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VI CICLO DE CONCIERTOS DE
MÚSICA CONTEMPORÁNEA
FUNDACIÓN BBVA
BILBAO 2015-2016
16 de febrero de 2016
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Martes, 16 de febrero de 2016
Fundación BBVA
Edificio San Nicolás
Plaza de San Nicolás, 4
Bilbao
Fundación BBVA
El programa de Cultura de la Fundación BBVA
dedica especial atención a la música clásica,
con énfasis en la composición del siglo xx y
comienzos del presente. Pocas áreas de la cultura expresan de manera tan acabada como
la música el equilibrio entre el mantenimiento de una rica tradición reactualizada y enriquecida permanentemente y de innovación
radical, aportando ambas una componente
esencial de la sensibilidad de nuestro tiempo.
Y por ello forma parte central del programa
de la Fundación BBVA.
La tipología de actividades incluye las
siguientes:
• Concursos y premios, como son el Premio
Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento
y la Cultura, en la categoría de Música, y el
Premio de Composición Asociación Española de
Orquestas Sinfónicas (AEOS)-Fundación BBVA.
• Ciclos de interpretación de música de los
siglos xx y xxi, entre los que destacan el Ciclo
Retratos, a cargo de PluralEnsemble, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid; el Ciclo
de Solistas, en la sede de la Fundación BBVA en
Madrid (Palacio del Marqués de Salamanca);
y el de Conciertos de Música Contemporánea,
en la sede de la Fundación BBVA en Bilbao (Edificio de San Nicolás), bajo la dirección artística
del compositor Gabriel Erkoreka.
• Ciclo de conciertos teatralizados El Mundo
de Ayer, que combina música, trabajo actoral
y creación audiovisual, dirigido por el maestro José Ramón Encinar.
• Formación académica de excelencia, a través de un programa de becas destinadas a la
Joven Orquesta Nacional de España (JONDE),
complementado con la creación de la Academia Orquesta Nacional de España-Fundación
BBVA, un nuevo programa pedagógico en colaboración con la Orquesta y Coro Nacionales
de España (OCNE), que hace posible la participación de músicos de la JONDE en conciertos
de la OCNE, además del apoyo a la Cátedra
de Viola Fundación BBVA Escuela Superior
de Música Reina Sofía y a la Sinfonietta de
Música Contemporánea de la misma escuela.
• Ciclos de Jóvenes Intérpretes, desarrollados en las sedes de la Fundación en Madrid
y Bilbao.
• Grabaciones en audio y vídeo y difusión de
la música de nuestro tiempo, señaladamente
la serie NEOS-Fundación BBVA y la Colección
de Compositores Españoles y Latinoamericanos de Música Actual, impulsada por la
Fundación BBVA en colaboración con el sello Verso. Se desarrollan también proyectos
singulares dedicados a la grabación en audio
o en vídeo de la interpretación de artistas
particularmente destacados, entre ellos los
dos dedicados al maestro Joaquín Achúcarro
(con Opus Arte y Euroarts), a obras o figuras
emblemáticas, como Tomás Luis de Victoria
(con la BBC), la Carta Blanca Ecos y sombras
dedicada al maestro Cristóbal Halffter (con
Koala Productions) y la grabación del estreno mundial de su ópera Lázaro (con
NEOS), Panambí de Ginastera (con Deutsche
Grammophon), las óperas Eugene Onegin de
Chaikovski y Rigoletto de Verdi (con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera [ABAO]),
Spanish Landscapes de Leticia Moreno (con
Deutsche Grammophon), y Aura de Judith
Jáuregui (con BerliMusic).
• Entre las colaboraciones que la Fundación
BBVA ha venido desarrollando en los últimos
años, se encuentran las establecidas con la
Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera
(ABAO), el Teatro de la Maestranza de Sevilla, la Orquesta y Coro de la Comunidad de
Madrid (ORCAM), la Orquesta Sinfónica de
Madrid, el Teatro Real de Madrid, y el Gran
Teatro del Liceo de Barcelona.
• Encargos de composición a creadores españoles e internacionales en colaboración
con el Centro Nacional de Difusión Musical
(CNDM), la ORCAM y la Orquesta Sinfónica de
Euskadi, además de otros encargos directos.
• Ciclos de conferencias y actividades orientadas a difundir y desvelar al público interesado el significado de la creación musical. La
Fundación BBVA apoya también publicaciones de referencia en el ámbito de la música
como la revista Scherzo.
La actividad de la Fundación BBVA en otras
áreas de la cultura incluye la serie El Quijote
del siglo xxi: versión radiofónica y el programa sobre pintura contemporánea Punto
de fuga, ambos en colaboración con Radio
Nacional de España (RNE).
La dedicación de la Fundación BBVA a la música y a la cultura le ha hecho merecedora
de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas
Artes así como la Medalla de Honor de la Real
Academia de Bellas Artes de San Fernando.
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PROGRAMA
INTÉRPRETES
PRIMERA PARTE:
PluralEnsemble
Centauro marino
Salvatore Sciarrino (1947)*
Rui Borges, flauta
Joan Tormo, clarinete
Alberto Rosado, piano
Javier Aznárez, violín
Ana María Alonso, viola
David Apellániz, violonchelo
Sequenza I
Luciano Berio (1925-2003)
Ronda
Franco Donatoni (1927-2000)
DIRECTOR
Trio
Salvatore Sciarrino
Fabián Panisello
SEGUNDA PARTE:
Lo spazio inverso
Salvatore Sciarrino
Sequenza IXc
Luciano Berio
Spice (Ronda n. 2)
Franco Donatoni
* Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en Música Contemporánea
COORDINACIÓN DEL CICLO
Gabriel Erkoreka
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Notas al programa
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Salvatore Sciarrino
Centauro marino
Una nueva forma de escucha: esta es la propuesta con la que Salvatore Sciarrino sacude
al oyente de hoy, al que coloca en el centro
del sonido mismo. Sciarrino ha conseguido
distinguir su música de cualquier otra del
panorama compositivo al replantear los umbrales de la percepción, situándolos en el
límite del silencio, y de esta forma establecer
nuevas perspectivas de espacio y de tiempo.
Centauro marino es el tercero de los seis
quintetos compuestos por el palermitano entre 1984 y 1989. Fue un encargo de
I Solisti Dauni, quienes lo estrenaron en
1984 en la Terza Rassegna di Compositori
Contemporanei de Foggia, y está dedicado
al dramaturgo y director artístico Peter Kehr.
Es Centauro marino una obra paradigmática
del lenguaje del autor, no basado en las alturas,
«en las relaciones interválicas o en la lógica armónico-contrapuntística, sino en bloques complejos de articulaciones –que Sciarrino llama
figuras– en los cuales el material tímbrico, los
modos de ataque, dinámicas, valores rítmicos y
gestos instrumentales están interrelacionados
inseparablemente» (Pietro Misuraca). En el
«camino de la escucha», Sciarrino propone una
sucesión de «ambientes acústicos intermitentes» que adquieren significado en el imaginario
descrito por Laurent Feneyrou: el de «los vastos
espacios inhabitados y, singularmente, […] el
desierto marino, en los confines del sueño, allí
donde el ser es, pero duda aún de ofrecerse a
la existencia». Aquí cobra sentido la «ecología
de la escucha» atribuida a su poética, una alternativa a la sobresaturación sensorial que
encuentra sus relatos en los estímulos más
imperceptibles de la naturaleza.
Luciano Berio
Sequenza I
Es en el acercamiento a la creación para instrumento a solo donde se pone de manifiesto
la relación del compositor con la esencia del
sonido, forjada en la indagación en el timbre,
en el registro y en la idiosincrasia instrumental y, por supuesto, en la presencia física del
intérprete. En los años cincuenta, la mayor
parte de los creadores de vanguardia concentraron sus esfuerzos en la construcción de
nuevos sistemas de composición, de forma
que los aspectos idiomáticos de los instrumentos no se consideraron esenciales. Una
de las excepciones fue Luciano Berio, nacido
en una familia de Liguria de larga tradición
musical, que en 1958 comenzó una investigación lúcida y precisa sobre la relación entre el
pensamiento compositivo y el instrumento a
solo. La globalidad de toda esta reflexión se
concretó en las Sequenze, una serie de dieciocho piezas compuestas a lo largo de más
de cuarenta años y dirigidas a intérpretes
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inquietos, que aceptaran el reto de ampliar
los límites tradicionales de su instrumento.
La Sequenza I para flauta fue compuesta en
1958 para Severino Gazzelloni, reputado flautista principal de la Orquesta Sinfónica de la
RAI, especialista tanto en el repertorio barroco
como en la literatura de vanguardia, y responsable de su estreno en Darmstadt. Según
expresa el propio Berio, el término Sequenza
tiene que ver con el hecho de que la pieza está
construida «a partir de una secuencia de campos armónicos de los cuales derivan las otras
funciones musicales». Uno de los desafíos de
la obra es conseguir su esencia lírica a pesar de
los frecuentes cambios de dinámica y registro
y la tendencia al uso del staccato. El reto que
se propuso el propio Berio –interpelando directamente al oyente– fue establecer, a partir
de un instrumento esencialmente monódico,
«un modo de escucha fuertemente condicionada para poder sugerir constantemente un
contrapunto latente e implícito». Berio, que
años más tarde asombraría al mundo de la
composición revisitando sus referentes musicales –Mahler, en especial– en su posmoderna
Sinfonía, se propone trasladar el ideal de las
melodías polifónicas de Bach a los contextos
del siglo xx a través de diversos procedimientos, como el uso de sonidos largos y ligados
frente a otros puntuales en el registro agudo.
Existe también otro tipo de polifonía, un doble discurso que viene dado por la incorpo10
ración de elementos que atañen a la dimensión morfológica del instrumento –ruidos
de llaves, cambios rápidos de articulación
y dinámica, multifónicos…– y a la corporeidad del intérprete, con ruidos del aliento
o frullati que acaban convirtiéndose en un
elemento sustancial en los momentos de
máxima tensión.
Franco Donatoni
Ronda
Desde la época en que, siendo muchacho,
se ganaba unas liras tocando el violín en
la Arena de Verona, su ciudad natal, hasta
el período de las piezas que escucharemos
esta tarde, la trayectoria de Franco Donatoni
está definida por cambios de rumbo y hondas experiencias vitales: sus estudios con
Ildebrando Pizzetti, aunque bajo la tutela de
Goffredo Petrassi, y la constatación de que,
mientras gran parte de sus compañeros de
generación militaban en las filas de la vanguardia, él continuaba escribiendo la música
de sus abuelos. Luego vino el encuentro con
Bruno Maderna y su familiarización con la
dodecafonía y el serialismo, momento en el
que escribe, en su opinión, las obras «más
feas» de su vida. Después, el rechazo de la
filosofía de John Cage, que para él ponía en
peligro toda la música, pero que acabaría por
desencadenar una intensa reconsideración
de sus procedimientos compositivos.
Ronda es un cuarteto con piano estrenado
por el Cuarteto Ivaldi en 1984 en el Festival
de La Rochelle. Fue un encargo del Ministerio
de Cultura francés y está dedicado al crítico
galo Patrick Szersnovicz. Su título alude a
la estructura de la pieza, en la cual, según
Donatoni, «los fragmentos se desarrollan, reaparecen cíclicamente, en una lectura circular que no puede ser interrumpida porque no
obedece a un diseño sino, por el contrario, a
la naturaleza continuamente fluctuante de lo
efímero». La estructura alterna así secciones
en staccato de rítmica muy marcada e irregular con otras en las que desaparece la sensación de pulso, un efecto creado mediante la
repetición de patrones asincrónicos dejados
aparentemente al arbitrio de un cierto automatismo cuyo origen no es excesivamente
aventurado relacionar con la pasión del autor
por la numerología (el trece, por ejemplo,
era su número «vital»). Donatoni revive su
experiencia veinteañera como pianista en los
night clubs para infiltrar en la obra la vitalidad jazzística que resulta evidente en otras
obras de la época, como Hot.
Salvatore Sciarrino
Trio
A la vez que clarificaba y concretaba el uso
de materiales respecto a los procedimientos
más abigarrados de sus obras tempranas,
Salvatore Sciarrino se volcó durante los años
setenta en la exploración de las posibilidades de los instrumentos de cuerda, especialmente combinados en grupos de cámara,
indagando en ese virtuosismo trascendental
con el que aspira, extendiendo los límites
del instrumento, a cruzar el umbral de las
certezas. La terminología histórica utilizada en relación con el orgánico de la pieza
–violín, violonchelo y piano– está lejos de
remitirnos al empleo de recursos estilísticos
neoclásicos, sino que la lógica del lenguaje
descansa en la reiteración de sus figuras características, progresivamente densificadas.
Entre ellas, los ondulados movimientos en
inversión o los glissandi que el pianista debe
efectuar con guantes de lana vuelven a otorgar al piano el papel proactivo.
Además de la dedicatoria al musicólogo Mario
Bortolotto, la partitura aparece encabezada
por la siguiente leyenda: «Y después dime si
tantas maravillas han sido hechas por engaño o bien por arte», una frase escrita bajo el
zócalo de uno de los pétreos monstruos de la
Villa Orsini de Bomarzo, que aguardan al visitante desde el siglo xvi. Si con la entrada en el
misterioso bosque el viajero debe abandonar
todo pensamiento racional para introducirse
en un mundo poblado de gigantes, orcos y
sirenas, el oyente debe renunciar a la escucha
convencional y entrar en contacto con otra
realidad sonora, donde los eventos surgen de
la nada y desembocan en ella. En este terreno,
el acontecimiento más imperceptible cobra
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una dimensión insospechada, tan fascinante
que conecta directamente con nuestra imaginación, sin necesidad de análisis profundos.
Salvatore Sciarrino
Lo spazio inverso
Es bien conocida la dedicación de Salvatore
Sciarrino a la música escénica, de la que
son exponentes óperas como Perseo e
Andromeda (1990) o Luci mie traditrici
(1998), fantasmal revisión de la historia de
Gesualdo. Pero Sciarrino traslada el drama al
sonido mismo; tiene la cualidad de «suscitar
espacios donde no hay más que una creación
mental», una experiencia perceptible en la
escucha de Lo spazio inverso. La indicación
inicial en la partitura –«como sin tiempo,
con la respiración»– subraya la paradoja que
se propone Sciarrino: «Crear la apariencia
de movimiento con el estatismo». El acorde
de dos sonidos del clarinete –una figura recurrente en su música– es la respiración de
la pieza, la de quien, al introducirse en un
espacio opresivo, escucha su propio aliento,
su propia inquietud: «En el silencio encontramos los sonidos del cuerpo y los reconocemos como nuestros, los escuchamos,
finalmente», dice Sciarrino. Como modernos
Teseos, recorremos las perspectivas alucinantes de sonidos que se disparan hacia el
agudo, permanecemos atentos a gemidos
imperceptibles y vibrantes, a multifónicos
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ultramundanos, a los rugidos de la flauta y el
violonchelo o a las figuraciones destellantes
de la celesta. La respiración se acelera y la
música parece terminar arbitrariamente al
interrumpirse el episodio onírico.
Dos dimensiones reconoce Sciarrino en esta
obra: una «más oscura; la otra, más bestial»,
y están gobernadas por leyes que, como la sustancia de la música, son también heterodoxas:
«Ni continuidad, ni fragmentos, ni dialéctica.
[…] Se evitan los desarrollos y, en realidad,
solo se sugieren afinidades o lazos entre un
momento y el sucesivo. […] Basta la misma
consciencia de que la red de los sentidos organiza también el desorden y el caos es legible».
Luciano Berio
Sequenza IXc
Durante los años setenta Berio desarrolló
una serie de investigaciones en el Ircam de
París a propósito de la transformación electrónica de la música en vivo, especialmente
partiendo del tratamiento vocal. A partir de
este trabajo, conformó en 1980 la Sequenza
IX para clarinete, que tuvo dos versiones más
en el mismo año: la de saxofón contralto
(IXb) y la de clarinete bajo (IXc), la pieza que
escucharemos esta tarde. Estrenada en 1997
en Turín por el clarinetista Rocco Parisi, este
realizó un arreglo un año después que es la
versión hoy en día vigente.
Fundamentalmente melódica y horizontal,
con un predominio del legato, la concepción de la pieza encuentra su origen en otra
acepción del término «secuencia»: la referida a las extensiones melódicas del jubilus
final del Aleluya de la misa medieval y a los
procedimientos de desarrollo y proliferación
basados en la repetición de un modelo,
que implican, según Berio, «redundancia,
simetría, transformación y retorno». En
cada sección, esa «melodía» es ampliada a
través de diversos tipos de materiales que
aportan al discurso una ambigüedad de lectura, desde arpegios y escalas a cantados,
multifónicos y frullati conducentes al punto
culminante de la sección central. Desde la
primera sección se ponen de manifiesto las
notas estructuralmente importantes, cuya
evolución desemboca en el foco de una llamada perentoria previa al final. Berio recurre
a un «virtuosismo del conocimiento» para
ampliar las posibilidades de instrumentos
que, en su opinión, no pueden ser cambiados o inventados. De hecho, con su mirada
eurocéntrica, comparaba la acción del piano
preparado de Cage con el hecho de pintar un
bigote sobre la Mona Lisa.
Franco Donatoni
solo y a conjuntos de cámara, esto es así, en
gran parte, por cuestiones prácticas: el compositor recelaba de las orquestas y sus directores, en cambio, depositaba su confianza en las
agrupaciones que estudiaban «con inteligencia y pasión el repertorio contemporáneo».
Esto le permitió prestar toda la atención a las
características tecnológicas de los diversos
instrumentos, a sus articulaciones y su timbre
contemplado no como color, sino de forma intrínseca al material compositivo. En las obras
de su última etapa, la música parece correr
con facilidad bajo los dedos del intérprete;
este aspecto fisiológico, junto a la posesión
de la naturalidad en el oficio que propició la
reflexión inherente a su faceta pedagógica,
lo condujo a estructuras más flexibles y a un
estilo más diáfano. En este momento persevera también en la reconsideración de materiales de obras precedentes, como ocurre en
las segundas versiones de Ciglio, Nidi o Algo.
Este es también el caso de Spice (Ronda n. 2),
dedicada al Cuarteto Quorum y estrenada en
Londres en 1991. Consiste en una sucesión
muy maleable de secciones determinadas por
modos de ataque, dinámicas, intercambios
tímbricos y de textura, pero que Donatoni –coleccionista de cajas de música y fascinado por
los mecanismos– somete a una implacable
pulsación de reminiscencias barrocas.
Spice (Ronda n. 2)
Si la mayor parte de las obras del catálogo de
Donatoni están destinadas a instrumentos a
Belén Pérez Castillo
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Fabián Panisello
Compositor y director argentino-español afincado en Madrid, es director y fundador de
PluralEnsemble y director de la Escuela Superior de Música Reina Sofia y del Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid.
Rodolfo Halffter, así como becas de numerosas fundaciones, incluida la beca del rector
del Mozarteum de Salzburgo. Desde 2010 es
miembro de la Academia Nacional de Bellas
Artes de Argentina.
Se formó como compositor con Francisco Kröpfl en Buenos Aires y con Bogusław
Schaeffer en el Mozarteum de Salzburgo (Diploma de Excelencia, 1993). Completó su formación con Elliott Carter, Franco Donatoni,
Brian Ferneyhough y Luis de Pablo en composición y con Peter Eötvös en dirección.
Como compositor y director ha actuado en
los principales festivales del mundo dedicados a la música actual, como Wien Modern,
Donaueschingen, Bienal de Múnich, Otoño
de Varsovia, Présences, Musica de Estrasburgo, Ars Musica, Ultraschall, Aspekte, Manca,
Spazio Musica, el ciclo de música contemporánea de la Westdeutscher Rundfunk,
Klangspuren Schwaz del Tirol, además de, en
España, la Quincena Musical de San Sebastián. Ha participado como codirector en dos
estrenos absolutos de Karlheinz Stockhausen,
Hoch-Zeiten y Mixtur 2003, con las orquestas
de la Westdeutscher Rundfunk de Colonia y
la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín.
Han interpretado su obra artistas como
Pierre Boulez, Peter Eötvös, el Cuarteto
Arditti, Susanna Mälkki, Dimitri Vassilakis,
Allison Bell, Laia Falcón, Marco Blaauw,
Leigh Melrose o Francesco D’Orazio y
agrupaciones como la Orquesta de la
Südwestrundfunk (Baden-Baden), Deutsches
Symphonie-Orchester de Berlín, Orquesta Nacional de España, Orquesta del Mozarteum
de Salzburgo, Orquesta de la Comunidad
de Madrid, Orquesta Sinfónica de la BBC,
Orquesta de la Ópera de Lyon, Ensemble
Modern, Nouvel Ensemble Modern y Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, entre otras.
Ha obtenido premios como el Mozarts Erbe
que concede la ciudad de Salzburgo o el
Premio Iberoamericano de Composición
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Ha estrenado numerosas obras y grabado
discos para sellos como NEOS y col legno
(Múnich), Cypres (Bruselas) o Verso (España). Publica sus obras en la editorial Peters
de Fráncfort.
PluralEnsemble
PluralEnsemble es un conjunto instrumental
especializado en la música de los siglos xx y
xxi, fundado por Fabián Panisello, su director
titular. Buscando siempre la más alta calidad
interpretativa, desarrolla anualmente una
temporada estable de conciertos y giras, alternando el repertorio más exigente de solista
con obras para conjunto.
Por séptimo año consecutivo desarrolla el Ciclo de Conciertos Fundación BBVA de Música
Contemporánea en el Auditorio Nacional de
Música de Madrid y el Ciclo de Solistas Fundación BBVA en su sede del Palacio del Marqués
de Salamanca, y participa asimismo en el VI
Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea
organizado por la Fundación BBVA en su sede
de Bilbao. Realiza habitualmente giras nacionales e internacionales.
A lo largo de su trayectoria ha intervenido
con gran éxito de crítica y público en los
principales festivales internacionales especializados, como son Musica de Estrasburgo, Atempo de Caracas, Présences de
París, Ars Musica de Bruselas, Manca de
Niza, Spaziomusica de Cagliari, Aspekte de
Salzburgo, IFCP Mannes de Nueva York, el
Festival de Música de Alicante, la Quincena Musical de San Sebastián, el ciclo de la
WDR de Colonia, Nous Sons del Auditori de
Barcelona, el Festival de Otoño de Varso-
via, Ultraschall y la Konzerthaus de Berlín
y Klangspuren Schwaz del Tirol, entre otros.
Colabora con artistas como Peter Eötvös,
Salome Kammer, Hilary Summers, Cristóbal Halffter, Marco Blaauw, Jörg Widmann,
Dimitri Vassilakis, Nicholas Isherwood , Alda
Caiello, Allison Bell, José Manuel López López,
Siegfried Mauser, Wolfgang Lischke, Christian
Baldini, Nicolas Altstaedt, Zsolt Nagy, César
Camarero, Jon Ketilsson, Pablo Márquez,
Charlotte Hellekant, Matthias Pintscher,
Hansjörg Schellenberger, Tadeusz Wielecki,
Lorraine Vaillancourt, Marco Angius. Natalia
Zagorinskaya, Péter Csaba, Johannes Kalitzke,
Luis de Pablo o Toshio Hosokawa.
Ha realizado numerosas grabaciones para
diversas emisoras de radio europeas (WDR,
RBB, RNE, RF, ORF, RTBF o la Radio Polaca,
entre muchas otras), así como grabaciones
discográficas para los sellos col legno, Verso,
Cervantes y NEOS.
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Depósito legal: BI-128-2016
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