Material Taller de pintura

INSTITUTO SUPERIOR DE FORMACIÓN DOCENTE ARTÍSTICA N° 805
DOCUMENTO DE CÁTEDRA
CICLO INTRODUCTORIO - AÑO 2016
TALLER DE PINTURA
Profesores: Silvana Rojas Tracci - Aldo Coñuel
Ciclo introductorio del Taller de Pintura
Profesores: Coñuel Aldo, Rojas Tracci Silvana
Año lectivo 2016
Unida Nº 1
Tema: El Color en la pintura: Materiales, soportes y herramientas.
Introducción
En esta unidad se profundizara los conocimientos básicos mediante la técnica de la pintura.
Desde las primeras pinturas de las cavernas hasta nuestros días, el color sigue siendo uno de los
elementos que brindan mayor riqueza para representar, expresar y simbolizar plásticamente.
En tiempos remotos, los primeros humanos descubrieron que con tierras rojas y piedras obtenían
colores, y que con ellos podían representar imágenes sobre los muros de rocas de las cavernas donde
vivían.
Es posible que hayan sentido un enorme placer al comprobar que sus manos, lograban
producir imágenes y que los demás reconocían en ellas a los animales que cazaban.
Fue entonces que los seres humanos comenzaron a valernos del lenguaje visual: el color y las
formas creadas empezaron a ocupar un espacio en los lugares que habitan.
El hombre primitivo pintaba con colores que sacaban de la tierra o de los vegetales y los
mezclaban con agua o grasa. (Ver pintura rupestre –Toro negro – Cueva de Lascaux-Francia).
¿Qué es pintar?
Pintar es cubrir una superficie con pintura. Se pude pintar una pared, pintar una casa, pintar
un mueble con la intención de embellecer, adornar o decorar. Al pintar una imagen la intención,
posiblemente, además de embellecer y decorar, sea comunicar algo, expresar un sentido, una idea o
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una sensación. También puede suceder que alguien pinte, simplemente, por el placer que le causa
mezclar la pintura, aplicarla y contemplarla. Para diferenciarla de otros tipos de pintura, llamamos
“pintura artística” a esta ultima manifestación, que no necesariamente tiene que estar realizada por
un artista. (Ver “pintor trabajando”, óleo sobre madera, Paul Cezanne – 1839- 1906) FranciaImpresionismo.
El color en la pintura
En la pintura, el color es un elemento de fundamental importancia, podríamos decir que la
pintura es color, ya que es la expresión que se estructura en torno a este.
Los colores surgen a partir de las ondas luminosas, que son un tipo particular de energía que
compone la luz. Estas ondas son incoloras, pero en nuestros ojos y en nuestro cerebro se produce la
sensación de ver un color cuando esas ondas luminosas se encuentran con un determinado cuerpo.
Las células de la retina del ojo humano tienen la capacidad de percibir esas sustancias y su relación
con los cuerpos que las reflejan cuando decimos que algo es azul, se debe a que ese objeto, al recibir
la luz, absorbe la onda luminosa y refleja la que corresponde al color azul. El ojo humano es capaz de
discernir alrededor de 100 matices de luminosidad y varios miles de diferencias de colores.
Los colores con los que pintamos no son haces de luz sino pigmentos, o sea sustancias que
tienen la propiedad de producir determinados colores al ser mezcladas con otra sustancia.
Existen diferencias en el comportamiento de los colores-luz y de los colores-pigmentos. Si mezclamos
pigmentariamente, es decir con pintura, todos los colores, obtendremos un color pardo grisáceo.
Los colores interactúan entre sí sobre la superficie. La manera en que percibimos un color está
condicionada por el contexto en que se encuentra, es decir por los colores y formas que la rodean, y
por el lugar que ocupa en la imagen.
Según lo expuesto por el Prof. Osvaldo Krasmanski en su libro: Introducción al color.
TEORÍA DEL COLOR – ISAC NEWTON
Para hablar de color es imprescindible hablar de luz, ya que bajo la acción de ésta es que
nosotros podemos percibirlo. Donde no hay luz, no hay color.
Newton en la segunda mitad del siglo XVII (1675), descubre lo que más tarde pasaría a formar
una teoría del color.
Fabrica un prisma de vidrio y lo coloca sobre una mesa. Oscurece una habitación, pero
previamente hace un orificio en la persiana por donde pasa un rayo de sol.
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Interfiere el rayo de sol con el prisma y ve proyectada sobre la pared opuesta, una imagen, que
no es otra cosa que el espectro solar, es decir, la descomposición de la luz en los siete colores
del arco iris.
Newton coloca otro prisma entre el primero y la pared y descubre que los siete colores se
funden en uno solo, el blanco. Ha recompuesto nuevamente la luz.
También se da cuenta que para recomponer la luz blanca, no hace falta fundir los siete colores,
basta con un par específicos de ellos: rojo/ verde, amarillo/ violeta, azul/ anaranjado. Es
decir, los que más tarde serían denominados colores complementarios.
En toda su extensión el espectro es como una cinta, que comienza siendo roja y termina en un
violeta claro, pasando por progresivas alteraciones que dan origen al naranja, verde y azul.
(Fig.1)
Ahora bien ¿Cuál es la explicación por la cual vemos los objetos de determinados colores?
Esto se debe a que dichos objetos tienen la propiedad de absorber determinada cantidad de
luz y rechazar otra.
El color natural del objeto que nosotros percibimos está dado por el rayo que rechaza. Así por
ejemplo una manzana es roja, porque absorbe los rayos azules y amarillos y rechaza los rojos,
Si absorbiera los rojos y rechaza los azules y amarillos, sería verde.
Las superficies negras absorben todos los rayos solares; las blancas reflejan todas.
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SOPORTE EN LA PINTURA
Soporte pictórico es la superficie sobre la que se aplica el color en una pintura. Cumple la
misión de portar el fondo y las capas de pintura. El soporte y el color son los dos elementos
indispensables de este arte. El fondo es la capa de preparación entre el soporte y la pintura, necesaria
en materiales como la piedra o la tela (imprimación).
A lo largo de la historia, se ha pintado sobre una gran variedad de soportes, cada uno de ellos
con sus propias características, como son la textura y absorción. Estas circunstancias determinan el
tipo de pigmento que puede aplicarse y, en general, el tratamiento del mismo. Los soportes más
usuales han sido: paredes (pintura al fresco o murales), tablas de madera, lienzos y pergamino o
papel. El lienzo es el soporte más extendido de la historia de la pintura, que permite grandes
superficies sobre las que pintar con menos peso.
El segundo soporte sobre el que se aplicó pintura, desde la Antigüedad, fue la madera. La
madera que más se empleaba era la de nogal, pino o abeto, si bien era algo que dependía de la región
donde se viviera y de las especies arbóreas que estuvieran disponibles en abundancia, pues en Italia
se usaba chopo, y en el Norte de Europa, roble, haya o pino. (En nuestro taller utilizaremos fibro fácil
de 3 m m y mas, por ser esta madera económica y se puede encontrar en esta zona. Una vez que se
corta es imprescindible que se le aplique sobre su superficie, una o dos manos de imprimación para
su utilización).
El lienzo es una tela hecha con lino, algodón o cáñamo. Dependiendo de las características de
la tela, su fragilidad, o el relieve de la urdimbre y la trama cruzados, la superficie pictórica es diferente
y también es distinto el resultado.
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En Occidente pueden encontrarse papel y cartón texturados, esto es, a los que se ha dado una
textura de tela, idóneos para pintar al óleo y al acrílico; resulta relativamente barato, aunque es fácil
de dañar.
Otro soporte sobre el cual se pinta es el papel, generalmente en formato pequeño debido a su
endeblez. También en alguna ocasión se ha pintado sobre el papel aplicando este a un soporte rígido
como la madera o la pared. Dependiendo del «grano» del papel, esto es, su textura, si es satinado o
rugoso, el papel capta el pigmento de la pintura de una u otra manera, permitiendo diversos efectos
del dibujo.
Este soporte es adecuado para técnicas como la acuarela, el pastel, o el grabado, técnica esta
última que permite reproducir láminas o estampas mediante la impresión. Además, resulta perfecto,
y así se ha empleado a lo largo de la historia del arte, para la elaboración de esbozos, estudios
preliminares o dibujos, empleando la tiza, el carboncillo, o tinta y pluma; el motivo es que resulta fácil
de transportar de un lugar a otro, y el artista lo podía llevar consigo en cualquier momento
En Occidente pueden encontrarse papel y cartón texturados, esto es, a los que se ha dado una
textura de tela, idóneos para pintar al óleo y al acrílico; resulta relativamente barato, aunque es fácil
de dañar.
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MATERIALES Y HERRAMIENTAS UTILIZADOS EN LA PINTURA
ACRÍLICOS DECORATIVOS

A LOS ACRILICOS DECORATIVOS SE LES PUEDE AGREGAR AGUA?
Sí, en forma medida, para no corromper la calidad del producto. Para dar transparencia existen
productos accesorios especialmente diseñados para este fin.
BASES ACRÍLICAS

QUE SON LAS BASES ACRILICAS?
Como su nombre lo indica es un producto acrílico (al agua) que sirve para dar base a trabajos de pintura
decorativa, country y falsos acabados. Sella y da color.

CUAL ES LA DIFERENCIA ENTRE LA BASE ACRILICA Y LOS ACRILICOS?
Que son mas espesas y cubritivas y se presentan en envases mas grandes ya que son para dar bases a
superficies mayores. Nos permiten ahorrar material a sellar la base, ya que ésta absorberá menos
acrílico al pintar.
PINCELES

PARA QUÉ SIRVEN LOS DIFERENTES PINCELES DE ACUERDO A SU PELO?
Pelo de cerda : es un pincel duro, rústico, ideal para pintar con óleos, para pintar sobre tela, para
técnicas de pincel seco, etc.
Pelo de pony : es un pincel suave, que casi no marca la pincelada, ideal para dar bases, para esfumados,
etc.
Fibra sintética : es un pincel terso, ideal para pintura decorativa, es menos delicado que el de pony.

Varios pinceles.
El término pincel hace referencia a cualquier variedad de herramienta que, en su mayoría,
cuenta en un extremo con un mango y en el otro con una cantidad considerable de cerdas, alambres,
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cabellos u otra clase de filamento o material similar. Es utilizado principalmente para pintar, aunque
sus usos pueden ser diversos.
Un pincel consta de varios elementos: el pelo, la férula y el mango con su grabado.
El haz de pelo
Este es el elemento más importante del pincel. En general, son de pelo natural de animal, excepto los
denominados filamentos sintéticos. Cada tipo de pelo tiene sus propias características, que son las
que confieren al pincel un carácter determinado. Tales se sirve en la medida de lo posible de las
propiedades naturales del pelo, haciendo así que éste no se corte y mantenga su forma más natural.
Diversos tipos de pincel.
(Se enlistan ahora diferentes formas del pincel, usualmente clasificados por haz de pelo.)
Pincel de tamponado
Se trata de una brocha redonda de pelo áspero con extremo plano. Es el único pincel en el que
se han cortado los extremos de los pelos.
Pincel de abanico
Se utiliza para hacer una transición cromática uniforme. También se utilizan para difuminar el
pastel y el carboncillo.
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Lengua de gato
Esta forma de pincel reúne las ventajas de un pincel plano y un pincel de punta redonda.
Adecuado tanto para detalle como grandes superficies, permitiendo hacer contornos definidos.
Paletina
Los pinceles anchos o muy anchos, suelen ser de mango corto y se utilizan para dar grandes
superficies de color, imprimaciones y barnices.
Pincel plano
Por su borde filoso, nos permiten realizar diferentes definiciones y también aplicar la técnica
de doble carga. Pueden tener pelos largos o pelos cortos. Los primeros son muy útiles a la hora de
flotar, esfumar, trazar líneas delgadas con el filo o utilizar todas las cerdas y pintar rayas más anchas.
El pincel chato de cerdas cortas es ideal para acrílicos con consistencia pesada y para fondos
texturados o desparejos, ya que al contar con pelos cortos no se abren tanto al momento de ejercer
presión.
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Pincel de punta redonda
Este modelo sólo se puede hacer de tipos de pelo suave o de poliéster. Los pelos en el centro
del pincel son más largos que en el exterior. Es muy utilizado para trabajos finos y de detalle.
Pincel abombado
El pincel abombado se encuentra elaborado con el borde arqueado, se utiliza para todas las
técnicas.
Pincel de sumi-e
Es un pincel de estilo asiático, similar a los usados en acuarelas, con un mango grueso de
bamboo o de otra madera; y un espeso pelaje que mojado pinta una fina punta.
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Pincel Liner
Este pincel tiene múltiples propósitos dentro de los efectos, sobre todo en lo que a realizar
detalle se refiere. Es ideal para trazar líneas curvas y rectas muy finas y para delinear. Las líneas
pueden engrosarse de acuerdo a la presión que se ejerza sobre el mismo.
Pincel angular.
Es un pincel chato, biselado que permite realizar flotados, doble carga y para técnicas de una
sola pincelada. También se le suele conocer como “pincel para pétalos de rosa”, sus pelos están
cortados en ángulo. El extremo más largo es perfecto para meterse en lugares pequeños.
La Espátula
Es un instrumento de metal a modo de pequeña pala aplanada, semirrígida o flexible, y de
mango recto que los pintores utilizan con distintos fines: para manipular los colores en la paleta,
como rasqueta (para quitar las impurezas de la tela o descargarla de color), para alisar la capa
pictórica o para pintar. De hecho, muchos pintores desde el siglo XIX han preferido la espátula al
pincel para distribuir y trabajar el color sobre la tela.
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Tiene diversas formas y generalmente es de acero. Asta de cuerno, marfil, hueso o caucho
duro son también utilizados cuando los colores no pueden tener contacto, por reacción química, con
el metal. Suelen utilizarse dos tipos de espátulas de acero templado:
Espátulas para paleta. Para mezclar colores en la plancha o en la paleta. Tienen hojas delgadas
y blandas, de 10 a 15 cm. de longitud, con puntas afiladas y redondeadas, y de forma recta o angular.
Las angulares sirven para eliminar los grumos de pintura.
Espátulas para pintar. De hojas finas, delicadas y muy sensibles, a veces soldadas a mangos
largos; se usan para los procesos directos de pintura: aplicación y manipulación de la pintura en el
lienzo. Se fabrican en multitud de formas, estilos y tamaños. La historia no registra un uso muy
extendido de estos instrumentos antes de mediados —o finales— del siglo XIX.
La paleta
En la Antigüedad los pintores hacían uso de conchas o tazas, donde se ponían los colores ya
mezclados. Luego se adoptó una pequeña paleta de madera, con un pequeño agujero para introducir
el dedo pulgar. En un principio, su fondo parduzco se adecuaba a la preparación de los lienzos, pero
posteriormente, siendo la mayoría de las preparaciones de color blanco, se cambió su color por otro
de tonalidades claras y luminosas.
Las formas y tamaños de las paletas han ido evolucionando a lo largo del tiempo desde las
pequeñas paletas del tamaño de la mano, que pueden verse en los cuadros y miniaturas de los siglo
XV y XVI, hasta las impresionantes paletas de brazo dotadas de un contrapeso, adecuadas para los
impresionistas que trabajaban al aire libre. Sobre una de estas paletas, que tenían unas dimensiones
aproximadas de 50 x 75 cm., se podía extender una gran cantidad de óleos.
En general, las paletas utilizadas para la pintura al óleo son de nogal o manzano. Los
acuarelistas utilizan paletas de porcelana o metal; los pintores de miniaturas, paletas de marfil;
algunos pintores flamencos tenían paletas de cristal. En la actualidad son muy comunes las de
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material sintético blancas y de aluminio lacadas en blanco mate, dotadas de cavidades redondeadas,
además de modelos cuadrados de chapa blanca provistos de una gran cantidad de separaciones
soldadas sobre su superficie.
Hay también paletas de vidrio o de porcelana, que tienen como cualidad su fácil limpieza
rascando con una cuchilla. Las paletas "pelables" o de usar y tirar son cuadernos de papel de forma
ovalada, como una paleta tradicional, con orificio para el pulgar, pudiendo trasladarse fácilmente los
grumos de pintura sin usar a otra hoja.
Los pintores actuales también utilizan platitos blancos, pequeños recipientes de porcelana,
cristal o estaño sin valor para tirarlos cuando llegan a acumular tanta pintura o barniz que ya no vale
la pena conservarlos.
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Ciclo introductorio del Taller de Pintura
Profesores: Coñuel Aldo, Rojas Tracci Silvana
Año lectivo 2016
Unida Nº 2
LUZ Y SOMBRA
Cualquier forma que esté representada solo por su contorno se aprecia como plana, pero en el
momento que representamos la diferencia de luz y sombra que un foco cualquiera deja sobre dicha
superficie, conseguiremos la sensación de volumen. Esta sensación de tridimensionalidad dará a
nuestra producción realismo.
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Tema: Acromatismo – Claves Tonales.
El término acromático significa carente de color. Se refiere a los valores de grises de las series
lineales o escalas. Que tiene solo posibilidad de aclarar u oscurecer el color, como ocurre con el
blanco, negro y grises, pero no cambia su naturaleza. (Léxico Técnico de las Artes Plásticas- Irene
Crespi – Jorge Ferrario .Eudeba)
El blanco y el negro son llamados tonos neutros o acromáticos, así se llama también a los
grises, que se obtienen mezclándolo.
Hablando en términos de haces de luz, el blanco corresponde a la luz, que es la suma de todos
los colores del espectro, mientras el negro corresponde a la ausencia de luz, la oscuridad total.
El grado de claridad u oscuridad de un color se denomina valor.
Cuando un color es luminoso, claro, decimos que es de un valor alto, los colores oscuros
corresponden a valores bajos.
Al mezclar pigmentariamente un color con blanco se obtienen tonos más claros. Las mezclas
con negro permiten, en cambio, obtener tonos más bajos u oscuros.
Escala de valores acromática
Son acromáticos, entonces, el blanco, el negro y todos los grises intermedios .El grado de
luminosidad que nos hace distinguir un gris claro, próximo al blanco, de un gris oscuro, próximo al
negro, se denomina valor.
Toda graduación ordenada de grises que abarque del blanco al negro, con intervalos
regulares, recibe el nombre de escala de valores. Lo que se usa generalmente es la de Ross Pope de
nueve unidades, correspondiente el Nº 1 al negro y el Nº 9, al blanco.
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Actividades
1) Pintar las escala acromática en forma lineal.
Escala de valores acromática
1° Realizar una con lápiz.
2° Una con la técnica de aguadas con acrílicos.
3° directamente con acrílico
Clave Alta
Si reducimos los contrastes de valor aproximadamente al tercio superior de la escala, del blanco o
luz intensa, a la luz baja el resultado será un esquema de clave alta.
Dentro de esta escala podemos establecer los intervalos a nuestra elección.
Además, esta clava alta tiene una cualidad expresiva definida, de luminosidad y delicadeza que la
hace apta para ciertos propósitos o inadecuada para otros.
Clave Intermedia
Si limitamos los contrastes al tercio intermedio aproximado de la escala de valor, surge otro
esquema típico. Esta puede abarcar desde la baja claridad hasta lo oscuro alto o lo oscuro. Tiene,
asimismo, una cualidad de expresiva característica, y cierta moderación y refinamiento que puede
resultar de mucho efecto.
Clave baja
Si utilizamos el tercio inferior de la escala, desde lo oscuro al negro, el resultado es una clave
baja. Tiene cierta cualidad apagada y sombría.
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Actividades:
Realizar las siguientes escalas
Escala de valores con clave alta.
Escala de valores con clave intermedia.
Escala de valores con clave baja.
2) Representar las claves en el siguiente esquema, un esquema para cada clave.
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Unida Nº 3
Tema: Colores Primarios, Secundarios y Terciarios.
Colores primarios
Rojo, amarillo, azul .Estos tres colores no pueden obtenerse a partir de la mezcla pigmentaria
de otros colores. Por eso se llaman “colores primario o fundamentales”
Si se los mezclan de a pares obtendremos los colores secundarios.
Colores secundarios
Amarillo + Rojo = Naranja
Amarillo + Azul= Verde
Rojo +Azul = Violeta
Círculo Cromático
Una manera de organizar visualmente las relaciones y mezcla entre colores, es a través del
círculo cromático.
Para formarlo, ubicaremos los tres colores primarios, que son los fundamentales, en los tres
vértices de un triángulo equilátero.
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Luego colocaremos entre cada par de primarios el color secundario resultante de la mezcla
entre ellos en partes iguales. También podemos ubicarlos en los vértices de un triángulo equilátero.
En medio de los colores primarios y secundarios existen terciarios, y su amplia gama varía de
acuerdo con la cantidad de uno y otro primario que componen los secundarios.
Colores terciarios
Colores terciarios, son los obtenidos de la mezcla de un primario y un secundario. En realidad
no son más que matices de un color.
AMARILLO + VERDE = VERDE AMARILLENTO
VERDE + AZUL = VERDE AZULADO
AZUL + VIOLETA = VIOLETA AZULADO
VIOLETA + ROJO = VIOLETA ROJIZO
ROJO + NARANJA = NARANJA ROJIZO
NARANJA + AMARILLO = NARANJA AMARILLENTO
El límite en que un color deja de ser VERDE AMARILLENTO para ser AMARILLO VERDOSO es
bastante sutil y dependerá de cuál será el color dominante en la mezcla.
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Los colores que se relacionan entre sí, van constituyendo una secuencia, formando gamas. Por
ejemplo: amarillo, amarillo verdoso, verde, verde azulado, azul. (Colores armónicos)
Cuando en un cuadro se utilizan colores de una misma gama, generalmente se produce un
efecto armonioso, provocado por el color que tienen en común. Estos colores se llaman adyacentes
entre sí). (Ver pintura Water Liles –Eduardo Monet- 1840 – 1926- francés.)
Colores complementarios
Los colores que se ubican enfrentados en el círculo cromático, entre si, son complementarios u
opuestos.
Los tres colores complementarios son los que están formados por un color primario y un
secundario, formado por la mezcla de los dos primarios.
Rojo y Verde _______ Amarillo y Violeta ______________Azul y Naranja
Al estar juntos dos colores complementarios se resaltan sus características individuales y sus
atributos, por ejemplo un amarillo es más luminoso contra un violeta que a su vez se verá más
profundo y frió.
Si mezclamos los pares complementarios entre sí obtendremos tonos neutros pardos o
amorronados. La relación entre complementarios existe en todo el círculo cromático, por ejemplo el
complementario de un violeta azulado es un naranja amarillento
Colores análogos
Los colores análogos son aquellos que están contiguo en el círculo cromático por ejemplo:
violeta rojizo- violeta- violeta azulado.
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Colores alternos
Los colores alternos son aquellos que se alternan en el círculo cromático por ejemplo: NaranjaAmarillo- Verde.
Actividades:
Realizar un Círculo cromático en donde se visualicen los colores primarios, secundarios y
terciarios. En un formato 50 x 50, sobre un papel obra de alto gramaje.
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Unida Nº 4
Tema: Bodegón- Color Local.
Concepto de Bodegón:
Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa
objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales,
frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de
mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado.
Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el
bodegón da al artista más libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o los
retratos.
Como lo expresa el Libro: El significado del Arte- Herbert Read- Bibliotecas de Obras Maestras del
Pensamiento- Editorial Losada. Buenos Aires.
EL COLOR – PAUL CÉZANNE
Ahora nos volcamos al papel representado por el color en la pintura. En especial a un artista:
Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de1906) que fue un pintor francés
postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna. Se inscribió en la Academia
Suiza Académie Suisse Cezanne, pintaba el mundo tal como se presentaba ante sus ojos.
“Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar
sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera”.
La sensación se transmite, como en Cézanne, por gradación de los valores de tono de los colores, pero
sólo lo indispensable para asegurar un centro y un equilibrio sobre la composición total. El color queda
así reducido a su mayor atracción sensual. Lo que esa atracción significa para nosotros puede ser
mejor descrito en las palabras de Ruskin: “Todos los hombres bien organizados y justamente
moderados, gustan del color; está hecho para ayuda y delicias perpetuas del alma humana; es
empleado profusamente en las obras más sublimes de su perfección; está asociado con la vida en el
cuerpo humano, con la luz en el firmamento, con pureza y dureza en la tierra”.
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Actividad:
Realizar diferentes composiciones en formatos de 30 x 50 cm, con objetos del bodegón.
Realizar bodegones con naturalezas muertas en soportes de mayor tamaño.
BIBLIOGRAFÍA
 Introducción al color- Prof. Osvaldo Krasmanski
 El significado del Arte- Herbert Read- Bibliotecas de Obras Maestras del
Pensamiento- Editorial Losada. Buenos Aires.
 “Educación Plástica I”. Pablo Ramirez Burillo y Carlota Graciela Cairo. Editorial
Santillana.
 “La Historia del Arte"
 Wikipedia, la enciclopedia libre.
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