a color y la fotografía en blanco y
negro. Esta también fue una de las razones por las que se continuó haciendo cine
en blanco y negro, además de que los costes eran mucho menores.
“El cantante de Jazz”
http://descargacineclasico.blogspot.com/2010/03/dos-noches-con-cleopatra.html
9
Anónimo, “Cine”, http://es.wikipedia.org/wiki/Cine
15
La incorporación del color en los filmes se dió con el transcurso de los años, con la
perfección de la técnica, originando también en 1935 “La feria de las vanidades”
de Rouben Mamoulian, aunque el auge de esta fue en 1939 con “Lo que el viento
se llevó”.
La técnica del color tardó más en ser adoptada por el cine, ya que para el público
no existía mucha relevancia entre la fotografía a color y la fotografía en blanco y
negro. Esta también fue una de las razones por las que se continuó haciendo cine
en blanco y negro, además de que los costes eran mucho menores.
Al mejorar los procesos de registro de color y disminuir los costos frente al blanco
y negro, se potenció la grabación de películas a color, asegurando su lugar en
sucesión al cine clásico como por su proximidad al postmodernismo.
El cine llegó a ser una realidad cuando todos los procedimientos y sistemas de
captación y fijación de imágenes permitieron alcanzar la mayoría de edad
necesaria para ser presentado al público como un nuevo espectáculo.
Y es así como hasta hoy en día el cine sigue desarrollándose y creciendo, de la
misma manera que la tecnología va avanzando, y le va permitiendo desarrollar
nuevas formas de proyectar imágenes, como son hoy en día las imágenes 3D y
tecnologías aplicadas, las historias contadas por ilustraciones creadas, stop-motion,
los efectos especiales que van más allá de la imaginación de los espectadores y de
la realidad en sí.
1.4
Géneros de Cine
El género sirve para etiquetar los contenidos de un filme, caracterizando los temas
y componentes narrativos que relacionan dicha película con otras relacionadas en
un mismo conjunto.
16
En suma, se trata de categorías temáticas, codificadas a lo largo de los años y
evidentes por parte de los espectadores. Esta forma tipificada de narrar hereda
muchas de esas categorías de la literatura, y muy singularmente de la narrativa
popular, que reitera ciertos elementos para simplificar la comprensión del relato.
Dado que ese tipo de convención aún predomina en el ciclo productivo del cine
contemporáneo, resulta útil explorar los orígenes y evolución de los géneros más
característicos, aún hoy reconocibles por la audiencia que acude a las salas de
exhibición.
10
Los géneros cinematográficos se clasifican según los elementos comunes de las
películas que abarquen, originalmente según sus aspectos formales (ritmo, estilo o
tono y, sobre todo, el sentimiento que busquen provocar en el espectador).
Alternativamente, los géneros cinematográficos se definen por su ambientación o
por su formato. Los géneros siguientes son a menudo concretados para formar
subgéneros, y también pueden ser combinados para formar géneros híbridos.
Actualmente no existe un consenso en cuanto a géneros cinematográficos se
refiere y se da una compleja serie de clasificaciones.11
Por su estilo o tono
Drama
En el cine, películas que se centran principalmente en el desarrollo de un
conflicto entre los protagonistas, o del protagonista con su entorno o consigo
mismo.
10
11
http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/index.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Género_cinematográfico
17
Comedia
Películas realizadas con la intención de provocar humor, entretenimiento o/y risa
en el espectador.
Acción
Cuyo argumento implica una interacción moral entre el «bien» y el «mal» llevada a
su fin por la violencia o la fuerza física.
Cine mudo
El cine mudo es aquel que no tiene sonido, consistiendo únicamente en imágenes.
Se vale de gesticulaciones y expresiones que luego son explicadas en recuadros
negros y enmarcados con textos.
Aventura
Contienen situaciones de peligro y riesgo.
Terror
Realizadas con la intención de provocar tensión, miedo y/o el sobresalto en la
audiencia.
Cine de ciencia ficción
Presentan la progresión de lo desconocido a lo conocido por el descubrimiento de
una serie de enigmas. Es característico el uso de efectos especiales.
18
Cine romántico
Hacen hincapié en los elementos amorosos y románticos.
Cine musical
Contienen interrupciones en su desarrollo, para dar un breve receso por medio de
un fragmento musical cantado o acompañados de una coreografía.
Melodrama
Tiene una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva, atendiendo al gusto de
cada persona.
Cine catástrofe
El tema principal es una gran catástrofe
(por ejemplo grandes incendios,
terremotos, naufragios o una hipotética colisión de un asteroide contra la Tierra).
Suspenso
Realizadas con la intención de provocar tensión en el espectador. También suele
utilizarse la palabra thriller para designar películas de este tipo, aunque hay sutiles
diferencias.
Fantasía
Contienen hechos, mundos, criaturas o cosas fantasiosas, normalmente tomados
de leyendas y/o la mitología.
19
Pornográfico
Contiene escenas sexuales explícitas.
Por su ambientación
Histórico
La acción de estas películas ocurre en el pasado, a menudo con intención de
recreación histórica.
Policíaco – Cine Negro
La derrota del «Mal» en el reino de la actividad criminal.
Bélico
Campos de batalla y posiciones que pertenecen a un tiempo de guerra.
Del Oeste (o Western)
Del período colonial a la era moderna de los Estados Unidos de América, a menudo
mitificándolos.
Ciencia ficción
El espacio dominado por el hombre o civilizaciones de un posible futuro.
20
Fantasía
Mundos míticos que provienen únicamente de la imaginación de su autor.
Deportivo
Entornos o acontecimientos relacionados con un deporte.
Por su formato
Animación
Películas compuestas de fotogramas dibujados a mano que, pasados rápidamente,
producen ilusión de movimiento. También se incluyen aquí las películas generadas
íntegramente mediante la informática.
Imagen real o live action
En oposición a la animación, películas filmadas con actores reales, de «carne y
hueso».
Por su tipo de audiencia
Infantil
Dirigidas a niños.
21
Juvenil
Dirigidas a adolescentes.
Familiar
Realizadas con la intención de resultar atractivas a gente de todas las edades.
Adulta
Dirigidas exclusivamente a una audiencia adulta; el contenido suele incluir
violencia, temas inquietantes, palabras malsonantes o sexo explícito.
De culto
El término película de culto hace referencia a un tipo de película que atrae a un
pequeño grupo de devotos o aficionados o aquella que sigue siendo popular con el
paso de los años entre un pequeño grupo de seguidores. Con frecuencia la película
no llega a alcanzar el éxito en su estreno, aunque no siempre es el caso. Algunas
veces la respuesta de la audiencia a una película de culto es algo diferente a lo
que pretendían los creadores. Es normal que una película de culto presente
elementos inusuales.
22
1.5
Principales directores de Cine a nivel mundial
Steven Spielberg
Nacido el 18 de Diciembre de 1947, en Cincinnati –
Ohio, en una familia judía. Creció en Nueva Jersey,
Arizona y California. Hijo de Arnold Spielberg,
ingeniero electrónico, y Leah Adler pianista de
concierto y restauradora.12
A lo largo de su adolescencia, Spielberg se hizo
aficionado rodando películas de 8mm con sus
amigos, el primer corto que hizo fue en el restaurante Pinnacle Peak Patio en
Scottsdale, mientras su hermana vendía palomitas de maíz.13
En 1958, se convirtió en un Boy Scout, y cumplió un requisito para la insignia de
mérito de fotografías, por lo que filmó un corto de 9 Minutos de 8mm llamada “El
Duelo Final”.14
A los 13 años, Spielberg ganó un premio por una película de guerra de 40 minutos
llamada “Scape to Nowhere” que se basó en una batalla en el este de África. En
1964, a los 16 años, Spielberg escribió y dirigió su primera película independiente,
una aventura de ciencia ficción de 130 minutos llamada Firelight (que más tarde
inspiraría a Close Encounters of the Third Kind). La película, que contó con un
12
13
14
ANÓNIMO, “Steven Spielberg Biography (1947 - ?)”, http://www.filmreference.com/film/85/
Steven-Spielberg.html#ixzz1gSK7fhYI, 2010
WIKIPEDIA, “Steven Spielberg”, http://es.wikipedia.org/wiki/Steven_Spielberg#cite_note-1,
2011
ANÓNIMO, “Stephen Spielberg, Sighted in Arizona!”, http://doney.net/aroundaz/
celebrity/spielberg_stephen.htm, 2003
23
presupuesto de 500 dólares, se proyectó en su cine local y generó una ganancia
de $ 1.15
Después de mudarse a California, presentó una solicitud para asistir a la escuela
de cine University of Southern California, escuela de Teatro, Cine y Televisión, en
tres ocasiones, pero no tuvo éxito.
Su verdadera carrera comenzó cuando ingresó en Universal Studios como pasante
no remunerado, siete días a la semana y fue invitado al departamento de edición.
Después de ello, Spielberg se hizo famoso, la USC (University of Southern
California) le otorgó un doctorado Honoris Causa en 1994, y en 1996 se convirtió
en miembro del consejo de la Universidad.16
Como interno y de evaluación de Universal Studios, Spielberg hizo su primer
cortometraje para su presentación en salas, la película de 24 minutos “Amblin”
(1968), cuyo título Spielberg más tarde utilizó para dar nombre a su productora,
Amblin Entertainment.
En el mundo del espectáculo, se le conoce como "El Rey Midas de Hollywood".
Según la revista Forbes la riqueza de Spielberg supera los 3 mil millones de dólares
norteamericanos. Vanity Fair publicó la lista de los Top 40 celebridades de
Hollywood con más ingreso a lo largo de 2010. Spielberg fue clasificado No. 3 en la
lista, ganó un estimado $80 millones.17
15
16
17
SPIELBERG Steven, Inside the Actor's Studio with James Lipton “interviewing Steven
Spielberg”, 9 Junio 2011
Campus: CSU Long Beach, “Steven Spielberg To Graduate from California State University,
Long Beach With Bachelor's Degree in Film and Electronic Arts”, http://www.calstate.edu/
Newsline/Archive/01-02/020514-LB.shtml, Mayo 14 2002
IBID, “The World’s Billionaries”,http://www.forbes.com/lists/2010/10/billionaires-2010_
Steven-Spielberg_4XKR.html, 2010
24
Spielberg ha producido “Poltergeist” (película), “Transformers”, “Transformers:
Revenge of the Fallen”, “Los Picapiedra”, “Casper”, “Men in Black”, “Impacto
profundo”, “Jurassic Park” y “La Máscara del Zorro” entre otras.
También durante la década de los noventa produjo dibujos animados como “Las
aventuras de los Tiny Toons”, “Fenomenoide”, “Pinky y Cerebro” y “Animaniacs”
(la caricatura más vista en Norteamérica en los noventa).
Además de fundar su propia productora (Amblin Entertainment), Spielberg fundó
DreamWorks SKG con Jeffrey Katzenberg y David Geffen en 1994. Este estudio es
responsable de películas como “American Beauty, Gladiator”, “Náufrago”,
“Memorias de una Geisha” y las de animación por ordenador “Shrek”, “Kung Fu
Panda”, “Madagascar”, entre otras.
Spielberg no es solamente reconocido por su trabajo como director, sino también
por sus acciones de caridad para organizaciones de la Segunda Guerra Mundial y la
Righteous Persons Foundation (la cual concede dinero a varios proyectos judíos,
especialmente organizaciones en memoria del Holocausto). También forma parte
de la Junta de Consejeros de la Escuela de Cine-Televisión de la California State
University.
18
Steven Spielberg también creó la saga de videojuegos “Medal of Honor”
originalmente para PC, PlayStation y PS2.
Ha sido condecorado con la Orden del Imperio Británico y la National Humanities
Medal. Es muy aficionado al cómic, posee una gran colección de ellos, incluyendo
el número 1 de la revista Mad.
18
WIKIPEDIA, “Steven Spielberg”, http://es.wikipedia.org/wiki/Steven_Spielberg, 2011
25
Además ha tenido varias nominaciones en los premios Oscar, de las cuales ha
ganado cuatro.
Año
Categoría
Película
Resultado
2005
Mejor Película
Múnich
Nominado
2005
Mejor Director
Munich
Nominado
1998
Mejor Película
1998
Mejor Director
1993
Mejor Película
1993
Mejor Director
1986
Salvando al
soldado Ryan
Salvando al
soldado Ryan
La lista de
Schindler
La lista de
Schindler
Premio en Memoria de Irvin
Thalenberg
1985
Mejor Película
1982
Mejor Película
1982
Mejor Director
1981
Mejor Director
1977
Mejor Director
El color púrpura
E. T., el
extraterrestre
E. T., el
extraterrestre
Raiders of the
Lost Ark
Close Encounters
of the Third Kind
Nominado
Ganador
Ganador
Ganador
Ganador
Nominado
Nominado
Nominado
Nominado
Nominado
26
Martín Scorsese
Martin Scorsese, nació el 17 de noviembre de 1942
en Queens, Nueva York, pero creció en el barrio
Little Italy de la misma ciudad, es descendiente de
inmigrantes sicilianos, sus padres eran Luciano
Charles
Scorsese
y
Catherine
Cappa,
ambos
trabajadores de la industria textil y padres de otro
niño llamado Frank, mayor que Martín.
A finales de los años 50 abandonó su primera idea
de dedicarse al sacerdocio, influenciado por John Ford, Orson Welles, Luchino
Visconti, Federico Fellini y sobre todo, Michael Powell, Martin Scorsese comenzó a
rodar sus primeros cortos, como “Vesuvius VI” (1959).
19
Poco después, en el año 1963, se incorporó a la Universidad de Nueva York para
estudiar cinematografía, su gran pasión junto al mundo del rock.
En este período rodó varios cortometrajes como “What’s a nice girl like you doing
in a place like this?” (1963), “It’s not just you, Murray!” (1964) o “The Big Shave”
(1967).
Su primer largometraje fue “¿Quién Golpea Mi Puerta?” (1967), drama urbano de
corte autobiográfico protagonizado por Zina Bethune y Harvey Keitel. La película
estaba montada por Thelma Schoonmaker, su habitual colaboradora y pieza clave
en el triunfo artístico de sus futuros y mejores proyectos.
Tras escribir el guión de la película “Obsesiones” (1969), una co-producción
germano-holandesa, trabajar como montador y asistente de director en el
19
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2277.html, 13 de Diciembre de 2011
27
documental “Woodstock” (1970), y dirigir otro documental, “Street Scenes” (1970),
Martin Scorsese colaboró con Roger Corman en la producción para grabar “El Tren
De Bertha” (1972), thriller criminal ambientado en los años 30 que estaba
protagonizado por Barbara Hershey y David Carradine.
“Malas Calles” (1973) fue su primera gran película y el inicio de su fructífera
colaboración con el actor Robert de Niro, quien protagonizó con posterioridad en la
misma década títulos como “Taxi Driver” (1976) o “New York, New York” (1977),
film en el que aparecía Liza Minnelli, actriz con la que el director mantuvo un breve
romance.
En “Taxi Driver”, film que es muy reconocido hoy en día porque su frase “Are you
talking to me” es utilizada en muchas películas, la frase se hizo famosa por Robert
de Niro. Además este film ganó la Palma de Oro en Cannes. Para la realización del
film Martin Scorsese formó equipo por primera vez con el guionista Paul Schrader.
En el año 1974 Scorsese dirigió un nuevo documental, “Italianamerican” (1974),
en el que entrevistaba a sus propios padres, y “Alicia Ya No Vive Aquí” (1974),
drama psicológico y romántico con Ellen Burstyn como protagonista principal,
quien ganó el Oscar a la mejor actriz.
Para finalizar la década el autor neoyorquino rodó dos nuevos documentales: “El
Último Vals” (1978), fenomenal película sobre el último concierto del grupo The
Band, y “American Boy: A Profile Of Steven Prince” (1978), que narraba las
experiencias de un joven gay judío.
Los años 80 se iniciaron de manera espléndida con “Toro Salvaje” (1980), biopic
dramatizado sobre las vivencias del boxeador Jake LaMotta que le valió un Oscar a
Robert de Niro y otro a Thelma Schoonmaker. Scorsese recibió por esta película su
primera nominación como director.
28
Posteriormente rodó las comedias “El Rey De La Comedia” (1983), con la pareja
Robert de Niro y Jerry Lewis, y “Jó, Qué Noche” (1985), con Griffin Dunne, para
recuperar, con la novela de Walter Tevis, la historia de “El Buscavidas” en “El Color
Del Dinero” (1986), título protagonizado por Paul Newman y Tom Cruise. Newman
obtuvo el Oscar al mejor actor por esta película.
Con “La Última Tentación De Cristo” (1988), adaptación de la novela de Nikos
Kazantzakis con Willem Dafoe en el papel principal y música de Peter Gabriel, se
originó una inane polémica con los grupos religiosos más radicales que sirvió para
popularizar mucho más el film, que de controversia tenía más bien poco. La
película le valió su tercera nominación en la categoría de mejor director.
Su último trabajo en este decenio fue el rodaje de un episodio de “Historias De
Nueva York” (1989), película que contaba con la participación de otros dos ilustres
directores, Woody Allen y Francis Ford Coppola.
Al margen de sus trabajos cinematográficos Scorsese realizó en los años 80 un
episodio de la serie de televisión “Cuentos Asombrosos” y el videoclip musical de
Michael Jackson “Bad”.
En el año 1990 produjo la película de Stephen Frears “Los Timadores” (1990) y
dirigió el film de mafiosos “Uno De Los Nuestros” (1990), por el que volvió a ser
candidato al premio Oscar, un galardón, para la vergüenza de la propia Academia
de Hollywood, que todavía no había conseguido hasta la fecha.
Posteriormente rodó el remake “El Cabo Del Miedo” (1991), adaptó la novela de
Edith Wharton en “La Edad De La Inocencia” (1993), volvió al cine de gángsters
con “Casino” (1995), fabuló con la vida del Dalai Lama en “Kundun” (1997), repasó
el cine italiano con el documental “Mi Viaje a Italia” (1999) y llevó a la pantalla el
libro de Joe Connelly en el drama urbano y psicológico “Al Límite” (1999).
29
Otros títulos de su filmografía son “Gangs Of New York” (2002), film histórico
ambientado en la Nueva York del siglo XIX por la que fue de nuevo nominado al
Oscar, “El Aviador” (2004), sobre el magnate Howard Hughes con el que volvió a
optar a la estatuilla como mejor director y mejor película, e “Infiltrados (The
Departed)” (2006), remake de un film de mafiosos de Hong Kong, filmado en el
año 2002 por Andrew Lau y Alan Mak, que supuso su tercera colaboración
consecutiva con el actor Leonardo DiCaprio. Por esta última película ganó el Oscar
al mejor director y a la mejor película.
Con DiCaprio, Scorsese volvió a colaborar en "Shutter Island" (2010), thriller
basado en una novela de Dennis Lehane que sigue la investigación de la
desaparición en una isla de una asesina internada en un sanatorio psiquiátrico.
Otros proyectos del director de Nueva York son dos documentales musicales,
"Shine a Light" (2008), film que aborda la larga carrera de los Rolling Stones, y
otro centrado en la figura de George Harrison.20
Stanley Kubrick
La
influencia
de
Kubrick
en
el
cine
contemporáneo es enorme y difícil de definir
en su real dimensión. No sólo por la gran
cantidad de libros dedicados a su persona y
a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan
entre los más importantes de la historia, así
como documentales televisivos sobre su vida
y ensayos publicados en diversos medios de
comunicación, sino también por los logros
20
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2277.html
30
fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al status quo de rol del director
dentro la industria cinematográfica.
Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de
que su visión fílmica no se viera afectada más que por lo que él entendía como
coherencia artística.
Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una
cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores
procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas
cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en
general avanzar varios años.
Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las
cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la
enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se
ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la
electrónica cuando esta se aplicaba mayormente en el campo experimental.21
Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la
reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno, ya sea físico,
social, psicológico o metafísico.
Su observación del ser humano siempre guardaba una distancia prudente, que en
vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más bien leerse un
verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje
como pieza dentro de un engranaje más complejo que lo puramente cultural. El
busca aquellos códigos dentro de cada ser humano que lo empujan a accionar de
21
http://es.wikipedia.org/wiki/Stanley_Kubrick
31
una manera en particular, tanto en la intimidad como en la odiseas titánicas que
modifican el curso la historia, creando en el proceso imágenes tan sobresalientes y
atemporales que se han convertido en parte de la cultura popular.
Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto.
Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de
aprendizaje extremo del entorno del personaje, en base a una sólida investigación
que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura
mítica que proyectaba en la prensa.
Sir Ridley Scott
Scott nació el 30 de noviembre de 1937 en
South Shields, Reino Unido, hijo de Isabel y el
coronel Francis Percy Scott. Por el oficio de su
padre éste no estuvo muy presente en la
infancia de Scott. Después de la Segunda
Guerra Mundial, su familia se muda a Teesside.
Le gustaba mucho ver películas, siendo sus
favoritas Ciudadano Kane de Orson Welles,
Lawrence de Arabia de David Lean y Los siete
samuráis de Akira Kurosawa.
Estudió en la Royal College of Art, donde ayudó a establecer el Departamento de
Cine. Dirigió una película en blanco y negro titulada Boy and Bicycle y
protagonizada por su hermano Tony Scott y su padre. La película tenía las
características visuales que serían marca de Scott en sus futuras películas.
32
En 1963 consiguió un trabajo como escenógrafo en prácticas en la BBC y trabajó
en la serie Out of the Unknow. Scott era admirador de Stanley Kubrick.
En 1968, junto con su hermano Tony, funda Ridley Scott Asociados. Durante los
años setenta dirige anuncios televisivos y participa con Alan Parker, Hugh Hudson
y Hugh Johnson.
Su estilo eleva la importancia de la experiencia sensorial (visual, sonora, auditiva)
en un filme. El cine de Scott utiliza a la iluminación, fotografía, creación de
ambientes y sincronía con la música y el sonido como "actores" adicionales que
contribuyen a la experiencia total del espectador. Esta característica puede ser
percibida en los anuncios de televisión que Scott ha dirigido (más de 2000).
Sus primeros filmes (especialmente Los duelistas, Alien, y Blade Runner)
proporcionan al espectador una experiencia completa donde las escenas son
recordadas no solamente por los actores que intervienen o por momentos
específicos del guión, sino por el ambiente recreado en ellas. Se le consideró
entonces como un visionario del cine e incluso como el nuevo "Kubrick".
Ridley Scott fue el primero en utilizar comercialmente la denominación "Director's
Cut" (montaje del director) para una obra que el director reedita para el público y
en la que se aprecian diferencias con la versión estrenada originalmente.
Algunas de sus películas son consideradas como auténticas obras de culto,
especialmente "Blade Runner" y "Alien, el octavo pasajero".
También ha participado junto con su hermano Tony Scott en la producción de la
serie basada en el libro del mismo nombre Los pilares de la Tierra.
El éxito le llega de nuevo en el año 2000 con Gladiator, protagonizada por Russell
Crowe y Joaquin Phoenix. La película obtuvo buenas críticas por parte de la crítica
especializada por revivir el casi extinto género de romanos. Arrasó en los Premios
33
de la Academia, llevándose los premios de mejor película, mejor actor (Russell
Crowe), mejor vestuario, mejor sonido y mejores efectos visuales.
Sus películas se caracterizaban por tener personajes femeninos fuertes, hace
amplios storyboards para sus películas, suele hacer uso de la música clásica. En
sus películas es habitual un conflicto padre-hijo. Esto podría ser así probablemente
por la relación de Scott con su padre, al cual no vio mucho durante su niñez.
Ridley suele utilizar paisajes urbanos en su filmes. Creció en un lugar con una gran
industria y esto influiría en sus películas (Blade Runner).
Al igual que su admirado Kubrick, era conocido por repetir numerosas veces las
tomas en busca de la perfección. Por ello, el equipo que participó con él en Blade
Runner apodó la película "Corredor de sangre".
También hace uso excesivo de humos y ambientes oscuros, además de usar
imágenes de ventiladores y objetos con forma de abanico.
Para la banda sonora de sus películas contrata a Vangelis, Jerry Goldsmith y Hans
Zimmer.
Peter Jackson
Nació en Pukerua Bay, Nueva Zelanda el 31 de
octubre de 1961. A los nueve años vió King
Kong y desde entonces quiso ser director de
cine. Realizó cortometrajes con la cámara de
vídeo que le regalaron sus padres.
Jackson comenzó su carrera realizando filmes
en su tiempo libre, entre los que destacó en
34
1987 Bad Taste, rodado el mismo año de su boda con Fran Walsh: un film con el
que consiguió notoriedad en el festival de Cannes, comenzando así su carrera
profesional en el cine y que le permitió acceder al mundo de Hollywood.
Sin embargo, al contrario de otros compatriotas, ha permanecido en su país
realizando sus nuevos proyectos: durante este tiempo fue adquiriendo o creando
negocios para producir filmes en Nueva Zelanda.22
Este director de cine neozelandés, particularmente conocido como autor de la
triunfal trilogía cinematográfica El Señor de los anillos. Colosal poema dotado de
extraña belleza e impecable factura, La comunidad del anillo (The Fellowship of the
Ring, 2001), Las dos torres (The Two Towers, 2002) y El retorno del rey (The
Return of the King, 2003) son tres extraordinarias superproducciones que
recibieron el aplauso unánime de la crítica y el público y se convirtieron en
fabulosos éxitos mundiales de taquilla. La tercer entrega de esta ambiciosa
adaptación de la obra de J. R. R. Tolkien, El retorno del rey, se alzó con la friolera
de once premios Oscar.
23
El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo ganó 4 Óscar de 13 nominaciones,
El Señor de los Anillos: las dos torres recibió 2 de 6 nominaciones a los premios
Óscar, y fue en la última película de la trilogía cuando Jackson consiguió el premio
por mejor película, como mejor director y uno más como guionista. En total el film
conseguiría ganar los 11 premios a los que estaba nominado entre ellos el de
mejor película igualando así a Ben-Hur de William Wyler y Titanic de James
Cameron. Como curiosidad, Peter hizo breves cameos en cada una de las películas
de los Anillos. En La Comunidad del Anillo actuó como aldeano de Bree, en Las dos
torres, hizo de Rohir y en El retorno del Rey apareció en uno de los barcos de los
hombres del sur junto a otros miembros del equipo.
22
23
http://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Jackson
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/j/jackson_peter.html
35
A finales de 2007 se hizo público su acuerdo con las compañías Metro-GoldwynMayer y New Line Cinema para llevar la producción ejecutiva de dos películas
basadas en la novela El hobbit, el rodaje de ambas películas comenzó en febrero
del 2011, y cuyo estreno se planea para finales de 2012 y 2013 respectivamente.24
Iban a ser dirigidas por el realizador mexicano Guillermo del Toro, ya que Jackson
está ocupado preparando la adaptación de Las aventuras de Tintín junto a Steven
Spielberg, pero en octubre del 2010 se confirmó que Peter Jackson no solo será el
productor sino que también será el director de ambas cintas. Según se rumorea, la
producción contará con un presupuesto total de U$S 500 millones convirtiéndolo
en el proyecto más caro de la historia.
Quentin Tarantino
Quentin Jerome Tarantino nació en la
localidad estadounidense de Knoxville,
ubicada en el estado de Tennessee, un
27 de marzo del 1963.
En el momento de nacer, sus padres,
Tony, un estudiante de derecho, y
Connie,
estudiante
de
enfermería,
solamente tenían 21 y 16 años.
La pareja bautizó a su hijo con el nombre de Quentin basándose en el personaje
de Burt Reynolds (Quint Asper) en la serie televisiva del oeste “Gunsmoke”.
24
MCNARY, Dave “Leaner New Line ready for a tentpole again” Enero 22, 2010
36
Tony y Connie se divorciaron poco después de la boda y a los dos años de edad, el
pequeño Quentin se trasladó con su madre a Los Angeles, ciudad en la que Connie
contrajo matrimonio con Curt Zastoupil.
Desde niño e influenciado por su madre, Tarantino acudió a menudo al cine,
escuchaba música rock, leía publicaciones Pulp y veía numerosas series de
televisión.
En su adolescencia abandonó los estudios y comenzó a trabajar como acomodador
de un cine porno.
En 1985 logró un trabajo en un videoclub, el Video Archive de Manhattan Beach
(California), lugar en donde acrecentó su ingente cultura cinematográfica.
En el videoclub Quentin entabló amistad con el estudiante de cine Roger Avary y
conoció al productor John Langley, quien quedó prendado del amplio conocimiento
del medio audiovisual que poseían los dos cinéfilos.
Langley les contrató para trabajar como asistentes de producción de “Maximum
Potencial” (1987), un título de ejercicios destinado al mercado del vídeo en el que
Dolph Lundgren ponía de manifiesto sus habilidades en el body building, las artes
marciales o el boxeo.
Avary y Tarantino comenzaron a finales de los años 80 a escribir su primer guión
conjunto, “True Romance”, que en 1993 fue adaptado al cine por Tony Scott con
el título de “Amor a quemarropa”. Por esa época Quentin dirigió una comedia
inacabada titulada “My best friend’s birthday” (1987), co-escrita junto a Craig
Hamman.
37
En los primeros años de la década de los 90, Tarantino conoció al productor
Lawrence Bender, quien recibió con entusiasmo el guión de “Reservoir Dogs”. Poco
después puso el texto en conocimiento del actor Harvey Keitel.
Keitel avaló el proyecto en la producción y la interpretación y comenzaron a rodar
el guión. El violento y estiloso thriller “Reservoir Dogs” (1992) cosechó un gran
reconocimiento crítico en el Festival de Sundance y se convirtió rápidamente en un
título de culto.
El talento cinematográfico de Tarantino, inspirado por un eclecticismo cinéfilo que
bebe de fuentes diversas (desde John Woo, Martin Scorsese o Sam Fuller hasta
Howard Hawks, Phil Karlson, Sergio Leone o la Nouvelle Vague) y singularizado por
una
sugestiva
estructura
temporal,
un
destacado
dominio
del
espacio
cinematográfico y un amplio conocimiento de la cultura pop apreciable en sus
sagaces textos, se consolidó dos años después con el triunfo de “Pulp Fiction”
(1994), título que revitalizó la carrera de John Travolta, ganó la Palma de Oro en el
prestigioso Festival de Cannes y fue nominado a siete premios Oscar, entre ellos,
al de mejor película. Quentin Tarantino y Roger Avary lograron la estatuilla al
mejor guión original.25
En 1994 Tarantino realizó un episodio de la serie de televisión “Urgencias”, antes
de dirigir un segmento de la película “Four Rooms” (1995) y retornar al
largometraje con “Jackie Brown” (1997), film recibido con disparidad de opiniones
que adaptaba una novela de Elmore Leonard. La película estaba protagonizada por
la reina del blaxploitation, Pam Grier.
25
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1681.html
38
En el año 2003 estrenó “Kill Bill: Vol. 1”, una película de artes marciales en donde
recuperaba la figura de David Carradine, el protagonista de la mítica serie de
televisión de los años 70 “Kung Fu”.
Junto a su faceta como director, Quentin Tarantino ha aparecido como actor, al
margen de sus propias películas, en títulos como “Duerme conmigo” (1994),
“Alguien a quien amar” (1994), “Johnny Destiny” (1995), “Desperado” (1995),
“Abierto hasta al amanecer” (1996), “Girl 6” (1996) o la comedia “Little Nicky”
(2000).
Como guionista escribió las películas “Amor a quemarropa” (1993) de Tony Scott,
“Asesinos natos” (1994) de Oliver Stone (aunque descontento con los resultados
sólo apareció como creador de la historia) y “Abierto hasta al amanecer” (1996),
realizada por Robert Rodríguez.
Como productor ha intervenido en “Sombras del pasado” (1992), “Killing Zoe”
(1994), película que supuso el debut como director de Roger Avary, “Abierto hasta
el amanecer” (1996) o “Tú asesina, que nosotros limpiamos la sangre” (1996).26
"Grindhouse" (2007) es uno de sus últimos proyectos. Para esta sesión doble
compartida con Robert Rodríguez, Tarantino dirigió la película con psicópata
"Death Proof".
"Malditos Bastardos" (2008) era una película bélica ambientada en la Segunda
Guerra Mundial con el protagonismo de Brad Pitt. Por este film fue candidato al
Oscar como mejor director y guionista.
Orson Welles
26
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1681.html
39
George Orson Welles nació en Kenosha,
Wisconsin, EEUU el 6 de mayo de 1915. Hijo
de Richard Head Welles y Beatrice Ives, de la
que heredó la pasión por la música.
Tempranamente se sintió influido por el arte,
la pintura y el dibujo. Shakespeare en su
infancia fue el centro de admiración.27
Welles hizo su primera aparición en el
escenario a los tres años en una representación de la obra Sansón y Dalila, en la
Ópera de Chicago.
En 1919 sus padres se separaron y Orson pasó a residir con su madre en Chicago,
donde comenzó a introducirse en los círculos artísticos e intelectuales. El 10 de
mayo de 1924, Beatrice Welles murió repentinamente de ictericia a la edad de
cuarenta y tres. Tras la pérdida de su madre Welles vuelve a vivir con su padre y
abandona para siempre su carrera musical.
Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del
teatro, la radio y el cine, en los que tuvo excelentes resultados. Alcanzó el éxito a
los veintitrés años gracias a la obra radiofónica The War of the Worlds, que causó
conmoción en los Estados Unidos cuando la gente que estaba escuchando el
programa pensó que era una verdadera invasión de extraterrestres. Este
sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio
cinematográfico RKO, que le otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar
de estos beneficios, sólo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: Citizen
Kane (1941), la película más exitosa de Welles.
27
http://maestrosdelcine.galeon.com/biowelles.html
40
La posterior carrera de Welles fue obstaculizada por una larga serie de dificultades
e inconvenientes que le impidió seguir trabajando en Hollywood y lo obligó a
trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones.
Entre sus muchos proyectos, Welles fue capaz de producir y dirigir películas como
Macbeth (1948), Otello (1952), Touch of Evil (1958), El proceso (1962), F for Fake
(1975), entre otros. Su fama creció después de su muerte en 1985, y ahora es
considerado uno de los más grandes directores de cine y teatro del siglo XX. En
2002 fue elegido por el British Film Institute como el mejor director.28
Actor prolífico, Welles a menudo usaba su trabajo de actor para financiar sus
proyectos como director. Fue uno de los directores de mayor talento de la historia
del cine, Citizen Kane, en su momento y ahora, representó (y representa) un
prodigio de la técnica y narrativa cinematográfica. El plano secuencia inicial de Sed
de mal (una toma ininterrumpida de varios minutos) demuestra un dominio de la
puesta en escena y organización de los movimientos como sólo un cineasta de su
categoría podía conseguir. Incluso obras menores como El extraño presentan
rastros de su gran talento.
En ocasiones es difícil establecer la cronología exacta de su filmografía debido a las
películas que inició y no pudo finalizar por falta de financiación.
Durante toda su vida tuvo un elevado ritmo de trabajo y muchos pleitos
financieros, lo que a la larga le acarrearía la muerte.
Era conocido su amor por España por lo que rodó varias de sus películas en tierras
españolas y cultivó la amistad de figuras conocidas del mundo de los toros de la
época, como Antonio Ordóñez o Luis Miguel Dominguín.
28
http://es.wikipedia.org/wiki/Orson_Welles
41
Welles murió de un ataque cardíaco en Los Ángeles en 1985. Sus cenizas fueron
depositadas en el municipio malagueño de Ronda, en la finca de recreo de San
Cayetano, propiedad de su amigo el matador de toros Antonio Ordóñez, según tal
y como había expresado.29
Sin embargo hay otras versiones en las cuales se dice que Orson Welles no dejo
testamento alguno donde expresara sus deseos luego de su muerte, por lo cual su
hija y esposa acordaron que sus cenizas sean esparcidas en España, ya que
concordaron que ese fue el lugar donde Welles se sintió más feliz en el transcurso
de su vida.
Woody Allen
Allan Stewart Königsberg, nació en Brooklyn,
Nueva York, el 1 de diciembre de 1935.
Conocido como Woody Allen, es un director,
guionista, actor, músico y escritor estadounidense
ganador del premio Óscar en tres ocasiones.
Es uno de los directores más respetados,
influyentes y prolíficos de la era moderna,
rodando una película al año desde 1969.30
Allen dirigió, escribió y protagonizó Annie Hall, película considerada por muchos
como una de las mejores comedias de la historia del cine y la cual recibió el Premio
Óscar a Mejor Película en 1977. Mantiene una gran amistad con su primera "musa"
y ex-pareja, Diane Keaton. Sus grandes influencias cinematográficas oscilan entre
29
30
FUNDA, Carlos, “Entierro intimo de las cenizas de Orson Welles”, Ronda, 1987
www.filmsite.org, “Los más grandes directores y sus mejores películas”
42
directores europeos como Ingmar Bergman y Federico Fellini hasta comediantes
como Groucho Marx y Bob Hope.
Aunque protagonizó gran cantidad de sus propias películas, hoy en día, es
considerado uno de los más importantes directores y guionistas cinematográficos
contemporáneos. Proviene de familia judía, a la que el propio Woody define como
"burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa".
Aprendió a tocar el violín desde pequeño, lo que le ayudaría en un futuro para la
creación de las bandas sonoras de sus películas. También lo ayudó a convertirse
en un gran intérprete de clarinete, que toca con frecuencia en público, junto con
una banda de jazz.
Muchas veces ha dicho que prefiere ir a tocar con su banda antes de asistir a la
ceremonia de los Oscar, paradójicamente.
Comenzó su carrera como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros
artistas del rubro. En 1957 ganó su primer premio Sylvana Award.
Seguiría por trabajar individualmente, llegando a convertirse en director de sus
propios espectáculos en la cadena de hoteles Borsch Belt de Nueva York, lugar ya
bautizado por otros tantos cómicos de renombre, como Jerry Lewis, entre otros.31
Se presentó en numerosos locales, ocasionalmente apareciendo en programas
para la televisión, hasta que finalmente y gracias a su talento e ingenio, tras una
presentación en el local Blue Angel, un productor le ofrece la posibilidad de
elaborar un guión y participar como actor en el largometraje “What's new, Pussy
Cat?”.
31
http://www.biografias.es/famosos/woody-allen.html
43
De ahí en más Woody Allen se dedicaría a este arte, consagrándose como director
y guionista, además de actor, con la realización de películas ambientadas
principalmente en su querida Manhattan, siendo uno de los primeros directores
americanos en reivindicar a cineastas europeos como Ingmar Bergman.
Tiene una estatua en su honor en el centro de Oviedo, objeto de las críticas de un
buen número de ciudadanos. Fue a partir del 2002, cuando recibió el Premio
Príncipe de Asturias de las Artes.
Desde entonces Sus últimas películas han sido filmadas en Europa, recibiendo
aclamación de la crítica, especialmente francesa.
Clint Eastwood
Clinton Eastwood Jr. nació el 31 de mayo de
1930 en la ciudad de San Francisco (Estados
Unidos). Creció en Oakland, en donde su
padre, llamado Kimber, trabajaba en una
empresa acerera. Su madre Frances Ruth se
ocupaba de cuidar a Clint y a su hermana
menor Jean.32
El adolescente Eastwood sintió atracción por la
música, especialmente por el jazz y el blues,
consiguiendo aprender y tocar el piano en diferentes clubes de la localidad
californiana de Los Ángeles.
32
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1368.html
44
En 1956 logró debutar en el cine al aprovechar una oportunidad que le brindó la
Universal.
Entre sus primeras películas (muchas de ellas sin acreditar su intervención) figuran
títulos como "Francis in the navy" (1955) de Arthur Lubin, "Lady Godiva" (1955),
también de Lubin, "Tarántula" (1955) de Jack Arnold o "The first traveling
saleslady" (1956), otra comedia de Arthur Lubin, el director con quien más trabajó
Eastwood en estas primeras y breves apariciones en Hollywood.
En el año 1959 y gracias a la televisión, Clint Eastwood alcanzó la popularidad con
el personaje de Rowdy Yates, protagonista de "Rawhide", una serie del Oeste en la
que participaron directores como Charles Marquis Warren, Jack Arnold, Stuart
Rosenberg, Tay Garnett, George Sherman, Laszlo Benedek o Andrew V. McLaglen.
La serie permaneció durante siete años en la pequeña pantalla.
Este personaje llamó la atención del realizador italiano Sergio Leone, quien con el
protagonismo esencial de Eastwood creó un subgénero del western denominado
popularmente "spaghetti western".
Su primer título conjunto fue "Por un puñado de dólares" (1964), al que siguieron
"La muerte tenía un precio" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966), tres
excelentes películas que convirtieron a Clint en uno de los actores más populares
de la época.
Además de sus facetas como actor y realizador, Clint Eastwood fundó en el año
1968 una productora cinematográfica propia a la que llamó Malpaso Productions,
compone discos de jazz, posee diferentes empresas deportivas y hosteleras, entre
ellas un complejo turístico de lujo con campo de golf en la localidad de Monterey
County, y ocupó el cargo de alcalde entre 1986 y 1988 de la población californiana.
45
A finales de los años 60 colaboró con otro de sus maestros en el arte
cinematográfico, Don Siegel, filmando "La jungla humana" (1968), "Dos mulas y
una mujer" (1969), "Harry el sucio" (1971), "El seductor" (1971) y "Fuga de
Alcatraz" (1979).
Por su pulido y exitoso trabajo, en 1991 recibe el Premio Irving G. Thalberg a su
trayectoria en la gala de entrega de los Premios Óscar.
A partir de ese momento dirige una serie de películas que le convertirán en uno de
los directores más destacados de los años 90. Tras Bird y Cazador blanco, corazón
negro, dirige la que algunos consideran su mejor película, Sin perdón (llamada
también en Hispanoamérica Los imperdonables), que a la larga se convierte en
clásico de los western, y fue galardonada con un Globo de Oro al mejor director y
cuatro Óscar, entre ellos el de mejor película y mejor director, siendo también
candidato a mejor actor.
En Un mundo perfecto se dirigió a sí mismo y compartió cartel con uno de los
intérpretes de moda en ese momento, Kevin Costner, tras lo cual filmó Los
puentes de Madison, donde su calidad interpretativa se reafirma compartiendo
cartel con Meryl Streep.
Dirige a su propia hija en Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997), y en
el año 2000, junto a los renombrados actores Tommy Lee Jones, Donald
Sutherland y James Garner, protagoniza y dirige Space Cowboys, segunda película
más taquillera de los Estados Unidos ese año.
Mystic River, película que dirige en 2003, significa la vuelta de Eastwood al drama.
Con esta película consigue seis candidaturas a los premios Óscar, entre ellas mejor
película y mejor director, ganando dos premios (al mejor actor y al mejor actor de
reparto).
46
En 2004 dirige y protagoniza junto a Morgan Freeman Million Dollar Baby, una
excelente película de corte dramático que reedita el éxito cosechado con Sin
perdón, y que le hace ganar su segundo premio Óscar como mejor director,
además de conseguir el premio a la mejor película.
En 2006 regresa a su faceta como director y dirige dos películas tituladas Banderas
de nuestros padres (basada en la novela escrita por uno de los hijos supervivientes
de la batalla) y Cartas desde Iwo Jima. Ambas películas cuentan las experiencias
de la Batalla de Iwo Jima desde los puntos de vista estadounidense y japonés
respectivamente.
Su respetada filmografía como director conoció elogios gracias a películas como
"Cazador blanco, corazón negro" (1990) y sobre todo, dos obras de primera
entidad, "Bird" (1988), film sobre el músico de jazz Charlie Parker, y "Sin perdón"
(1992), película crepuscular del Oeste por el que ganó el Oscar al mejor director y
a la mejor película además de ser nominado como mejor actor.33
Cartas desde Iwo Jima ganó el Globo de Oro 2007 en la categoría de mejor
película de habla no inglesa. Eastwood fue doblemente nominado al premio de
mejor director, pero no le fue concedido.
En 2008 dirigió Gran Torino, seguida en 2009 de Invictus. El 21 de enero de 2011
se estrenó Más allá de la vida y J. Edgar se estrenará en noviembre de 2011 en
USA y en enero de 2012 en España.
En 2012 protagonizará la película titulada Trouble with the Curve, en la que dará
vida a un ojeador de béisbol. El director es Robert Lorenz, su habitual asistente de
dirección.34
33
34
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1368.html
http://www.elseptimoarte.net/clint-eastwood-se-encuentra-con--trouble-with-the-curve-
47
Sir David Lean
Sir David Lean, nació el 25 de marzo
de
1908
en
Croydon
(Surrey,
Inglaterra), fue un director de cine
británico,
por
recordado
películas
como
especialmente
Lawrence
de
Arabia y Doctor Zhivago.
Se
inició
en
la
industria
como
ayudante de cámara en 1927 en Gaumont Pictures. Luego, ascendió a mejores
posiciones. En 1930 trabajaba en el montaje de noticias y, a partir de 1934, en el
de películas.
Editó obras como Escape Me Never (1936), Pigmalion (1938), Paralelo 49 (1941), y
One of our Aircraft is missing (1942). Sus primeros cuatro trabajos como director
fueron basados en obras de Noël Coward, con quien co-dirigió la primera de ellas,
Sangre, sudor y lágrimas (In Which We Serve, 1942). La más notable de este
grupo fue Breve encuentro (Brief Encounter, 1945), que compartió una Palma de
Oro en Cannes.
Más tarde dirigió dos adaptaciones de obras de Charles Dickens, Great
Expectations y Oliver Twist.
Las superproducciones por la que es más recordado comenzaron en 1957 con "El
puente sobre el río Kwai", por la que ganó un New York Film Critics Award, y un
Óscar. Recibió otro Óscar por "Lawrence de Arabia" (1962).
35
-12585.html, October 2011
35
http://es.wikipedia.org/wiki/David_Lean
48
Después del éxito de "Doctor Zhivago" (1965), vino la no tan exitosa "La hija de
Ryan" (1970).
Tras un largo paréntesis de catorce años, dirigió la que sería su última película,
"Pasaje a la India" (1984). Murió en Londres el 16 de abril de 1991, mientras
planeaba una película basada en la obra "Nostromo", de Joseph Conrad.
Los hermanos Coen
Joel David Coen nacido el 29 de
noviembre de 1954, e Ethan
Jesse Coen nacido el 21 de
septiembre
de
conocidos
1957,
son
profesionalmente
como los hermanos Coen, son
cineastas
estadounidenses
de
ascendencia judía.36
Tras
terminar
sus
estudios
secundarios y acudir ambos al Simon’s Rock College, en Massachussets, Joel
estudió cinematografía en el Instituto de Cine y Televisión de Nueva York y Ethan
Filosofía en la Universidad de Princeton.37
Joel sería el primero en involucrarse en el mundo del cine como montador de
títulos de terror como “Lucifer” (1981) de Frank LaLoggia y “Posesión infernal”
(1981) de Sam Raimi.
36
37
http://es.wikipedia.org/wiki/Hermanos_Coen
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1924.html, consultado 16 de Enero del 2012.
49
En “Sangre fácil” debutaban con un proyecto propio, estableciendo un tributo al
cine negro americano desde su personal y extravagante óptica, con un
deslumbrante estilo narrativo y un inteligente sentido del humor, siendo tachados
de estetas narcisistas y pretenciosos por sus detractores. Este particular homenaje
a los géneros más característicos del cine de Hollywood será constante en toda su
trayectoria.
Ambos colaboran en la escritura, producción y dirección de sus películas, si bien es
frecuente que Joel aparezca como director e Ethan como productor en los títulos
de crédito. En la industria cinematográfica, de hecho, se les conoce por el apodo
de "el director bicéfalo" (the two-headed director). Usan el seudónimo Roderick
Jaynes para algunos de los montajes de sus películas. Muchos actores que han
trabajado con ellos cuentan la anécdota de que al estar tan compenetrados, al
hacer una pregunta, sobre el guión o sus personajes a cada uno de ellos, reciben
exactamente la misma respuesta de cada hermano.38
Los hermanos Coen se han convertido en los mayores exponentes del cine
independiente norteamericano. Capaces de hacer películas que entusiasman a los
críticos, ofrecen, también, una vertiente de atracción del gran público.
Para sus películas cuentan con cierto equipo y actores que los acompañan
frecuentemente, entre ellos se incluyen John Turturro, Michael Badalucco, Holly
Hunter, Steve Buscemi, Frances McDormand, John Goodman, Jon Polito y George
Clooney, cada uno ha aparecido en al menos tres producciones de los Coen.
Los varios aspectos que hacen al carácter de una ciudad, estado o región de
Estados Unidos son parte integral en varias películas de los hermanos Coen.
38
http://afp.google.com/article/ALeqM5gscDeHQbyybPqIAvt4N36wVwbkNw,(24 Febrero 2008),
consultado 16 de Enero 2012.
50
Rasing Arizona muestra los distintivos paisajes de Arizona y algunos de los
personajes son estereotipos exagerados de los ciudadanos de esa zona. De forma
similar, en Fargo, los paisajes y acentos exagerados de los pobladores de Dakota
del Norte y Minnesota son parte esencial de la película. El gran Lebowski está
situdada en Los Ángeles, "the Dude" y otros de los personajes son emblemas de la
ecléctica población de esa ciudad. O Brother! es claramente Sureña, rodada en las
zonas rurales de Mississippi, muchos de los personajes hablan con acento sureño,
y la banda sonora esta mayoritariamente compuesta de canciones Bluegrass.
Barton Fink es en algunos aspectos una sátira de Hollywood, como El gran salto lo
es de Nueva York. No Country for Old Men es también una descripción del paisaje
remoto de Texas y México.
Además, los hermanos Coen frecuentemente sitúan sus películas en épocas de
crisis: Miller's Crossing durante la ley seca, Barton Fink cerca de los ataques a
Pearl Harbor, El gran Lebowski durante la Guerra del Golfo (1991), y O Brother
Where Art Thou? durante la Gran depresión. La Segunda Guerra Mundial es
mencionada en The Man Who Wasn't There. El gran salto esta ambientada en
1958/59, el periodo del programa Sputnik y la consecuente intensificación de la
Guerra Fría.
En el pasado, Joel e Ethan Coen han tenido que separar los créditos de director y
productor debido a las reglas de Directors Guild of America, que no permitían
compartir el crédito de director previniendo posibles problemas de derechos y
propiedad. La única excepción a esta regla es si los co-directores son un "dúo
establecido", como es el caso de Ethan y Joel.
Ahora que son capaces de compartir los créditos de director (como un dúo
establecido), los hermanos Coen han pasado a ser el tercer dúo en ser nominado
al Óscar como mejor director. Los primeros dos pares en lograr esto fueron Robert
Wise y Jerome Robbins (quienes ganaron por West Side Story en 1961) y Warren
51
Beatty y Buck Henry (quienes fueron nominados por El cielo puede esperar en
1978).
Con cuatro nominaciones a los premios Óscar por No Country for Old Men (Mejor
película, director, guión adaptado y montaje), los hermanos Coen han empatado el
record a la mayor cantidad de nominaciones concentradas (contando al dúo como
un solo nominado) por una misma película. Orson Welles marcó el record en 1941
con Citizen Kane siendo nominado por Mejor película, director, actor y guión (junto
a Herman J. Mankiewicz). Warren Beatty alcanzó el record de Welles cuando fue
nominado por Mejor película, director, actor y guión, por Rojos en 1981. Alan
Menken también consiguió lo mismo al ser nominado por Mejor banda sonora y
tres veces nominado por Mejor canción original, por La bella y la bestia en 1991.
James Cameron
Director,
productor
canadiense,
hijo
y
guionista
del
ingeniero
eléctrico Philip Cameron y de la
enfermera Shirley Cameron. En el
año
1971
James
Cameron
se
trasladó con su familia a los Estados
Unidos para residir en California.
Acudió durante un tiempo a la
Fullenton
College
para
estudiar
Física pero no terminó la carrera.
Trabajó como camionero y como mecánico, e inspirado por Stanley Kubrick
comenzó a rodar cortometrajes en la década de los 70. “Xenogenesis” (1978),
52
corto de ciencia-ficción co-dirigido con Randall Frakes, fue uno de sus primeros
trabajos cinematográficos.39
Uno de sus primeros trabajos en Hollywood fue para la compañía de Roger
Corman, New World Pictures, quien produjo “Los 7 Magníficos Del Espacio” (1980),
una película en la que James ocupó un puesto en el departamento de dirección
artística.
Un año después volvió a colaborar con Roger Corman, productor de “la Galaxia del
Terror” (1981), film con Cameron en tareas de director de producción y segunda
unidad. En 1981 James estrenó su primera película como director, “Piraña 2”
(1981).
Otro de los grandes éxitos de Cameron fue Aliens: El regreso (1986) ganadora de
dos Oscars en la 60ª ceremonia por los efectos de sonido y visuales. En 1989
reapareció con Abyss, otra cinta del género de ciencia ficción premiada por la
Academia de Cine de Hollywood con la estatuilla a los efectos visuales.
En 1994 volvió a contar con la colaboración de Arnold Schwarzenegger para
protagonizar Mentiras arriesgadas, cuyo film solo estuvo dirigido por él. Aunque no
ganó ningún Oscar fue premiado como Mejor Director por el la Academia de Cine
de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror de Estados Unidos.
En 1995 cambió de parecer y sólo aceptó escribir el guión de Días extraños, una
película de acción que explica cómo un ex policía descubre en la calle una
conspiración de la policía de Los Ángeles, la cual tuvo muy buenas críticas.
39
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article6170.html, consultado 16 de Enero del 2012
53
En 1997 Cameron se convirtió en uno de los directores de cine más destacados al
presentar su obra maestra, Titanic, protagonizada por Leonardo DiCaprio y Kate
Winslet. Una película basada en los hechos reales de 1912 que explica una
romántica historia entre una chica adinerada envuelta de lujos y un pobre
muchacho que se reúnen en el viaje de fin de año, donde descubren el amor, pero
que termina con un nefasto desenlace.
La cinta obtuvo 14 nominaciones a los Oscars, de los cuales 11 fueron premiados,
entre ellos el de Mejor Director. Además, el público reaccionó de la mejor forma
posible acudiendo al cine a verla, convirtiéndola en una de las películas más
taquillera de la historia con más de varios millones de personas que acudieron a
las salas de cine.40
Tras una pausa en el cine, Cameron se dedicó a escribir series televisas como Dark
Angel (2002) o Terminator: The Sarah Connor Chronicles (2009), ambas de gran
éxito entre la población americana.
Tras el fenómeno mundial de Titanic, Cameron volvió a impresionar con Avatar
(2009) una cinta de ciencia ficción protagonizada por Michelle Rodríguez , Zoe
Saladana y Sam Worthington (Jake), un soldado veterano de guerra con
importantes problemas físicos, que es enviado al planeta Pandora. Allí habita una
raza alienígena que posee su propia lengua y cultura. La única opción de Jake será
luchar por su supervivencia. Cinta que recibió múltiples premios de los Festivales
de cine más importantes dentro del séptimo arte, entre ellos dos Globos de Oro
2010: Mejor Director y Mejor Película Dramática.
41
Cameron también producirá y dirigira Battle Angel, una adaptación de acción en
vivo que estará basada en los tres primeros volúmenes de la serie japonesa del
40
41
http://biografias.estamosrodando.com/james-cameron/
http://biografias.estamosrodando.com/james-cameron/
54
mismo nombre en el mundo occidental y que se conoce como GUNNM en Japón,
obra de Yukito Kishiro. Alita aparentemente será un personaje CG basado en
alguna actriz. Como Avatar, la película será una mezcla de CG y de acción en vivo.
El rodaje se hará con el nuevo sistema digital 3D que Cameron ha desarrollado
para Avatar. En enero de 2005, Cameron afirmó que la demora de sus películas en
3D se debía a que todavía no había suficientes salas en el mundo para que le
saliese rentable.42
Francis Ford Coppola
Francis Ford Coppola nació en Detroit, el 7
de abril de 1939, hijo del compositor y
director de orquesta Carmine Coppola y la
actriz Italia Pennino Coppola, ingresó en la
Universidad Hofstra para estudiar Artes
Dramáticas, y años más tarde se tituló en
Artes Teatrales en la UCLA.
43
Su carrera inició en 1963 con la dirección
de Dementia 13, de la cual también realizó el guión. Desde eso ha dirigido más de
una
veintena
de
películas,
algunas
de
ellas
aclamadas
por
la
crítica
cinematográfica.44
En 1969 recibió un Oscar por su trabajo como guionista de Patton. Ello motivó que
la Paramount le encargara el guión y la dirección de El padrino (1972).
Galardonado con tres Oscar, el filme arrasó en taquilla y aún hoy día es un
auténtico símbolo de lo mejor que dio de sí el cine en la década de los 70.
42
43
44
http://es.wikipedia.org/wiki/James_Cameron
http://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Ford_Coppola
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/coppola.htm
55
Realizada por un Coppola que contaba tan sólo 33 años de edad, la adaptación de
la novela de Mario Puzo es un deslumbrante retorno al género de gángsters de
una intensidad narrativa excepcional, testimonio de una gran madurez creativa del
director.
Sin embargo sus obras más reconocidas y ovacionadas son El padrino y El padrino
II, ambas adaptaciones del Best-seller homónimo del novelista italoamericano
Mario Puzo, la primera es una de los filmes más reconocidos y elogiados de todos
los tiempos, que le hizo acreedor a dos nuevos premios de la Academia por Mejor
película y Mejor guion adaptado (que compartió con Puzo por co-escribirlo),
mientras que la segunda es la secuela más apreciada en la cinematografía
estadounidense (la única secuela en ganar un Óscar), con la que recibió un premio
de la Academia por Mejor director.
Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX
y uno de los más grandes de todos los tiempos, siendo El padrino recurrentemente
elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y
Apocalypse Now una de las más grandes películas de culto en el sistema de
producción de Hollywood.
Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como productor,
destacando los dos primeros filmes de su amigo George Lucas, THX-1138 y
American Graffiti, y otras como Kagemusha, Kinsey o Sleepy Hollow.
Fuera de las luces del séptimo arte se desempeña como viticultor, hotelero y
publicista. Es padre del director de películas y videos musicales Roman Coppola y
de la actriz, directora, productora y guionista ganadora del Óscar Sofia Coppola,
así como tío del actor Nicholas Kim Coppola, conocido como Nicolas Cage, y
hermano de la actriz Talia Shire.
56
En 2008 preparó en Argentina un nuevo filme, Tetro, relatando la inmigración
italiana que pobló Buenos Aires en los inicios del siglo XX, hablada en inglés, con la
anunciada participación de Vincent Gallo, Maribel Verdú, Alden Ehrenreich, Klaus
Maria Brandauer, Carmen Maura, Rodrigo De la Serna, Leticia Brédice, Mike
Amigorena, Sofía Gala, Érica Rivas, Silvia Pérez, Norma Pons y Adriana
Mastrángelo.45
Oliver Stone
William Oliver Stone nació el 15 de
Septiembre de 1946 en la ciudad de
Nueva
York,
dentro
del
estado
homónimo en los Estados Unidos de
América.
Su entrono familiar estuvo siempre muy
cimentado sobre los fundamentos de la
religión, ya que su padre era judío y su
madre una católica muy creyente. Su posterior crecimiento interno lo llevó a
convertirse en budista.
Su educación fue siempre la mejor, puesto que era un estudiante muy aplicado,
académicamente hablando. En cuanto a su relación con los demás siempre fue un
incitador y agitador, como suele pasar con las mentes en extremo pensantes.
Una vez egresado de la secundaria decidió enrolarse en la University of New York,
donde se recibió en Literatura para posteriormente pasar a hacer un post grado en
la prestigiosa Yale.
45
EFE, “Coppola finaliza en Argentina el rodaje de 'Tetro' entre las protestas de los sindicatos” (en
español). El País. Consultado el 17 de enero de 2012.
57
Luego de semejante record académico, fue uno de los soldados reclutados para
participar en la terrible guerra de Vietnam, a donde partió con orgullo para tratar
de hacer una diferencia en el mundo.46
A su regreso a los Estados Unidos comenzó a trabajar en la industria del cine,
luego de haber filmado un corto llamado “Last Year in Vietnam”, allá por 1971.
En 1974 estrenó su primera producción, que llevó el nombre de “Queen of Evil”. A
partir de este momento comenzó a reflejar en la pantalla un inmenso dolor e
inconformismo con la sociedad actual.
Sus historias son casi siempre basadas en hechos de la vida real, llevadas al cine
como si de un documental se tratara, puesto que al ver la realidad tan de cerca se
le hizo imposible manipular las escenas dentro de una película.
En un principio le costó incorporarse a la industria como director, pero ciertamente
sus guiones fueron siempre premiados: “Midnight Express” de 1978, “Conan the
Barbarian” de 1982, “Scarface” de 1983 y “Year of the Dragon” del ’85 son algunos
de sus éxitos.
Luego de haber hecho resaltar a estrellas como Arnold Schwarzenegger y Al
Pacino, Stone decidió que era tiempo de hacer el salto para poder controlar al
100% su producción, por lo que decidió rodar “Platoon” en 1986.
Tal fue su éxito que recibió el Premio de la Academia como Mejor Director,
galardón que volvió a conseguir algunos años más tarde con la mega taquillera
“Born on the Fourth of July”, con Tom Cruise como protagonista.
46
http://www.biografias.es/famosos/oliver-stone.html
58
En 1987, llevó a las pantallas la cruda realidad de la vida de los corredores de
bolsas, con “Wall Street”, donde Michael Douglas realizó un trabajo más que
impecable.
Siguiendo en su línea más que revolucionaria, cosa que no le agradaba mucho a
los conservadores del cine, tocó un tema más que controversial: el asesinato de
J.F. Kennedy en “JFK”, allá por 1991.
Lamentablemente la crítica pensó que tal nivel de agitación era realmente
innecesario, sobre todo desde el planteamiento de una conspiración. Luego de
todo el revuelo que este filme armó, Stone decidió permanecer quieto por un
momento.
A continuación llevó a la pantalla grande la trágica y a la vez caótica vida de Jim
Morrison en “The Doors”, interpretada de manera excelente por parte del actor Val
Kilmer.
Ya entrados en la década de los ‘90s, Stone dejó su marca en el cine con
superproducciones más que exitosas, pero por sobre todas las cosas muy
personales, ya que nunca se interesó por el plano económico sino por su deseo de
dirigir o no.
Luego de la violentísima “Natural Born Killers” de 1994, Stone continuó con una
línea de grandes largometrajes como “Nixon” con Anthony Hopkins o “U Turn” con
Sean Penn, Nick Nolte y Jennifer Lopez.
A continuación, en 1999, tuvo un elenco que costó 55 millones de dólares, con la
película “Any Given Sunday”. Entre los actores se incluyeron a Al Pacino, Cameron
Diaz, Dennis Quaid, Jamie Foxx y John C. McGinley entre otros.
59
La primera película del siglo XXI realizada por Oliver Stone fue “Comandante”
(2003), un documental sobre el dictador cubano Fidel Castro, quien también sería
el protagonista del telefilm “Looking for Fidel”. El mismo año rodó “Persona non
grata” (2003), documental que abordaba el conflicto palestino-israelí.47
“Alejandro Magno” (2004), título biográfico sobre el histórico genio militar
macedonio, y "World Trade Center" (2006), drama sobre el 11- S, son sus últimos
estrenos.48
"W." (2009) era una película centrada en George W. Bush que fue protagonizada
por Josh Brolin.
"Wall Street. El Dinero Nunca Duerme" (2010) era una secuela de Wall Street con
Michael Douglas acompañado en esta ocasión por Shia LaBeouf.
Pedro Almodóvar
Pedro Almodóvar Caballero (nacido en Calzada de
Calatrava, Ciudad Real, 24 de septiembre de 1949)
es un director de cine, guionista y productor
español, el que mayor resonancia ha logrado fuera
de España en las últimas décadas.49
A los 16 años decidió trasladarse a Madrid, donde
trabajó
de
administrativo
en
la
compañía
Telefónica. Durante los años setenta alternó ese trabajo con la grabación de cortos
en súper-8 y la colaboración en diversas revistas y montajes teatrales. Eran años
de gran ebullición cultural en Madrid (la llamada movida madrileña) y Almodóvar
47
48
49
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2268.html
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2268.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Pedro_Almodóvar
60
se integró plenamente en ese ambiente, formando junto con Fanny McNamara el
dúo de rock Almodóvar-McNamara.50
Todo ese bagaje lo puso al servicio de su primer largometraje, Pepi, Luci, Bom y
otras chicas del montón, con el que en 1980 llegó al cine comercial. Era un
autodidacta al que le faltaba todavía dominio de la técnica cinematográfica, pero
esta primera película causó gran impacto y mostró un estilo personalísimo que fue
puliéndose con Laberinto de pasiones (1982), Entre tinieblas (1983), ¿Qué he
hecho yo para merecer esto? (1984) y Matador (1985).
El 23 de marzo de 1988, Pedro Almodóvar estrenó Mujeres al borde de un ataque
de nervios. En estos momentos el director manchego era ya un cineasta
reconocido en España y en círculos cinéfilos europeos, pero esta película supuso su
consagración mundial. Hasta ese momento era conocido como cineasta
provocador, melodramático y popular; el nuevo filme, sin embargo, resultó ser una
incursión de Almodóvar en la comedia sofisticada.
El cine de Almodóvar cultiva un naturalismo que destruye el usual costumbrismo
burgués del cine español.
Suele representar, por el contrario, una realidad marginal o del subproletariado
urbano y abunda en elementos escandalosos y provocadores: policías corruptos,
consumo de drogas, maltrato, prostitución, niños precoces, paletos filosóficos,
marujas desesperadas, homosexualidad desgarrada, etc., todo ello sin renunciar a
su humor irreverente y sin dejar de provocar con heterodoxas escenas de sexo,
como la lluvia dorada de su primer largo en 35 mm Pepi, Luci, Bom y otras chicas
del montón (1980).
50
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/almodovar.htm
61
Su primer trabajo cinematográfico Folle, folle, fólleme...Tim (1978), filmada en
Super 8, se circunscribe dentro de este estilo punk.
Este material escandaloso podría pretender, como en el caso de los surrealistas,
épater les bourgeois («perturbar a los burgueses»).
Con el tiempo, sin embargo, ha ido puliendo su escritura y desarrollando guiones
cada vez más sofisticados y coloristas, muy cercanos al melodrama clásico
inspirado en Douglas Sirk.
En películas posteriores, como ¡Átame!, clasificada inicialmente como X en los
Estados Unidos (a raíz de esta película, nació la clasificación norteamericana NC17, también adjudicada a La mala educación), una mujer llega a enamorarse de su
secuestrador e incluso, según ataques de sectores reaccionarios de la sociedad
española, en Kika llega incluso a trivializar la violación.
También abundan, entre sus fuentes de inspiración, casi siempre autobiográficas,
los elementos buñuelescos y anticlericales, como el humor negro o el cura
pederasta de La mala educación, o pertenecientes al casticismo, la cultura de
masas y el arte de vanguardia.
Almodóvar mezcla en sus películas lo tradicional y lo transgresor. Es característica
su afición a los boleros, a Chavela Vargas, a Caetano Veloso, y en general a la
estética más punk, Cutre Lux y transgresora, basada en la utilización de colores
muy vivos y fuertemente contrastados, exteriores vulgares y degradados y las
desproporciones violentas entre los intérpretes humanos y los entornos físicos de
los edificios.
62
Su experiencia como actor y cantante lo ha hecho transformarse en un importante
director de actores, y como guionista pergeña especialmente bien los personajes
femeninos y las historias cargadas de dramatismo.
En opinión de Lynn Hirschberg, «Almodóvar preside sobre sus cambiantes
personajes como un cura benevolente: acepta y perdona prácticamente a todos
ellos, no importa lo terrible de sus pecados. Un secuestrador, un violador o un
pedófilo pueden tener un corazón puro; por supuesto, los aparentemente
inocentes también pueden ser culpables.»51
1.6
El cine independiente
¿Qué es el cine independiente?
Una película independiente es una película que no ha sido producida por los
grandes estudios cinematográficos y, en Estados Unidos, principalmente con
personal no afiliado al sindicato. Por lo general es una producción de bajo
presupuesto de una productora pequeña. La nueva generación de cámaras
digitales contribuye a que sea más fácil realizar películas y, por tanto, a una
popularización del cine independiente en todo el mundo en la actualidad.52
El cine independiente hoy
Las compañías fundadas por los cineastas independientes han venido creciendo y
se transformaron en la actual industria del cine, que ha creado un gran sistema
comercial y un esquematizado sistema de producción del cual intenta apartarse el
cine independiente actual.
51
52
HIRSCHBERG Lynn, “The redeemer”, 5 Septiembre 2004 (http://www.nytimes.com/
2004/09/05/magazine/05ALMODOVAR.html?_r=1)
http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_independiente
63
Sin embargo, el término cine independiente ha sido explotado como un "género"
por las distribuidoras a fin de comercializar sus productos. Son incontables los
festivales de cine independiente, como el Festival de Cine de Sundance o los
Independent Spirit Awards.
Cinépolis ha lanzado un programa de cine independiente en el cual se han podido
ver desde “Grizzly Man” hasta “Una verdad incómoda”, pasando por “El perro
mongol”, “Y tú qué sabes”, “Ayurveda”, entre otras.
La primera producción de carácter independiente que logró ser distribuida por una
de las grandes fue “Easy Rider” (1969), distribuida por Universal. Se convirtió en
un éxito de taquilla superando el presupuesto invertido.
Las producciones independientes han estado siempre alejadas de las "grandes"
superproducciones de Hollywood; se podría decir que Europa es el continente más
involucrado en este tipo de cine. Incluso el término suele aplicarse a determinadas
películas producidas en países donde no existe una industria cinematográfica
propiamente dicha.53
Movimientos cinematográficos como Dogma 95 y Cineo han sido de gran ayuda
para la producción cinematográfica basada en la revolución digital. Cineo se ha
fundamentado en el Pentálogo Cineo y ha facilitado el trabajo a los productores
cinematográficos modernos.
Los logros más elevados del cine independiente en su conjunto: el acto
espontáneo de filmar, de atrapar a las personas siendo reales y no actores,
haciendo énfasis en situaciones naturales y mundanas que representen la realidad
de los personajes en su máxima expresión.
53
http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_independienteed
64
No fragmentos de una historia de ficción, sino fragmentos de la realidad. Cámara
en mano, planos largos y silenciosos, ausencia de música en momentos
particulares, poca edición y cambios de plano, todo esto en su conjunto logra
colocar al espectador en un mundo real, donde los sucesos no se desarrollan como
fotografías que cambian repentinamente, sino donde los ojos de la cámara se
mantienen bien abiertos y captan los momentos como realmente son, largos, ininterrumpidos, a veces tediosos, angustiantes.54
Refiriéndonos al aspecto del presupuesto, debemos recalcar que el hecho de no
contar con un presupuesto poco o nada favorable para al realización de estas
películas, se ha convertido en una fortaleza, contrario a lo que podría pensarse, en
las producciones independientes, debido a que le otorga un “valor agregado” al
proyecto, en tanto que, se pone en mayor consideración el esfuerzo necesario para
producirla.
1.7
Cine Latinoamericano
Se denomina cine latinoamericano al conjunto de producciones cinematográficas
de los artistas, productores y técnicos de América Latina.
Buena parte de esta producción está concentrada en cuatro países: Argentina,
Brasil, México y Cuba, aunque otros países como Chile, Colombia y Perú han tenido
periodos intermitentes de auge de sus cinematografías. Argentina es el único país
ganador de un Óscar dentro de Latinoamérica, con sus películas "La historia oficial"
(1985) y "El secreto de sus ojos" (2010): dos Óscares en total.55
54
55
http://www.cinemaindependiente.blogspot.com/
http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_América_Latina
65
Existen festivales y entidades dedicadas especialmente a la promoción del cine
latinoamericano, como el Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse, Festival
Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana o la Fundación del
Nuevo Cine Latinoamericano, con los antecedentes históricos de los festivales de
Pesaro y sobre todo del Festival de Cine de Viña del Mar en 1967 y 1969.
1.8
El cine en Ecuador
Se afirma que los comienzos de la producción de cine en el Ecuador se dieron en la
década de 1920, con la producción del primer largometraje argumental
ecuatoriano “El tesoro de Atahualpa”, que fue dirigido por el ecuatoriano Augusto
San Miguel.
Así también el italiano Carlos Crespi, quien dejo Italia, su país de origen, con el fin
de iniciar una vida misionera en Sudamérica. Fue así que llegó a Guayaquil, pasó
por Cuenca en donde le destinaron inmediatamente al Oriente, con el fin de
recolectar restos arqueológicos y algunos otros objetos.
Después de toda la experiencia que vivió en la Amazonía ecuatoriana regreso a
Turín, en donde escribió varios artículos para el “Bollettino Salesiano de Turín”.
“El Ecuador del este y sus posibilidades de colonización”, "Una exploración al
Santiago (Ecuador)", “En medio de la salvaje Gualaquiza”, “Los indios de la sierra
Ecuatoriana”, “XXX aniversario de las misiones de Gualaquiza”, “Entre los salvajes
de Gualaquiza (Ecuador)”, son algunos de los artículos publicados en Turín.
De regreso a la amazonía ecuatoriana tuvo la oportunidad de filmar Santiago de
Méndez, valle del río Upano en Morona Santiago – Oriente ecuatoriano. Fue aquí
donde dirigió el documental “Los invencibles Shuaras del alto Amazonas”.
66
“Los invencibles Shuaras del alto Amazonas” (1927) de Carlos Crespi
http://reinventandoalotro.blogspot.com/2010/08/carlos-crespi.html
El documental fue dividido en cuatro partes: la primera en el mar de Génova y
posterior llegada al oriente. La segunda trató sobre las costumbres de los Jíbaros y
sus formas de caza. La tercera sobre la fiesta de la Tzanza o cabeza reducida y la
cuarta mostraba la obra salesiana en las Misiones del oriente y la del Comité
Patriótico orientalista de señoras. Esta obra es considerada como el primer
documental antropológico ecuatoriano; inaugura una larga historia de estereotipos
y discriminación que aún pesan sobre los pueblos indígenas de este país. Demás
está decir que la película fue silente, pues aún no se había inventado el cine
sonoro y con ella se situó entre los pioneros del cine ecuatoriano.
56
Entre los años de 1930 y 1931, con la aparición del cine sonoro, se detuvo el
desarrollo de la industria cinematográfica nacional, que intentó hacer frente a las
nuevas películas por medio de la "sonorización en vivo".
56
http://www.cinelatinoamericano.org/ficha.aspx?cod=5057,
67
Por eso cerca de dos décadas el cine nacional se dedicó a los documentales, los
noticieros y los reportajes turísticos promocionales, con la excepción de dos
largometrajes argumentativos en 1950 Y 1952.
A pesar de esto, el cine ecuatoriano fue promovido por los intelectuales en la
década de 1960, entre ellos Ulises Estrella, director de la Cinemateca Nacional.
Durante ese período se incrementaron las coproducciones mexicano-ecuatorianas,
en la década siguiente se fortaleció el género documental, y en 1977 se legalizó la
Asociación de Autores Cinematográficos del Ecuador.
Ecuador producía esporádicamente y de forma discontinua cine nacional, era un
país sin rostro ante el cinismo, y ante la comunidad internacional en el mejor de
los casos se estrenaba una película cada 2 o 3 años y en tiempos difíciles cada 5
años.
A diferencia de las escasas producciones que se podían llegar a realizar en esos
años, solo entre 1980 y 1981 se produjeron nueve cortometrajes; y el largometraje
"Dos para el camino" de Jaime Cuesta, fue el debut de una realización
íntegramente hecha con capitales, técnicos y artistas nacionales.
57
En esta época las producciones ecuatorianas recibieron algunos reconocimientos
internacionales, pero aún así se mantuvieron ausentes en las salas de cine del
país.
En 1982, el film nombrado "Camilo Egas" fue galardonado como Opera Prima en el
IV Festival del Nuevo Cine Latinoamericano.
57
http://www.explored.com.ec/noticias-ecuador/peliculas-nacionales-premiadas-en-los-ultimos12-anos-39410-39410.html
68
En el mismo año “Chacón Maravilla", ganó como Primera Mención en el IV Festival
del Nuevo Cine Latinoamericano, Estatuilla de Bronce a la mejor película infantil en
el Festival de Tampere, Finlandia, y el año siguiente obtuvo Medalla de Oro a la
mejor película de Argumento en el Festival Internacional de cine Ciudad de Quito.
“Chacón maravilla”, fue una realización de Camilo Luzuriaga.
“Chacón Maravilla”
Autor: desconocido
Cinemateca Nacional – Casa de la Cultura Ecuatoriana
"Mi tía Nora", recibió el Premio Glauber Rocha en el Festival da Foz de Portugal,
Premio a la mejor película en el Festival de Biarritz, Francia y Mención Especial en
el Festival de Huelva, España.
69
"Los Mangles se van", gana Premio CINED en el VI Festival del Nuevo Cine
Latinoamericano, en 1985.
"Camellando Guambras de la calle", obtiene el Tercer Premio en el Concurso
Iberoamericano de Cine y Video, Quito-Ecuador.
"Rostros sin tiempo" se hizo acreedora a una Mención en el Concurso
Iberoamericano de Cine y Video, Quito-Ecuador.
En 1990 se estrena “La Tigra”, obra de José de la Cuadra, este film cuenta con
“efectos especiales”, lo que marcó un precedente dentro de la historia del cine
ecuatoriano.
Además este film fue galardonado en el XXX Festival Internacional de Cine de
Cartagena como: Mejor Película y Mejor Opera Prima; en el VII Festival
Internacional de Bogotá como: Mejor música y Mejor fotografía; y en el II
Encuentro Andino de Cineastas, realizado en Cuzco – Perú, con el Segundo Premio
del Público.
70
“La Tigra”
Autor: Alejandro Jijón
http://lecturasamano.blogspot.com/p/cine-foro.html
Con la realización de este afiche se quiso transmitir la visión del director, y para
lograr esto se trabajó en conjunto con el diseñador. Se debe tener claro que la
fotografía es el elemento más importante del afiche, ya que apela a uno de los
sentidos más importantes dentro de lo que es la comunicación como lo es la vista,
por lo tanto debe contar con el impacto necesario para poder transmitir una
comunicación efectiva utilizando el texto tan solo como ayuda o complemento para
hacerlo más fácil de entender y ser recordado.
En la fotografía utilizada se encuentra un primer plano de la actriz principal, la
hermana mayor Francisca Miranda “La Tigra”, apuntando con un rifle hacia sus
enemigos, pero al parecer no se tomo muy en cuenta este hecho, debido a que la
71
fotografía fue recortada, por lo que es muy difícil de entenderla solo así, dejando
de lado la fuerza que debería tener para poder expresar la rebeldía y furia que
encarna el personaje dejándola más bien como sumisa, y escondida detrás de los
matorrales, pero tal vez si refleja lo que es el sigilo y el misterio que posee el
animal con el que el film esta relacionado.
Al año siguiente (1991) se presenta “Sensaciones”, film dirigido por los hermanos
Juan Esteban Cordero y Viviana Cordero, en la cual se cuenta la historia de un
grupo de músicos que deciden retirarse a una hacienda de la serranía de Los
Andes ecuatorianos, con el fin de producir su primer disco, el cual pretende
capturar el "Sonido de Los Andes". Este film contó con música original ligada al
New Age, compuesta por el mismo Juan Esteban Cordero. “Sensaciones”, fue
galardonada en el XXXI Festival de Cine de Bogotá con el premio al mejor sonido.
Seis años después, en 1996, se estrena “Entre Marx y una Mujer Desnuda”
(Between Marx and a Nude Woman) esta es una novela escrita por el poeta
ecuatoriano Jorge Enrique Adoum.
La novela fue llevada al cine en 1996 por el cineasta ecuatoriano Camilo Luzuriaga,
el film fue hecho en Español con subtítulos en Inglés y Francés.
Esta película recorrió varias de las grandes pantallas alrededor del mundo, gracias
a esto fue nominada en varios festivales de cine, en distintas categorías, de las
cuales ganó como Mejor Dirección de Arte en el XVIII Festival de Cine de La
Habana, Mejor Guión y Mejor Banda Sonora en el Festival de Cine de Trieste Italia, y fue nominada a Mejor Película Extranjera por la Academia de Cine Español
de las Artes y las Ciencias un año después de su estreno en 1997.
72
“Entre Marx y una mujer desnuda”
Autor: desconocido
http://www.filmaffinity.com/es/film756954.html
La fotografía que utilizada para la realización del afiche, no es mas que una
composición gráfica entre tres tipos diferentes de fotografías, una de las cuales fue
escogida al igual que en La Tigra de todo el rodaje de la película, la fotografía
realizada en tonos ocres y cafés con el dorso del amor imposible del protagonista
desnudo frente a un espejo.
El crítico Michael Wilmington del Chicago Tribune afirmó, "Una de las grandes
sorpresas del festival es este sorprendente inventivo y sofisticado film, el cine bien
hecho desde el pequeño Ecuador... lleno de ingenio, energía, pasión, inteligencia,
73
gran estilo y personajes memorables... la película es tremendamente creativa y
divertida".58
El cine ecuatoriano tuvo un renacimiento con las producciones del ecuatoriano
Sebastián Cordero, quien busca contar un poco de la realidad que vive la mayoría
de la población ecuatoriana.
En 1999 se estrena “Ratas, ratones y rateros”, esta muestra el mundo de los
pequeños delincuentes del Ecuador, la pérdida de su inocencia, a través de la
historia de un joven que pierde las pocas cosas que tenían sentido en su vida.
Esta primera producción de Sebastián Cordero fue, estrenada en el Festival de
Cine de Venecia en 1999, y premiada como Mejor Película y Mejor Ópera Prima en
el Festival Latinoamericano de Trieste, Italia; Mejor Ópera Prima y Mejor Actor en
el Festival de Cine de Huelva, España; Mejor Edición en el Festival de Nuevo Cine
Latinoamericano en la Habana, Cuba; nominada al Premio Goya Mejor Película
Extranjera de Habla Hispana por la Academia de las Artes y las Ciencias
Cinematográficas de España; y nominada al Premio Ariel en la categoría de Mejor
Película Extranjera de Habla Hispana por la Academia de las Artes y las Ciencias
Cinematográficas de México.
58
59
59
http://en.wikipedia.org/wiki/Entre_Marx_y_una_Mujer_Desnuda
http://escalonfilms.blogspot.com/2007/11/alegria-de-una-vez.html
74
“Ratas ratones y rateros”
Autor: Pablo Iturralde
http://kalichevida.blogspot.com/2010/02/ratas-ratones-y-rateros-mejor-pelicula.html
Otra de las producciones destacadas de Sebastián Cordero se estrenó en el 2004
“Crónicas”, como el cineasta llamó a su film, es una producción que se realizó en
Ecuador y México, la misma que relata la caza del Monstruo de Babahoyo, asesino
en serie que funge como reproducción ecuatoriana de Andrei Chikatilo, el homicida
ruso que cobró más de cincuenta víctimas jóvenes entre 1978 y 1990.
Para la realización de este afiche se utilizaron recursos diferentes, debido a la
fuerza que tiene la idea, por lo tanto no se usó una fotografía común, y tampoco
se la observa dentro del film. Este afiche se manejo de manera aislada en cuanto a
la fuerza de su idea que trató de captar esa parte de cotidianidad, envuelta en el
aspecto cultural ecuatoriano, desde ese mismo hecho del nombre, y los recursos
gráficos retóricos que utiliza para mantener una cohesión con el film, lo convierte
en algo espectacular. Sebastián Cordero explicó que para realizar este afiche se
75
pensó en una imagen fuerte, que contenga una porción del contenido entre
inocente y maldito.
Este afiche se lo realizó de una forma muy artesanal, desde pintar una trampa
para ratones con los colores de la bandera ecuatoriana, entrelazando si dos
conceptos muy de la cultura ecuatoriana, los modismos y expresiones que se tiene
en las calles formó esta relación de ladrones con ratas, dando así el enlace entre el
afiche con el film, luego muy metódicamente, acomodar su fondo de forma tal que
se pueda leer los encabezados del periódico a medias y así cautive más al público,
lo cual es una realidad que se vive en el Ecuador a diario, periódicos de crónica
roja como El Extra han creado este tipo de sensaciones alrededor de la
delincuencia, que es lo que la película expresa.
“Crónicas”
Autor: Pablo Iturralde
http://cinevisiones.blogspot.com/2009/05/cronicas-de-sebastian-cordero.html
76
La ópera prima de Cordero reveló la urgencia del público ecuatoriano por verse en
la pantalla grande y abrió la vena narrativa de una nueva generación de cineastas.
Crónicas nos cuenta la historia de Manolo Bonilla, presentador estrella de un
programa de noticias sensacionalistas de Miami, que viaja junto con su equipo a
una pequeña ciudad ecuatoriana para cubrir la historia de un asesino en serie de
niños, el “Monstruo de Babahoyo”. La muerte accidental de un niño lleva a los
habitantes de la ciudad al borde del linchamiento de Vinicio Cepeda, un vendedor
de biblias y catecismos. Sin embargo, la intervención de Manolo salva la vida del
hombre. Vinicio es encarcelado por homicidio involuntario y ofrece a Manolo
información sobre el “Monstruo” a cambio de que el presentador emita un
reportaje sobre su injusto encarcelamiento pues el programa tiene tanta influencia
en el público que eso serviría para que lo dejasen en libertad.
La fotografía a color muy llamativa es una foto, con colores muy contrastantes
como lo son el amarillo y el negro, con tonalidades degradadas al azul. La
fotografía trata de reflejar un aspecto muy importante de la película, es por eso el
paisaje de antenas de TV, mercando de igual forma que los otros afiches una
tipología, y un juego de imágenes retóricas, para poder expresar lo que en
realidad quiere el productor.
Aunque está calificada de thriller, sus mayores méritos están en el retrato social y
en la ambientación. La crudeza y naturalidad con las que están presentadas las
situaciones hacen al espectador entrar rápidamente en el mundo que se retrata en
Crónicas y es con afán observador con lo que mantenemos el interés por ver más
y más escenas. En este sentido, el trabajo de Cordero es excelente y suficiente
para convertir el film en algo extraordinario y digno de verse.
Por el lado más interno, ni la historia ni los personajes logran esa misma
identificación. Al menos, no los principales. El suspense no existe, pues desde un
77
principio se conoce el resultado de la investigación, y no se va progresando en la
obtención de informaciones ni nada por el estilo. Esta parte se estira demasiado en
el tiempo y se le dan demasiadas vueltas a lo mismo. Pero no señalo estos
aspectos como crítica negativa, sino simplemente para argumentar la opinión dada
más arriba sobre que se trata de un film social, antes que de un thriller. Añadiría
que lo que se expone al final del film no es la resolución de un misterio policial,
sino un dilema moral.
Crónicas es una película muy interesante por su tratamiento y por los ambientes
que presenta. Un film que se puede disfrutar mucho más como observación de
aquellos pueblos ecuatorianos y de sus gentes que como cine de género.
En el mismo año, 2004, se estreno “1809-1810: Mientras llega el día", escrito y
dirigido por Camilo Luzuriaga, film que relata los aconteceres de la Independencia
quiteña. Camilo Luzuriaga se ha destacado por llevar a la pantalla grande historias
muy interesantes que encienden el interés en el público.
78
“1809-1810: Mientras me llega el día”
Autor: desconocido
http://www.rotativo.cl/index.php?limitstart=16
“1809-1810: Mientras me llega el día” es una historia que aunque puede ser
disfrutada por una audiencia no necesariamente local, no hay duda de que al estar
inmersa en una etapa histórica del Ecuador apelará más a quienes viven en este
país, ya que se muestra la ciudad de Quito en 1809 cuando el ejército real llega
desde la ciudad de Lima con el fin de detener a quienes derrocaron sin armas al
gobernante español.
La fotografía utilizada para el afiche, en cuanto a técnica, está realizada a colores
por la cabeza de cordero que se encuentra allí, mientras que el origen del fondo es
muy difícil de determinar, asumiendo que puede ser una fotografía blanco y negro,
tratada por photoshop para poder obtener este tipo de efectos, luces y saturación
que contiene.
79
Una de las producciones que también tuvo mucha acogida fue “Que tan lejos” de
la cuencana Tania Hermida, que se estreno el 8 de septiembre del 2006 en nuestro
país.
Esta producción recibió un Zenit de Plata en el Festival de Cine de Montreal en la
categoría de Ópera Prima. Esta es una de las producciones que tuvo mucha
acogida del público a pesar del poco apoyo del cine social.
La cineasta cuencana logró retratar al Ecuador desde el punto de vista de un
ecuatoriano y de un turista, cuyas lecturas de la realidad ecuatoriana son
totalmente diferentes.
“Que tan lejos”
Autor: desconocido
http://www.fundaciontiana.org/taniahermida.html
80
El gran acierto en la historia es el haber mostrado a lo largo de este viaje una
identidad ecuatoriana bastante cercana a lo cotidiano sin caer en estereotipos o
caricaturas de la gente que vive en el Ecuador, observando personajes, situaciones
y diálogos muy reales en los cuales el público se ha visto inmerso más de una vez.
En el mismo año se estrena “Esas no son penas”, película dirigida por Anahí
Hoeneisen y Daniel Andrade.
“Esas no son penas”
Autor: desconocido
http://www.esasnosonpenas.com/downloads.html
“Estas no son penas” es un retrato de un grupo de mujeres, en el que cada quien
aporta las luces y sombras de su paradójica condición de clase media, en una
ciudad enclavada en los Andes. En ese encuentro, fortuito y desacostumbrado,
estas mujeres tejerán, en un vaivén entre la culpa y la esperanza, la soledad y la
81
fraternidad, un tapiz de emotividades que estallan en mitad de la aparente rutina
de lo cotidiano.60
“Esas no son penas” se buscó la profundidad de la actuación.
61
La fotografía utilizada en este afiche es a colores, la cual muestra un plano general
de una sala de espera donde se encuentran las tres principales de las cinco
protagonistas de la cinta, se la tomo de la película para afiche y de igual manera
es utilizada para la realización del trailer.
El 2010, se estrenaron películas que fueron relevantes ya que tocaron puntos
sensibles y de índole social.
Bajo la dirección de Carl West, se filmó la película de Las Zuquillo llamada "Zuquillo
Exprés". Creada y escrita por Luis Miguel Campos. Con sus protagonistas Meche,
Charo, Lucha y Nacha. La historia comienza cuando el mercado se derrumba, y las
chicas se quedan sin trabajo.
Por otra parte Charo recibe un mail de su ñaña "La Soña" que vive en los Estados
Unidos, en el que le convence para que vaya a trabajar allá. Lucha ve que su
Johnny le traiciona entonces esta decide acabar con su vida. A la Nachita le quitan
sus mascotas (vaca, conejos, cuyes...). Y a la Mechita no le va nada bien cuando
su ahijado "Trosky" se va a vivir al oriente.
Es entonces que las 4 Zuquillo deciden emigrar a los Estados Unidos, por medio de
un coyote, y la verdadera aventura comienza en la pantalla grande. La película se
estrenó el 13 de agosto de 2010.
60
61
http://www.esasnosonpenas.com/la_pelicula.html
Anahí Hoeneisen, “Esas no son penas”,http://cvc.cervantes.es/artes/cine/construccion/2008/
esas_no_penas.htm, El Comercio, 6 de Mayo del 2007.
82
La historia no sólo trae comedia por montones, sino que al mismo tiempo, toca
puntos sensibles y de índole social. De hecho, la trama "gira en torno al tema de la
migración", nos cuenta Monserrate Astudillo, quien interpreta a la adorada
'Luchita'.
“Zuquillo Exprés”
http://quito.olx.com.ec/estreno-nacional-de-zuquillo-expres-iid-100029712
Sin embargo en el Ecuador han seguido creciendo y multiplicándose los cineastas y
las producciones que buscan mostrar la realidad de este pequeño pero tan diverso
país.
El estreno en Ecuador se realizó en marzo del 2011.
83
A tus espaldas es la primera película ecuatoriana grabada en el formato de cine
digital RED ONE, esta tecnología se ha usado en películas como, District 9, El Che
de Steven Sodelberg, , entre otras.
“A tus espaldas”
Autor: desconocido
http://www.atusespaldas.com/descargas/AFICHEATUSESPALDASA4.jpg
“A tus espaldas” cuenta una historia ecuatoriana, escrita y dirigida por Tito Jara,
cinta que fue rodada en su totalidad en Quito dirigida, producida por Roberto
Aguirre Andrade, cuenta en su reparto con el actor y cantante Gabino Torres, la
colombiana Jenny Nava y la venezolana Lily Alejandra.
Al ser seleccionada entre más de cien proyectos latinoamericanos, para participar
en representación del Ecuador en dos encuentros internacionales auspiciados por
IBERMEDIA en Chile y Panamá, el proyecto contó con la asesoría directa de
84
Octavio Nadal, quien fue gerente de Patagonian Films, empresa productora de
filmes como “Nueve Reinas” y “El hijo de la novia” nominada al Oscar.
En Colombia se desarrolló parte de la pre-producción al realizarse castings en
búsqueda de la actriz protagónica en Bogotá y Medellín.62
Además, personajes de Roberto Gó
l filme con
autorización de Televisa México.
A tus espaldas tuvo varios reconocimientos antes de su estreno, entre ellos están:
Ganador de la primera convocatoria de Fondos Concursables del Ministerio de
Cultura del Ecuador 2007.
Ganador de la categoría Desarrollo de Proyectos Audiovisuales Programa
IBERMEDIA en su reunión 2008 en Montevideo-Uruguay.
Ganador de la Convocatoria 2010 del Concejo Nacional de Cine del Ecuador, en la
categoría de Post Producción.
Ganador convocatoria 2010 CNAC - Venezuela en la categoría de coproducción
minoritaria.
A pesar de que el film tuvo éxito, no se puede dejar atrás el episodio que se sufrió
en el estreno del film en los cines de Quito. El 1 de abril se estrenó la película
ecuatoriana “A tus espaldas”, cuya imagen de presentación es la virgen del
Panecillo con la espalda descubierta. Al parecer, mientras para unos la expectativa
de mirar el filme era grande a otros no les gustó para nada que proyectaran a su
virgen semidesnuda en la pantalla grande. Varias mujeres se dieron cita en las
62
http://www.atusespaldas.com/descargas/ATUSESPALDAS.pdf, consultado el 18 de Enero del
2012
85
afueras de una de las salas de cines más visitadas de la capital para con carteles
en mano y la foto de la virgen del Panecillo protestar en contra de la cinta. Otra de
las mujeres un poco más joven, pero con el mismo pensamiento y convencida de
su catolicismo, comentó que la escena en donde se rompe la cabeza de la virgen
del Panecillo es totalmente irrespetuosa y que ponerla desnuda también va en
contra de su divinidad. “Estamos aquí para evitar que la gente venga a mirar la
película”, manifestaron las mujeres, seguras de que su presencia hará que los
quiteños reflexionen sobre el “sacrilegio” al que se exponen mirando esas
imágenes.
En el 2008, Sebastián Cordero se encontraba grabando “Rabia”, cual fue su nueva
producción, la misma que fue basada en la novela homónima de Sergio Bizzio.
Esta película obtuvo varios galardones internacionales aun antes de ser estrenada
en el Ecuador. En la XIII edición del Festival de Málaga, España, fue reconocido
con la Biznaga de Oro a la mejor Película, Biznaga de Plata al Mejor Actor de
reparto y a la Mejor Fotografía.
86
“Rabia”
Autor: desconocido
http://www.cinerama.ec/2010/04/26/intenso-trailer-y-poster-de-rabia-de-sebastian-cordero/
Después de dos años de arduo trabajo y entrega, y después de haber recorrido
más de 50 salas de cine en España, el 22 de Octubre del 2010 se estreno “Rabia”
en el Ecuador, tercera producción de Sebastián Cordero, evidenciando el
extraordinario trabajo de nuestro cineasta ecuatoriano y del equipo que colaboró
en la concepción de este proyecto.
87
“Prometeo Deportado”
Autor: Oscar Tello
http://cinesegunjorge.blogspot.com/2010/10/prometeo-deportado.html
Prometeo deportado es una película ecuatoriana escrita y dirigida por Fernando
Mieles basándose en sus propias vivencias. El film relata el drama de un grupo de
ecuatorianos retenidos en una sala de espera de un aeropuerto de un país (nunca
mencionado) de la Unión Europea esperando a ser deportados.63
El guionista y director Fernando Mieles tuvo la idea de la historia cuando volvió al
Ecuador en 1993 después de estudiar cine y haber sido deportado. Fue en el año
2000 cuando la escribió y fue en el 2008 cuando se rodó la película.64
63
AVILA, Jorge, “Mis críticas de cine”, http://cinesegunjorge.blogspot.com/2010/10/prometeodeportado.html, consultado el 18 de Enero 2012
64
CAHUASQUI, Ángel, ”Prometeo Deportado”, Abordo 2010, p. 82.
88
La película se rodó en un escenario que simuló un aeropuerto de algún país de la
Unión Europea, aunque nunca se llega a mencionar cual durante toda la película.
La película se estreno en Octubre del 2010 en todos los cines del Ecuador.
“En el nombre de la Hija”
Autor: desconocido
http://turismocuencaecuador.blogspot.com/2011/09/estreno-de-la-pelicula-en-el-nombre-de.html
Este es la segunda producción de la cineasta cuencana
Tania Hermida. En el
nombre de la hija, es una producción ecuatoriana más que fue reconocida
internacionalmente, participó en el Festival de Cine en Roma.
La película obtuvo el galardón Marco Aurelio de Alicia que se otorga a
largometrajes dedicadas al público joven y a las nuevas tendencias del arte del
cine. El festival se desarrolló entre el 27 de octubre y el 5 de noviembre del 2011.
89
La película de Hermida compitió entre catorce trabajos de Francia, Estados Unidos,
Japón, Bélgica, Canadá, Reino Unido, Irlanda y Alemania. Hermida, presente en el
festival, destacó el "gran trabajo de producción realizado en la película por técnicos
y profesionales ecuatorianos que hoy comparten este reconocimiento internacional
al cine ecuatoriano".65
Es una comedia triste e irreverente donde la mente fantástica de una niña rompe
para siempre con los dogmas de dos generaciones.
En el Nombre de la Hija cuenta la historia de una niña de nueve años cuyo nombre
está en disputa.
Manuela lleva el nombre de su padre, socialista y ateo; pero su abuela, católica y
conservadora, insiste en darle el nombre que todas las primogénitas de la familia
han llevado por generaciones: Dolores. La historia transcurre en un valle de los
Andes ecuatorianos, en el verano de 1976. Empeñada en defender las ideas de su
padre, Manuela se enfrenta a las ideas de sus primos y abuelos, pero un encuentro
inesperado le obliga a enfrentarse a sí misma.66
La directora Tania Hermida vuelve a mezclar drama y comedia costumbrista en
esta película en la que los niños, fenomenal actuación de los hermanos, reflejan el
mundo de los adultos, sus miserias y sus aspiraciones.
Quizás el personaje de Manuela resulta demasiado politizado pero como la propia
directora ha reconocido, es una obra autobiográfica.
Cuando una industria empieza a tomar forma, se requiere a medida que esta va
creciendo, que se comunique con el entorno. En este caso la promoción del cine es
65
66
http://www.elcomercio.com/entretenimiento/Tania-Hermida-premio-Roma-nombre_
0_585541458.html, Noviembre 2011, consultado el 18 de Enero del 2012
http://www.enelnombredelahija.com/, consultado el 18 de Enero del 2012
90
vital, no sólo por el aspecto económico que es muy importante, sino por el aspecto
cultural, puesto que el cine nace de la cultura, y el difundir al medio los avances,
evolución, tendencias, da como resultado que ese tipo de sociedades sen bien
vistas culturalmente y obviamente, el público conozca más de su propia cultura.
La cultura cinematográfica, si bien no es muy marcada, está empezando a sufrir un
cambio, o más bien dicho está empezando a desarrollarse, debido entre otras
cosas, al avance tecnológico y a la facilidad que hay en la actualidad para acceder
al cine. Una situación que merece mucha atención, para ser aprovechada de la
mejor manera.67
1.9
Principales directores de cine en el país
Camilo Luzuriaga
Camilo Luzuriaga, director de cine, productor y
guionista, nació en Loja, Ecuador, en 1953.
Luzuriaga participa como actor de teatro en el
Grupo Ollantay entre 1971 y 1976. Más tarde se
dedicará a la fotografía.
Trabaja como fotógrafo desde 1971 con varias
exposiciones fotográficas individuales. En este
campo fue organizador del Primer Encuentro
Nacional de Fotografía Contemporánea en 1982.
67
Loza Cisneros, RAMIRO, “Plan de promoción de cine Ecuatoriano, encaminado a fomentar la
cultura cinematográfica en la ciudad de Quito”, Tesis, 2007
91
Se desempeñó como profesor de fotografía en la Facultad de Artes de la
Universidad Central del Ecuador de 1982 a 1987, y de Imagen en la Facultad de
Arquitectura y Diseño de la Universidad Católica del Ecuador desde 1994. Ha sido
además profesor de cine en el Taller de Cine y Actuación de Grupo Cine.
Luzuriaga es uno de los ecuatorianos, que contra viento y marea produce cine y
desde hace años está dedicado exclusivamente a este arte.
En 1977 dirige Tierra Cañari, su primer cortometraje documental. A partir de los
años ochenta es el director más activo de Ecuador. Entre otros, realizó los cortos
Chacón maravilla (1982), con Marco Antonio Rodríguez y María Manuela Vivanco, y
Así pensamos (1983). Codirigió y editó Los mangles se van (1984), mejor película
educativa en el VI Festival de Cine Latinoamericano de La Habana.
Luego, escribió y dirigió el largometraje La tigra (1990), premiada con la India
Catalina a la Mejor Película y Mejor Ópera Prima en el XXX Festival Internacional
de Cine y TV de Cartagena (1990); obteniendo distinciones por su fotografía y
música en el 7º Festival de Cine de Bogotá; en el Festival de Trieste, Italia, se lleva
Mejor Guión y Mejor Banda Sonora y el “Quilla” en el 2º Encuentro de Cineastas
Andinos.
Dirigió y produjo el largometraje Entre Marx y una mujer desnuda (1996), Premio
Coral a la Mejor Dirección Artística en el Festival Internacional del Nuevo Cine
Latinoamericano y en el Festival de Trieste, Italia.
También fue productor, por la parte ecuatoriana, de Proof of Life, 2001, dirigida
por Taylor Hackford y protagonizada por Meg Ryan y Rusell Crowe. Otras películas
suyas son Cara o cruz (2003) y 1809 – 1810 mientras llega el día. En 2004 trabajó
como actor en la película Crónicas, de Sebastián Cordero.68
68
http://dioxido.wordpress.com/2009/07/22/biografias/, Julio 2009
92
Uno de sus últimos desempeños ha sido la impartición de talleres en la Escuela de
Cine y Actuación en Quito.
”Hacer cine, dice Luzuriaga, no es una tarea fácil. Se requiere de trabajo y
conocimiento especializado y tratar de coordinarlo es muy complejo, especialmente
considerando
que
vivimos
en
Ecuador,
donde
no
existe
experiencia
cinematográfica. Llegar a la excelencia en un país sin tradición fílmica es difícil,
pero ése es el reto”, recalca.
Sostiene que uno de los problemas del cine ecuatoriano es la falta de una política
estatal de apoyo. “Aunque trabajos como La tigra y Entre Marx y una mujer
desnuda se rodaron con el aval del Gobierno, estas colaboraciones fueron
conseguidas a punta de trámites y empeño y, en buena medida, dependieron de la
voluntad y la sensibilidad de los funcionarios”.
Sus películas: La Tigra, Entre Marx y una mujer desnuda y Cara o Cruz se
encuentran en formato DVD en los Estados Unidos para su distribución a través de
Pygmalion Media LLC. Camilo Luzuriaga es, por su trayectoria, uno de los cineastas
más representativos del cine de Iberoamérica.
Anahí Hoeneisen
Nació
en
productora,
Ecuador
estuvo
en
a
1971.
cargo
Como
de
la
promoción y distribución del largometraje
Fuera de juego (2002), de Víctor Arregui.
Ha producido también los cortometrajes
Trench (USA, 2001) y Tuyo hasta la
muerte (Ecuador, 1999).
93
Asimismo, ha trabajado en la dirección de actores de varios filmes, y como actriz
en varios documentales.69
Ha trabajado como Directora de Actores y Casting en varias producciones
cinematográficas. En el 2005, escribió y codirigió con Daniel Andrade su primer
largometraje de ficción, Esas No Son Penas. Esta película fue seleccionada para
participar en más de 25 festivales internacionales de cine entre ellos los de San
Sebastián, Mar del Plata, Guadalajara, Sao Paulo, Jerusalén y el Festival de los 3
Continentes en Francia.70
En el 2009 fue invitada al Talent Campus de la Berlinale y en el 2010 fue
seleccionada para participar en el pabellón Cinéma du Monde del Festival de
Cannes con su segundo proyecto de largometraje Tres que codirigirá junto a
Daniel Andrade y será una coproducción Ecuador-Argentina-Alemania. En el 2011
Dirigió el cortometraje Tenemos que hablar (Sección Ecuador) que es una
coproducción entre España, México, Venezuela y Ecuador.
Viviana Cordero
La escritora y cineasta ecuatoriana Viviana Cordero
nació
en 1964. Estudió Letras Modernas en La Sorbona de
París. En 1990, junto con su hermano Juan Esteban,
Dirige la película Sensaciones. Publica su primera
Novela, El Paraíso de Ariana, en 1994.
69
70
http://www.cinelatinoamericano.org/cineasta.aspx?cod=293, consultado el 18 de Enero del
2012
DONOSO, Xavier, ‘Tres’: “Nuevo proyecto cinematográfico ecuatoriano inició su rodaje”
http://www.cinerama.ec/2011/07/26/tres-nuevo-proyecto-cinematografico-ecuatorianoinicio-su-rodaje/, Julio 2011
94
Es ganadora del Sol de Oro en el tercer festival de Cine y vídeo Demetrio Aguilera
Malta, de 1995, con el mediometraje El Gran Retorno, del cual se desprendió la
teleserie de 24 capítulos del mismo nombre, que también ha sido galardonada con
la estatuilla Ernesto Albán Mosquera como el mejor logro audiovisual.
En 1998 trabajó como asistente de dirección de la película Ratas, Ratones y
Rateros, de Sebastián Cordero. En marzo del año 2000 publica su segunda novela,
El Teatro de los Monstruos, publicada por el sello Baez-Oquendo. Su primera obra
teatral fue Mano a Mano, terminada como una propuesta más de vida, arte y oficio
en el mes de enero de 2000 y luego del gran éxito alcanzado a nivel nacional nace
Tres, una obra concebida para una sola actriz pero con un tema que ha
obsesionado siempre a la autora, la migración. Su tercera novela: Una pobre tan,
¿qué hace? salió a la luz en octubre del 2001. Un Titán en el Ring (2002), marca
su regreso al cine. Retazos de vida (2008) es su último filme.71
Fernando Mieles
Fernando Mieles nació en 1970 en Guayaquil,
Ecuador. Después de estudiar Literatura y
Teatro gana una beca para la Escuela de cine y
televisión de San Antonio de los Baños - Cuba
donde se gradúa en 1992 como Director.
Entre sus trabajos figuran los cortometrajes “En
algún meandro de la Estigia” (vídeo U-matic.
Ficción.17 min. Dirección y Guión.); “Opus
Nigrum” (16 mm. Ficción. 20 min. Dirección y
71
http://www.cinelatinoamericano.org/cineasta.aspx?cod=3597, consultado el 18 de Enero del
2012
95
Guión) y “Árbol de vida”. (16 mm. Ficción. 18 min. Guión). Después viaja a Europa
pero en el Aeropuerto de Barajas es detenido y deportado. De regreso al Ecuador
realiza documentales en vídeo y escribe guiones para la televisión.
Internacionalmente trabaja como primer asistente de dirección y actor en el
largometraje “O toque do Oboé” (Oboe’s Call Brasil – Paraguay); y escribe el guión
“Guayaquil de mis amores” (proyecto documental para serie Mi Tierra).
Desde 1998 imparte Guión, Cine y Realización en la Universidad Católica de
Guayaquil. En el 2001 realiza y dirige la parte de Guayaquil para el Documental
“Ecuador vs el resto del mundo” de Pablo Mogrovejo (Vídeo digital, 54 min.).
En el 2003 realiza cuatro Vídeos Documentales sobre el artista plástico Enrique
Tabarra para el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo de Guayaquil; y es
invitado a los Talleres de Guión de Gabriel García Márquez “La ficción en el
documental” y “Cómo contar un cuento”.72
En el 2004 estrena el documental “Aquí soy José” (Realización y Dirección 68min.
Super 8 y digital) en el Tercer Festival de encuentros del otro cine.
Actualmente prepara su largometraje “Prometeo deportado” (Guión ganador del
Primer Festival Internacional de cine pobre. Gibara-Cuba 2003).
Tania Hermida
Tania Hermida, nació en Cuenca en 1968. Desde temprana edad, debido al trabajo
de su padre como médico, emigró primero al sur a Sapotillo, la frontera con el
Perú, luego a Quito y Londres, ciudad donde vivió 2 años. Sin embargo siempre
mantuvo un vínculo muy fuerte con su ciudad natal y con su familia.
72
http://www.fundaciontoscano.org/esp/asesores_guionistas_oax_07.asp, consultado el 18 de
Enero del 2012
96
Cuando se graduó del colegio su primera opción de
carrera fue la medicina, influenciada por su padre y su
abuelo. Una vez allí se dio cuenta que no era lo suyo.
Probó entonces algunas facetas del arte como la
literatura, el teatro y la música, descubrió que el cine
era el lenguaje con el que se identificaba. Como en
Ecuador no existía esa opción, optó por la Escuela
Internacional de Cine y TV de San Antonio de Los
Baños, Cuba, donde encontró cabida a una forma
nueva de expresión: "allí se planteaba -nos dice Tania- reinventar el cine a partir
de lo que somos como cultura. Una enseñanza que no era simplemente técnica, ni
simplemente artística en términos formales, sino de búsqueda, de ir abriendo
caminos".
Vivió un proceso muy intenso de producción y creación, entre muchos productores
y volvió a Ecuador en 1992. Se enfrentó a un país donde no sucedía nada en su
ámbito, y donde tenía muy pocos interlocutores. Pero trabajó en proyectos que le
permitieran subsistir, sin dejar de buscar el sitio donde desarrollar plenamente su
carrera. En este tiempo hizo una Maestría en Estudios Culturales y viajó a Cuba,
Estados Unidos, España y Chile. Se dio cuenta que su futuro estaba en su país y
no afuera: "había que empezar a conseguir que las cosas pasen." Volvió a Ecuador
y participó con otros colegas en la creación de la "Corporación Ecuador para
Largo". Nació entonces la idea de hacer su primer largometraje.73
En el 2003 comenzó a escribir lo que se convirtió en "Qué tan lejos". Ese fue el
comienzo del proceso para hacer la película. Ahora viene una etapa de
promocionarla afuera, incluyendo un estreno significativo en España.
73
http://www.fundaciontiana.org/taniahermida.html, consultado el 18 de Enero del 2012
97
"Qué tan lejos" ha sido vista por más de 200.000 espectadores en Ecuador y fue
recibida cálidamente en el extranjero haciéndose merecedora a dos premios
internacionales: el Zenith de Plata de Óperas Primas en Festival de Cine de
Montreal y el segundo premio en el Festival Internacional del Nuevo Cine
Latinoamericano de Cuba.
Tania Hermida ha realizado además tres cortometrajes: Ajubel , Cuba 1989; El
Puente Roto , Cuenca 1991; y Aló , Quito, 1999.
Su última producción fue “En el nombre de la hija”, Esta es la segunda producción
de la cineasta cuencana Tania Hermida.
Esta producción ecuatoriana también fue reconocida internacionalmente, participó
en el Festival de Cine en Roma.
74
La película obtuvo el galardón Marco Aurelio de Alicia que se otorga a
largometrajes dedicadas al público joven y a las nuevas tendencias del arte del
cine. El festival se desarrolló entre el 27 de octubre y el 5 de noviembre del 2011.
La literatura latinoamericana de Cortázar, Octavio Paz y Vallejo han sido la que
más ha influido en su manera de entender el mundo y ver las cosas.
Sebastian Cordero
Cineasta ecuatoriano nacido en Quito el 23 de mayo de 1972. Pasa su infancia en
Ecuador y su adolescencia en París. Estudia escritura de guión cinematográfico en
Los Angeles, en la USC (University of Southern California).
74
http://www.elcomercio.com/entretenimiento/Tania-Hermida-premio-Roma-nombre_
0_585541458.html, Noviembre 2011, consultado el 18 de Enero del 2012
98
En 1995 regresa al Ecuador con la idea de realizar un
largometraje en un país donde el cine casi no existe.
Ratas, ratones, rateros (su ópera prima) se estrena
dentro de la Selección Oficial de Venecia en 1999.
Participa en más de 50 festivales y gana más de 12
premios internacionales. La película se convierte en un
hito social y cultural en Ecuador, manteniéndose seis
meses en cartelera.75
Su película siguiente, Crónicas (co-producción ecuatoriano-mexicana), gana el
Sundance/NHK International Filmmakers Award. La película se estrena en la
sección Un Certain Regard del Festival de Cannes en 2004. Desde entonces,
participa en varios festivales internacionales (Toronto, San Sebastián, Sundance y
Rotterdam, entre otros), y gana numerosos premios.
En San Sebastián, en concreto, participó en la sección Horizontes Latinos y logró
una Mención Especial para el actor Damián Alcázar. Crónicas se estrenó
comercialmente en Estados Unidos, México y varios países de Europa y Asia.
En 2008, escribe y dirige en España Rabia, la cual se estrena en el Festival de
Toronto a finales de 2009 y gana el Premio Especial del Jurado en el Festival de
Tokio, los premios a Mejor Dirección, Fotografía y Actuación en el Festival de
Guadalajara, y los premios a Mejor Película, Fotografía y Actuación Secundaria en
75
“DONOSTIA
ZINEMALDIA
FESTIVAL
DE
SAN
SEBASTIAN”
http://www.sansebastianfestival.com/es/pagina.php?ap=3&id=1621, Edición 58, 2010
99
el Festival de Cine Español de Málaga. Se estrenó comercialmente en varios países
de Europa y se estrenó en Latinoamérica a fines de 2010.
Actualmente, se encuentra trabajando en la post-producción de su nueva película,
Pescador, co-producción entre Ecuador y Colombia
CAPÍTULO II
2
2.1
El Afiche
Definición del Afiche
“Lámina de papel que se exhibe”76
El afiche es un texto por medio del cual se difunde un mensaje con intención de
promover un servicio o producto, o bien, para invitar a participar en algo o actuar
de cierta forma. El objetivo es convencer al lector de algo determinado.
Se caracteriza por que puede ser leído rápidamente, capturando la atención del
lector. Es capaz de cumplir varias funciones logrando, a través de él, interactuar y
comunicarnos con el exterior.77
La palabra afiche proviene en su etimología del latín “affictum” que se refiere a
algo pegado o adherido. De allí pasó al francés “affiche” con el mismo significado.
El afiche es un cartel, hecho en papel ya sea que esté manuscrito o impreso, con
dibujos y/o palabras, aunque se sugiere que las palabras sean pocas, y más las
76
77
REAL ACADEMIA DE LA LENGUA ESPAÑOLA, http://buscon.rae.es/draeI/SrvltConsulta?
TIPO_BUS=3&LEMA=Afiche
¿Qué es un afiche, y cómo crearlo?, http://www.icarito.cl/enciclopedia/articulo/primer-ciclobasico/lenguaje-y-comunicacion/escritura/2010/04/51-8789-9-afiche.shtml
100
ilustraciones, para provocar mayor impacto visual.78
Un afiche es un aviso que comunica algún evento futuro o situación actual y que
generalmente ostenta una considerable dimensión para que sea bien apreciado y
notado por el público al cual va dirigido y una deliberada intención artística que
buscará atraer más de lo ordinario.79
Los carteles o afiches publicitarios son herramientas de comunicación utilizadas por
todas las empresas que se dediquen a las actividades comerciales masivas, y no
sólo se trata de un aliado para maximizar utilidades, sino también una herramienta
de trabajo muy efectiva cuando se trata de la actividad comercial.80
Entonces, el afiche se define como una herramienta de comunicación más urbana,
que busca difundir un mensaje al público, usando un lenguaje claro, y dinámico,
con el fin de llamar la atención, persuadir e impactar a quien lo vea. En publicidad
el afiche es la carta de presentación de un producto o servicio.
2.2
Antecedentes del afiche.
Desde la era prehistórica el hombre ha tenido la necesidad de transmitir ideas,
proyectos, pensamientos, deseos, etc. Y es por esto que el hombre desde que
existió siempre buscó la manera, aunque haya sido primitiva, de comunicarse. La
historia de la comunicación define a ésta última como la transmisión y recepción
de ideas, mensajes e información ya sea por un medio visual, auditivo, escrito, o
verbal.
78
HILDA, “Concepto de Afiche”, http://deconceptos.com/arte/afiche, Julio 2010
FLORENCIA, “Definición de Afiche”, http://www.definicionabc.com/comunicacion/afiche.php,
2011
80
ANONIMO, “Cartel Publicitario”, http://www.estudiosimbiosis.com.ar/publicidad/cartelpublicitario.html
79
101
La comunicación que se establece entre dos o más personas se considera el
resultado de miles de métodos de expresión que se vinieron desarrollando durante
varios años. Uno de los métodos más antiguos de comunicación es el afiche; este
es uno de los elementos que dió origen a la publicidad.
Se conoce que hace más de cuatro mil años nació la publicidad, aunque la primera
muestra fehaciente de comunicación publicitaria se encuentra registrada hace casi
tres mil años en un papiro egipcio. Este papiro egipcio se encuentra conservado en
el Museo Británico de Londres, en el cual se describe a un esclavo que huyó de su
patrono, y quien diera con el paradero del mismo tendría una recompensa que
constaba en una pieza de oro.
“Habiendo huido el esclavo Shem de su patrono Hapu, el tejedor, este invita a
todos los buenos ciudadanos de Tebas a encontrarle. Es un hitita, de cinco pies de
alto, de robusta complexión y ojos castaños. Se ofrece media pieza de oro a quien
dé información a cerca de su paradero; a quien lo devuelva a la tienda de Hapu, el
tejedor, donde se tejen las más bellas telas al gusto de cada uno, se le entregará
una pieza entera de oro”.81
También en Babilonia (2000 A.C.) empezaron a dar forma a una primitiva
publicidad en tablas de barro cocido, las mismas que se voceaban por los
comerciantes que visitaban los distintos pueblos para fomentar la comunicación
entre ellos y fomentar el comercio. Estas tablillas de barro, son el “primer soporte
publicitario”, en donde se informaban de productos que se ponían a disposición de
los clientes.
Aunque a estas manifestaciones no se les puede llamar publicidad, por la carencia
de una lógica comunicativa, si que han permitido dar forma a lo que ahora
81
Caldero, Graciela, “Breve historia de la publicidad”, http://publicidad.idoneos.com/index.php/
336236, 2005.
102
conocemos como publicidad gráfica y al uso de la marca. Los sellos e imágenes de
la vida cotidiana eran empleados en Mesopotamia y Egipto por artesanos y
ganaderos para distinguir sus productos.82
En la antigua Grecia (480 A.C.) surgen los primeros medios de propaganda.
Aparecen los voceadores tradicionales, quienes se encargaban de comunicar las
noticias más importantes a la comunidad, y quienes con el pasar del tiempo
empezaron ha “anunciar” productos a viva voz. Por otro lado estaban los axones,
quienes se les considera como los primeros soportes para la propaganda, estos
eran de madera y pintados de color blanco, sobre los que se escribía y dibujaba lo
que se quería informar. También, de la misma época, los kyrbos, estos eran
cilindros de madera que contenían comunicados.
Grecia se vio en la necesidad de emplear ese tipo de herramientas publicitarias ya
que dada su orografía de tierras poco fértiles y su proximidad con el mar, muchos
habitantes se dedicaron al comercio y se vieron obligados a introducir prácticas
distintas para distinguirse de otros mercaderes.
Fue entonces cuando aparecieron en el imperio romano nuevas aportaciones
publicitarias tomadas de las primeras técnicas de los comerciantes griegos.
Roma, en los alba se mostraban los avisos en una pared destinada a tal efecto, y
situada en un lugar público y céntrico. Los mensajes escritos en rojo y negro
servían de soporte para distintos comunicados. También tenían los libelli, que eran
papiros adosados a los muros en los que se podían ver anuncios de venta de
esclavos, venta de libros, lecturas públicas, objetos perdidos y encontrados y
programas de espectáculos. Algunas veces adoptaban forma de octavilla y se
repartían en mano.
82
CARASA, Eva, “Los egipcios, los primeros publicistas. Historia de la publicidad”, http://www.
pooblie.com/index.php/2011/02/02/los-egipcios/, Febrero 2011.
103
Los romanos desarrollaban su faceta más creativa precisamente para los anuncios
de los espectáculos. Empleaban letras, ilustraciones de las obras, lo cual era un
método copiado de los etruscos, en el que dibujaban el contorno de las
ilustraciones y las rellenaban de color. Pero con la caída de este imperio, llegó el
feudalismo, y con esto la necesidad de una autosuficiencia comercial.
La caída del Imperio Romano dio lugar al sistema feudal y, con ello, la
autosuficiencia en la interacción comercial. Durante la edad media se utilizarán
grabados que se tallaban en planchas de madera, y permitía obtener un mayor
número de reproducciones (la xilografía), pero el desarrollo y descubrimiento de
las técnicas mecánicas de reproducción gráfica, fue lo que permitió iniciar el
impulso y despegue de la publicidad, tal y como la entendemos hoy en día.83
La invención de la imprenta en el siglo XV con Guthemberg, permitió la
reproducción masiva de libros, folletos, carteles, llegando a toda Europa y las
colonias americanas.
Surgen así las primeras publicaciones periódicas en los países más desarrollados:
Holanda, Francia, Alemania e Inglaterra, medio que permitía la inserción de los
primeros anuncios comerciales. Comenzando así el romance entre la publicidad y
los medios de comunicación.
La gran temporada del afiche, nace con la primera litografía en colores impresa en
el año 1866 por Jules Cheret, prosiguió en el París de Toulouse Lautrec y de
Alphonse Mucha. Es a partir de los años 1890 a 1900 que Europa y América
ingresaron en un frenesí sobre una nueva forma de publicidad, que era también
83
CARASA, Eva, “Los egipcios, los primeros publicistas. Historia de la publicidad”, http://www.
pooblie.com/index.php/2011/02/02/los-egipcios/, Febrero 2011.
104
una nueva forma de arte: el afiche de papel ilustrado en colores.84
2.3
Elementos de un afiche
Texto o contenido
Es el contenido del anuncio del evento, producto, servicio, etc.
Distribución
Es la posición que tendrán los elementos en el plano.
Título
Representa en pocas palabras el sentido o contenido del evento, servicio, etc.
Puede estar representado por palabras, solo letras, números, los que pueden
formar solo frases, slogans o textos breves. (En lo posible el mínimo de palabras)
Siempre debiera ser de tamaño grande y de colores muy llamativos.
Logo o logotipo
El logo es la figura representativa de lo que se está publicitando. Ej: La cruz de
malta de la teletón. Es logotipo cuando el símbolo se considera a la figura y a la
palabra representativa simultáneamente. (Ej: la palabra teletón y la cruz de malta
juntas).
Isotipo (símbolo)
LOGOTIPO =
+
Anagrama (palabra)
84
ANONIMO, “El arte del Afiche, http://www.profesorenlinea.cl/artes/afiche.htm
105
Centro de interés o punto áureo
Es el punto de partida ideal para crear cualquier composición, el mismo que hace
que el afiche tenga relaciones armónicas y perfectas. Puede ser una figura, una
palabra, un color, etc. Este será el que llame más la atención del espectador.
Generalmente se procura que se ubique en el extremo superior derecho.
Planos
Es la posición de menor a mayor distancia, en que se ubican los elementos del
afiche, con respecto al observador. Es recomendable diseñar un afiche en no más
de tres planos.
Colores
Los colores de un medio publicitario en el plano, son atractivos y son expresados
en forma complementaria o contrastantes. Los colores cálidos suelen ser más
atractivos para la mayoría de las personas, pero esto variará dependiendo del
contenido y concepto del afiche.
El mensaje
Representa en forma más detallada la oferta o anuncio. Se escribe con letras más
pequeñas y van decoradas o puestas sobre diagramas. Generalmente su ubicación
es en la zona media inferior del soporte.
Datos
Este elemento representa los datos de la persona, institución, evento, o servicio
que se anuncia. Ej: Nombre, dirección, fecha, etc.
106
Auspicio
Constituyen los nombres y datos de las instituciones o personas que apadrinan o
patrocinan el evento, servicio, etc. Su ubicación normalmente es en la parte
inferior del medio publicitario.
2.4
Clases de afiche
Por su tamaño, ubicación y función, se ha visto la necesidad de clasificar a los
afiches en:
Séxtuples
Es uno de los formatos más conocidos, son bastante grandes y suelen verse en
grandes formaciones, sobre paredes muy largas u obras en construcción.
El diseño de séxtuples en un formato grande, horizontal, de aproximadamente 4,4
metros de ancho por 2,2 metros de alto, que significa una medida muy interesante
para poder desarrollar una creatividad muy completa y con mucho espacio para
poder trabajar libremente con la información, y lograr así un mejor impacto
publicitario y comercial.85
Backlights
Se denomina así a toda la comunicación de vía pública que tiene un sistema de
iluminación interno, convirtiéndolo en un cartel luminoso. Son muy comunes en
paradas de colectivos y se caracterizan por ser muy llamativos, son relativamente
pequeños, comparado con otros afiches y carteles.
85
“Séxtuples”, http://www.dgenerador.com/sextuples.html, consultado el 14 Noviembre 2011
107
Espectaculares
Se tratan de diversos formatos de gigantografías, de tamaños extremadamente
grandes, que suelen ir en enormes carteles con estructuras propia al costado de
las avenidas y autopistas importantes, como así también en las paredes de los
edificios.
Indoors
Son afiches internos que se utilizan principalmente para comunicación interna de
empresas, o para mensajes institucionales o promocionales, pero sus usos y
formatos son muy variados y para todo tipo de necesidad.
2.5
Funciones del Afiche
La función de la información
Forma parte de una red de comunicaciones que relaciona un emisor con un
receptor (el individuo) con vista a llevar un conocimiento y su objetivo a modificar
su comportamiento.
La función de persuasión
Lo que propone el afiche, es un repertorio de los significados ideales y emotivos de
un producto, que introducen en la persona sentimientos complejos como: deseo de
compra, confianza en la marca, originalidad o imagen satisfactoria.
108
La función económica
El afiche tiene que hacer vender un producto.
La función educadora
La imagen por su contacto inmediato y totalizador respecto al receptor implica una
nueva estructuración de sus hábitos sensitivos y cognitivos, constituye de hecho
un proceso de educación.
La función estética
El afiche constituye un medio plástico que puede contener un elevado valor
estético.
La función creativa
El creador tiene que recurrir a las innovaciones constantemente, del grafismo de la
psicología, de las técnicas nuevos procedimientos de impresión, materiales, y
tecnologías.
2.6
Afiche Cinematográfico
Antecedentes
El afiche de cine nació como el medio principal de publicidad de sus títulos.
109
La ilustración dominó como lenguaje debido a las posibilidades de creación de la
imagen y también por las imposibilidades técnicas de la época, tanto para tomar
como reproducir fotografías a color.86
En sus principios, el afiche sentó las bases de los lenguajes visuales respondiendo
a sus respectivos géneros y con resultados diversos, como por ejemplo el terror y
la ciencia ficción, muy populares desde la década de 1940, ya que eran realizados
por artistas de la época a las que se las llamaba “obras de arte - publicitario”.
La historia del afiche cinematográfico -más que publicidad, invitación a soñar- se
remonta a los orígenes del cine mismo, como un medio de comunicación simple,
popular y directo.
Su mensaje puede ser solamente informativo o bien incluir elementos persuasivos,
provocativos o tentadores y, tanto su evolución formal como la de sus contenidos,
ha sido determinada por los contextos sociopolíticos o económicos de cada época,
por las grandes corrientes artísticas, así como, por la evolución de la industria
cinematográfica en sí misma.
No es en vano que movimientos como el expresionismo alemán o el surrealismo,
así como la Revolución Soviética y, en los años sesenta, la Revolución Cubana, la
Nouvelle Vague, la corriente estética polaca o el arte pop, resulten sus momentos
más creativos.
En cuanto a los primeros afiches de los hermanos Lumiére vemos al público
sentado frente a la pantalla; claro, el espectáculo en sí mismo era el objeto de
atención.
86
ANÓNIMO, “Afiches de Cine”http://www.taringa.net/posts/info/895386/Afiches-de-Cine.html,
2008
110
Pasada la primera época de registros documentales, la aparición del cine de ficción
traslada el objeto a los contenidos temáticos y contextuales que permiten acceder
inmediatamente a los contenidos del filme. Luego, con la aparición del star-system,
el objeto es la estrella y ellos se convierten en el tema central de los carteles,
dejando en segundo plano los contenidos.87
Con la aparición del cine de autor y el arte pop, desde la década del sesenta, la
atención se centra en el realizador, en el filme mismo y, también, en el diseño
estético del cartel. Más tarde, todos estos elementos se alternan o superponen
según los diferentes tipos de expresiones cinematográficas, resaltando los
elementos más vendedores de cada producción en particular. Se le dio gran
importancia a la imagen, como fue la de Marilyn Monroe.
Mediante dibujos, fotomontajes o diseños abstractos, los afiches invadieron los
espacios urbanos para invitarnos a reír con Chaplin, Keaton, Niní o Luis Sandrini, a
buscar el arca perdida con Indiana Jones, acompañar los penurias de los Soffici,
llorar con Joan Crawford, admirar las exquisitas imágenes de Luchino Visconti o las
construcciones estéticas de Orson Welles, bucear en las profundidades de
Bergman o de Torre Nilsson.
Y, aún hoy, pese a la existencia de otros medios publicitarios quizás más
invasores, apreciamos el afiche cinematográfico por sus valores afectivos y
evocadores de aquellos momentos en que, sentados en la sala oscura, frente a la
pantalla grande, reímos, sufrimos y soñamos.
87
“EL arte del afiche”, http://www.profesorenlinea.cl/artes/afiche.htm, consultado el 8 Enero 2012
111
2.7
Principales Pósters Cinematográficos del mundo
The Graduate – 1967
En este afiche podemos observar lo diferente que era el trabajo que se realizaba
para su realización. Observamos una ilustración que muestra al protagonistas de la
película y un elemento extra que es el que permite al público fantasear con el
contenido de la misma.
112
The Godfather – 1972
Este afiche nos muestra el uso del color negro con el fin de darle profundidad a la
imagen, y sobretodo para causar suspenso en el espectador.
113
El silencio de los inocentes – 1991
Con el pasar de los años podemos notar que el diseño va mejorando y se utilizan
nuevos recursos, en este caso podemos observar un montaje que busca comunicar
una metáfora. Además podemos ver como el uso de los colores resalta lo más
impactante de las imágenes que conforman el afiche.
114
Being John Malkovich – 1999
Este afiche nos demuestra un recurso más en lo que al diseño se refiere, la
duplicación de la imagen. Se nota el desarrollo y evolución que el diseño gráfico
junto con la creatividad tanto del director como la del diseñador desarrolló.
115
Saw II– 2005
Es fácil percibir el contenido de la película “Saw”, con solo mirar este afiche. La
imagen que se usa es bastante fuerte, y al mismo tiempo deja un sin numero de
posibilidades para que los espectadores realicen su propia historia antes de que
sepan de que se trata la película.
116
El perfume – 2006
Este afiche cuenta con un diseño más trabajado, lo que lo hace más llamativo e
interesante. El diseño demuestra que no es necesario el uso de varios colores, sino
que al contrario hay q saber como y en donde se los usa. En este caso la imagen
es blanco y negro, y lo único que se diferencia son los pétalos de rosa de color
rojo.
117
Black Swan – 2010
En este afiche podemos observar un diseño más delicado y simple, en el que se
utiliza una fotografía de la actriz principal personificando a uno de los papeles que
representa en la película, el mismo que se relaciona con el nombre de la misma. A
pesar de que la imagen carece de color, los elementos que tiene la hacen atractiva
y fuerte.
118
2.8
Principales Pósters Cinematográficos latinoamericanos
Vamos con Pancho Villa – 1935
Lucia y el sexo – 2001
119
El crimen del padre Amaro – 2002
María llena eres de gracia – 2004
120
Rosario tijeras – 2005
121
2.9
Principales Posters Cinematográficos ecuatorianos
La tigra – 1990
Ratas, ratones y rateros – 1999
122
Crónicas – 2004
Que tan lejos – 2006
123
A tus espaldas – 2010
2.10
Salas de cines más importantes del Ecuador
Cinemark
Cinemark opera actualmente a nivel internacional 96 cines, 72 de ellos con salas
tipo estadio, lo que da un total de 848 pantallas en 13 países, además de operar
cines en la mayoría de estados de la Unión Americana. Opera teatros en
EE.UU.,Canadá, Chile, México, Brasil, Argentina, Perú, Colombia, El Salvador, Costa
Rica, Honduras, Nicaragua, Panamá, Taiwan, y Ecuador. Cinemark continúa
124
creciendo con más localidades en construcción y otras en proyecto en Estados
Unidos y en el extranjero.
Cuando se abrieron sus puertas en Ecuador, causó una revolución en el mercado
introduciendo los “love seats” (asientos para parejas), sonido digital, y la última
tecnología en proyecciones cinematográficas, variedad de productos en el snack
bar además del clásico canguil y bebida. También se establecieron los días de
descuento y las promociones dedicadas a los clientes que les visitan.88
Entre los múltiples servicios que ofrece Cinemark a sus clientes están: un número
telefónico dedicado exclusivamente para información sobre películas y horarios,
ventas de entradas anticipadas, venta de entradas por teléfono. Además también
se puede celebrar su cumpleaños, tenemos múltiples paquetes a su elección que
incluyen invitaciones, sorpresas, snacks, etc. También se puede comprar boletos
pre-pagados a un precio menor que el precio normal de las entradas, son los
SUPER SAVERS que se venden en paquetes de 10 boletos y pueden ser utilizados
cualquier día de la semana, hora y película.
Multicines
Multicines S.A. inició sus operaciones en Ecuador en 1996 como pionero en el país
en la explotación comercial de cine a través de complejos multisalas de tecnología
88
http://www.cinemark.com.ec/quienes_.htm
125
moderna con un establecimiento de cuatro salas ubicado en el centro-norte de
Quito.89
En la actualidad, como resultado de una política de crecimiento sostenido,
Multicines opera cinco modernos complejos de cine en las ciudades de Quito y
Cuenca.
SUPERCINES
La cadena de cines más grande y moderna del Ecuador. Con 116 salas a nivel
nacional, contamos con los mejores complejos de cine equipados con salas tipo
estadio, salas VIP, salas GT-MAX, salas 3D Digital, para que puedas disfrutar de las
mejores películas.90 Está ubicado en C.C. San Luis Shopping (Sangolquí).
Ocho y medio
Es una organización cultural conformada por un equipo de profesionales de la
producción, realización, comunicación, exhibición de cine y arte. Su trabajo está
89
https://www.multicines.com.ec/multiventasjsp2/seleccionCiudad.jsp?ciudadIDBusca=1&
forma=no&tipoIDBusca=2&origen=home&continuar=Continuar, consulta 30 de Enero
90
http://supercines.com/supercines.aspx, consultado el 30 de Enero del 2012
126
encaminado a la construcción de una mirada incluyente, receptiva, participativa
del cine y el arte actual. Con la película “In the Mood for Love”, de Wong Kar-wai,
se abrió, el 14 de septiembre de 2001, el primer complejo cinematográfico de cine
alternativo de Ecuador, ubicado en el tradicional barrio de La Floresta de Quito.
Sus salas proyectan fundamentalmente cine ecuatoriano, iberoamericano, europeo
y producciones provenientes de cinematografías alternas, diferentes a las de los
grandes estudios del cine comercial.
Además, han abierto un espacio para la
presentación de artes escénicas de vanguardia.
Desde el 2003
le dieron forma a las primeras salas de cine independiente en
Guayaquil y posteriormente a Manta. Allí iniciaron su labor como programador y
operador en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo, MAAC Cine, trabajo
que efectuaron con responsabilidad social, de manera libre y autónoma, sin
presiones políticas ni económicas, en el que paso a paso dieron el espacio que se
merece a la producción cinematográfica nacional y el cine independiente,
realizando un sin número de actividades que se constituyeron en verdaderos
puntales del arte ecuatoriano.91
Al momento trabajan en el proyecto “RUTA 8”, una red de salas dedicadas
fundamentalmente a le exhibición de cine ecuatoriano e independiente, que
aspiran esté integrada por la mayor cantidad de ciudades del país, aún por
aquellas de remota ubicación geográfica.
91
http://www.ochoymedio.net/?page_id=794, consultado el 30 de Enero del 2012
127
CAPÍTULO III
3
3.1
Investigación de Mercado
Propósito de la Investigación
Analizar con qué frecuencia asisten las personas al cine.
Determinar cuáles son los espacios publicitarios más observados por las
personas que acuden al cine.
Analizar el impacto que existió en la promoción de las películas en los cines.
Conocer cuál ha sido el impacto que han tenido las películas ecuatorianas en el
público que acude al cine.
3.2
Tipos de investigación
De acuerdo a la profundidad de campo.
Exploratoria.
Son las investigaciones que pretenden darnos una visión general de tipo
aproximativo respecto a una determinada realidad. Este tipo de investigación se
realiza especialmente cuando el tema elegido ha sido poco explorado y reconocido,
y cuando aún, sobre él es difícil formular hipótesis precisas o de cierta generalidad.
3.3
Métodos de investigación
Deductivo: es aquel que parte de datos generales aceptados como válidos para
llegar a una conclusión de tipo particular, en la presente tesis va a ser de gran
ayuda para poder analizar al individuo y llegar a conocer qué efecto realizaron los
posters cinematográficos.
128
3.4
Fuentes de investigación
Primarias
Encuestas y Entrevistas
Se realizará encuestas y entrevistas para el levantamiento de la información y
futuro análisis de las misma.
Las entrevistas se realizarán a personas que conozcan sobre el cine ecuatoriano o
que estén dentro de este mundo.
3.5
Muestreo
n = 399.2
n= Tamaño de la muestra
N= Población
p= Variabilidad Positiva
399
202744 (Afluencia a los cines semanal)
50%
e = Margen de error
5%
Z= Nivel de confianza
1,96
q= Variabilidad Negativa
50%
129
3.6
Técnica
Encuesta:
Edad:
Género:
1.- ¿Qué tipo de películas prefiere al momento de ir al cine?
A) Acción ____
B) Comedia ____
C) Drama ____
D) Romance ____
E) Ciencia ficción ____
2.- ¿A qué salas de cine va usted con frecuencia?
A) Multicines ____ B) Cinemark ____ C) Supercines ____ D) Ocho y medio ____
3.- Cuando va al cine ¿qué es lo que le llama la atención del film?
A) Título ____
B) Actores ____
C) Promoción ____
4.- ¿Qué es lo que le llama la atención al momento de escoger una película?
A) Afiches ____
B) El título ____
C) La sinopsis ____
5.- ¿Mediante qué medios promocionales le gustaría enterarse de las películas que
están en cartelera?
A) Afiches ____
B) Medios electrónicos ____
C) Televisión ____
D) Prensa ____ E) Vallas ____
6.- ¿Recuerda usted algún cartel de película que le haya marcado?
A) Si ____
B) No ____ ¿Cuál? ………………………………………………………………
130
7.- ¿Cree usted que los carteles son un buen sistema publicitario para promocionar
películas?
A) Si ____
B) No ____
8) ¿Le gustaría coleccionar afiches de películas?
A) Si ____
B) No ____
¿Por qué?
8.- ¿Qué película ecuatoriana recuerda?.......................................................
9.- ¿Cree usted que los afiches de las películas ecuatorianas cumplen con su
objetivo de promocionar el film?
A) Si ____
B) No ____
¿Por qué?
Entrevista:
Nombre:
Edad:
Profesión:
1. ¿Cómo ve usted el desarrollo del cine ecuatoriano en la última década?
2. ¿Creé usted que la promoción que se realiza a las películas en el país está bien
enfocada para obtener los resultados deseados?
3. ¿Cómo se debería manejar la promoción de las películas en el país, según su
criterio?
131
4. ¿Qué sistemas de promoción utilizaría para promocionar su film?
5. ¿Cree usted que los afiches son un medio idóneo para promocionar las películas
en el país?
6. ¿Estaría de acuerdo en utilizar nuevos medios de promoción de su película
como sistemas de internet o multimedia? ¿Porqué o cuáles otros propone
usted?
3.7
Análisis de resultados
Encuestas
Género
Respuestas
Numero de Encuestas
Porcentaje
Femenino
247
62%
Masculino
152
38%
Total
399
100%
132
Gráfico 1
52%
48%
Masculino
Femenino
Fuente: Propia
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados; el 48%
de las personas encuestadas fueron de género masculino y el 52% de género
Femenino.
Gráfico 2
¿Qué tipo de películas prefiere al momento de ir al cine?
24%
30%
Acción
Comédia
Drama
18%
28%
Romance
Fuente: propia
133
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados, el 24%
de las personas encuestadas prefieren películas de acción, el 28% prefiere
películas de comedia, el 18% prefiere películas de drama, y el 30% prefiere
películas de romance.
Gráfico 3
¿A qué salas de cine va usted con frecuencia?
9%
Multicines
42%
20%
Cinemark
Supercines
Ocho y medio
29%
Fuente: propia
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados, el 42%
de las personas encuestadas prefieren ir a Multicines, el 29% prefiere ir a
Cinemark, el 20% prefiere ir a Supercines, y el 9% prefiere ir a Ocho y medio.
134
Gráfico 4
Cuando va al cine ¿qué es lo que le llama la atención del film?
12%
25%
Tìtulo
Actores
Promoción
63%
Fuente: propia
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados, al 12%
de las personas encuestadas les llama la atención el título de la película, al 63% de
las personas encuestadas les llama la atención los actores de la película, y al 25%
de las personas encuestadas les llama la atención la promoción de la película.
Gráfico 5
¿Qué es lo que le llama la atención al momento de escoger una película?
30%
Afiche
Tìtulo
Sinópsis
51%
19%
135
Fuente: propia
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados, el 30%
de las personas encuestadas eligen su película por el afiche, el 19% de las
personas encuestadas elige su película por el título, y el 51% de las personas
encuestadas eligen su película por la sinopsis.
Gráfico 6
¿Mediante qué medios promocionales le gustaría enterarse de las películas que
están en cartelera?
Afiches
14%
26%
6%
11%
Medios
Electrónicos
Televisión
Prensa
38%
Vallas
Fuente: propia
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados, el 26%
de las personas encuestadas le gustaría enterarse de las películas por afiches, el
38% de las personas encuestadas le gustaría enterarse de las películas por medios
electrónicos, el 11% las personas encuestadas le gustaría enterarse de las
películas por televisión, el 6% de las personas encuestadas le gustaría enterarse
de las películas en la prensa, el 14% de las personas encuestadas le gustaría
enterarse de las películas por las vallas.
136
Gráfico 7
¿Recuerda usted algún cartel de película que le haya marcado?
Si
40,2%
%
No
59,8%
%
Fuente: propia
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados, el 59,8%
de las personas encuestadas recuerdan algún cartel de película que le haya
marcado, y el 40,2% no recuerdan ninguno.
Gráfico 8
¿Cree usted que los afiches son un buen sistema publicitario para promocionar
películas?
137
31%
Si
No
69%
Fuente: propia
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados, el 69%
de las personas encuestadas creen que los afiches si son un buen sistema
publicitario para promocionar películas, mientras que un 31% de las personas
encuestadas creen que los afiches no lo son.
Gráfico 9
¿Le gustaría coleccionar afiches de películas?
22%
Si
No
78%
Fuente: propia
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados, el 78%
de las personas encuestadas sí les gustaría coleccionar afiches de películas,
138
mientras que a un 22% de las personas encuestadas no les gustaría
coleccionarlos.
Gráfico 10
¿Qué película ecuatoriana recuerda?
Película
Porcentaje
Ratas, ratones y rateros
40%
Que tan lejos
24%
Cuando me toque a mí
19%
A tus espaldas
10%
Crónicas
7%
Fuente: propia
Análisis: Con este gráfico enumeramos las películas ecuatorianas más nombradas
por las personas encuestadas.
Gráfico 11
¿Cree usted que los carteles de las películas ecuatorianas cumplen con su objetivo
de promocionar el film?
24%
Si
No
76%
Fuente: propia
139
Análisis: De este gráfico se puede desprender los siguientes resultados, el 24%
de las personas encuestadas creen que los carteles de las películas ecuatorianas sí
cumplen con su objetivo de promocionar el film, y el 76% creé que no lo hacen.
Entrevista
Nombre: Raúl Khalife
Edad: 59
Profesión: Productor / director audiovisual (director del SOCINE)
1. Sin duda el cine ecuatoriano está en una nueva etapa de desarrollo como lo
comprueba el crecimiento de la producción y propuestas que se abren a nuevos
temas
y
tratamientos.
En
la
base
de
este
salto
cuantitativo
esta
la
institucionalización de la política estatal de fomento al cine: la promulgación de la
Ley de Cine, la creación del Consejo Nacional de Cinematografía y la dotación de
recursos (pocos aun) a un fondo de fomento cinematográfico.
2. En cada caso habría que analizar cuáles son los objetivos de difusión que cada
productor/a se propone para su filme, y ahí analizar si la estrategia promocional y
sus respectivas piezas cumplen con los objetivos previstos. Creo que en general,
para las películas ecuatoriana “grandes” o más taquilleras, se aprovechan bien los
recursos y medios a la mano. Sin embargo siempre se puede proponer mejores
estrategias de promoción y difusión.
3. Creo que en este como en otros campos, no se trata de descubrir el agua tibia.
El cine es industria y como tal, muchos países ya han probado estrategias mas o
menos exitosas de promoción. Sin ir más lejos, Colombia tiene una interesante
experiencia en el tema.
El Ministerio de Cultura de Colombia y los entes de
promoción y difusión del cine colombiano ya han transitado un largo camino cuya
140
experiencia nos puede ser útil. Chile es otro buen ejemplo más cercano a nosotros
del que podemos aprovechar su experiencia en promoción de filmes locales.
4. Todos los que supongan un alto impacto público en relación a la inversión (que
siempre es limitada en nuestras producciones), lo que sería útil es tener una
tipología de los recursos y medios DISPONIBLES en el país o en el mercado local
para los cineastas nacionales, con un análisis de las ventajas y desventajas de
cada medio (no me refiero solo a “medios” de comunicación sino en general a
todos las posibles mecanismos y canales a través de los cuales puedo promocionar
mi película).
5. Pueden serlo o no… DEPENDE… de varios factores. Factores “internos” que
tienen relación con el estilo, la forma, la propuesta gráfica y su decodificación por
los potenciales espectadores, de la estética del cartel o a que códigos culturales
apela. Factores “externos”: DEPENDE de con que otros medios está asociado el
cartel, donde se exhibe, etc… El cartel como medio de promoción fílmica no es
bueno ni malo “per se”, depende del análisis del contexto.
Es claro que el cartel
siempre ha estado asociado a la promoción cinematográfica pero sospecho que
cada vez resulta mas resulta limitada como elemento promocional dada la
“competencia” de medios y recursos multimedia.
6. Sin ninguna duda, no creo que nadie piense que no es útil o necesario
promocionar su película con instrumentos novedosos en Internet o multimedia,
sobre todo considerando la relación costo-beneficio, es decir el bajo costo relativo
de la promoción en la red en relación al impacto sobre un gran número de
personas.
141
Nombre: Juan José Alomía
Edad:22
Profesión: estudiante de cine USFQ
1.
Mejor
que
nunca,
las
producciones
nacionales
se
han
multiplicado
progresivamente.
2. Para nada. Aunque el gobierno patrocine las producciones, no existe todavía un
marketing adecuado para que las películas de acá se difundan, no solo para dentro
del país sino afuera.
3. Hay que reconocer que el cine (ir a la sala) es para una élite, porque no es tan
barato. Las películas piratas son una buena opción (algo que ya se hace) creo que
se debería pensar en tv y en internet; o que tal crear una sala de cine “popular”.
4. Redes sociales y tv.
5. Algo, pero debería ser un flyer innovador que cause expectativa, sino mejor el
graffiti.
6. Redes sociales y spam.
3.8
Conclusiones de la Investigación
Con la investigación realizada nos podemos dar cuenta que las producciones
ecuatorianas son poco recordadas por el público quiteño.
142
Los medios en los que se ha promocionado las películas ecuatorianas son
convencionales y no han sido lo suficientemente atractivos, o no han causado un
gran impacto dentro del público ecuatoriano.
El apoyo que necesitan los cineastas ecuatorianos, para continuar sobresaliendo en
el extranjero, se lo debemos dar aquí siendo los primeros en ver sus producciones,
y no enterarnos por otros países de los logros que están obteniendo las
producciones ecuatorianas.
El nivel de recordación del público ecuatoriano se mide según el impacto que la
publicidad cause en el, por lo que el uso de medios btl dentro de la promoción de
películas sería una forma más impresionante de llamar la atención de los
ecuatorianos.
Con las encuestas se pudo medir el nivel de interés y aceptación que tiene el
público en las producciones cinematográficas ecuatorianas, el mismo que fue
favorable, ya que están siempre en espera de algo nuevo y diferente, que llame la
atención.
143
CAPÍTULO IV
4
Propuesta
“Estrategia
de
comunicación
para
la
promoción
de
películas
Ecuatorianas”
El uso de medios publicitarios alternativos para la promoción de películas
ecuatorianas ha sido poco o nada implementada en el país.
Dentro de los medios convencionales para la promoción de películas, el afiche ha
sido el medio más explotado para dar a conocer y promocionar las películas, desde
el inicio de las mismas.
Hoy en día el ingenio humano junto con la tecnología nos da la oportunidad de
transformar un simple diseño y darle un plus al mismo, que puede ser movimiento,
animación, color, música, etc., y así crear cosas extraordinarias.
La utilización de estas herramientas en la actualidad, dentro del medio
cinematográfico ecuatoriano, no están siendo implementadas completamente, el
uso de redes sociales, televisión, afiches y vallas no han logrado marcar un
precedente en el público ecuatoriano; es por esto que esta propuesta se enfoca en
combinar el afiche y los nuevos medios alternativos publicitarios, con el fin de
potenciar la promoción de las películas ecuatorianas.
Esta propuesta ha sido desarrollada con el fin de mostrar nuevas formas de
promocionar la cinematografía ecuatoriana, usando medios de promoción
alternativos, para llegar a impactar al público ecuatoriano con producciones 100%
ecuatorianas.
144
4.1
Desarrollo
El afiche y tecnologías digitales
Con el fin de obtener un impacto relevante en el público al momento que acuden
al cine y escoger su película, se implementará una nueva forma de publicar los
afiches de películas ecuatorianas, con el fin de que estos sobresalgan entre todas
las demás películas que estén en cartelera.
Para esto se utilizarán pantallas táctiles, en las que el público podrá conocer más
de las películas ecuatorianas. En estas pantallas se encontrará información como:
sinopsis, trailer, novedades, etc. Además el público podrá descargar toda esta
información, salvapantallas y fotografías directamente a sus smartphones.
Se presentarán las últimas producciones que estén por estrenarse o las que se
estén realizando aún. Toda esta información estará al alcance del público al
momento de escoger qué película ver. El público vivirá una nueva experiencia al
poder interactuar con las pantallas táctiles.
Así también con el fin de conseguir financiamiento, se buscará auspiciantes que
quieran promocionar sus marcas dentro de estas pantallas. Para esto se ofrecerán
banners. Los mismos cines, pueden promocionarse dentro de estas pantallas o
promocionar los combos que éstos ofrecen.
Además con el fin de apoyar a la industria cinematográfica ecuatoriana, se buscará
llegar a un acuerdo con los cines, y se venderán los DVD’s de las películas en los
mismos. Con el fin de frenar la piratería de las mismas.
En las pantallas gigantes que encontramos en las avenidas principales de la ciudad
se pautarán los videos promocionales de las películas ecuatorianas, se dará a
145
conocer en dónde se puede encontrar los DVD’s originales y los estrenos que están
por venir. Además se colocaran los horarios en los que se estén presentando las
películas ecuatorianas en las salas de cine.
En el aeropuerto Mariscal Sucre se colocarán pantallas en las que se difundirá
varios cortos teaser de las películas ecuatorianas, y de los premios obtenidos por
las mismas.
Se propone como socios estratégicos la aerolínea LAN, con el fin de transmitir
películas ecuatorianas durante los viajes que la aerolínea realiza.
Se creará un fan page en Facebook en el que se informará sobre todo lo que está
relacionado con el cine ecuatoriano, y las actividades que se estarán realizando.
Dentro de este espacio también se promocionará el convenio que se hará con la
Empresa LAN.
Se creará un canal en Youtube, en donde se difundirán videos del making off,
entrevistas con los directores, trailers, y todas las noticias y actividades que estén
relacionados con el cine ecuatoriano.
146
4.2
Piezas
Stand de cine ecuatoriano
147
Banners
148
Página de Facebook
Canal Youtube
149
Sitio web LAN Ecuador
Sitio web Multicines
150
Sitio web Cinemark
Sitio web Supercines
151
Póster
152
Promoción
153
Pantallas táctiles
154
155
156
4.3
Plan de medios
Parámetros generales
Definición de los parámetros generales que serán utilizados en el plan de medios a
realizarse en la estrategia de comunicación planteada, con el objetivo de promover
nuevas formas de promover las películas ecuatorianas.
Grupo Objetivo: Hombres y mujeres de 20 a 40 años, de nivel socio
económico medio - medio alto.
Cobertura geográfica: Quito
Presupuesto de medios: El presupuesto para la realización de este
proyecto se conseguirá mediante socios estratégicos del sector público y
privado, por este motivo es que el presupuesto no cuenta con una cifra
exacta.
Etapas y duración
ETAPAS
Lanzamiento
Mantenimiento
DURACIÓN
4 meses
8 meses
157
Objetivos de medios
Alcance: 40% y el 60% en multimedios del target.
Cobertura: Quito
Selección de medios
ETAPA DE
LANZAMIENTO
Internet
Aerolínea
Aeropuerto
Pantallas gigantes
ETAPA DE
MANTENIMIENTO
Internet
Aerolínea
Aeropuerto
Pantallas gigantes
Cine
Oportunidades de contacto
El grupo objetivo es atraído por el séptimo arte, se interesan por los avances
tecnológicos, se encuentran conectados e informados constantemente a través de
las redes sociales, les gusta viajar.
158
Selección de soportes
Impacto y diferenciación: Pantallas touch en cines, pantallas gigantes,
Stand de venta en cines.
Interactividad: Internet, Facebook, Youtube, Sitio Web LAN, Pantallas
touch en cines
Justificación y tácticas de medios
Cines
Justificación: se está proponiendo utilizar los espacios publicitarios que el cine
nos ofrece, ya que éste es el soporte más fuerte con el que se podrá llegar al
grupo objetivo deseado.
Táctica: Se propone alquilar una isla dentro de cada uno de los 3 de los cines más
importantes y con mayor afluencia de la ciudad de Quito, en donde se encontrarán
los posters de las películas que se encuentren en cartelera, y en donde se podrá
adquirir los DVD’s originales de las películas ecuatorianas realizadas con el fin de
contrarrestar la compra de películas piratas.
También se presentará un corto antes del inicio de las películas, en el que se
recopilarán imágenes de las películas ecuatorianas, con el fin de incentivar el
apoyo del público hacia las mismas.
Estrategia
Táctica

Promoción en
Colocar un
promocional.
Duración
Costo
stand Todo se colocará en
los cines por el
mismo periodo en el
159
cines

Paquete
que se las películas
promocional dentro ecuatorianas estén
de los cines.
en cartelera.
$4100
(mensual)
Pantallas gigantes
Justificación: se propone el uso de medios exteriores con el fin de generar
impacto y recordación en el grupo objetivo.
Táctica: se propone pautar en las pantallas gigantes de la Av. Naciones Unidas y
de la Plaza Foch, un video con la recopilación de imágenes de las películas
ecuatorianas realizadas hasta la actualidad.
Estrategia
Táctica
Duración
Costo
8 meses dentro del
periodo de 1 año:

Pantallas
gigantes
Pautar promociones,
horarios,
sorteos,
etc, de todas las
actividades que se
realizarán.
Octubre
Noviembre
Diciembre
Abril
Mayo
Agosto
Septiembre
Octubre
$14,400
Aeropuerto
Justificación: se propone colocar información sobre películas ecuatorianas con el
fin de dar a conocer las producciones nacionales tanto al público extranjero como
al público nacional.
160
Táctica: se ubicarán posters e información sobre las producciones ecuatorianas en
las salas de espera con el fin de recordar e informar tanto al público ecuatoriano
como al extranjero del cine que tenemos. También se colocará una pantalla en la
que se transmitirá información, entrevistas, cortos, etc., de las películas
ecuatorianas.
Además se realizará una alianza con la aerolínea LAN Ecuador, con el fin de poder
ocupar un espacio dentro de las carteleras cinematográficas que esta aerolínea
ofrece durante sus viajes, con el fin de promocionar aún más lo nuestro. Además
se pautará publicidad dentro de la sala de espera de la aerolínea.
Estrategia
Táctica

Aeropuerto
Aerolínea
(LAN)

Duración
Tendrá una
duración de 8
meses:
Pantallas touch en Octubre
las salas de espera.
Noviembre
Diciembre
Enero
Julio
Agosto
Septiembre
Octubre
Promocionales,
información, etc,
dentro del avión.
Tendrá una
duración de 6
meses:
Octubre
Noviembre
Diciembre
Enero
Febrero
Julio
Agosto
Costo
$23.996
$11.520
161
Internet
Justificación: se propone el uso de internet ya que es un medio donde la gente
puede interactuar en tiempo real y la difusión es mucho más rápida.
Táctica: Se colocarán banners en los sitios web de los cines, sobre las actividades
que se realizarán en los mismos.
Se creará una página de facebook en donde se podrá encontrar toda la
información sobre las producciones ecuatorianas y las actividades que se están
realizando con estas.
También se hará un canal de youtube en donde se subirán los trailers y teasers de
las películas, con el fin de tener informado al grupo objetivo.
Estrategia
Sitios Web
Táctica

Creación
web.
de
Duración
sitios Durará todo el año.
Costo
$7200
Con el fin de continuar llamando la atención del target, se realizaran activaciones
en nuevas plazas, con el fin de bombardear al target con información y nuevas
promociones, creando expectativa y afianzando la relación con el público
ecuatoriano
162
4.4
INTERNET
AEROLÍNE
A
AEROPUER
TO
PANTALLA
S
GIGANTES
CINE
Cronograma de actividades
OCTUBRE
NOVIEMB
RE
DICIEMB
RE
ENERO
FEBRERO
MARZO
ABRIL
MAYO
JUNIO
JULIO
AGOSTO
SEPTIEMBR
E
OCTUBRE
$600
$600
$600
$600
$600
$600
$600
$600
$600
$600
$600
$600
$600
$1920
$1920
$1920
$1920
$1920
$1920
$1920
$3428
$3428
$3428
$3428
$3428
$3428
$3428
$1800
$1800
$1800
$1800
$1800
$1800
$1800
$4100
$1800
$4100
TOTAL:
$65,316
CAPÍTULO V
5
Conclusiones y recomendaciones
Este proyecto da a conocer un poco de la historia de cómo se ha venido
desarrollando el mundo del cine, desde su nacimiento hasta hoy.
En el marco teórico se investigó sobre todo el desarrollo que ha venido dándose en
el cine ecuatoriano en los últimos años, lo que ayudó para poder tener una pauta
de lo que se podría mejorar con el fin de que el desarrollo del cine ecuatoriano
siga creciendo.
El mundo publicitario de hoy va acompañado de la tecnología, por lo que se
recomienda estar siempre a la vanguardia de los mismos, con el fin de atraer al
público de una manera más innovadora e impactante.
Esta estrategia de comunicación busca incentivar el apoyo de los ecuatorianos
hacia las producciones cinematográficas, creando estrategias, con el fin de ayudar
a que esta industria siga avanzando más de lo que ya se ha venido desarrollando
últimamente.
El uso de medios en los que el grupo objetivo puede tener un contacto más directo
e interactuar con el mismo, hace que el producto que se este promocionando o
dando a conocer sea más atractivo, logrando quedarse grabado en la mente del
consumidor de una manera más directa y menos forzada.
Este proyecto confirma lo importante que es saber valorar el trabajo que la
industria cinematográfica ecuatoriana hace para poder llevar a cabo cada una de
las producciones que se encuentran en el cine, y de lo importante que es nuestro
apoyo para ellos, por lo que no se debe permitir ni apoyar a la piratería de estas
producciones.
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