Luciano Berio Franco Donatoni Salvatore Sciarrino

VII CICLO DE CONCIERTOS FUNDACIÓN BBVA
DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA ���5-���6
PLURALENSEMBLE
Retrato IV
Luciano Berio
Franco Donatoni
Salvatore Sciarrino
Fundación BBVA
El programa de Cultura de la Fundación BBVA dedica especial atención
a la música clásica, con énfasis en la
composición del siglo xx y comienzos
del presente. Pocas áreas de la cultura expresan de manera tan acabada
como la música el equilibrio entre el
mantenimiento de una rica tradición
reactualizada y enriquecida permanentemente y de innovación radical,
aportando ambas una componente
esencial de la sensibilidad de nuestro
tiempo. Y por ello forma parte central
del programa de la Fundación BBVA.
La tipología de actividades incluye las
siguientes:
•Concursos y premios, como son el
Premio Fundación BBVA Fronteras
del Conocimiento y la Cultura, en
la categoría de Música, y el Premio
de Composición Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS)Fundación BBVA.
•Ciclos de interpretación de música
de los siglos xx y xxi, entre los que
destacan el Ciclo Retratos, a cargo
de PluralEnsemble, en el Auditorio
Nacional de Música de Madrid; el
Ciclo de Solistas, en la sede de la
Fundación BBVA en Madrid (Palacio
del Marqués de Salamanca); y el de
Conciertos de Música Contemporánea, en la sede de la Fundación
BBVA en Bilbao (Edificio de San
Nicolás), bajo la dirección artística
del compositor Gabriel Erkoreka.
•Ciclo de conciertos teatralizados
El Mundo de Ayer, que combina
música, trabajo actoral y creación
audiovisual, dirigido por el maestro
José Ramón Encinar.
•Formación académica de excelencia,
a través de un programa de becas
destinadas a la Joven Orquesta
Nacional de España (JONDE), complementado con la creación de la
Academia Orquesta Nacional de
España-Fundación BBVA, un nuevo
programa pedagógico en colaboración con la Orquesta y Coro Nacionales de España (OCNE), que hace
posible la participación de músicos
de la JONDE en conciertos de la
OCNE, además del apoyo a la Cátedra de Viola Fundación BBVA Escuela
Superior de Música Reina Sofía y a
la Sinfonietta de Música Contemporánea de la misma escuela.
•Ciclos de Jóvenes Intérpretes,
desarrollados en las sedes de la
Fundación en Madrid y Bilbao.
•Grabaciones en audio y vídeo y
difusión de la música de nuestro
tiempo, señaladamente la serie
NEOS-Fundación BBVA y la Colección
de Compositores Españoles y Latinoamericanos de Música Actual,
impulsada por la Fundación BBVA
en colaboración con el sello Verso.
Se desarrollan también proyectos
singulares dedicados a la grabación
en audio o en vídeo de la interpretación de artistas particularmente
destacados, entre ellos los dos dedicados al maestro Joaquín Achúcarro
(con Opus Arte y Euroarts), a obras o
figuras emblemáticas, como Tomás
Luis de Victoria (con la BBC), la Carta
Blanca Ecos y sombras dedicada al
maestro Cristóbal Halffter (con Koala
Productions) y la grabación del estreno mundial de su ópera Lázaro
(con NEOS), Panambí de Ginastera
(con Deutsche Grammophon), las
óperas Eugene Onegin de Chaikovski
y Rigoletto de Verdi (con la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera [ABAO]), Spanish Landscapes
de Leticia Moreno (con Deutsche
Grammophon), y Aura de Judith
Jáuregui (con BerliMusic).
•Entre las colaboraciones que
la Fundación BBVA ha venido
desarrollando en los últimos
años, se encuentran las establecidas con la Asociación Bilbaína
de Amigos de la Ópera (ABAO),
el Teatro de la Maestranza de
Sevilla, la Orquesta y Coro de la
Comunidad de Madrid (ORCAM),
la Orquesta Sinfónica de Madrid,
el Teatro Real de Madrid, y el Gran
Teatro del Liceo de Barcelona.
•Encargos de composición a creadores españoles e internacionales en
colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), la
ORCAM y la Orquesta Sinfónica de
Euskadi, además de otros encargos
directos.
•Ciclos de conferencias y actividades
orientadas a difundir y desvelar al
público interesado el significado de
la creación musical. La Fundación
BBVA apoya también publicaciones
de referencia en el ámbito de la
música como la revista Scherzo.
La actividad de la Fundación BBVA en
otras áreas de la cultura incluye la serie El Quijote del siglo xxi: versión radiofónica y el programa sobre pintura
contemporánea Punto de fuga, ambos
en colaboración con Radio Nacional
de España (RNE).
La dedicación de la Fundación BBVA
a la música y a la cultura le ha hecho
merecedora de la Medalla de Oro al
Mérito en las Bellas Artes así como la
Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Miércoles, 17 de febrero de 2016 · 19:30 horas
Auditorio Nacional de Música, Sala de Cámara
Intérpretes
PluralEnsemble
Director
Fabián Panisello
Programa
Primera parte
Salvatore Sciarrino (1947)*
Centauro marino
Intervienen
Flauta: Rui Borges
Clarinete: Joan Tormo
Piano: Alberto Rosado
Violín: Javier Aznárez
Viola: Ana María Alonso
Violonchelo: David Apellániz
Director artístico
Fabián Panisello
Coordinación técnica
Beatriz Amorós
Luciano Berio (1925-2003)
Sequenza I
Franco Donatoni (1927-2000)
Ronda
Salvatore Sciarrino
Trio
Segunda parte
Salvatore Sciarrino
Lo spazio inverso
Luciano Berio
Sequenza IXc
Franco Donatoni
Spice (Ronda n. 2)
* Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en Música Contemporánea
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Retrato IV
Luciano Berio
Franco Donatoni
Salvatore Sciarrino
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Notas al programa
Salvatore Sciarrino
Centauro marino
Una nueva forma de escucha: esta
es la propuesta con la que Salvatore
Sciarrino sacude al oyente de hoy, al
que coloca en el centro del sonido
mismo. Sciarrino ha conseguido distinguir su música de cualquier otra
del panorama compositivo al replantear los umbrales de la percepción,
situándolos en el límite del silencio,
y de esta forma establecer nuevas
perspectivas de espacio y de tiempo.
Centauro marino es el tercero de
los seis quintetos compuestos por
el palermitano entre 1984 y 1989.
Fue un encargo de I Solisti Dauni,
quienes lo estrenaron en 1984 en
la Terza Rassegna di Compositori
Contemporanei de Foggia, y está
dedicado al dramaturgo y director
artístico Peter Kehr.
Es Centauro marino una obra paradigmática del lenguaje del autor,
no basado en las alturas, «en las
relaciones interválicas o en la lógica
armónico-contrapuntística, sino en
bloques complejos de articulaciones
–que Sciarrino llama figuras– en los
cuales el material tímbrico, los modos de ataque, dinámicas, valores rítmicos y gestos instrumentales están
interrelacionados inseparablemente»
(Pietro Misuraca). En el «camino de la
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escucha», Sciarrino propone una sucesión de «ambientes acústicos intermitentes» que adquieren significado
en el imaginario descrito por Laurent
Feneyrou: el de «los vastos espacios
inhabitados y, singularmente, […] el
desierto marino, en los confines del
sueño, allí donde el ser es, pero duda
aún de ofrecerse a la existencia».
Aquí cobra sentido la «ecología de
la escucha» atribuida a su poética,
una alternativa a la sobresaturación
sensorial que encuentra sus relatos
en los estímulos más imperceptibles
de la naturaleza.
Luciano Berio
Sequenza I
Es en el acercamiento a la creación
para instrumento a solo donde se
pone de manifiesto la relación del
compositor con la esencia del sonido,
forjada en la indagación en el timbre, en el registro y en la idiosincrasia
instrumental y, por supuesto, en la
presencia física del intérprete. En los
años cincuenta, la mayor parte de los
creadores de vanguardia concentraron sus esfuerzos en la construcción
de nuevos sistemas de composición,
de forma que los aspectos idiomáticos de los instrumentos no se
consideraron esenciales. Una de las
excepciones fue Luciano Berio, nacido
en una familia de Liguria de larga tra-
dición musical, que en 1958 comenzó
una investigación lúcida y precisa sobre la relación entre el pensamiento
compositivo y el instrumento a solo.
La globalidad de toda esta reflexión
se concretó en las Sequenze, una serie de dieciocho piezas compuestas a
lo largo de más de cuarenta años y
dirigidas a intérpretes inquietos, que
aceptaran el reto de ampliar los límites tradicionales de su instrumento.
Berio, que años más tarde asombraría al mundo de la composición
revisitando sus referentes musicales
–Mahler, en especial– en su posmoderna Sinfonía, se propone trasladar
el ideal de las melodías polifónicas
de Bach a los contextos del siglo xx
a través de diversos procedimientos,
como el uso de sonidos largos y ligados frente a otros puntuales en el
registro agudo.
La Sequenza I para flauta fue compuesta en 1958 para Severino
Gazzelloni, reputado flautista principal de la Orquesta Sinfónica de la
RAI, especialista tanto en el repertorio barroco como en la literatura
de vanguardia, y responsable de su
estreno en Darmstadt. Según expresa
el propio Berio, el término Sequenza
tiene que ver con el hecho de que la
pieza está construida «a partir de una
secuencia de campos armónicos de
los cuales derivan las otras funciones
musicales». Uno de los desafíos de la
obra es conseguir su esencia lírica a
pesar de los frecuentes cambios de
dinámica y registro y la tendencia al
uso del staccato. El reto que se propuso el propio Berio –interpelando
directamente al oyente– fue establecer, a partir de un instrumento esencialmente monódico, «un modo de
escucha fuertemente condicionada
para poder sugerir constantemente
un contrapunto latente e implícito».
Existe también otro tipo de polifonía,
un doble discurso que viene dado por
la incorporación de elementos que
atañen a la dimensión morfológica
del instrumento –ruidos de llaves,
cambios rápidos de articulación y dinámica, multifónicos…– y a la corporeidad del intérprete, con ruidos del
aliento o frullati que acaban convirtiéndose en un elemento sustancial
en los momentos de máxima tensión.
Franco Donatoni
Ronda
Desde la época en que, siendo muchacho, se ganaba unas liras tocando
el violín en la Arena de Verona, su
ciudad natal, hasta el período de las
piezas que escucharemos esta tarde,
la trayectoria de Franco Donatoni
está definida por cambios de rumbo y
hondas experiencias vitales: sus estudios con Ildebrando Pizzetti, aunque
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bajo la tutela de Goffredo Petrassi, y
la constatación de que, mientras gran
parte de sus compañeros de generación militaban en las filas de la vanguardia, él continuaba escribiendo la
música de sus abuelos. Luego vino el
encuentro con Bruno Maderna y su
familiarización con la dodecafonía
y el serialismo, momento en el que
escribe, en su opinión, las obras «más
feas» de su vida. Después, el rechazo
de la filosofía de John Cage, que para
él ponía en peligro toda la música,
pero que acabaría por desencadenar
una intensa reconsideración de sus
procedimientos compositivos.
Ronda es un cuarteto con piano estrenado por el Cuarteto Ivaldi en 1984
en el Festival de La Rochelle. Fue un
encargo del Ministerio de Cultura
francés y está dedicado al crítico galo
Patrick Szersnovicz. Su título alude a
la estructura de la pieza, en la cual,
según Donatoni, «los fragmentos se
desarrollan, reaparecen cíclicamente,
en una lectura circular que no puede
ser interrumpida porque no obedece
a un diseño sino, por el contrario, a la
naturaleza continuamente fluctuante
de lo efímero». La estructura alterna
así secciones en staccato de rítmica
muy marcada e irregular con otras en
las que desaparece la sensación de
pulso, un efecto creado mediante la
repetición de patrones asincrónicos
dejados aparentemente al arbitrio
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de un cierto automatismo cuyo origen no es excesivamente aventurado
relacionar con la pasión del autor por
la numerología (el trece, por ejemplo,
era su número «vital»). Donatoni revive su experiencia veinteañera como
pianista en los night clubs para infiltrar en la obra la vitalidad jazzística
que resulta evidente en otras obras
de la época, como Hot.
Salvatore Sciarrino
Trio
A la vez que clarificaba y concretaba el uso de materiales respecto a
los procedimientos más abigarrados
de sus obras tempranas, Salvatore
Sciarrino se volcó durante los años
setenta en la exploración de las posibilidades de los instrumentos de
cuerda, especialmente combinados
en grupos de cámara, indagando en
ese virtuosismo trascendental con el
que aspira, extendiendo los límites
del instrumento, a cruzar el umbral
de las certezas. La terminología histórica utilizada en relación con el orgánico de la pieza –violín, violonchelo
y piano– está lejos de remitirnos al
empleo de recursos estilísticos neoclásicos, sino que la lógica del lenguaje descansa en la reiteración de
sus figuras características, progresivamente densificadas. Entre ellas, los
ondulados movimientos en inversión
o los glissandi que el pianista debe
efectuar con guantes de lana vuelven
a otorgar al piano el papel proactivo.
Además de la dedicatoria al musicólogo Mario Bortolotto, la partitura
aparece encabezada por la siguiente
leyenda: «Y después dime si tantas maravillas han sido hechas por
engaño o bien por arte», una frase
escrita bajo el zócalo de uno de los
pétreos monstruos de la Villa Orsini
de Bomarzo, que aguardan al visitante desde el siglo xvı. Si con la
entrada en el misterioso bosque el
viajero debe abandonar todo pensamiento racional para introducirse
en un mundo poblado de gigantes,
orcos y sirenas, el oyente debe renunciar a la escucha convencional y
entrar en contacto con otra realidad
sonora, donde los eventos surgen de
la nada y desembocan en ella. En
este terreno, el acontecimiento más
imperceptible cobra una dimensión
insospechada, tan fascinante que
conecta directamente con nuestra
imaginación, sin necesidad de análisis profundos.
Salvatore Sciarrino
Lo spazio inverso
Es bien conocida la dedicación de
Salvatore Sciarrino a la música escénica, de la que son exponentes ópe-
ras como Perseo e Andromeda (1990)
o Luci mie traditrici (1998), fantasmal
revisión de la historia de Gesualdo.
Pero Sciarrino traslada el drama al
sonido mismo; tiene la cualidad de
«suscitar espacios donde no hay más
que una creación mental», una experiencia perceptible en la escucha de
Lo spazio inverso. La indicación inicial
en la partitura –«como sin tiempo,
con la respiración»– subraya la paradoja que se propone Sciarrino: «Crear
la apariencia de movimiento con el
estatismo». El acorde de dos sonidos
del clarinete –una figura recurrente
en su música– es la respiración de la
pieza, la de quien, al introducirse en
un espacio opresivo, escucha su propio aliento, su propia inquietud: «En
el silencio encontramos los sonidos
del cuerpo y los reconocemos como
nuestros, los escuchamos, finalmente», dice Sciarrino. Como modernos
Teseos, recorremos las perspectivas
alucinantes de sonidos que se disparan hacia el agudo, permanecemos
atentos a gemidos imperceptibles y
vibrantes, a multifónicos ultramundanos, a los rugidos de la flauta y el
violonchelo o a las figuraciones destellantes de la celesta. La respiración
se acelera y la música parece terminar arbitrariamente al interrumpirse
el episodio onírico.
Dos dimensiones reconoce Sciarrino
en esta obra: una «más oscura; la
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otra, más bestial», y están gobernadas por leyes que, como la sustancia
de la música, son también heterodoxas: «Ni continuidad, ni fragmentos, ni dialéctica. […] Se evitan los
desarrollos y, en realidad, solo se
sugieren afinidades o lazos entre un
momento y el sucesivo. […] Basta
la misma consciencia de que la red
de los sentidos organiza también el
desorden y el caos es legible».
Luciano Berio
Sequenza IXc
Durante los años setenta Berio desarrolló una serie de investigaciones
en el Ircam de París a propósito de
la transformación electrónica de la
música en vivo, especialmente partiendo del tratamiento vocal. A partir
de este trabajo, conformó en 1980
la Sequenza IX para clarinete, que
tuvo dos versiones más en el mismo
año: la de saxofón contralto (IXb) y la
de clarinete bajo (IXc), la pieza que
escucharemos esta tarde. Estrenada
en 1997 en Turín por el clarinetista
Rocco Parisi, este realizó un arreglo
un año después que es la versión hoy
en día vigente.
Fundamentalmente melódica y horizontal, con un predominio del legato,
la concepción de la pieza encuentra su
origen en otra acepción del término
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«secuencia»: la referida a las extensiones melódicas del jubilus final del
Aleluya de la misa medieval y a los
procedimientos de desarrollo y proliferación basados en la repetición
de un modelo, que implican, según
Berio, «redundancia, simetría, transformación y retorno». En cada sección,
esa «melodía» es ampliada a través
de diversos tipos de materiales que
aportan al discurso una ambigüedad
de lectura, desde arpegios y escalas
a cantados, multifónicos y frullati
conducentes al punto culminante de
la sección central. Desde la primera
sección se ponen de manifiesto las
notas estructuralmente importantes,
cuya evolución desemboca en el foco
de una llamada perentoria previa al
final. Berio recurre a un «virtuosismo
del conocimiento» para ampliar las
posibilidades de instrumentos que, en
su opinión, no pueden ser cambiados
o inventados. De hecho, con su mirada
eurocéntrica, comparaba la acción del
piano preparado de Cage con el hecho
de pintar un bigote sobre la Mona Lisa.
Franco Donatoni
Spice (Ronda n. 2)
Si la mayor parte de las obras del catálogo de Donatoni están destinadas
a instrumentos a solo y a conjuntos
de cámara, esto es así, en gran parte,
por cuestiones prácticas: el compo-
sitor recelaba de las orquestas y sus
directores, en cambio, depositaba su
confianza en las agrupaciones que
estudiaban «con inteligencia y pasión
el repertorio contemporáneo». Esto
le permitió prestar toda la atención a
las características tecnológicas de los
diversos instrumentos, a sus articulaciones y su timbre contemplado no
como color, sino de forma intrínseca
al material compositivo. En las obras
de su última etapa, la música parece
correr con facilidad bajo los dedos del
intérprete; este aspecto fisiológico,
junto a la posesión de la naturalidad
en el oficio que propició la reflexión
inherente a su faceta pedagógica, lo
condujo a estructuras más flexibles y a
un estilo más diáfano. En este momento persevera también en la reconsideración de materiales de obras precedentes, como ocurre en las segundas
versiones de Ciglio, Nidi o Algo. Este
es también el caso de Spice (Ronda
n. 2), dedicada al Cuarteto Quorum y
estrenada en Londres en 1991. Consiste en una sucesión muy maleable de
secciones determinadas por modos de
ataque, dinámicas, intercambios tímbricos y de textura, pero que Donatoni
–coleccionista de cajas de música y
fascinado por los mecanismos– somete a una implacable pulsación de
reminiscencias barrocas.
Belén Pérez Castillo
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Luciano Berio
Nació en una pequeña población
italiana, Oneglia, donde su abuelo y
su padre tocaban el órgano en una
iglesia de la zona y donde también
componían. Luciano Berio estaba convencido de que era necesario que los
jóvenes compositores reconocieran y
aprovecharan los logros de sus predecesores estudiando sus partituras y escribiendo música de diferentes estilos.
Él debía mucho a su maestro, Giorgio
Federico Ghedini, bajo cuya influencia
aprendió a amar y a respetar la música de Claudio Monteverdi (en 1966
realizó un arreglo de Il combattimento
di Tancredi e Clorinda), así como su
amigo Bruno Maderna.
Berio y Maderna crearon de manera conjunta el Studio di Fonologia
Musicale (1955), donde fueron compuestas Mutazioni, Perspectives y
Thema (Omaggio a Joyce), así como
Différences. Fundaron, asimismo, la
publicación Incontri musicali (19561960), título que dieron también a un
ciclo de conciertos que tuvo entre sus
directores a Pierre Boulez, Hermann
Scherchen o el propio Maderna.
Con el paso de los años y de las
décadas, Luciano Berio creció hasta
convertirse en una destacada figura
de la vida musical internacional.
Al igual que sucedió con unos
pocos compositores más, todos
ellos nacidos en la década de
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1920 (incluyendo al recientemente
fallecido Pierre Boulez y a Luigi
Nono), cualquiera que fuera la obra
producida acababa convirtiéndose en
un hito de la historia de la música,
tanto si se trataba de composiciones
para instrumento solista y voz solista
(el ciclo de Sequenze), de piezas para
conjunto de cámara (incluyendo
Chemins, basadas en algunas de
las Sequenze), para orquesta (su
Sinfonía –con ocho voces añadidas
al conjunto– es hasta el día de hoy
una composición representativa de
la década de los años sesenta), coro
y orquesta (Coro, donde se produce
un tratamiento emblemático de
la música popular en el marco de
una composición contemporánea),
voz y orquesta (como, por ejemplo,
Epiphanies), voz solista, coro y
orquesta (Stanze, para barítono,
coro masculino y orquesta, que
supuso la despedida de Berio de la
composición) y todas sus obras de
teatro musical (Passaggio, La vera
storia, Un re in ascolto, Laborintus II).
Franco Donatoni
Nacido en Verona el 9 de junio de
1927, comenzó a estudiar música en
su ciudad natal con Piero Bottagisio
y, posteriormente, prosiguió sus
estudios en la especialidad de
Composición en el Conservatorio
Giuseppe Verdi de Milán con Ettore
Desderi y en el Conservatorio Giovan
Battista Martini de Bolonia con Lino
Liviabella. Se licenció en Composición
y Orquestación para bandas en 1949,
en Música Coral en 1950 y obtuvo un
tercer diploma en Composición en
1951. En 1953 se diplomó en el curso
avanzado de Composición impartido
por Ildebrando Pizzetti en la Accademia
Nazionale di Santa Cecilia de Roma.
Asistió a los Cursos de Verano de
Darmstadt en 1954, 1956, 1958 y 1961.
A lo largo de su carrera Donatoni obtuvo muchos premios: el Premio de Lieja
(1951, Cuarteto), Premio Radio Luxemburgo (1952, Concertino, para cuerda,
metal y timbales solistas; y en 1953,
Sinfonía, para orquesta de cuerda),
Premio SIMC (Sociedad Internacional
para la Música Contemporánea) (1961,
Puppenspiel, para orquesta), Premio
Marzotto (1966, Puppenspiel II, para
flauta, flautín y orquesta), el Premio
Koussevitzki (1968, Orts, para catorce
instrumentos) y Premio Psacaropoulo
(1979, Spiri, para diez instrumentos).
Sus obras han sido publicadas por
Zanibon, Schott Music y Boosey &
Hawkes en Londres, Suvini Zerboni
(1958-1977) y Ricordi (a partir de 1977)
en Milán.
Donatoni impartió clases en numerosos
centros de todo el mundo y en 1972
fue invitado por el Servicio Alemán de
Intercambio Académico para trabajar
durante un año como compositor
residente en Berlín. En 1979 fue
invitado a celebrar un seminario
sobre su trabajo en la Universidad de
California en Berkeley. Fue miembro
de la Accademia Nazionale di Santa
Cecilia y de la Accademia Filarmonica
Romana, y en 1985 le fue otorgado el
título de Commandeur dans l’Ordre des
Arts et des Lettres por el ministro de
Cultura francés.
En 1990, el Festival MITO Settembre
Musica de Turín le dedicó un extenso
programa monográfico y de junio
a octubre de 1992, en el marco de
las Jornadas de Conciertos Milano
Musica, se celebró una importante
serie de conciertos en su honor. De las
composiciones escritas en la década
de los noventa cabe destacar las obras
encargadas por el Ministerio de Cultura
y Comunicación Francés, Radio France,
Festival de Salzburgo o la Süddeutscher
Rundfunk de Stuttgart, entre otros.
Donatoni falleció el 17 de agosto de
2000 y sus últimas composiciones
orquestales fueron interpretadas a
título póstumo en 2001.
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Salvatore Sciarrino
A Sciarrino le gusta alardear de haber
nacido libre y no fruto de una escuela de música. Autodidacta, comenzó a componer a los doce años. Su
primer concierto público se celebró
en 1962. Pero él define como «obras
inmaduras propias de un período de
aprendizaje» lo que escribió antes
de 1966, pues es entonces cuando
afloró su estilo personal. Hay algo
realmente especial en relación con su
música: provocar una nueva forma de
escuchar, proyectándose una emocionante consciencia de la realidad de
uno mismo. Y pasados cuarenta años,
su enorme catálogo de composiciones se encuentra aún en una fase de
asombroso desarrollo creativo.
Después de completar sus estudios
y pasar varios años en la Universidad de Palermo, su ciudad natal, se
trasladó primero a Roma en 1969 y,
más tarde, a Milán en 1977. Desde
1983 vive en Umbría. Ha publicado
sus obras en la editorial Ricordi de
1969 a 2004. El año siguiente sus derechos de autor pasaron a manos de
RAI Trade. Su discografía es especialmente amplia: alrededor de ochenta
discos compactos, publicados por
los principales sellos internacionales, han recibido grandes elogios y
numerosos premios. Además de los
libretos de sus propias obras de teatro musical, Sciarrino ha escrito un
gran número de artículos, ensayos
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y textos de diversa índole. Algunos
de ellos han sido seleccionados y recopilados en Carte da suono (Cidim/
Novecento, 2001). Asimismo, hay que
destacar su libro de carácter interdisciplinario sobre la forma musical: Le
figure della musica, da Beethoven a
oggi (Ricordi, 1998).
Ha impartido clases en los Conservatorios de Milán (1974-1983), Perugia
(1983-1987) y Florencia (1987-1996).
También ha impartido cursos de especialización y clases magistrales,
entre los que destacan los de Città
di Castello de 1979 a 2000. De 1978 a
1980 fue director artístico del Teatro
Comunale de Bolonia. Es miembro
de la Accademia Nazionale di Santa
Cecilia, la Academia de Bellas Artes
de Baviera y la Academia de las Artes
de Berlín. Ha sido galardonado con
numerosos premios, siendo los más
recientes el Prince Pierre de Mónaco (2003), el Premio Internazionale
Feltrinelli (2003) y el Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en Música Contemporánea
(2011). Además, en 2006 fue el primer
premiado en la primera edición del
Musikpreis de Salzburgo.
Fabián Panisello
Compositor y director argentino-español afincado en Madrid, es director y
fundador de PluralEnsemble y director de la Escuela Superior de Música
Reina Sofia y del Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid.
Se formó como compositor con Francisco Kröpfl en Buenos Aires y con
Bogusław Schaeffer en el Mozarteum
de Salzburgo (Diploma de Excelencia, 1993). Completó su formación
con Elliott Carter, Franco Donatoni,
Brian Ferneyhough y Luis de Pablo
en composición y con Peter Eötvös
en dirección.
Han interpretado su obra artistas
como Pierre Boulez, Peter Eötvös,
el Cuarteto Arditti, Susanna Mälkki,
Dimitri Vassilakis, Allison Bell,
Laia Falcón, Marco Blaauw, Leigh
Melrose o Francesco D’Orazio y
agrupaciones como la Orquesta de
la Südwestrundfunk (Baden-Baden),
Deutsches Symphonie-Orchester
de Berlín, Orquesta Nacional de España, Orquesta del Mozarteum de
Salzburgo, Orquesta de la Comunidad
de Madrid, Orquesta Sinfónica de la
BBC, Orquesta de la Ópera de Lyon,
Ensemble Modern, Nouvel Ensemble
Modern y Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, entre otras.
Salzburgo o el Premio Iberoamericano de Composición Rodolfo Halffter,
así como becas de numerosas fundaciones, incluida la beca del rector del
Mozarteum de Salzburgo. Desde 2010
es miembro de la Academia Nacional
de Bellas Artes de Argentina.
Como compositor y director ha
actuado en los principales festivales del mundo dedicados a la música actual, como Wien Modern,
Donaueschingen, Bienal de Múnich,
Otoño de Varsovia, Présences, Musica de Estrasburgo, Ars Musica,
Ultraschall, Aspekte, Manca, Spazio
Musica, el ciclo de música contemporánea de la Westdeutscher
Rundfunk, Klangspuren Schwaz
del Tirol, además de, en España, la
Quincena Musical de San Sebastián.
Ha participado como codirector en
dos estrenos absolutos de Karlheinz
Stockhausen, Hoch-Zeiten y Mixtur
2003, con las orquestas de la
Westdeutscher Rundfunk de Colonia
y la Deutsches Symphonie-Orchester
de Berlín.
Ha estrenado numerosas obras y grabado discos para sellos como NEOS y
col legno (Múnich), Cypres (Bruselas)
o Verso (España). Publica sus obras en
la editorial Peters de Fráncfort.
Ha obtenido premios como el Mozarts
Erbe que concede la ciudad de
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PluralEnsemble
PluralEnsemble es un conjunto instrumental especializado en la música de
los siglos xx y xxı, fundado por Fabián
Panisello, su director titular. Buscando
siempre la más alta calidad interpretativa, desarrolla anualmente una temporada estable de conciertos y giras,
alternando el repertorio más exigente
de solista con obras para conjunto.
Por séptimo año consecutivo desarrolla el Ciclo de Conciertos Fundación
BBVA de Música Contemporánea en
el Auditorio Nacional de Música de
Madrid y el Ciclo de Solistas Fundación BBVA en su sede del Palacio del
Marqués de Salamanca, y participa
asimismo en el VI Ciclo de Conciertos
de Música Contemporánea organizado por la Fundación BBVA en su sede
de Bilbao. Realiza habitualmente
giras nacionales e internacionales.
A lo largo de su trayectoria ha intervenido con gran éxito de crítica
y público en los principales festivales internacionales especializados,
como son Musica de Estrasburgo,
Atempo de Caracas, Présences de
París, Ars Musica de Bruselas, Manca
de Niza, Spaziomusica de Cagliari,
Aspekte de Salzburgo, IFCP Mannes
de Nueva York, el Festival de Música
de Alicante, la Quincena Musical de
San Sebastián, el ciclo de la WDR de
Colonia, Nous Sons del Auditori de
Barcelona, el Festival de Otoño de
18
Varsovia, Ultraschall y la Konzerthaus
de Berlín y Klangspuren Schwaz del
Tirol, entre otros.
Colabora con artistas como Peter
Eötvös, Salome Kammer, Hilary
Summers, Cristóbal Halffter, Marco Blaauw, Jörg Widmann, Dimitri
Vassilakis, Nicholas Isherwood,
Alda Caiello, Allison Bell, José Manuel López López, Siegfried Mauser,
Wolfgang Lischke, Christian Baldini,
Nicolas Altstaedt, Zsolt Nagy, César Camarero, Jon Ketilsson, Pablo
Márquez, Charlotte Hellekant,
Matthias Pintscher, Hansjörg
Schellenberger, Tadeusz Wielecki,
Lorraine Vaillancourt, Marco Angius.
Natalia Zagorinskaya, Péter Csaba,
Johannes Kalitzke, Luis de Pablo o
Toshio Hosokawa.
Ha realizado numerosas grabaciones
para diversas emisoras de radio europeas (WDR, RBB, RNE, RF, ORF, RTBF o
la Radio Polaca, entre muchas otras),
así como grabaciones discográficas
para los sellos col legno, Verso, Cervantes y NEOS.
Depósito legal: M-31096-2015
6
Retrato I
2015
Director: Fabián Panisello
Músico invitado: Dimitri Vassilakis (piano)
octubre
19:30h
17
noviembre
2015
19:30h
16
diciembre
2015
19:30h
17
Retrato II
Tōru Takemitsu
Solistas de PluralEnsemble
Retrato III
Cristóbal Halffter: 85º aniversario
Clásicos de los siglos xx y xxı
Director invitado: Marco Angius
Solista: Duncan Gifford (piano)
Retrato IV
febrero
Luciano Berio / Franco Donatoni /
Salvatore Sciarrino
19:30h
Director: Fabián Panisello
2016
10
marzo
2016
19:30h
Retrato V
Integración y Contrastes:
la música en China y España
en el siglo xxı
Directora invitada: Lorraine Vaillancourt
11
Retrato VI
2016
Director: Fabián Panisello
Solista: Natalia Zagorinskaya (soprano)
mayo
19:30h
www.fbbva.es
Igor Stravinsky / Pierre Boulez
Gustav Mahler/ György Kurtág
PluralEnsemble
www.pluralensemble.com