Descarga - Batería Percusión

BATERIA&PERCUSION
M
A
G
A
Z
I
N
E
Núm 18
MAYO-JUNIO 2014
Matt Sorum
Ron Powell / Latin Percussion 50 Aniversario / Gretsch® Brooklyn Series
Pruebas. Didácticas. Opinión. Reportajes.
sumario 03
editorial#18
Una de las ventajas de funcionar en el mundo digital, como lo hace Batería &
Percusión, y que nunca se es capaz de valorar suficientemente, es el alcance
de las propuestas que realizas. En ocasiones surgen sorpresas muy agradables.
Entrevistando a uno de los más importantes percusionistas como es Ron Powell,
se cumplió esta cuestión cuando el propio Ron, antes que nada, te comenta
que es seguidor de la revista aunque
resida en USA y que es importante el
trabajo que hacemos para el mundo
de la batería y la percusión. Como es
lógico es algo que nos enorgullece y
nos motiva para seguir trabajando en
la dirección que lo hacemos.
Una de las ventajas
de funcionar en el
mundo digital, como
lo hace Batería &
Percusión, y que nunca
se es capaz de valorar
suficientemente,
es el alcance de las
propuestas que realizas.
También resulta muy satisfactorio
tener la oportunidad de poder
entrevistar a uno de los mejores
baterías rock de los últimos años
como es Matt Sorum, su trabajo con
Guns and Roses, Velvet Revolver o
The Cult lo justifica. Un tipo bastante
tranquilo y relajado que pasa por una
etapa de madurez, estuvimos con él
en Los Angeles recientemente. Estas
son nuestras entrevistas para este número. Reviews de Gretsch Brooklyn y las
nuevas mazas para bombo Vic Firth, lo artículos del maestro Pepe Cantó, una
sección de didáctica, las recomendaciones de Danko, el apartado de software
musical… completan los contenidos de este número.
Como siempre os invito a visitar las webs de nuestros anunciantes porque
siempre tienen buenas propuestas que ofrecernos.
Gracias por estar ahí.
Ron Powell
Entrevista
07
Matt Sorum
Entrevista
12
Microfoneando la batería
Miscelánea
14
Gretsch® Brooklyn Series
Review
18
Vic Firth Vickick
Review
21
Latin Percusion 50 Aniversario (II)
Reportaje
24
Ana está desmotivada, ¿qué hago?
Artículo de opinión de Jorge Medina
26
Paradiddles Groove (I)
Didáctica de Aarón Cristófol
34
The Brother. Robben Ford
Didáctica de Pablo Posa
30
Trance
Artículo de opinión de Pepe Cantó
32
A todo color (I)
Didáctica de Raúl Guzmán
34
Cinestrings
Software
36
Dime qué escuchas/ves/estudias y te
diré quién eres.
ENTREVISTA
Jose Manuel López
Ron Powell
Diviértete en el camino
ENTREVISTA
Continuando con una serie de entrevistas a algunos de los
mejores percusionistas mundiales, tenemos en esta ocasión a Ron Powell, otro de los sideman con un curriculum
más importante y que ha tocado por todo el mundo, en
todo tipo de lugares y con algunos de los mejores artistas.
Nos cuenta todo alrededor de la percusión, su aproximación a la música etc. Nos sorprendió con este inicio:
En premier lugar. Me gustaría decir
que es un placer y un honor estar en
vuestra revista. Aunque vivo en los USA,
miro vuestra revista muchas veces. El
mundo es cada vez más pequeño y es
bueno que proporcionéis un medio de
comunicación para los percusionistas y
bateristas en todo el mundo. Gracias.
¿Qué nos puedes contar acerca de tus
inicios como percusionista?
Empecé a tocar la percusión en 1972.
Realmente me gustaba la nueva banda
Santana (que tenía la mejor sección de
percusión) también Super Fly de Curtis
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
Mayfield tenía dos grandes solos de
congas, Crystal Blue Persuasion una
increíble parte de bongos. Esa música
me hizo sentir vivo y yo quería eso.
Por entonces aún no tenía un set de
percusión en sí, así que esperaba que mi
madre se fuera a trabajar para vaciar
los contenedores de azúcar y harina
en la mesa de la cocina y utilizarlos
como bongos. Después de
tocar durante horas los
volvía a llenar y los ponía
de nuevo arriba de la
nevera. Tengo un
tío que tocaba las
congas y me
regaló una conga un verano, todo el mundo vio que
me encantaba. Después trabajé durante meses para
poder comprar la segunda conga y ahí comenzó todo.
¿Cómo fue tu formación? ¿Con quién aprendiste?
Comencé a aprender cuando escuché por primera
vez la batería en la música que he mencionado,
quiero decir, escuchar es aprender. Cuando mi tío
me dio su conga, me mostró un ritmo. Luego he
tomado lecciones con los maestros, Changuito,
Víctor Pantoja, Rollando Soto, Carlinhos Brown,
Zeca da Quica. He visto todos los, DVDs y leí
todos los libros. He ido a innumerables
clinics y clases, el único buen libro
fue de Fernando Ortiz y estaba en
español. He pasado mucho tiempo
4
ENTREVISTA
en comunidades que no son la mía para tratar de
aprender porque les gusta su música, de alguna
manera, aprendo cada vez que escucho a alguien
tocar -sea bueno o malo- también aprendo cuando
enseño. El aprendizaje es un proceso sin final y mi
mejor maestro ha sido la experiencia.
¿Se puede desarrollar todavía más la percusión
o existen ciertos límites?
No hay límites. Yo estudio la evolución de la
percusión y soy lo suficientemente viejo como para
formar parte de ella, fui uno de los primeros tipos
en usar un set up de multi-percusión fuera de los
clásicos. Ese fue también el momento en fusionar
estilos como la percusión afrocubana con la
brasileña, siempre me ha gustado usar tres congas
con rudimentos y melodía, eso no era común en
los 70. Existen actualmente muchas posibilidades
porque aprendemos unos de otros. Es importante
conocer la historia y los fundamentos de la batería
pero no hay que tener miedo a dar un paso fuera
de la caja y tener tu propia voz.
Eres líder y fundador de dos grupos como son
L.A. Samba e Igaba ¿Qué nos puedes comentar
sobre ellos?
Igaba es un grupo de percusión que hace
representaciones sobre todo en las escuelas.
Tenemos entre manos un programa que enseña a
los niños acerca de la percusión. Lo más importante
es que enseñamos sobre la diversidad cultural,
la tolerancia y la idea de trabajar en equipo. Mi
otro grupo L.A. Samba comenzó como el grupo
de Sergio Mendes sin Sergio. Era una buena
manera de llevar buena música a sitios donde no
se podían pagar una estrella. Fue una forma de
experimentar con la música y muchos grandes
músicos se encontraron a través de esa banda.
Has tocado con artistas de la talla de
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
Madonna, Sergio Me120des, Kenny G., Diana
Ross, Barry White… ¿Cómo es de enriquecedora
esa experiencia?
Lo es todo, es la experiencia que ha permitido
a mi familia y a mí viajar por el mundo durante 4
décadas, el aprendizaje, la enseñanza y compartir
el don de la música. Podría escribir un libro sobre
cada artista. Son únicos y su forma de funcionar
diferente. Desde aviones privados con todos
abarrotados, a ir con el equipo en un taxi, tocar
para 100.000 ó 10 personas, lo he hecho todo.
Tengo historias de la carretera que son increíbles
para mucha gente, como salir con algunos de los
personajes más famosos del mundo, o pasar el rato
en las selvas de África Occidental o en las favelas de
Río, pasar una semana en una cárcel de Malasia o
ser arrestado en Paris ya que pensaban que
era un prostituto. Asistir a fiestas privadas
en Mónaco o estar de fiesta con el rey de
Jordania. No siempre es divertido en el
momento, pero sin duda fue esclarecedor
e interesante.
¿Cuál es la diferencia entre trabajar
como líder o ser un sideman?
Ser líder es más difícil. La responsabilidad
comienza mucho antes del concierto, la
logística recae sobre ti. Conseguir el bolo, pagar
a todos, que se toque sin problemas, llegar
a conseguir una identidad global, por no
hablar de la música…al ser acompañante
tu trabajo consiste solo en reproducir
música. En algunas situaciones mi papel
como acompañante es más específico. Por
ejemplo, en la banda de Kenny G la mayor
parte de sus éxitos son baladas, mí papel
consiste en llevar la emoción al show. Tengo
la reputación de ser un showman. Una vez Liza
Minelli me dijo: “Eres un entertainer dentro del
entertainer…” Este fue un gran elogio por parte de
5
ENTREVISTA
Ser líder es más difícil. La
responsabilidad comienza
mucho antes del concierto
una de las mejores artistas de todos los tiempos, me
gusta hacer que el show sea divertido.
¿Puedes describirnos el proceso de trabajar en
proyectos como el El Rey León de Disney?
He sido el coordinador de percusión en proyectos
como el desfile de El Rey León en Disneyland,
programas de televisión, obras de Broadway, grupos
de danza... sé que pocas personas saben más acerca
de la percusión que yo como percusionista, sé lo que
se busca para esas situaciones y ofrezco mis servicios.
Me gusta estar ocupado entre giras.
¿Cuál es tu set habitual para tocar?
Toco en muchas situaciones diferentes, por lo que
realizo cambios en el set up. A veces estoy rodeado
en una gran isla de instrumentos de percusión, con
todos los sonidos, por lo que puedo crear cualquier
cosa, otras veces es un set de batería con un gran
kit de percusión y otras un pequeño kit de batería
con un pequeño set de percusión. En ocasiones se
necesita un rollo tranquilo o acústico.
¿Qué utilizarías con un cantante de jazz por
ejemplo?
Como sideman no se trata de mi, se trata de hacer
que el artista se sienta bien. Cuando he trabajado con
Dianne Reeves o Al Jarreau, que conocen y entienden
la percusión étnica, eso es lo que les doy. La mayoría
de artistas quieren lo que hay en el disco.
¿En qué contexto musical te sientes más cómodo
o es tu favorito?
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
Sinceramente disfruto en cualquier estilo que toco,
si no me gusta la música no acepto el trabajo. Es
necesario que haya algún tipo de reto para rendir
al máximo, el desafío puede ser que haya charts
difíciles, hacer una balada emocionante o recrear una
pista de percusión grabada que sea difícil, el aspecto
físico después de dos horas de música de baile, o las
horas de batucada o rumba… ¡Me encanta mi trabajo!
Has trabajado durante largo tiempo con Latin
Percussion ¿Qué te gusta de la marca?
La calidad, variedad, disponibilidad y el compromiso.
Lo comenzó Martin Cohen, amaba los instrumentos
y a los instrumentistas, fue algo personal. Ahora
la compañía es legendaria y tiene responsabilidad
sobre estas cosas. Cuando se trata de fabricar
instrumentos la mayoría de las veces lo hacen bien y
lo más importante es que nunca dejan de mejorarlo.
Cuando estoy en Inner Mongolia, Australia, South
Africa o Groenlandia, en casi todas partes encuentro
instrumentos de Latin Percussion para mi variedad
de demandas. “LP is the best”
sus sueños con pasión. Nunca es demasiado tarde o
demasiado pronto para comenzar. Márcate metas y
establece un plan para llegar a ellas, por ejemplo, si
quieres tocar en una determinada banda, apréndete
su música, haz contactos, obtén sus teléfonos, quien
es su líder, su manager etc. contacta, comunícate,
diles que quieres ser parte de ella. No te rindas, se
persistente. Lo más importante, no trates la música
como si fuera un hobby, todo el mundo intenta tener
una carrera. Dedica tiempo y esfuerzo, una afición
ocupa un par de horas a la semana, un trabajo 40.
Una carrera son 24 horas 7 días a la semana, o como
mínimo 60 horas a la semana. Dedica más de la
mitad de tu tiempo a practicar, el resto del tiempo al
business, consigue contactos, crea tu propia red de
trabajo. Diviértete, la recompensa está en el viaje.
Has tocado en La Casa Blanca para cuatro
presidentes, Reagan, Clinton, Bush padre e hijo
¿Cómo te sentiste?
He tocado en muchos conciertos prestigiosos, en La
Casa Blanca, en el Kremlin, en el Coliseo de Roma,
también para muchos presidentes, Nelson Mandela,
reyes y reinas, la Princesa Diana. Es importante
recordar que todo el mundo es especial. Algunos de
mis conciertos más importantes y estresantes fueron
en las escuelas de mis hijas, en reuniones de girlsscout y en pequeños clubs de jazz, iglesias y bembes
donde la música es la vida cotidiana.
¿Qué consejo les darías a los jóvenes españoles
lectores de Batería y Percusión que quieren ser
percusionistas profesionales?
Joven o viejo, en España o en USA, les digo que sigan
6
ENTREVISTA
Nero
Matt
Sorum
Un batería para la banda
ENTREVISTA
Uno de los baterías con el curriculum más envidiable
dentro del universo roquero es sin duda alguna Matt
Sorum. En Los Ángeles, en la NAMM de este año nos
explicó su elección de kit y de platos. Ha usado Zildjian a
lo largo de toda su carrera y ha cambiado recientemente
a Gretsch, donde utiliza una USA Custom. Matt también
dejó bien claro que con Velvet Revolver no ha jugado su
última carta. El mismo afirma que no es un instrumentista virtuoso, aunque el paso del tiempo lo ha situado
como uno de los grandes nombres de la batería rock
debido a su enorme trayectoria.
sonas con las que trabajo en Gretsch y
Gibraltar, sabe muy bien ser tratado de
manera “supercool”.
Con Guns and Roses grabó el doble
“Use Your Illusion” uno de los discos
más vendidos de la historia de la música
rock, siendo los Gun`s una de las bandas de referencia obligatoria. También
grabó el primer álbum de Slash, el musculoso “Beyond Good and Evil” de The
Cult y fundó con los antiguos Gunners,
Slash y Duff McKagan, la super-banda
Velvet Revolver.
Después de un primer álbum en solitario “Hollywood Zen” publicado en 2004,
recientemente acaba de publicar su
segundo trabajo “Stratosphere” donde
¿Y que kit estás empleando ahora?
Mi batería es una USA Custom Maple. El
kit lo puedes ver ahora mismo aquí en la
NAMM, es de acabado Red Sparkle, que
en realidad se llama Red Glass, tiene
más bits plateados, lo que hace que brille más bajo las luces en escena y adoro
como suena.
Estoy usando un kit más grande que
cuando estaba en Guns N´Roses y The
Con Guns and Roses grabó el doble
“Use Your Illusion” uno de los discos más
vendidos de la historia de la música rock.
explora su vertiente como cantante. Por
otro lado, gira con Kings of Chaos, superbanda que integra junto a Joe Elliott, Myles Kennedy, Corey Taylor, Slash,
Gilby Clarke, Steve Stevens, Glenn Hughes, Duff McKagan y que rinde homenaje a los grupos de los que los músicos
son o han formado parte, como Guns
and Roses, Deep Purple, Velvet Revolver
o Billy Idol.
Cult. Con mi nuevo proyecto Kings of
Chaos empleo doble bombo, ambos de
22”, de esa manera tengo los toms un
poco más bajos. Son toms de 12”, 13”
y 14” y luego en el suelo de 16” y 18”.
Como ves dispongo de muchas cosas
interesantes para golpear.
¿Y el hardware?
Con el hardware Gibraltar consigo muy
buenos ángulos para encajar todas las
cosas. También estoy tocando con la
nueva G Series de pedales que son espectaculares. Toqué tres años con otros
pedales pero estos son los mejores que
he probado. Están muy bien nivelados.
Puedes cambiar el peso de la maza, me
Matt, actualmente eres endorser de
Gretsch Drums ¿Cómo te sientes?
Si, si, estoy con Gretsch en este momento y me siento muy orgulloso. Me siento
honrado, me siento como si estuviera
en casa. Tengo un buen grupo de perB&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
8
ENTREVISTA
encanta la forma en que se siente, estoy flipado
con ello.
¿Lo ajustas para tocar leve y rápido o más pesado y fuerte?
Me gustan los bombos pesados, depende del tipo
de música que esté tocando pero si estoy tocando
hard-rock, quiero un bombo que suene bien pesado. Estoy muy contento con él, no estoy obligado
a tocarlo ni nada parecido, lo uso porque quiero,
me entusiasma. Por otra parte Gretsch ha lanzado
una caja que es de lo mejor que he tocado nunca,
la Gretsch Belt Brass.
¿Qué características te impresionan tanto?
Es absolutamente increíble para tocar rock. Probablemente funcione bien en otros formatos, pero
para lo que yo hago… suena redonda y con mucha pegada. Podría decirte que usaba otra caja de
otra marca pero he encontrado la caja que quiero
tocar. Como todos los baterías que usan Gretsch,
tengo libertad para tocar la caja que quiera, pero
uso la Gretsch Belt Brass. Los ingenieros de sonido con los que trabajo en grandes escenarios,
cuando toco suelen comentar: “Dios mío, esto
suena muy grande…”
Así que adoro esta batería y tener un kit grande y
divertido. Después para casa y para otros trabajos
tengo mi Gretsch más pequeña, un bombo, dos
toms…para tocar más calmadamente es genial.
Al respecto de los platos has usado Zildjian durante toda tu carrera ¿Hay alguna razón concreta para eso?
Bueno, la gente a menudo no comprende la relación con las marcas…Aquí en Gretsch Kim (Kim
Graham, Artist Relations Manager) es un ser humano increíble, disfruto estando con él, hablando
con él. Por lo tanto en esta etapa de mi vida, hago
las cosas que me hacen sentir bien y quiero traba-
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
Creo que en el inicio de los años
90, el estilo de tocar la batería
estaba pasando por el aspecto
comercial del rock and roll.
jar con las personas que quiero trabajar.
Zildjian también ha sido espectacular en su comportamiento hacia mí, siempre me han tratado con
mucha gentileza y respeto. Saben que he estado
en esas grandes bandas, pero también que siempre voy a estar enrollado haciendo cosas nuevas
y siempre me apoyaron durante toda mi carrera.
Empecé a trabajar con ellos en los años 80 por eso
les debo respeto y agradecimiento. Y adoro a su
vez los platos Zildjian.
Ya has mencionado que has estado en grandes
bandas a lo largo de tu carrera, en todo ese
tiempo, ¿Tu estilo de tocar ha cambiado también?
Creo que en el inicio de los años 90, el estilo de
tocar la batería estaba pasando por el aspecto comercial del rock and roll, sufrió una especie de…no
quiero decir empobrecimiento, pero había cierto
tipo de producción y ciertas cosas que pasaban en
el estudio, donde el batería debía tener un cierto
estilo para adaptarse a las producciones del momento. Incluso cuando lo hice con Velvet Revolver
tenía ese cierto estilo. Pero fuera de eso, toco rock
clásico y cuando toco rock moderno lo hago de
manera diferente. Depende mucho.
Después de varios años tocando con mucha fuerza y también por la edad, percibí que no debía de
tocar tan cañero, puedo conseguir un gran sonido
igualmente.
Si escuchas a los baterías ingleses más antiguos
como Roger Taylor, John Bonham y Ginger Baker,
muchos de ellos muy grandes, no tocaron especialmente duro, podían tocar sin demasiada fuerza y a la vez conseguir un gran sonido.
Creo que me he calmado un poco a la hora de
tocar, con una manera propia de mi edad y válida para lo que hago ahora mismo. Toco con más
melodía y más relajado, no tengo porqué estar
siempre muy por “delante”, siempre me he visto
9
ENTREVISTA
Soy un músico de banda y es que
verdaderamente me encanta tocar
canciones.
como un baterista de canciones, soy
un baterista de banda. No estoy aquí
para exhibirme delante de otros bateristas, de esa manera he hecho mi
carrera. Quien me vea como batería
podría decir: “Es un buen baterista y
no por lo solos que se marca…”
Siempre me acredité como un jugador de equipo y toco para la canción,
soy un músico de banda y es que
verdaderamente me encanta tocar
canciones.
¿Cómo vais de temas para Velver
Revolver? ¿Qué podemos esperar?
¿Estáis pasando por ese proceso
de escuchar las maquetas que os
envían vocalistas para conseguir
un puesto en la banda como al
principio?
No, ya sabes, hemos hecho un montón de eso. Ahora estamos en un
lugar donde todo sucede orgánicamente, todos somos buenos amigos
y seguimos tocando música juntos.
Todos tenemos el radar conectado,
así que si se presenta podría suceder pero todos tenemos nuestros
proyectos y estamos felices musicalmente.
Creo que Velvet Revolver fue un
momento clave en mi carrera por
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
haberla arrancado de nuevo por decirlo de alguna manera, por llevarla
a la cumbre otra vez. También para
Slash, para Duff, para todos. Hemos
conseguido superar la escena de
Guns N´Roses que ya era algo grande para todos nosotros. Si consigues
imaginar tener un disco en el top de
ventas, después de haber estado
en una de las mejores bandas del
mundo, con otra banda…eso significa alguna cosa, es un trabajo duro.
Trabajamos realmente duro en el
primer disco y aún más si cabe en el
segundo. Bueno, si sucede… sucede,
pero no voy a decir cuando…
10
GRETSCH.
LA BATERÍA AMÉRICANA
POR EXCELENCIA.
Taylor Hawkins / Foo Fighters
y su Gretsch USA Custom
gretschdrums.com
USA CUSTOM
MADE IN THE USA
Descubre más sobre
Gretsch Drums.
GretschDrumsES
BROOKLYN SERIES
Desde 1883 Gretsch ha fabricado las mejores
baterías hechas en América, para los beaterías que
no se conforman con cualquier cosa.
MISCELÁNEA
Microfoneando la
batería
Juan De Oliva
Cómo hacer la toma de sonido de un bombo de batería,
usando dos micros
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
12
MISCELÁNEA
Conseguir que el bombo de nuestra batería
suene bien después de estar microfoneado
tanto en los directos como en estudio no
es una tarea sencilla. Las sonoridades
deben de encontrar su espacio en la mezcla
además de conseguir el timbre deseado.
Hacer una buena toma de sonido de un bombo de
batería puede ser complicado. El tipo de toma de sonido y la mezcla de la batería dependen del estilo de
música. Para músicas pop, rock o dance, es esencial
que la batería constituya la base rítmica de las canciones y aquí el bombo juega un papel protagonista. Las
preferencias tonales varían, pero en general se busca
captar el cuerpo (ese sonido seco y grave) o el ataque
(dado por el golpe del percutor) y en muchos casos lo
mejor es hacer una mezcla de ambos.
Como siempre la mejor
forma de llegar a una
conclusión pasa por la
experiencia.
Esto puede ser difícil de conseguir… La colocación de
un micrófono dentro del bombo apuntando hacia el
percutor captará el ataque. Por otro lado, la colocación de un micrófono justo dentro del bombo o en el
agujero para la salida de aire proporcionará más cuerpo y menos ataque. Entonces… ¿cómo se capta una
combinación equilibrada de cuerpo y ataque?
Pedimos ayuda a Shure, para que nos aconseje como
hacerlo, como lograr un fantástico sonido de bombo,
con micrófonos Shure Beta 52 y Beta 91.
Shure fabrica 2 diferentes micrófonos de bombo, cada
uno con sus propias ventajas. El Beta 52 es ideal para
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
pegadas de baja frecuencia y es el mejor micrófono de
Shure para captar el cuerpo del bombo de una batería.
Por otro lado, el Beta 91, que también es idóneo para
bombos, ofrece un rendimiento particularmente bueno cuando se coloca dentro del bombo para captar el
ataque.
Una técnica microfónica común consiste en utilizar
ambos micrófonos para así captar un sonido excelente que combine cuerpo y pegada. Está técnica microfónica doble es a veces conocida como “dentro y
fuera” y se consigue así: coloca el Beta91 dentro del
bombo y el Beta52 junto al agujero de salida de aire,
como hemos descrito antes. La idea es aprovechar las
potencialidades de ambos micrófonos para hacer una
mezcla del sonido de los dos. Esto ofrece varias ventajas frente al concepto de utilizar sólo un micrófono y
buscar su colocación en una posición que capte tanto
cuerpo como pegada.
En cualquier toma de sonido multi-microfónica del
mismo instrumento pueden originarse cancelaciones
de fase. De cara a obtener los mejores resultados,
experimenta invirtiendo la fase de uno de los canales
para obtener el sonido más coherente.
Como siempre la mejor forma de llegar a una conclusión pasa por la experiencia, así que hay que experimentar, ir probando los dos micros en diferentes posiciones tanto el de dentro del bombo como el próximo
a la salida del aire y valorar.
Si quieres aprender más al respecto de como realizar
tomas de sonido de las batería, échale un vistazo al
siguiente video
13
REVIEW
GRETSCH
®
Antonio J. Sierra
Brooklyn Series
desde las entrañas de NY
Un legado de 131 años de
experiencia es un patrimonio
que muy pocas empresas en
todo el mundo, sea del sector
que sea, tienen en su poder.
En Gretsch® este “background”
pesa tanto, que Brooklyn (2012)
ha sido el primer producto made
in USA de diseño totalmente
nuevo en decenas de años. Por
este motivo y para entenderlo
mejor, he decidido enmarcarlo
dentro de la historia viva de esta
gran marca.
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
14
REVIEW
Los acabados disponibles
son 4 satinados extraídos del
menú de colores clásicos de
la compañía
en año 2012 comienza nuestra historia, una vuelta al principio, de vuelta a
Brooklyn…
Para Gretsch® el badge (chapa con
el logo de la marca que disimula una
salida de aire) siempre ha marcado los
diferentes momentos de su historia, el
redondo (round badge) fue utilizado
en todos los tambores Gretsch® fabricados entre 1930 y 1970 y se han
convertido en todo un símbolo icónico. Nuestro modelo a examen hace un
guiño a esa época y presenta una versión en plata sobre fondo negro, una
combinación de elementos del rico patrimonio de la marca con los continuos
avances.
Quitando alguna rara excepción, la madera que la compañía siempre ha usado en sus cascos de fabricación “made
in USA” siempre ha sido el arce norteamericano de primera calidad, rematado con el famoso y secreto sellado
interno denominado “silver sealer” que
según John Palmer (Gretsch Product
Manager), favorece el rebote del aire
en cilindro terminando de hacer ese
sonido, el famoso “That Great Gretsch
Sound”. En la serie Brooklyn también
se ha empleado este sello en el interior pero sus cascos están fabricados
con una mezcla de arce y álamo, un
Como podemos leer en alguno de sus
logos, Gretsch® se fundó en el año
1883 cuando el emigrante alemán
Friedrich Gretsch® abrió una pequeña
tienda de instrumentos musicales en
la que ofrecía toscas panderetas, sencillos banjos y tambores de banda. El
emplazamiento de aquel incipiente negocio fue Brooklyn (condado de Kings)
que unido a Manhattan, Queens, Staten Island y el Bronx formaron en 1898
lo que hoy conocemos como New York
City (NYC).
Este trozo de historia contemporánea
estadounidense nos confirma que
Gretsch® es una de esas 6 ó 7 marcas
que a mi juicio han escrito la historia
del jazz, del rock y del pop de las últimas décadas. Una carrera salpicada
de geniales innovaciones como fabricar el primer bombo de 20” para el
inquieto baterista Dave Tough o el primer kit con doble bombo a petición de
Louie Bellson.
En 1972 la compañía sale de NYC (al
ser vendida a Pianos Baldwin) y recala
en Arkansas donde se fabrica la línea
de baterías hasta mediados de los
años 80, momento en que la familia recompra la marca y mueve la planta de
fabricación de baterías a la ubicación
actual, Savannah (Georgia). Justo allí y
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
15
REVIEW
Si tienes la oportunidad de probar uno de
estos kits, estoy seguro que recordarás
este artículo y que me darás la razón.
Estos son los “shell packs” que se comercializan en Europa.
me asistieron mi intención es no
aburrirte con una serie de calificativos absurdos que no van a ningún
lado.
En primer lugar un evento al aire libre para unas 500 personas microfoneado y amplificado con equipos
de gama alta donde prácticamente
soné con el micro de bombo y los
2 overheads, el técnico del FOH me
preguntó varias veces por la batería
(que parches usaba, que medidas tenía, de que madera estaba fabricada)
asombrado por la proyección que tenía. Pincelada de reverb y a correr…
En segundo lugar lo usé para gra-
12” x 8” TT; 14” x 14” FT; 18” x 14” BD
12” x 8” TT; 14” x 14” FT; 20” x 16” BD
12” x 8” TT; 14” x 12” FT; 20” x 18” BD
12” x 8” TT; 16” x 16” FT; 22” x 14” BD
12” x 8” TT; 16” x 14” FT; 22” x 18” BD
cambio en las maderas que otorga
un sonido mucho más abierto, más
cálido ideal para trabajar con afinaciones abiertas y si es con parches
no demasiado gruesos funciona aún
mejor.
Otro rasgo de la Brooklyn es el ángulo del corte del casco (bearing edge)
en 30º. Muchos de vosotros os preguntaréis si hay mucha diferencia
entre el sonido de un tambor con
el corte a 30º, a 45º ó a 60 grados
y aunque parezca un detalle sin importancia, la respuesta es afirmativa.
Sin embargo de nada sirve si el corte
no es totalmente perfecto y plano,
una obsesión para la compañía desde el inicio. Este corte define la cantidad de madera que está en contacto
directo con el parche, es decir, si el
ángulo es más cerrado el contacto es menor y el parche suena más
abierto, se mueve con más libertad,
suelto, sin corsé, más musical, más
Brooklyn.
Otra pata que sustenta el carácter
de este kit son sus aros 302 Double
Flanged, un diseño patentado en el
año 1957 que era conocido como
el “triturador de baquetas” debido a
lo incisivo de sus bordes. El modelo
actual es esencialmente el mismo
pero con un borde más perfilado
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
que como consecuencia no dañará
tus baquetas como lo hacia el modelo original. Este aro al ser más ligero
que el clásico “die cast” que Gretsch®
monta en USA Custom, New Classic
o Renown Maple, fomenta ese carácter “abierto” que proporciona esa receta de arce y álamo.
El resto del kit, lugs de afinación, sistema de suspensión de toms, tom
holder, parches o sistema de bordonera en las cajas, son idénticos a
los que sus hermanas USA Custom
y USA Select traen de serie cuando
salen de fábrica.
Los acabados disponibles son 4 satinados extraídos del menú de colores clásicos de la compañía, Satin
Black, Satin Mahogany, Satin Natural,
Satin Tabasco y cuatro vinilos (nitron)
nunca usados anteriormente, Black
Oyster, Cream Oyster, Grey Oyster
y Red Oyster. Otro guiño al pasado
es el acabado de los aros del bombo
que van en natural para los acabados satinados y negro con inlay en
los nitron.
Aunque es material premium fabricado en USA, Gretsch ha decidido
vender la series Brooklyn en sets cerrados con la posibilidad de añadir
elementos sueltos.
13” x 9” TT; 16” x 16” FT; 24” x 14” BD
He sometido a un kit formado por
bombo de 20”x 18” con tom de 12”x
08” y tom base de 14”x 12” a dos
pruebas de campo con todo original
sin cambiar nada, es decir, con los
parches y aros originales. Describo
las charlas con los dos técnicos que
16
REVIEW
bar 5 temas para una producción
power pop donde tardamos unos
30 minutos de reloj en sacarle sonido. El técnico comentaba que al
abrir los micros la batería ya sonaba. Sólo movió algún micro para
tener más o menos efecto parche y
grabamos los temas del tirón (esta
vez lo traía aprendidos…). En la
mezcla solo comprimió un poquito,
pincelada de reverb y meterla en
plano. Quitando un par de overheads de alta gama, el resto eran
los micros dinámicos estándar de
siempre.
El único “pero” por ponerle alguno,
es la limitación en acabados y medidas, esta serie quizás merecería
un tratamiento a la carta como su
prima USA Custom.
Si tienes la oportunidad de probar
uno de estos kits, estoy seguro que
recordarás este artículo y que me
darás la razón.
Si quieres más pincha aquí
Disfruta de la música, disfruta de tu
batería.
FICHA TÉCNICA
Marca
Gretsch Drums
Modelo
Brooklyn Series
Casco
6 capas arce/álamo
Acabados
Satinados o Nitron (vinilo)
Interior
Silver Sealer
Angulo de corte
del casco
30 grados
Hardware
Cromado
Aros Tom y caja
302 Double Flanged
Aros Bombo
Natural para satinados y negro con inlay en los Nitron
Lugs
Suspension de
Toms
Gretsch® 5472
Tom Brackets
Gretsch® 9025
Sistema bordonero
Lightning
Parches Toms/
caja
Gretsch® Permatone
Parche bombo
Gretsch Permatone Powerstroke® coated
Gretsch® GTS
Un saludo.
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
17
REVIEW
Vic Firth VICKICK
Mazas para pedal de bombo
Un paso al frente
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
18
Juan De Oliva
REVIEW
Con más de 50 años de funcionamiento
y experiencia en la creación de baquetas
de batería, caja clásica, marching corps,
así como mazas para xilófono, marimba,
vibráfono, timpani, accesorios de todo
tipo y un largo etcétera, lo más importante para Vic Firth siempre ha sido y es el
sonido. Como el mismo dice “tu sonido es
tu firma.”
Esta filosofía hace de Vic Firth el fabricante número
1 en el mundo de baquetas, mazas de marimba, vibráfono, xilófono, bombo y accesorios de percusión.
De ahí nace la idea de crear unas mazas para pedales de bombo, únicas, innovadoras y de una calidad
extraordinaria, que nos ofrecen muchas opciones
de sonido.
Existen tres modelos:
VICKICK FELT de fieltro de primera calidad de dureza media/dura
VICKICK WOOD de madera de Arce duro.
VICKICK FLEECE de lana con núcleo ovalado de
fieltro.
Los tres nos proporcionan un abanico de posibilidades sonoras, articulación y una calidad, que los tres
consiguen resaltando las frecuencias más graves.
Una vez más, la calidad del sonido es lo más importante.
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
VICKICK FELT:
Esta maza tiene un diseño radial para obtener dos
sonidos dependiendo de la posición que la montemos. En la posición Radial obtenemos un sonido
mas definido en el ataque, resaltando las frecuencias graves y por encima de todo con una pegada
contundente, ya que el impacto de la maza se realiza
con una pequeña parte de la misma.
En la posición plana aparecen otros matices que, dependiendo del tamaño del bombo se pueden apreciar con mucha claridad. Al golpear el parche con
una superficie mayor, las frecuencias se multiplican y
aparecen todos los medios y agudos, que el bombo
también tiene aunque no lo parezca, enriqueciendo
de esta forma su sonido.
Esta maza tiene un diseño
radial para obtener dos
sonidos dependiendo de la
posición que la montemos.
19
REVIEW
VICKICK WOOD
Al igual que la anterior con dos superficies de pegada para conseguir
sonidos y sensaciones múltiples.
Al ser esta maza de madera, igual
que una baqueta, produce el sonido
más definido que te puedas imaginar y una claridad sorprendente. Su
pegada en la posición radial es extraordinaria y para mi ha sido la gran
sorpresa al utilizarla en la posición
plana. Dicha posición enriquece el
espectro de frecuencias sumados
a la potente pegada dando todo lo
que tu bombo te pueda ofrecer. De
verdad que recomiendo la probéis,
es una maravilla.
Su pegada en la
posición radial es
extraordinaria
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
VICKICK FLEECE
Por último ésta es la maza que yo
estaba soñando para mis bolos de
Jazz. Con un núcleo ovalado de fieltro cubierto con lana, su sonido es
cálido y envolvente al mismo tiempo que muy suave y matizado. Al
ser una maza diferente te hace tocar de otra forma y aparecen otros
músicos que todos llevamos dentro.
También muy recomendable.
Ésta es la maza que
yo estaba soñando
para mis bolos de
Jazz.
CONCLUSIÓN
¡Ya era hora! Os recomiendo cualquiera de las tres mazas y probar
a tocar con ellas según el bolo que
hagáis. Enriquecen tu sonido y aumentan nuestras posibilidades musicales y una vez más: “Tu Sonido es
tu Firma”. He preparado este video
para que podáis apreciar como funcionan en la práctica y como suenan
claro.
20
REPORTAJE
Latin
Percussion
Levon Green
50 ANIVERSARIO (II)
La percusión por excelencia
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
21
REPORTAJE
En el número anterior de Batería & Percusión relatábamos la
historia de la marca de instrumentos de percusión más relevante
que existe. Todo un timeline con su inicio allá por el principio de
la década de los 60 del siglo pasado, cuando Martin Cohen todo
un gran aficionado a la música afro-cubana, visitaba los clubs de
baile de Nueva York para empaparse de ella y que llega hasta
nuestros días.
CONGAS
En primer lugar las congas 50 Aniversario, incluyen tres unidades (quinto,
conga y tumba) de 30” de diámetro. Están construidas con tres capas de nogal americano, con refuerzo de fibra de
vidrio en la parte superior interna de la
carcasa para garantizar una mayor duración. Presenta unos parches de cuero
crudo, hardware Premium Galaxy Gold,
cuyas llantas están extendidas para obtener una mayor comodidad tocando.
Las placas laterales donde se engarzan las seis bellotas de afinación, están
reforzadas con juntas de goma para
mejorar el sustain, a su lado se ve el badge conmemorativo del 50 Aniversario,
también en dorado como el hardware.
Incluyen el LP ProCare Integrated Shell
Protectors para evitar roturas en el casco o las bellotas ante una posible caída
de la conga y el acabado es en satin finish transparente que deja ver el grano
de la madera.
Por último destacar que con cada tambor viene incluida la plataforma LP Conga Sound Platform.
Un instrumento cómodo de tocar, con
un look austero y lujoso pero atractivo,
que nos ofrece unas sonoridades natuB&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
Siguiendo con la celebración de su 50 Aniversario, la marca
norteamericana ha lanzado varios modelos de instrumentos de
percusión a modo de tributo, que estarán a la venta durante este
año y que sin duda pasarán a ser piezas de colección en un futuro.
rales y orgánicas con una importante
proyección de sonido.
Con cada tambor viene incluida la
plataforma LP Conga Sound Platform.
Martin Cohen
Cándido Camero
22
REPORTAJE
BONGOS
Pasamos a sus compañeros más pequeños, los bongos. Al igual que las
congas son de madera de nogal americano con parches de cuero crudo,
los herrajes son dorados y los aros
proponen una curvatura para que sea
confortable tocar con ellos, como así
es. Monta cinco bellotas de afinación
sobre una placa de apoyo de acero
para garantizar la estabilidad y resistencia. Como las congas lleva un badge conmemorativo del 50 Aniversario de Latin Percussion y su acabado
es en satin finish cuya transparencia
deja observar el veteado de la madera. A nivel sonoro entrega unas sonoridades con una buena presencia de
frecuencias agudas, que no resultan
punzantes y con unos armónicos controlados.
Son Latin Percussion, suenan a Latin
Percussion y son el colofón de la marca
iniciada por un ingeniero aficionado a la
percusión Martin Cohen.
CENCERRO (COWBELL)
En este 50 Aniversario LP presenta una
edición limitada del Black Beauty Cowbell.
Fabricado a mano en USA, es el cencerro
más popular y más empleado de la historia. Con un acabado dorado y el logo
del 50 Aniversario impreso en un lateral,
tiene un look impactante. Existe una edición para coleccionistas bañada en oro.
Tiene una longitud de 5” y se puede engarzar a un sistema -para formar parte
de un set de percusión- con un perno de
LP garantizando su anclaje en cualquier
varilla de 3/8”.
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
Proyecta un sonido brillante con unos
armónicos moderados
Estos son los tres instrumentos de percusión que Latin Percussion ha lanzado
para celebrar su aniversario, una opción
presentada para coleccionistas en unos
casos, para percusionistas en todos ellos
y que vienen a integrarse en el catálogo
de LP. Son Latin Percussion, suenan a
Latin Percussion y son el colofón de la
marca iniciada por un ingeniero aficionado a la percusión Martin Cohen, siempre
pendiente de construir instrumentos
para percusionistas y basados en satisfacer sus necesidades.
23
OPINIÓN
Ana está desmotivada
¿qué hago?
Jorge Medina es pedagogo, postgraduado en Pedagogía de la
Percusión, profesor superior de
percusión, endorser de Rasch
Drums y autor del método de
percusión Percuaderrno (ocho
volúmenes)
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
La tarea docente, como cualquier otra, tiene
experiencias maravillosas, pero también tiene un gran peligro en el que es muy fácil caer:
la monotonía.
Nadie puede negar que haya vivido esta
sensación en su quehacer diario. Cuando
observamos cierta apatía o desánimo en un
alumno/a es muy importante considerar que
es muy probable que parte de culpa la tengamos nosotros, los docentes.
Partiendo de la necesidad de trabajar este
aspecto, nos planteamos las siguientes cuestiones: ¿qué es estar motivado?, ¿por qué
unos alumnos están motivados y otros no?,
¿qué responsabilidad tenemos los profesores?, ¿qué cosas concretas podemos hacer?
Desde mi punto de vista y a través de mi experiencia, la motivación constituye uno de los
factores psico-educativos que más influyen
en el aprendizaje.
La motivación que se persigue pretende un
carácter permanente; no es, simplemente, la
causada por una actividad concreta, un tema
atractivo o un extraordinario profesor, sino
que debe sostenerse ante circunstancias menos favorables.
Para entender mejor todo esto vamos a conocer a una de mis alumnas:
Jorge Medina
ANA tiene 12 años, falta mucho a clase y
cuando asiste, noto cierta apatía. Lleva 4
años estudiando Percusión y la clase huele
a monotonía, a cada instante me dedica un
suspiro…SÍ, ESTÁ DESMOTIVADA.
¿Soy yo el responsable? ¿Es ella? ¿Es su familia? ¿Sus amigos? …no lo sé, pero seguramente yo tenga bastante que ver.
¿Cómo puedo motivarla?
La motivación se entiende como las estrategias que tengo que llevar a cabo para que
trabaje. Es indiscutible que el camino acertado es hacer las clases atractivas, realizar
actividades novedosas, sorprendentes…pero
todos sabemos que hay situaciones arduas
que requieren disciplina y esfuerzo y no es
conveniente darle muchas facilidades ya que
daríamos lugar a ajustar los contenidos de la
enseñanza a sus niveles de pereza. No podemos dar sólo “el postre y los dulces” cuando
ese no es el alimento principal.
La motivación está por encima de todo esto,
debemos enseñar a Ana a encontrar la satisfacción por el trabajo bien hecho, a encontrar su superación personal, a entender que
el conocimiento conduce a la libertad y a ser
autónomos.
24
OPINIÓN
Ahora, como dice el refrán “cada maestrillo tiene su librillo” voy a contaros las
estrategias que utilicé para solucionar
este problema.
Partimos de la base de que la educación musical no es obligatoria, así
pues ya tenemos un dato muy importante, Ana esta aquí porque le gusta,
también supuestamente los padres la
han animado a que realice estos estudios por completar su formación en
incluso puede haberse visto motivada
por amigos o hermanos músicos.
Mis clases son individuales generalmente, así que pese a ser un trato
directo donde “es más difícil esconderse”, no trabaja en casa y las clases,
más que de Percusión, son un catálogo de justificaciones; aún así, yo no me
enfado, no amenazo y si hay amenaza
es con muchísimo tacto, cuando la enseñanza se convierte en tortura, ya no
es enseñanza,(aunque parezca una
verdad de Perogrullo, esta última frase
la escuché a un profesor de pedagogía
en un curso del sistema Dalcroze de
enseñanza musical y me acompaña en
mi quehacer diario).
Ana y el resto de mis alumnos nunca
han oído la palabra NO en clase, siempre es: “…bien, pero vamos a mejorarlo…” para mi un error es un trampolín
para mejorar, no hay mejor manera de
tratar el error que considerarlo como
algo positivo.
En mis clases nadie es pequeño, todos son mayores tengan la edad que
tengan, si tiene 8 por ejemplo, hago
alusión a los niños/as de 4: “ Tú ya
no tienes 4 años”, si tiene 14 : “ Tú ya
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
no tienes 10 años” etc. hacer sentirse
“mayor” funciona casi al 100%. Comprobado.
Las clases colectivas son un escenario ideal para motivar a los alumnos/
as, Ana tiene una capacidad increíble
de leer a primera vista por lo tanto
fue muy fácil conseguir una sonrisa en
su rostro al demostrar al resto de sus
compañeros esta virtud, si es necesario exagerando…“chicos quiero que
sepáis esto: en toda mi vida he visto
una persona que pueda leer música a
tanta velocidad…”
Es indiscutible que dentro del papel
de motivador uno de los factores más
importantes es la personalidad propia
del docente, en mi caso, pienso que
tengo bastante habilidad para relacionarme con las personas y manejo
bien la empatía, una persona sin habilidades sociales, independientemente
de poseer mucho conocimiento, nunca podrá ser un buen transmisor de
información y por lo tanto no podrá
ejercer correctamente esta profesión.
Para concluir diré que un profesor/a
es un actor, el alumno/a es el público,
la materia la sinopsis y el aula el escenario, tenemos todos los ingredientes
para una buena película…si tenemos
buenos medios, solo falta un buen actor.
Es indiscutible que dentro del papel
de motivador uno de los factores
más importantes es la personalidad
propia del docente.
25
DIDÁCTICA
Paradiddles Groove (I)
Hola compañeros de la revista Batería
Percusión, a continuación os adjunto
una nueva tutorial didáctica titulada:
Paradiddles Grooves 1
Esta tutorial didáctica es la primera de
las cuatro tutoriales en donde trataré de
aportar una visión más lúdica y didáctica
al estudio y aplicación de la familia de los
Paradiddles y de sus respectivas inversiones o permutaciones, creando así lo
que se denomina Paradiddle Funk.
Para poder abordar esta tutorial es necesario conocer tales rudimentos y poder dominarlos de la forma que se estudian normalmente en la caja para luego
poder aplicarlos a este estilo y conseguir
altas velocidades de interpretación.
En un principio comenzaremos estudiando el paradiddle en la caja hasta que
lo dominemos; luego desplazaremos la
mano derecha al hit hat y realizaremos
un acento en la caja en el tiempo 2 y 4.
Una vez dominado esto el siguiente paso
es ir añadiendo las diferentes combinaciones de bombo que planteo. Cuando
tengamos superada esta fase podemos
ir creando nuestras propias combinaciones de bombo.
Las últimas combinaciones de bombo
que propongo son los patrones característicos de bombo de la samba, tumbao,
clave son y clave rumba.
Otra forma bastante visual es escribir en letras
el paradiddle y asignar bombos debajo de las
letras y crear nuestros propios ritmos. En este
caso el bombo se escribirá con la letra B. La D
será mano derecha y se tocará el hit hat y la I
será mano izquierda y tocará la caja. A continuación os dejo un ejemplo de cómo hacerlo.
A disfrutar…
Si ya tenéis dominados estos ritmos se podrían
realizar los mismos patrones pero complicando un
poco más la cosa:
-Mano derecha en la campana del Ride.
-Mano izquierda en la caja.
-Hit hat con pie izquierdo: primero en tiempos 2 y
4 coincidiendo con el acento en la caja; luego Hit
hat en negras y finalizamos con Hit hat en corcheas.
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B
B
B
2 DIDD IDID DIDD IDID
B
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3 DIDD IDID DIDD IDID
B
B
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4 DIDD IDID DIDD IDID
B
B
B
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5 DIDD IDID DIDD IDID
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6 DIDD IDID DIDD IDID
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B
B
B
7 DIDD IDID DIDD IDID
B
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B
8 DIDD IDID DIDD IDID
B
BB
B
BB
CONSEJOS PARA EL ESTUDIO DE ESTE
TUTORIAL DIDÁCTICO
Un consejo importantísimo es no tener
prisa, con paciencia y marcándose proyectos de superación de menos complicados a más, mejoraremos mucho,
mejor y con más calidad sonora e interpretativa.
Importantísimo el estudio de todo con
Metrónomo desde Negra = 50 hasta
150, tanto las manos como los pies por
separado y luego juntos.
Aarón Cristófol
Con esta tutorial abordamos y podemos mejorar en la técnica de manos,
en la de pies y en la interdependencia
e independencia de manos y pies. Coordinación de manos y pies, posición del
cuerpo ante el instrumento, psicomotricidad, movimiento y equilibrio corporal.
Estilos y Groove.
Aarón Cristófol Rubio es un percusionista
con una sólida formación. Superior de percusión en el Conservatorio Superior Municipal de Barcelona y Superior de Pedagogía
del Lenguaje Musical en el Conservatorio Superior de Valencia y Diploma en Percusión
por la Universidad de Valencia. Compagina
su actividad docente como profesor en el
Conservatorio de Ciudad Real y en diversas
escuelas, con sus trabajos como percusionista y baterista en diferentes formaciones
de percusión, big band de jazz a nivel nacional y europeo.
DIDÁCTICA
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
27
DIDÁCTICA
Un acercamiento a los grandes de la fusión (XIV)
THE BROTHER
Robben Ford
Oz Noy.
Batería: Vinnie Colaiuta
Batería: Tim Brechtlein
Seguimos en la línea del último número y el tema
que hemos elegido para esta ocasión tampoco encajaría en el perfil de jazz-fusión convencional, pero
podría entrar en un hipotético apartado de blues-fusión, si es que se puede etiquetar de este modo a la
manera de interpretar el blues de Robben Ford. Nos
hemos permitido otra vez una licencia para tener la
excusa de poder trabajar un tema en el que el batería sea Tom Brechtlein.
Para la mayoría, este batería se ha relacionado siempre con el mítico guitarrista, pero en su curriculum
podemos ver que ha tocado con gente como Chick
Corea, Wayne Shorter, Al Di Meola o Jean Luc Ponty,
todos ellos ligados a una manera muy concreta de
hacer ese tipo de música que tanto nos agrada.
El tema “The Brother” aparece en el disco de 1992
de Robben Ford and the Blue Line, pero la versión
que hemos transcrito es del DVD en directo de 1993
porque nos pareció que tenía mucha más energía
y que era baterísticamente más interesante. Como
nota curiosa, está dedicado a los hermanos Vaughn
(Stevie y Jimmie )
Este tema instrumental está en la línea de bluesrock que caracteriza la onda de los Blue-Line. Se
respira el aire de blues, pero tanto la forma como la
armonía se alejan de los patrones convencionales a
los que estamos más acostumbrados. Sin duda, es
un buen ejemplo del modo de hacer que revolucio-
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
nó la escena del blues a principios de los noventa.
La personalidad de Tom Brechtlein a la hora de tocar este tema se refleja en la manera que tiene de
construir sólidos grooves que, manteniendo por un
lado la vertiente más rockera, tienen por otra parte
una atmósfera más libre a base de ghost notes, variaciones y un punto de improvisación.
Entrando en materia. Los patrones rítmicos están
escritos en su versión más simple. Es decir, no aparecen rellenos, ya que se trata de facilitar la lectura
y hacer accesible desde el primer momento la interpretación. Conforme vayamos tocando y sobre
todo, después de escuchar cómo lo hace el señor
Brechtlein, podremos ir incorporando más y más
detalles.
Atención con la forma del tema. No es un tema complejo de estructura , pero hemos de estar atentos a
las repeticiones y los saltos en el papel. ¡No es un
blues de 12 compases!
Para acabar, mencionar que aunque la mayoría de
los fills pueden hacerse tranquilamente a gusto del
consumidor, hemos escrito algunos de los que tienen más el sello de Brechtlein. Sobre todo, el que
prepara la marca final.
!Qué lo disfrutéis!
Textos y transcripción: Pablo Posa
Edición en Finale: Jordi Herreros
28
Pablo Posa
DIDÁCTICA
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OPINIÓN
Trance
Pepe Cantó
El trance
Atardecer de Septiembre en Marrakech, el color
rojizo empieza a mutarse en azul noche y algunas
tiendas empiezan a cerrar en la Medina. Parado
en una esquina, esperando a mi pareja mientras
discute una y otra vez el precio de unas babuchas,
observo cómo tres jóvenes paralizan el cierre de
su puesto y, dejándolo todo a mitad de recoger,
se enfrascan en tocar los qraqebs. Mientras dos
de ellos los tocan e intentan crear una polirritmia
a dúo en la que la semicorchea se confunde con el
tresillo, el tercero, situado en medio, dirige los continuos intentos de ensamble rítmico. Infructuosos
sus intentos uno tras otro, el director cambia de
expresión continuamente, ante la obcecación de
empastar una célula rítmica con la otra. Empiezo
a sufrir como si yo mismo estuviese implicado en
ello, pretendo entender dónde reside el problema: el continuo choque de acentos, la articulación,
la subdivisión… hasta que en una fracción de segundo, todo funciona, todo fluye, las expresiones
de los tocadores ya no muestran preocupación,
ni tan siquiera concentración, el director sonríe y
baila a la vez, y yo no pienso en tresillos, puntillos
o zarandajas métricas occidentales, yo, por unos
incontables momentos, no pienso nada, hasta que
escucho: ya tengo las babuchas, ¿seguimos?
Vuelvo a la realidad: feliz, descansado, relajado y
activo a la vez, y creo entender las palabras de Juan
Goytisolo al referirse a los beneficios del Gnawa y
el trance: …aquietar la angustia difusa…eliminar los
obstáculos interiores a la convulsa expresión de deseos y aspiraciones.
PepeB&P
Cantó.
Fez, 1982
Magazine.
Isue MAR/ABR 2014
Gnawa
Gnawa, plural de gnawi, cofradías místicas subsaharianas que utilizan su música para llegar al
trance. Gnawa, esclavos negros procedentes del
África occidental. Gnawa, canciones de esclavos
procedentes del Sur y vendidos en Marruecos y Argelia. Gnawa, habitantes del sur del desierto cuya
lengua, mezcla de árabe y bereber, no entendían
quienes fueron a esclavizarlos.
En Marruecos el acto de entrar en trance por medio de la música Gnawa tiene connotaciones místicas y sanadoras. Qué es el trance sino un estado
momentáneo de abandono de los sentidos, en el
que se alcanza un nivel de conciencia diferente.
Sin entrar en profundidades psicológicas o espirituales: toda pérdida de la conciencia del presente
durante unos instantes, en que nos concentramos
en algo para alejarnos de todo, produce descanso,
paz y recarga de energía.
A los instrumentos tradicionales de las cofradías
gnawa, el tbel (tambor grande que se toca con baquetas curvas) y los qraquebs (castañuelas metálicas) se han unido: el bendir (pandero con cuerdas)
el tbila (bongós de cerámica) tocados a veces con
pequeñas baquetas sustituyendo el tbel y, en ocasiones, por influencia oriental, la darbuka. Al margen de la percusión, destacar el papel del guembri
o sintir, el bajo gnawa, pura magia sonora.
Desde mi punto de vista, los qraqebs son el primer
instrumento en producir ese estado hipnótico con
el que se puede alcanzar el trance. Está claro que
los coros y respuestas de los cantantes, la profun30
que bailaban? Momento lúdico, aparentemente alejado de cualquier misticismo,
que sin embargo se convierte en catarsis para conseguir algo más allá del puro
placer físico, sin necesidad de pasar por
ningún tipo de proceso intelectual. Vuelven las palabras de Goytisolo:…aquietar
la angustia difusa.
Por supuesto, no sólo en las músicas
bailables existen muestras de altas dosis hipnóticas. John Coltrane, Miles Davis
o Pink Floyd, podrían entenderse como
buenas pruebas de ello. Pero estaríamos
hablando de otra cosa, pues el uso del
intelecto, la atención necesaria para su
escucha o la estructura con cambios armónicos continuos, nos devolverá la conciencia continuamente, avisándonos de
que algo ha cambiado en el camino.
OPINIÓN
Saidi, entre otros. El Karsilama turco, ese
9/8 endiablado, o la danza de los derviches, menos percusiva, pero una de las
más altas muestras del trance a través
de la música. Desde la sonoridad y complejidad rítmica de la tabla hindú hasta la
poética aguerrida de los taikos japoneses. En todas estas representaciones nos
encontramos con un nexo: la percusión.
Su sonoridad, sus células rítmicas y sus
posibles polirritmias, producen un proceso químico que puede, si nos dejamos
llevar por sus sensaciones sonoras, trasladarnos a ese otro estado transitorio de
la conciencia al que podríamos llamar,
trance.
didad del sintir, o el toque del tbel, que
contribuirá a que no pierdas el sentido
de tierra o conciencia rítmica, son todos
uno. Pero insisto, hay algo en la monotonía del ritmo de los qraqebs, en esas
frecuencias agudas tan sucias, en ese
choque de acentos, pero sobre todo, en
esa forma de subdividir, que convierten
el 6/8 en 4/4 y viceversa que te atrapa de
inmediato. Que el golpe grave del bendir,
o de uno de los tbel, ataque en el 2 y medio y 4 y medio del compás, produciendo
una sincopa traicionera a oídos occidentales, puede crear un espejismo sonoro
a oídos no entrenados; la llegada de las
palmas a tiempo en los estribillos devolverá, en caso de pérdida de concreción
rítmica, la sensación de tierra, el afincamiento, el relax, tal vez el trance.
Los otros lados
Los otros lados de África del norte como
referencia cardinal: oriente y occidente.
En la América negra, poblada por antiguos esclavos del Este de África, existen
estilos, toques y celebraciones que como
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2014
el Gnawa pueden conducir al trance.
Los ritmos de la santería Yoruba en Cuba,
ejecutados con los tambores batá o el
Candomblé en Brasil, junto a otras representaciones de cofradías religiosas
contienen también los elementos necesarios para transportarnos a ese otro
estado en que la conciencia no duerme,
sino que viaja por otra carretera. Sin ser
religiosos ni de origen místico, también
nos encontramos con estilos y géneros
con la propiedad de poder abducirnos
de la realidad, entre ellos, el complejo de
la Rumba en Cuba, donde la polirritmia
perfecta y avanzada de su composición
es capaz de transportarte a otro espacio
interior, más lúdico que el Gnawa, menos
místico, pero igualmente hipnótico.
Hacia Oriente, desde Egipto a Japón,
pasando por Turquía, encontraremos
muestras de estilos y ritmos que a través de la percusión, como motor principal, nos inducirán a estas transiciones
mentales de huida del yo para alcanzar
un otro yo. Los cadenciosos ritmos de la
danza del vientre: el Baladi, el Maksum, el
Algo más que gozar
En la cultura occidental moderna, es en
los estilos más rítmicos y bailables donde
mejor se aprecia la influencia de todo lo
dicho. Puede parecer que entrar en trance bailando en la pista sea un poco exagerado, aunque si pensamos en el Sex
Machine de James Brown, tal vez cambiemos de opinión. Un ritmo de bajo y batería capaz de mover el pie más torpe, una
armonía tan parca que no nos despistará
del movimiento, un coro a modo de letanía que funciona por sí solo; elementos
que nos pueden llevar a tal liberación de
endorfinas, a tal disfrute, que nos hagan
por un espacio de tiempo abandonarnos
al placer, facilitando la desconexión con
los problemas cotidianos, con la ansiedad del camino, con las responsabilidades laborales y personales.
Me vienen a la mente escenas del Wigan
Casino, uno de los templos del Nothern
Soul, en Inglaterra, ¿acaso los jóvenes
bailadores que allí acudían, no buscaban
un momento de liberación de la presión
a la que la existencia te somete? ¿Y la
forma para conseguirlo no era el ritmo
sugestivo y embriagador de la música
Los portadores
Los músicos convertidos en chamanes,
en guías para mostrar las rutas diferentes a la conciencia, y los tamboreros
como soporte, como base, como esencia
del allanamiento del camino, que lo haga
liso, ligero, ingrávido. Los que, además,
no pueden olvidar que son los facilitadores, y no los que alcancen ningún trance,
pues en el acto de la ejecución musical
no puede desaparecer la conciencia, ya
que sin ella, difícilmente se conseguirá la
inducción necesaria para proporcionar,
si quizás el trance pretencioso, cuando
menos algo de placer.
Algunas muestras actuales de música
Gnawa y del desierto, muestras que valen la pena descubrir y disfrutar.
Nass Al Ghiwane, Nass Marrakech, Tinariwen, Aziz Sahmaoui, Hassa Hakmoun, Maalem Said Damir, Hamid El Kasri.
31
DIDÁCTICA
A todo color (I)
Muchas veces deseamos aumentar nuestro repertorio de recursos aprendiendo
la mayor cantidad de patrones con el fin de aplicarlos según la situación musical
en la cual nos encontremos. Sin embargo, esto tiene su lado flaco: está metodología de estudio no nos permite profundizar en las infinitas posibilidades de cada
patrón. Un músico creativo puede dar diversos matices a un patrón cualquiera,
por más “simplón” que este sea.
Este artículo abordará, o al menos lo intentará, algunos recursos creativos para
matizar patrones de batería. Los matices son un aspecto muchas veces olvidado
en el aprendizaje de la ejecución baterística; probablemente se deba a que este
aspecto es eclipsado por la técnica.
Existen tres maneras básicas para matizar un patrón rítmico: una es la velocidad
o tempo, otra es la intensidad o dinámica y una última posibilidad es la orquestación. La velocidad como fuente de variación fue tratada en un artículo anterior en
B & P número 13, así que nos concentraremos en la intensidad y la orquestación.
En esta oportunidad estudiaremos la intensidad como medio para matizar un patrón rítmico. Al hablar de inensidad estamos introduciendo el uso de notas acentuadas, notas no acentuadas, notas fantasma y reguladores; así como indicaciones dinámicas. Los cambios de intensidad se señalan de dos formas en la música
escrita. Una forma de indicarlas es escribiendo el símbolo (>) arriba o abajo de
la nota que afectan. Dicha nota debe sonar un poco más fuerte que el resto de
notas no centuadas ¿cuanto? Una referencia práctica nos la proporciona nuestro
lenguaje hablado. Busca palabras acentuadas y pon atención a su pronunciación.
Notarás que no es necesario gritar la silaba acentuada, sólo se debe lograr que
resalte del resto. Igual sucede con la música; sólo se debe lograr que la nota acentuada llame la atención del oyente. Otra forma de señalar el cambio de intensidad
de varias notas es a través de los reguladores (< >). En esencia, son símbolos
iguales a los de acentuación usados para notas individuales, pero estos afectan
grupos de notas sucesivas. Lo más importante en su ejecución es resaltar la progresividad del aumento o descenso del volumen. Dicha progresividad no tiene
que ser obligatoriamente lineal; también puede seguir una trayectoria concava
(como tobogan). Lo más importante es el efecto sonoro ¿qué tan inclinada será
esa trayectoria de cambio de intensidad? Dependerá de las intensidades anterior
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
Raúl Guzmán
Existen tres maneras básicas para matizar
un patrón rítmico: una es la velocidad o
tempo, otra es la intensidad o dinámica y
una última posibilidad es la orquestación.
y posterior al regulador. Noten que no hay una referencia absoluta para la acentuación, recuerden que es música y esa “imprecisión” es el espacio para tener
iniciativa y ser creativos.
Otra manera de señalar el cambio de intensidad es mediante indicaciones dinámicas. Estas indicaciones son letras en minúscula y cursiva escritas debajo de las
notas que afectan. Su efecto perdura hasta que se indique otra dinámica o termine la música. Las indicaciones dinámicas se encuentran combinadas con acentos
(>). Para tener una idea intuitiva de esta combinación, supongan decir una frase
a diferentes niveles de volumen. La acentuación de las palabras no se pierde ni
cambia. Las indicaciones dinámicas más usadas van desde triple piano (ppp) hasta triple forte (fff) pasando por una variedad de niveles intermedios. El ejemplo 1
incluye audio de muestra.
El efecto contrario a la acentuación es el perseguido con las notas se ejecutan
piano. En la práctica, estas son ejecutadas principalmente en la caja, haciendo
recorrer la baqueta una distancia de 5 centímetros del parche. Su objetivo es el
de “adornar” una nota importante, ya sea como anticipación o retardo. También
32
DIDÁCTICA
se utiliza para rellenar espacios en patrones baterísticos a lo largo de un patrón
como se vió en B & P número 10.
El ejemplo 2 muestra como variar un patrón partiendo en cambios en su acentuación. Primero se presenta el patrón de referencia para luego desarrollar diversas acentuaciones en el hi-hat. La primera acentuación enfatiza la parte fuerte de
cada tiempo; la segunda variaión convierte el patrón original en un contratiempo;
la tercera variación le da un carácter incisivo al patrón original convirtiendolo en
un Shuffle. Es importante tener en mente el carácter incisivo del patrón para lograr el efecto sonoro deseado. De nada sirve un patrón complejo o rápido con
acentuación desorganizada. Provocaríamos en el oyente la misma impresión de
un no hispano-hablante hablando en nuestro idioma: las sílabas estarían ahí, pero
la acentuación, la expresión y gran parte del significado se perderían. Estas dos
situaciones, el no hispano-hablante y la acentuación músical inadecuada, tienen
en común el hecho de ser síntomas de no dominar el idioma, tanto el hablado
como el musical. El ejemplo 3 muestra como cambia un fraseo “plano” al añadirle
los recursos dinámicos comentados. El ejemplo de audio 2 contiene el ejemplo 1
seguido del ejemplo 2. ¡Cuanta vida sólo con acentos!
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
No puedo terminar este artículo sin mencionar el acento agógico. Este es el acento, o su percepción, formado sobre la nota de mayor duración dentro de una
sucesión de notas. Es el efecto común percibido al finalizar un redoble en la caja
o una sucesión de rápida de notas en el doble bombo. La última nota, aunque no
esté acentuada, se percibe como tal, porque atrae nuestra atención.
AUDIO 1
AUDIO 2
33
SOFTWARE
Agus González Lancharro
CINESTRINGS
CORE
“más cuerda, maestro”
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
SOFTWARE
Mucho ha pasado desde que Cinesamples
lanzara CineBrass en 2011.
Más y más productos vieron la luz, como fueron
CineWinds o CinePerc, aunque la calidad sigue
siendo la misma. En otras palabras, Cinesamples
no cambiará.
CineStrings completa la última pieza que faltaba
en las secciones orquestales, bueno, siempre y
cuando no contemos al coro como elemento
orquestal. La biblioteca es muy diferente al
resto, sobre todo en su funcionalidad.
Aparte de las articulaciones estándar como
spiccato, staccato, marcato, armónicos,
pizzicato, col legno y legato, CineStrings
incorpora varias opciones nuevas such
como Hairpin Legato Creator o diferentes
ataques de arco. CineStrings es una biblioteca
profundamente muestreada con un máximo de
8 round robins y 5 capas dinámicas.
La biblioteca consta de las cinco familias de
instrumentos de cuerda: violines primeros y
segundos, violas, violoncelos, contrabajos y
cada uno cuenta con los siguientes patches:
articulaciones, true legato, pizzicato y col legno
y armónicos.
La interfaz es muy flexible, haciendo que cada
articulación pueda ser cargada con facilidad y
de diferentes maneras, como el CC.
Tras trastear con la biblioteca por un tiempo, se
pueden apreciar algunos problemas extraños.
En primer lugar, no existe una superposición de
ataque de sustain de manera predeterminada,
esa opción se puede activar en la página
Mapping, pero cuando está desactivada, la
muestra comienza con un pop.
El Hairpin Creator, por ejemplo, a veces deja de
funcionar correctamente, De todas maneras,
este feature es sin duda lo de la librería... el polilegato no funciona en velocidades altas (más de
90), difícil de decir por qué...
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
el sonido es fuerte y con
proyección, pero carece
de profundidad y detalle a
volúmenes más bajos
La articulación del legato te permite controlar
tanto la dinámica y vibrato en tiempo real, todas
las CC pueden ser perfectamente reasignadas.
Así como los dinámicos cortos posibles de
controlar a través tanto de CC como de velocity.
Cinesamples cuenta con su propia huella
sónica y Cinestrings no es una excepción.
Similar a ProjectSAM, el sonido es fuerte y
con proyección, pero carece de profundidad y
detalle a volúmenes más bajos.
Un punto a favor es la gran variedad de presets
de mix. Dennis Sands, reputadísimo ingeniero
de mezclas en Hollywood, se encargó de la
mezcla de esta librería y nos ofrece un preset
customizado, aunque también podemos contar
con otros de serie, como el Classic JW (John
Williams), Cartoon o Ambient
Conclusión
El generador de Swells es increíble y contiene muchos efectos de serie, la
flexibilidad no tiene precedentes a través de la reasignación
de CC y la velocity y la funcionalidad de poli-legato es muy
útil. La profundidad de customización también es un punto
muy a favor.
La biblioteca tiene un montón de opciones, 5 posiciones de
micrófono y abundancia de articulaciones, sin embargo todavía sufre de los problemas sufridos por sus hermanos mayores, requiriendo muchos recursos y siendo poco fiable.
The Mastery Of Tone.
DIME QUE...
Dime qué
escuchas/ves/
estudias y te
diré quién eres.
CD
Lucas Jiménez
The Killer Groove
Seguimos con los productos con denominación de origen. Se sabe que para ser
un gran músico hay que ser una gran persona, por eso de: “tocas como eres”. La
semana pasada fui a verle a un clinic que
dio en Barcelona, en una gira que está
realizando con varias marcas y el apoyo de
Iberdrum y presentando su nuevo trabajo
“The Killer Groove”. Os estoy hablando de
Lucas Jiménez.
Baterista de sesión, ha trabajado con muchísimos artistas y proyectos del país, se le
puede ver con Presuntos Implicados, pero
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
Danko Compta
Discos, directos, métodos, websites, y curiosidades en los que
parar, ya sea un ratito o para que formen parte de tus incunables.
hace años que guarda en su tiempo una
parcela para su propia firma.
En este disco tan bien acompañado por
Julio Montalvo, productor y compositor
cubano que junto a Lucas construyen un
disco realizado por muchos más músicos
igual de enormes, en el que se puede disfrutar del jazz fusión amalgamado con la
música latina y algunos patrones de flamenco.
Un disco que capta perfectamente la inquietud de este músico nacional que es
Lucas que busca conectar la técnica con
la expresión de un mensaje. Lo brillante:
que lo hace siempre con una sonrisa en
sus fauces. ¡Muy recomendable!
“Ending is the beggining: Mitch Lucker
Memorial Show” que hicieron los restantes miembros de la banda: “No todo está
en hacer un conciertazo en su memoria,
se llevó más lejos, invitando a cantantes y
otros instrumentistas de los grupos más
famosos de la escena del momento a
hacer realidad el set list con ellos: Jonny
Davy, Greg Wilburg, Brook Reeves, Ricky
Hoover, Phil Bozeman, Myke Terry, Danny Worsnop, Johnny Plague, Cameron
“Big Chocolate” Argon, Burke Vanraalte,
Anthony Notarmaso, Tim Lambesis, Hernan “Eddie” Hermida, Austin Carlile, Chad
Gray, Robb Flynn, Max Cavalera, Randy
Blythe, Josh Goddard, Rick Ash, Scott
Proctor. ”El DVD de este concierto se puede encontrar en cualquier lado junto con
una camiseta dedicada a Mitch, con una
foto suya…”
Lo recomendamos encarecidamente, por
mover el cuello, por el espectáculo y por
el trabajo rítmico que hay en este estilo:
¿llevamos los rudimentos al siguiente nivel?
VIDEOS
Suicidal Silence
Ending is the beginning:
The Mitch Lucker Memorial
Show
Nos vamos a poner serios un momento. Funky, rock, groove, latin, metal, pero
hace tiempo que no hablamos de algo
realmente duro, como es el Metal Core
de Suicidal Silence.
Me he documentado con la ayuda de mi
compatriota “Nezar Kamal” de la banda
“Between Humans and the Beasts” que
nos habla de un directo muy intenso, el
tributo al vocalista de Suicidal Silence:
36
DIME QUE...
DOCUMENTAL
Architects
One Hundred Years
Y ya que hablábamos de lo que nuestras
abuelas considerarían “ruido” (o los hipsters, que creo que también les asusta una
distorsión generosa) Nezar me habló de
los grandes del Metalcore inglés: “Architects”.
“…Catalogada como de las mejores bandas y nominada al mejor CD “Lost Forever//Lost Together”.
Editaron el DVD “One hundred days” que
documenta la gira que realizaron por 25
países, con 75 actuaciones y en el que
comparten la reflexión de la cotidianeidad de un músico en una gira así, y persiguiendo una meta, un objetivo, un sueño.
Interesantes reflexiones que te hacen dar
cuenta de las dificultades, no sólo técnicas, económicas, sino sociales, culturales
que puede haber en más de un país, más
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
de una raza, más de un estilo…”
Realmente lo interesante de documentales así es que, realizadas en un formato
casi cinematográfico comercial, con un
guión, músicas incidentales, etc. Hablan
de realidades que puedes ver encima de
un escenario, y que como músicos, tantos
perseguimos.
No nos dejemos engañar, al menos no
del todo, por la ficción que nos rodea y
empapémonos del testimonio de los que
luchan, y consiguen, a pesar de las dificultades.
Llevemos los rudimentos al siguiente nivel.
y con todas las figuras y combinaciones
posibles con las piezas de la batería y articulaciones de su cuerpo, propone posibilidades muy interesantes para ese fin que
ya sabéis que tanto me gusta: hacer música, contar historias, crear melodías con
nuestro instrumento, la batería.
Hacer de los rudimentos algo más que un
ejercicio.
MÉTODO INSTRUCCIONAL (DVD/LIBRO/
AUDIO CD)
Gavin Harrison & Terry
Branam
Rythmic Composition
Rudimentos, chops, Fils, grandes bateras
de sesión, de bandas, hablar de métodos
instruccionales significa hablar de alguien
que edita un DVD en el que nos explica su
forma de tratar la música según lo que ha
aprendido para hacer lo que hace.
Uno de los que mas admiro y me parece
más interesante de los últimos años, además de que está como de moda (lo cual
no discuto) es Gavin Harrison.
En esta ocasión se une a Terry Branam,
otro grand baterista, con el que repasa la
forma de orquestrar músicas del estilo en
el que se desenvuelven con la batería.
Gavin, popular con su trabajo con Porcupine Tree, sigue investigando en estilos
cercanos al rock progresivo/simfónico,
37
DIME QUE...
WEBSITE - APP
Mr. Online Drums TV
Y volvemos a un nombre, el de Lucas Jiménez, hablando de otro de sus proyectos, que demuestra como se pueden hacer varias cosas al mismo tiempo (siendo
un hombre, y siendo baterista, así que no
estamos tan mal capacitados chicos).
MrOnlineDrumsTV es una idea que sintió que hacia falta en España. Una idea
propia que ha podido llevar a cabo con
el apoyo de Miguel Valls y Santi Miquel
de Avant Producciones que se encargan
de todo lo referente a la edición y grabación de video. Un programa pensado por
y para los baterías, con diferentes contenidos: bancos de pruebas, entrevistas,
laboratorio y técnica, el groove del mes,
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
tiendas especializadas, y el apartado 4x4:
cuatro baterías en cuatro minutos, donde
cada batería toca un minuto expresando
lo que más vaya con su forma de tocar,
sea bien un groove, un “solo”, un ejercicio
técnico etc.
Se declara como una televisión interactiva
y totalmente a la carta, pudiendo mandar
sugerencias a “[email protected]” (vídeos con esa duración
de 1 minuto hasta proposición de temáticas para el programa).
Una propuesta arriesgada y que cuenta, una vez más, del ingrediente para mí
indispensable: colaboracionismo, entre
músicos, distribuidores, sector del video,
el claro ejemplo que aunando fuerzas se
consigue llevar a cabo una idea que tiene
el fin de comunicar, compartir y enriquecer el mundo de la batería.
Encontraréis la info de la periodicidad de
la publicación de los programas y más noticias en el Facebook.
de Taiko-Kodo a cargo de Isabel Romero
(Madrid), y el segundo día se organiza el
concierto para 50 baterías.
Se trata de juntar alumnos y profesores
de varias escuelas, todas aquellas que
quieran participar, traer las baterías a Lérida, montar los 50 set en disposición de
semicírculo y separados por 3 colores:
- Amarillo – Nivel 1
- Rojo – Nivel 2
- Azul – Nivel 3
Cada color tiene una partitura diferente
de la misma pieza, se hace un único ensayo y se regala al público un concierto
de unos 45 minutos en los que el único
protagonista son las 50 baterías.
Una iniciativa que se realiza por todo el
territorio ya que los organizadores son
nómadas y montan espectáculos de
este tipo por toda la geografía catalana,
así que, si creéis que puede interesar en
vuestra localidad, poneos en contacto
con ellos y a llevar los rudimentos arriba
y abajo.
FESTIVAL INTERNACIONAL
Planeta Batería
Lleida
En tierras catalanas, concretamente en
Lérida se realiza cada año un pequeño
festival totalmente autogestionado y con
un propósito estupendo, juntar a bateras
de diferentes generaciones, localidades
y niveles y tocar juntos después de compartir información.
¿Cómo funciona? Durante dos días por
lo general se organizan actividades como
demostraciones de baterías, esta edición
2014 han contado con Manolo Cascales
con un clinic acerca del lenguaje de John
Bonham, tuve el placer de disfrutar en
la edición de 2012 de una demostración
38
DIME QUE...
re (con el nivel técnico que implica para
los baterías, se pueden ver auténticos
cracks).
Si estáis de paso, tomaos una a mi salud,
o nos la tomamos juntos si topamos por
ahí.
SALA DE CONCIERTOS
Nevermind
Barcelona
http://www.nevermindbcn.com
Y como no lo puedo evitar… No lo hago.
Un “garito” de Barcelona que creo que ha
de flipar a cualquiera que lo pise.
Vale, no a todos os va el rollo grunge,
skate, grafitero. Vale, está tan de moda
ahora que incluso puede haber perdido
la gracia, pero “Nevermind Barcelona” lleva abierto desde los albores del tiempo y
organiza pases de películas del estilo, genera un ambiente único en su estilo y organiza conciertos emplazados en su zona
de skate indoor. Sí, un “bar” que tiene un
mini skate park en su interior, el terror de
los teenagers, pero, a mi parecer, un sitio
fabuloso en el que ir a tomar algo y ver
conciertos de bandas locales, nacionales
e internacionales de grunge, rock, hardcoB&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014
Seguimos alentándoos que nos
escribáis si conocéis de alguna
cadena de tv o radio nacional o local que se nos escape y poder así
compartirla con todos nuestros
lectores, ¡Qué no son pocos!
¡Gracias!
DANKO COMPTA HIRNYJ
39
bateriapercusion.com
18
Jefe de Redacción
Asensio Ros “Wally”
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