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NEWSLETTER Alejandra Viscarra Teoría del color Marzo 2013 Estaba mirando una entrevista a un artista, y de pronto cuando le preguntaron de donde viene la teoría del color, de la cuál él estaba hablando, se vió en serios apuros para contestar, por eso, aunque no voy a aburrirlos con las leyes de la física del color y todo eso, solo les quería dar una breve descripción que creo que todos los pintores debemos conocer. Esta es una descripción breve acerca de la teoría del color, de dónde viene, porque el color es lo más importante para un pintor, lo que nos encanta y fascina, y para muchos es la verdadera razón por la que se hicieron pintores. Comienzo a contarles que Isaac Newton nos mostró ya en el 1700, que la luz blanca de nuestro Sol Eugene contiene todos los colores del Delacroix espectro, los que se pueden ver en óleo Romanticismo un arco iris, más un montón de otros que no podemos ver como los ultra violetas e infrarrojos. Newton, entonces notó la similitud entre el rojo y el violeta en cada extremo del espectro y los unió juntos haciendo un círculo: la rueda de colores como la conocemos hoy. Este fué el nacimiento de la moderna teoría del color. Este conocimiento no llegó a ser útil en práctica a los artistas, hasta que Michel Chevreul, un Renoir químico francés, que logró la producción Impresionismo Pisarro óleo de tintes para un fabricante francés de Impresionismo tapices y alfombras, hizo el notable descubrimiento de que un intenso tinte de color producía la aparición de otro color en las áreas circundantes neutras, y que este nuevo color percibido era casi directamente opuesto al color original en la rueda de color de Newton. Esto mas tarde fué conocido como "la ley del contraste simultáneo de los colores", que precisamente fué el nombre de su libro, que llegó a ser como la biblia para los impresionistas. Esto lo podemos experimentar fácilmente: Si tenemos un Claude Monet cuadrado rojo con los alrededores de color gris neutro, miramos el rojo óleo fijamente por 30 segundos, y dirigimos la mirada hacia la parte vacía, al Impresionismo color neutro, o entre cerramos los ojos, veremos un cuadrado verde, es decir la imagen de color complementario se nos hace visible. Artistas franceses tomaron la teoría de Crevreul, como por ejemplo, Eugene Delacroix, quién utilizó estos nuevos descubrimientos para continuar su estudio de realistas efectos de iluminación. Aprendió cosas como que los paños rojos tienen sombras verdosas, y las sombras del color amarillo de los objetos tienen un tinte de violeta en ellas. Al hacer esto, Delacroix, fue capaz de romper con la forma clásica de pintar las sombras con oscuros colores tierras e incluso el negro, fondos marrones y el tratamiento tonal de las sombras, e introdujo el color en las William Turner sombras, efectivamente haciendo todo el cuadro más vibrante. Acuarela Romanticismo Se informó que una vez dijo: "yo puedo pintar la piel de una Diosa con barro, siempre que me dejen rodear éste con los colores adecuados”. Esto muestra claramente, cómo el creía que los colores se afectaban unos a otros, y además lo que dijo es realmente posible, porque si se rodea un color como el del barro, que es un gris cálido,con un azul fuerte, en realidad se parecerá mucho al tinte de carne tipo caucásica. Los pintores impresionistas, Siglo XIX, fueron inspirados por los descubrimientos de Delacroix, y ayudados por la invención de una gama más amplia y más vibrante, de pinturas que se vendían ahora en tubos fácilmente transportables, podían pintar al aire libre en busca de una expresión más significativa de la luz natural y el color. Los impresionistas estaban interesados en la luz y en los efectos atmosféricos, y comienzan a pintar en un tono medio, o alto, es decir sus pinturas son mucho mas claras y luminosas, y agregan atentamente colores complementarios a sus sombras más ligeras y claras. Estos artistas incluyen a Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, B. Morisot, Mary Cassat, etc. En Londres al mismo tiempo, Wiliam Turner, genial pintor de paisajes al óleo y acuarela, estaba explorando colores vivos y efectos atmosféricos, que también tuvieron un efecto sobre la obra de los impresionistas. Mientras tanto, Georges Seurat, pintor francés, desarrolló un enfoque muy técnico del color, un método llamado puntillismo, que intentó mezclar colores visualmente sobre la tela, en lugar de en la paleta. Para hacer un verde, por ejemplo, colocaba una pequeña cantidad de azul junto a una de color amarillo, entonces desde la distancia los dos colores se combinan en el ojo para crear un verde más vibrante, que lo que puede lograrse mediante la mezcla de el color en una paleta. Esto es, de hecho, como funciona el color en impresión hoy día, con los colores Magenta, Amarillo, Cian y Negro (CMYK) colocando pequeños puntos de puro color uno al lado del otro para crear una imagen en el ojo, pero el proceso es demasiado exigente para la mayoría de los artistas, así que el puntillismo como un movimiento no duró por mucho tiempo. Los post impresionistas, como Paul Gauguin y Van Gogh aprendieron las técnicas de los impresionistas, pero comenzaron a utilizar el color de manera más emocional, estaban menos preocupados con la apariencia real de la luz y la atmósfera, y colocaron énfasis en la belleza del color puro y la línea, en una imagen bastante plana. Van Gogh sentía que los colores tenían un significado simbólico. Para él, el color amarillo simbolizaba el amor y la luz, el rojo y el verde transmitían pasión y conflicto, el fondo azul era el color del descanso espiritual, y el color gris lo asociaba a la rendición. Más tarde, Paul Cézanne, neoimpresionista, llegó a ser uno de los puentes entre el arte del siglo 19 y el siglo 20. Usó el color casi como un cincel de escultor, para dar forma a los objetos, donde disfrutó el contraste de color gris o neutral con color saturado o puro. Él escribió: "Cuando el color alcanza riqueza, la forma también alcanza su plenitud ". La obra de Cézanne, junto con los demás, inspiró a los cubistas, expresionistas y fauvistas, que usaban el color utilizado de manera arbitraria, ya no se ocupan de representar la naturaleza en su riqueza, o tal cuál es, sino que comenzaron recurriendo más a el mundo interior del artista para inspirarse. Así el Post modernismo nació y se constató en los últimos cien años a través de todos los movimientos y vertientes, incluído el arte abstracto, que el siglo XX produjo hasta hoy, cuando estamos viendo cierto resurgimiento en la popularidad académica del arte representacional. Espero que lean esta información varias veces y la comparen con la obra de los pintores que aquí les muestro, y les sea útil, para que cuando hablen de sus hermosos colores y cómo los lograron, no tengan miedo que alguien les pregunte de dónde viene la teoría moderna del color... ¡Que disfruten de sus colores!!!! www.acuarelacreativa.com Georges Seurat óleo Paul Gauguin Óleo Postimpresionismo Vincent Van Gogh Óleo Postimpresionismo Paul Cezanne arriba óleo abajo acuarela www.acrilicocreativo.com Emil Nolde Expresionista Acuarelas Franz Marc Expresionista óleo Kandinsky óleo Abstracción lírica Picasso óleo Siglo XX Período Azúl Henri Matisse óleo Etapa Fauve Tips: Fracazar te está permitido!!! Aquí les quiero dedicar unas palabras a los que me escriben diciendo que no creen que puedan aprender porque todo les sale mal, y recién están dando sus primeros pasos con el pincel. Hay un dicho que dice, que el único hombre que nunca se equivoca es aquél que nunca hace nada. El miedo a fracazar muchas veces es el gran impedimento del aprendizaje, he visto a muchos buenos pintores hacer un juicio tan duro de si mismos y de su trabajo, que el proceso de aprendizaje en lugar de ser una etapa de placer, se convierte en sufrimiento, por eso les digo que fracazar está permitido... que no es fatal hacer mal una obra cuando estamos aprendiendo, incluso los mejores maestros se equivocan constantemente, lo malo está en no aprender de nuestros errores, y esto se aplica muy bién a la pintura, porque lo mejor que nos puede pasar es pensar libremente, y pintar sin esperar resultados grandiosos, seguir moviéndose, es decir pintando, sin paralizarce por los errores, eso es fundamental. Para eso tenemos que recordar siempre porqué decidimos ser pintores, cuál es nuestro objetivo, así sea pintar geniales paisajes, o figuras, o bodegones, o incluso abstracciones, tener siempre nuestro sueño en mente, y visualizarlo, nos va a ayudar a seguir intentando una y otra vez, porque la práctica, el proceso, el recorrido es esencial para conseguir logros. Pero también reconozco que es normal sentir así, porque frente a la frustración de algo que no sale bién uno suele enojarse. Pero hay que librarse de estos pensamientos negativos, tenemos que ver cada día como un nuevo comienzo, nuevas oportunidades de aprender a dibujar algo nuevo, probar otras mezclas de colores, otras técnicas, por eso algunos tips que me ayudan mucho en mi trabajo son éstos: Tener un lugar exclusivo para pintar, si no tienen un espacio para taller, no importa, puede ser un rincón en la casa, una mesita, pero tener un lugar destinado a que los materiales estén a nuestra disposición es muy importante. Si pueden hacerce una rutina, como decidir las horas que pintarán durante el día, es genial, por ejemplo tomo como si fuera un trabajo, el hecho que todas las mañanas voy a pintar. Nunca pinto si estoy muy cansada, porque quiero sentarme a pintar con placer, y pensar tranquila lo que quiero hacer ese día. Escucho música que me inspira, mientras preparo los materiales con entusiasmo y placer anticipado. Busco inspiración, en lugares que puedo fotografiar yo misma, en libros, en revistas, incluso leer literatura puede hacer volar nuestra imaginación, la música, películas, los objetos, las telas, etc. Si algo que intento no sale, descanso, tomo un café mientras disfruto un libro de arte, y luego vuelvo mas animada. Sobre todo aunque se tenga muy poco tiempo, es muy importante pintar periódicamente, y disfrutar del momento, del proceso, si hacemos esto lograremos una mejora contínua casi sin darnos cuenta. Por eso espero que empiecen a pensar en sus hermosos colores, en las mezclas que pueden inventar, en las formas que los atraen, y sean felices con su pintura, porque somos muy afortunados de tener este sueño de ser grandes pintores, pero la práctica es como la siembra, según como sembremos cosecharemos... Espero les sea útil esta información, les envío mis afectuosos saludos... www.acuarelacreativa.com www.acrilicocreativo.com
