EL SINDROME DIGITAL LA MUERTE DE UN METODO

publicacion bimestral
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GACETA INFORMATIVA DE LA AMC. SOCIEDAD MEXICANA DE AUTORES DE FOTOGRAFIA CINEMATOGRAFICA S.C.
NO. 23 / MAYO-JUNIO 2013
LA MUERTE DE UN METODO
SUPLEMENTO ESPECIAL PT2
EL SINDROME DIGITAL
Trilogia qatsi
CARTELERA
MAY / JUN
veintitres punto noventa y ocho fotogramas por segundo
DISTRIBUCION ELECTRONICA GRATUITA
Foto cortesía: Los Diazmuñoz
editoral.
sociedad mexicana de autores de fotografia cinematografica sc
O
riginalmente parecía un rumor de mal gusto pero esperado por muchos;
amantes de la película cinematográfica recibimos el pasado abril la confirmación de una estocada contundente al momento en que Fujifilm anunció la suspensión de la producción de la mayoría de sus productos cinematográficos.
Fujifilm y Kodak, son, o fueron, las marcas dominantes en la industria fílmica
global, la primera al retirar del mercado sus películas y acogerse al capitulo
11 la segunda son inminentes golpes certeros al “film” y que prácticamente
sellan el final de una era que sin lugar a dudas a sido larga su existencia y
estamos viviendo sus momentos de agonía.
La tecnología digital nos dice que trae ventajas, trae practicidad, trae eficiencia, trae reducción de costos y cientos de beneficios que como agua milagrosa curará todo mal.
Es cierto en gran medida. La tecnología digital ha democratizado o popularizado el trabajo cinematográfico, ha aumentado la producción, los “Bytes”
nos está acercando lentamente al nacimiento de nuevas formas de independencia creativa. Todo va bien si pensamos en utilizar correctamente nuestros
recursos, sin embargo la perdida de rigor en el trabajo cinematográfico con
realizadores que frecuentemente dicen: “déjala correr al fin es video” o “lo
arreglamos en post” y cientos de frases que muchos hemos escuchado en el
set y que al final del día terminan siendo una pesadilla infernal para tratar de
terminar los proyectos. ¿Quién puede editar 3 horas de imagen para obtener
30 segundos? Ah y claro hay que hacerlo para mañana.
ahora la desaparición de su segmento de películas, aunque sea a bocanadas
pero la película sigue por ahí. Recordemos momentos en los que el cine nos
ha marcado.
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Juan José Saravia AMC
Coordinador de edición.
Presidente AMC
[email protected]
http://www.fujifilm.com/news/n130402.html
http://www.kodak.com/ek/US/en/KODAK_INITIATES_EMERGENCE_PROCESS_FILES_
PLAN_OF_REORGANIZATION_AND_DISCLOSURE_STATEMENT_2.htm
Hoy en día, el ahorro de recursos es relativo. Día tras día la demanda de
Bytes se convierte en gigas, teras y ahora petaBytes. La cantidad de discos
duros y memoria solida cada día va en aumento y aunque ha descendido en
precio no deja de ser una muy fuerte inversión. No importa si es película o
discos duros, lo que hace muy caro un proyecto no es el tipo de cámara o formato con el que se adquiere la imagen sino las indecisiones y mal diseño en
el proceso de trabajo. Por ello en 23.98fps publicaremos historias de nuestras
experiencias y de lo que el cine nos enseñó, la muerte de un método que se
niega a perecer; Kodak ya anunció su plan de recuperación y no implica hasta
Foto cortesía: Los Diazmuñoz
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POR: GUILLERMO GRANILLO AEC, AMC.
FOTO PORTADA: CARLOS DIAZMUNOZ AMC
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LA MUERTE DE UN METODO
He escuchado la expresión ¡ extraño la película ¡ y me gusta escucharla ya no de mi boca, creo que la película nos
sigue dando algo que los nuevos sistemas no.
Tenemos una memoria de hechos ocurridos con celuloide, para muchos de nosotros son años de recuerdos.
Ahora he escuchado la frase ¡a pero esa película esta hecha en cine! ó la pregunta ¿cual es tu ultima película rodada
en negativo?
Vienen noticias del otro lado del mundo diciendo que Fuji vende su ultimo lote de negativo y que no fabricara más.
El miedo que teníamos los fotógrafos de ver como muere el negativo esta sucediendo ahora, ya no es dentro de
muy poco, estamos viendo como se acaba esta era, debo confesar que me daba terror este momento, hoy en día estoy
empezando a creer, no había tenido la oportunidad de estar en un proyecto digital de muchos días, la experiencia
cotidiana de crear imágenes con los nuevos sistemas, no ha hecho otra cosa más que refrescar mi amor por el cine.
En una reconciliación interior muy amable, me doy cuenta que el sistema con el que trabajamos no afecta en lo
más mínimo a la esencia misma del acto creativo, si bien las imágenes son diferentes pues su origen es diferente, son
imágenes, es luz , hacerlas sigue siendo un espacio único y mágico.
El nivel técnico es impresionante, pero las imágenes están envueltas en un paquete artificial ó artificioso tenemos
el acceso a un mundo de imágenes muy bien logradas, pero lo que no controlamos todavía es unificar la manera
de verlas, para nosotros los creadores de imágenes el mundo esta abierto a un sinfín de posibilidades de color y de
texturas, pero estamos encadenados a la tecnología, a los nuevos aparatos a que los sistemas se estabilicen.
Existen sistemas para ver nuestras imágenes siendo el Log –C lo mas cercano a nuestro amado negativo, hay que
aprender a leerlo como leíamos antes el negativo.
Es necesario comprender la manera de transferir la luz y el color que queremos, sucede generalmente en rodaje,
que cada monitor se ve distinto y nuestro nuevo exposímetro el vectorscopio el histograma son la guía más útil para
saber si estamos en un rango aceptable para nuestros proyectos, creo que nuestra vieja instrumentación sirve de
guía, pero hay que trasladar nuestro viejo conocimiento a los nuevos sistemas, creo en mi caso le hago mucho caso a
la intuición y al buen gusto en poner la luz, en crear ambientes cada vez más cerca de lo que ya se hacía en celuloide.
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Con aparatos mas pequeños tenemos la luz suficiente para el digital, la era de los leds esta abriéndose paso junto con
los sensores ya que es una luz muy versátil con dimmer integrado muy potente y ligera, con la capacidad para cambiar la
temperatura de color y hacer ciertos ajustes en el magenta y el verde, estamos creciendo en este nuevo sistema tratando
de adaptar lo que ya sabíamos a esta nueva forma de crear imágenes.
Al día de hoy tengo recuerdos muy gratos del celuloide, yo soñaba con hacer películas tenía la idea clara al entrar a ver
una película , yo quería verme en los créditos, no por la vanidad de ver mi nombre en la pantalla, si no para formar parte
de la gran familia de artesanos del séptimo arte, uno de mis grandes éxitos fue lograr que el maestro Ripstein se interesara
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en mi en mi trabajo, después de
operar “Principio y Fin” me llamo
para hacer Profundo Carmesí, el
cine de Ripstein siempre me había
inspirado me gustaba lo sórdido de
sus historias y el manejo absoluto
de sus puestas en escena sobre
todo sus ambientes y el manejo
de actores, para mi que en ese
entonces me sentía como una
esponja, era como tener una clase
de maestría con uno de los mejores
directores que ha tenido este país y
así lo fue, el Maestro Ripstein, me
enseño el mundo de hacer películas
en serio, de tener la concentración
y el rigor necesario para la creación
cinematográfica, me enseño que el
tiempo desde el corre cámara hasta
el corte es un tiempo místico, es el
tiempo en donde sucede la magia,
es un tiempo que se encapsula y
que solo sucede ahí, cada uno de
esos momentos hace una cadena
de sucesos, que nos lleva a contar
historias y en donde todos y cada
uno de los involucrados tienen una
tarea muy especifica, con un código
muy particular y único, todos nos
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embelesábamos con esta mística
a todos nos confería una singular
importancia, desde el primero hasta
el ultimo que había tenido algo que
ver en la creación de ese momento,
nos involucraba y nos hacía formar
parte de ese espacio – tiempo, lo que
daba como resultado una mística
para trabajar y entregar todo a cada
instante.
La película estaba diseñada para
realizarse en puros plano-secuencias,
el Maestro agarraba la cámara y se
ponía a encuadrar y a decidir los
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movimientos, una vez que planteaba la toma nos dejaba
diseñarla para llevarla a cabo, muchos de estos planosecuencias tenían mucha complejidad pues implicaban
mover objetos, muebles alfombras, poner y quitar rieles
del Dolly , un gaffer subiendo y bajando con dimmers
la luz, era realmente un circo lograr estos planos sin
ninguna falla, muchas veces filmábamos 3 planos en
un día, o solo uno, lo que es muy poco en cantidad pero
realmente el nivel de exigencia era bestial, muy divertido
por cierto pues cada día era un reto nuevo, que todo
el equipo se congratulaba en resolver y llevar a buen
termino.
La película quedo bellísima, platicando años después
con algunos involucrados llegamos a la conclusión en
conjunto que fue una película que nos marco para toda
la vida , a mi en lo profesional y particularmente en
lo emocional, si existió un antes y un después, me di
cuenta de lo que podía lograr con la fotografía y me abrió
un camino fastuoso para mi conocimiento personal.
Esta mística de la que hablo la trato de aplicar a mis
proyectos, intento buscar la concentración necesaria
para dotar a nuestro quehacer, un sentido estético,
distanciarme de nuestro caos cotidiano, y otorgarle su
tiempo, para sentir que lo que hacemos no solo es un
producto carente de fondo, dotarlo un poco de alma de
cuerpo y de ideas.
Para la Ego Teca personal a la película la escogieron
para la competencia del Camerimage 1996, imagínense
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yo con muy poquitas películas
en mis espaldas, ahora me
invitaban a participar en una
competencia ¡ con mis ídolos ! con
fotógrafos que yo consideraba
como mis maestros y guías.
No gané pero si gané, estar ahí
en ese mundo profesional que
todavía no me pertenecía fue de
las experiencias más bonitas que
he tenido en la vida, crecí en ese
momento, me acerco mucho a
mis sueños y me reafirmo como
fotógrafo y siento que todo fue
gracias a creer.
Este viaje anecdótico me
lo reservaré para una próxima
entrega, lo que si les puedo
decir es que esta mística y este
amor por el espacio y el tiempo
encapsulados en una toma ,
ha sido el motor para seguirme
levantando a crear imágenes
todos los días y a repetirme
lo afortunado que he sido al
escoger este trabajo, gracias a
este maravilloso invento llamado
celuloide.
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POR: EDUARDO MARTINEZ SOLARES AMC.
Ilustraciones: C. MERA
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EL SINDROME DIGITAL
T
odos conocemos la evolución del cine digital, que en especial
en los últimos años ha venido a cambiar ciertos paradigmas en la industria, algunos para bien algunos otros para mal.
Si bien las cámaras de cine digitales han sido una herramienta seria
desde mediados de la década de los 2000´s, ha sido hasta los últimos
años en que estas han remplazado casi al 100% nuestro amado negativo (de 35mm o 16mm), realmente por razones de costo más que de
calidad de imagen. Esta acelerada transición, que se ha dado (diría yo)
por los motivos incorrectos, ha provocado ciertos vicios que resultan
nocivos para nuestra profesión y para el oficio del Cinefotógrafo.
La inmediatez del cine digital ciertamente es una gran ventaja, ¡se
puede hacer corrección de color directamente en el set! Y como dijo
Roger Deakins, se puede dormir más tranquilamente, sabiendo que el
negativo no será maltratado en el proceso de revelado. La producción
no tiene que parar cada 4 o 9 minutos para cambiar magazine, y que
decir del impacto ambiental, ni el negativo desechado ni los químicos
de revelado terminan en donde no deben.
Entonces, ¿Qué tiene de malo?
Para empezar es conocido que ni siquiera el 4k es equivalente a la resolución del negativo, y que en términos de latitud, las cámaras digitales, no han alcanzado la del negativo (pero se están acercando rápido)
También mucho se puede hablar sobre las cualidades de la imagen
producida en negativo y en digital, sean color, textura, volumen, etc.
Pero bueno, estos son problemas que se han ido solucionando y que
pueden ser motivo de mucho debate, en el que algunos estén de
acuerdo y otros no tanto, el problema real es la desprofesionalización
de nosotros y nuestros colaboradores, por ejemplo: A los directores no
les interesa cortar y a los asistentes se les olvida.
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El iluminar viendo el monitor, o más bien necesitar un
monitor, que ni siquiera sabemos si esta calibrado o
conectado directo al sensor, no garantiza la calidad del
trabajo y si logra que gente que realmente no sabe lo
que se busca, comience a opinar, perdiendo así seriedad. No podemos confiar solo en los monitores, son
pura referencia. Para poder juzgar la imagen, tendríamos que ver un monitor calibrado en condiciones óptimas (a obscuras) que este conectado directo al sensor, y todos sabemos que esto no siempre pasa, y es
esto lo que lleva a mucha gente a decir cosas como,
“se ve muy obscuro” o “muy brillante” y a nosotros a no
darle la importancia que merece la luz.
Hace cuanto que no usamos (ni nuestros gaffers) el exposímetro como la herramienta sapiente de la verdad,
y si analizamos la cuestión ya mencionada sobre los
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monitores, aunado al hecho de que la luz en locación
varia todo el tiempo y en algunos casos puede también
variar en un foro, está claro que la consistencia no ha
acompañado a muchos en estos últimos años.
Otro problema de la fuerte puja del digital por las razones incorrectas, es que nadie lo conoce realmente a fondo. Nadie conoce todas las cámaras ni todos
los problemas que estas pueden presentar, y al haber
nuevas cámaras cada año nadie las conoce todas y a
la vez, todos se vuelven expertos, pero algo es seguro, en una filmación surgirán problemas o dudas que
hay que resolver y que al final, el personal técnico (en
muchos casos poco especializado) resuelve apagando
la cámara y volviéndola a prender, siendo la imagen y
principalmente el oficio quienes sufren.
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Al ser la razón económica, más que otra cosa, por la cual el digital ha sustituido el negativo, lleva a que
en algunos casos, no seamos nosotros los cinefotógrafos los que decidimos con que cámara trabajar
si no el productor (que se basa en costo más que en calidad de imagen).Pregunto yo, hace 10 o 15
años ¿Qué productor le impondría una emulsión sobre otra al fotógrafo?. Otra vez, quien ha sufrido: la
imagen y el oficio.
Que se requiere, disciplina, la disciplina que ha caracterizado a los cinefotógrafos por más de 100
años, para que esta transición, como lo fue la del blanco y negro al color, se de la forma más sana y no
sufran ni el oficio ni la imagen.
Por último, me despido con un pensamiento que escuche hace poco: lápiz y papel siempre han existido, pero ¿cuantas grandes novelas se han escrito? Para la escritura con carbón, así como para la
escritura con luz, se requiere la combinación de talento y disciplina, ¡no perdamos la disciplina nunca!.
Tenemos qué seguir trabajando con exposímetro, calibrar las cámaras, hacer pruebas, ¡checar el ASA
correcta de cada sensor! Y sobre todo, no perder el oficio. Porque de ser así, nosotros y nuestros colaboradores, nos perderemos en el gris.
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POR: JUAN JOSE SARAVIA AMC
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TRILOGIA QATSI
A
nte la pregunta ¿Cómo se afectó mi vida
profesional con el uso de película cinematográfica? podría contar cientos de historias, sin embargo creo importante precisar que no importa si filmas o grabas... lo importante es la búsqueda del
crecimiento personal a través de tu trabajo en la
imagen, esto hace la diferencia.
El día estaba soleado, las rendijas de las cortinas
del aula en el último piso de la Escuela Activa de
Fotografía en Coyoacán permitían percatarse de
ello. A pesar de la cantidad de luz las condiciones
para ver la televisión no eran tan malas. Estaba sentado casi hasta atrás del salón cuando mi
maestro de la materia de “audiovisual” oprimió la
tecla “Play” y comenzó la función.
La música, totalmente nueva para mi cultura musical de ese entonces, la imagen, un pedazo de
chatarra espacial girando y girando, la pantalla se
fundió a negro y apareció uno de los nombres más
extraños que hubiese leído hasta ese momento de
mi vida, claro, a los 17 años hay muchas cosas
que cualquier ser humano no conoce.
Koyaanisqatsi, vida fuera de balance. Los primeros minutos hipnóticos me cautivaron, la imagen del tiempo comprimido, la posibilidad de ver
en segundos los sucesos que tardan días, me fascinó, la alteración de la realidad con lo que hasta
ese momento conocía como “cámara lenta”. Me
pareció deslumbrante la posibilidad de que existiera una herramienta narrativa tan poderosa, misma
que hasta el día de hoy utilizo: el tiempo.
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Guión de Naqoyqatsi, Imagen extraída de los rushes en Umatic (3/4).
Cortesía de: Juan José Saravia AMC.
“ Uff “, sin palabras, terminé mi clase conmocionado, nunca había visto algo similar, música e imagen
danzando, seduciendo, confrontando en conjunto para poder lograr un mensaje, conocí por primera
vez el lenguaje no narrativo y el poder de la imagen y el montaje. Fue en esa ocasión cuando supe que
mi pasión por contar historias y la imagen tenían una posibilidad de expresión, fue ese día cuando supe
que en el cine había un director de fotografía.
Al mismo tiempo que estudiaba fotografía fija en la escuela Activa de Fotografía en la Ciudad de México estudiaba la carrera de comunicación en la Universidad Iberoamericana. Durante los primeros
semestres de la carrera, cualquier estudiante de mi plan de estudios debía cursar algunas materias
obligatorias de tronco común y para los últimos semestre era, según lo recomendado, necesario ingresar las materias del sub-sistema, es decir una cierta especialidad que fuese de la disciplina que escogiera el alumno. Por supuesto, en cuanto tuve oportunidad, ingresé todas las materias que pude del
sub-sistema de cine, por esta razón mi carrera tomo una deformidad académica que seguramente me
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Entre tanta gente con la que colaboré en la universidad, en una ocasión un
amigo me comentó que quería hacer un documental como trabajo de tesis, ya
que durante algunos años, en la carrera de comunicación te podías graduar
con un documental como si fuese una tesis, (cabe mencionar que varios años
después Vicente Fox, sí, el expresidente de México, hizo algún tipo de “donación”, ajuste o algo parecido para que ya no fuese necesario hacer tesis al
terminar la carrera, se denominó “opción cero” por ello Vicente fue licenciado
titulado cuando tomó protesta, al menos eso es lo que dicen “las malas lenguas” y por esto también algunos años después mis padres sonrieron porque
ya soy licenciado).
Completada la mitad de mi plan de estudios, previendo que hacer una tesis
iba a ser muy complicado, pensaba en aliarme con un par de amigos, producir
y fotografiar un documental que me permitiría liberarme del pendiente de una
tesis, así que puse mucha atención a buscar proyectos. Una tarde Juan Carlos
García Mata, un compañero que estaba un par de semestres más adelante que
yo me comentó sobre su proyecto de tesis.
utilizaron como caso de estudio de una pésima organización de materias,
pero a mi me permitió trabajar al mismo tiempo con compañeros que iban
tres generaciones más arriba que yo y de igual manera con amigos de tres
generaciones más abajo de la que cursaba. Toda oportunidad que se me
presentaba en la que podía trabajar en el equipo de cámara la tomaba; yo
sabía que la fotografia y el cine eran lo mío.
Trabajé con muchos amigos que me permitían tomar la cámara, sugerir iluminación y a lo largo de unos semestres, la experiencia de haber estudiado
fotografía fija me dio cierta fama al ser de los pocos que no se le velaba la
película y que se veía algo en pantalla.
A lo largo de los años me hice conocido como uno de los principales fotógrafos de las generaciones aledañas a la mía; claro, al mezclar las materias como lo hice perdí contemporaneidad con mi generación original, así
que los años de estudios se alargaron considerablemente, esto aunado a
dedicar mucho tiempo para trabajar profesionalmente a la par de estudiar.
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-¿Has visto una película que se llama Koyaanisqatsi?, todo mundo cree que
es una película de Francis Ford Coppola, pero no, es dirigida por Godfrey Reggio un director que vive en Santa Fe, Nuevo México en Estados Unidos- me
comentó con una seguridad y certeza de que le contestaría negativamente,
por supuesto Juan Carlos no sabía que esta era una de las películas que me
hicieron decidir ser fotógrafo de cine.
- Claro, la música es de Philip Glass - para él fue muy sorprendente conocer a
alguien que tuviera tan clara la referencia y que apenas estuviera en tercer o
cuarto semestre de la carrera; a partir de ese momento me monté en uno de
los proyectos más importantes de mi carrera profesional, lo que sucedería en
el futuro estaba fuera de todo control.
El destino, la naturaleza, la vida o como quiera uno nombrar a las cosas extraordinarias que nos suceden, resulta que el tío de Juan Carlos vivía en Santa
Fe, Nuevo México, y en las últimas vacaciones, en visita familiar, se enteró
que Godfrey Reggio, el director de Anima Mundi, Koyaanisqatsi, Powaqatsi y
Naqoiqatsi vivía en la misma ciudad que su tío, así que tuvo la iniciativa de irlo
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PAG. ANTERIOR CORTESÍA DE: http://www.artribune.com/
wp-content/uploads/2012/01/3_godfrey-reggio-koyaanisqatsi1982-complessit%C3%A0.jpg
IZQUIERDA CORTESÍA DE: http://images.geotorrents.com/images/45620337794342634405.png
DERECHA. Godfrey Reggio
Cortesía de: http://www.squelchfilms.com/images/reggio_stills/Godfrey%20Reggio%20photo%20by%20Lisa%20Law%201000%20ppi.jpg
a buscar al instituto que produjo las películas.
decidí participar y colaborar en lo que se pudiera ofrecer.
Cabe mencionar que en esa época el INTERNET era un proyecto educativo/militar y no era popular.
La idea original era que yo fuese asistente de cámara en el proyecto, como
era de una generación más abajo no existía la confianza para que me invitaran a fotografíar, y sobre todo que en un principio pensé que era demasiada
responsabilidad, por lo cual no me incomodaba pensar en ser asistente de
cámara pero esta posición dependería del director de fotografía que consiguieran para saber si me mantenían dentro del equipo o quedaría fuera.
Comencé a recomendar fotógrafos con los que ya había a trabajado como
asistente, en ese momento Alberto Lee entró “a cuadro”, ex alumno de la
Universidad Iberoamericana podía ser aceptado con mayor facilidad que un
externo y tenía la ventaja que también estudió cine en el Centro de Capacitación Cinematográfica y ya había hecho varios largometrajes y documentales
como fotógrafo. Lo aceptaron muy bien.
-Tengo el apoyo de Reggio, me cede las imágenes para utilizarlas en el
documental y me va a poner en contacto con Philip Glass para que lo entrevistemos- fue lo primero que me comentó Juan Carlos.
-Pase lo que pase o cueste lo que cueste yo tengo que estar en este proyecto- me dije a mi mismo.
Vendamos alcohol en fiestas, trabajemos en lo que sea, hagamos negocios
para buscar financiamiento. Sea como sea tratemos de hacer realidad este
documental. José Ramón Pedroza, alias el “palomo” era uno de nuestros
compañeros que se compró al igual que yo la pasión por hacer este proyecto. La tesis, oficialmente era de Juan Carlos y de José Ramón, yo quería
que también fuese mi proyecto de tesis, pero mi desorden académico no
me permitía ingresar de primer instancia este proyecto porque no había cubierto los créditos necesarios para que pudiese ser parte de mi tesis, aún así
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Juan Carlos viajó a Nuevo México varias veces, contactó a Reggio por vía
telefónica y él nos enlazó con Philip Glass... Corte a:
Viaje a Nueva York.
Toda una aventura conseguir recursos; fiestas, empeños, amigos. Siguió el
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Nos fuimos de avanzada: Juan Carlos, José Ramón y yo, Alberto
Lee nos alcanzó un día antes del rodaje de la primer entrevista
con Philip Glass. En Nueva York tuvimos el apoyo de Carlos Hagerman quien en aquella época estaba estudiando un postgrado
en NYU.
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Mesa de edición con el “Trailer” original de Koyaanisqatsi. Imagen extraída de los rushes en Umatic (3/4).
Cortesía de: Juan José Saravia AMC.
hospedaje en sleeping bags, ducha en medio de la cocina; departamento de estudiantes
prestado.
La ibero, como le decimos a la universidad iberoamericana, nos facilitó dos cámaras,
algunos micrófonos y como diría mi abuelita... “nos dio la bendición”.
Rentamos en Servicios Fílmicos, una de las empresas de arrendamiento más grandes
de México en aquel entonces, a precio de estudiantes, una maleta de luces que el sobrepeso en el vuelo costó el descuento de estudiantes y la tuvimos que arrastrar desde
el aeropuerto JFK hasta el quinto piso del edifico de estudiantes, que por supuesto no
tenía elevador.
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¿Cómo la película afectó mi carrera?, las 20 latas de 16mm estaban empaquetadas en 4 cajas de mano; KODAK de México nos
dio precio especial de estudiante y nos aportó un buen porcentaje
de película para el proyecto. Filmar entrevistas era sin lugar a dudas una experiencia sumamente tensa, detener la conversación
de una persona cada once minutos cuando habla sobre algo que
le apasiona no es una experiencia grata, por lo qué el cálculo de
material, carga y descarga de magazines, era una tarea compleja para un asistente de cámara que a la par de calcular cortar
la toma sin interrumpir para poder cambiar el magazine, debía
verificar foco y poner atención a lo que los entrevistados decían
a cuadro (para aquellos que ya no saben lo que es esto, el Magazine o chasis es el compartimiento de una cámara de cine donde
se almacena la película, tanto virgen como expuesta).
La casa estaba en una esquina de la zona más céntrica de Soho
en Manhattan, una casa antigua, al buen estilo neoyorquino aprovechando cada pulgada del espacio. La puerta se abrió y apareció detrás un hombre que en aquel entonces estaba entrado en
los cincuentas, su vestimenta totalmente normal y su cabellera
con toques cenizos, un porte indudable de artista. Philip Glass
nos condujo a la sala principal de su casa, un piano de media cola
coronaba una esquina donde estaba la mejor luz de la mañana.
Una de las paredes de este espacio estaba repleto de libros, y
sobre los libros más libros, muchos objetos que parecían insignificantes pero que al conocer la historia del hombre que nos abrió
la puerta tomaban otra perspectiva, como el casco de obrero, naranja, plástico, resistente, ¿por qué un casco de construcción en
el librero de uno de los principales compositores contemporáneos
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y uno de los más prolíficos compositores de música
para películas, nominado a varios Óscares? Pues
era el casco que utilizaba cuando comenzó su car
rera; para poder pagar sus estudios en Julliard, tuvo
que hacer todo tipo de trabajos. También en el librero, estaba su licencia de conductor de Taxis de la
ciudad de Nueva York entré muchos recuerdos más.
- ¿Qué tanto creen que nos tardaremos en la entrevista? - le preguntó Philip Glass a Juan Carlos,
mientras tanto todos los demás buscábamos un espacio para dejar las cajas vacías de equipo, Alberto
Lee traía una cámara y buscaba el mejor ángulo, yo
movía cajas, tripié, y cargué todos los magazines
que traíamos en mi recién comprada bolsa negra.
En esta primer entrevista, Alberto me pidió colocar la
cámara en un ángulo donde la luz entraba perfectamente para que nuestro entrevistado se sentara en
el banquillo de su piano y viéramos un buen ángulo
de la sala de su casa.
-Corre cámara... ¡Clack!- cerré la pizarra de la toma
uno; entrevista a Philip Glass compositor de Koyaanisqatsi.
No recuerdo con precisión cual fue la primer pregunta, pero el fenómeno de transformación que todo
cineasta vivía conforme la cámara estaba encendida surgió en cuanto la pizarra hizo el “clack”, sonido característico del golpe de madera e imanes.
Silencio absoluto, era un estado de alerta máxima al
momento en que la cámara corría, era más allá de
una concentración visual, auditiva y mental, cada fotograma expuesto era muy valioso, así que nuestra
responsabilidad era que cada momento en el que
la cámara corriera fuese un fragmento útil para el
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proyecto.
Las palabras de Philip Glass hilaban un discurso claro y congruente, era evidente que ha
repetido este discurso en cientos de entrevistas y cada vez es más preciso con las palabras - !CORTE¡- se escuchó desde la parte
posterior de una puerta que conducía hacia
la cocina de la casa. Todos volteamos hacia
la voz del Sonidista (como decía mi abuelita,
se dice el pecado más no el pecador) con una
incredulidad absoluta, ¿cómo osas hablar en
toma?, ¿cómo cortas tú la toma y no el director?
-Perdonen, pero la grabadora perdió la sincronía, va de nuevo- indicó el sonidista.
-Entrevista a Philip Glass, Escena 1, Toma
dos... marca- Clack, sonó el clásico sonido de
una pizarra electrónica, la cual era una de las
primeras que podía desplegar el código de
tiempo en la pantalla y así filmar para posteriormente sincronizar el sonido e imagen más
rápido.
Juan Carlos repitió la pregunta rápidamente
y Philip Glass comenzó a tratar de retomar
el discurso bien sabido, pero que sin lugar a
dudas se distrajo, a los 10 segundos aparentaba mayor claridad en lo que comenzaba a
argumentar - ¡CORTE! - se volvió a escuchar
en la sala, un movimiento de nerviosismo
tuvo la escultura de Shivá que le regaló Ravi
Shankar a Philip Glass la cual adornaba la
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mesa aledaña a la silla donde estaba Juan Carlos, el puño se marcó en el sillón y la vibración que
conlleva a la sulfuración de una persona se transmitía hasta Shivá.
-¿Esta todo bien?-Philip Glass se levantó y preguntó a José Ramón Pedroza que sin deberla ni temerla era quien sostenía la caña del micrófono. Nuestro sonidista se asomó a la sala y pidió unos
minutos para revisar el equipo, el cual era rentado en Nueva York, aquí comienza el flashback: (para
quien no sepa de guionísmo, es algo así como un recuerdo) :
-grabemos todo en 8 canales de audio-, Juan Carlos, José Ramón y yo escuchábamos al experto,
claro nuestra misión en Nueva York eran básicamente dos eventos, el primero, entrevistar a Philip
Glass sobre su participación en la trilogía Qatsi y el segundo, filmar un ensayo del Philip Glass Ensamble interpretando la banda sonora de Koyaanisqatsi y Powaqqatsi, obras que se proyectarían en
pantalla grande y el ensamble conducido por Michel Risman y Philip Glass como figura principal tocaría sincronizando la música con la proyección de la película en vivo. Grabar 8 canales nos pareció
muy importante para poder hacer una mezcla envolvente para las salas de cine cuando el documental estuviera terminado.
- Llevemos el sistema Alesis Adat. Es un sistema que graba 8 canales de audio sobre un cassette
de VHS- nos explicó el Sonidista en la reunión que tuvimos de planeación para el viaje a Nueva York.
-Guau... Claro se va a escuchar increíble- se termina el flash Back (el recuerdo).
Philip Glass se vuelve a sentar, se prepara para la toma tres.
Misma rutina; toma tres: Clack.
El ridículo ronda por nuestras mentes; como decía mi abuelita: la primera es error, la segunda es
necedad, la tercera o más es estupidez.
La misma pregunta, el entrevistado tarda en responder, es claro que la respuesta ya no era tan clara
como la primera vez...
-¡corte! - Se escucho del mismo sitio.
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ARRIBA CORTESÍA DE: http://www.scanorama.lt/sites/default/files/images/2012/filmu_
nuotraukos/koyaanisqatsi%201.jpg
ABAJO CORTESÍA DE: http://2.bp.blogspot.com/_rSydVF-wTLI/SkkIRxG3l1I/
AAAAAAAAAlc/0YmskCtjBAE/s320/imagen+powaqqatsi.jpg
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La máxima sensación de “pena ajena” la tuve en ese momento. Corresponsalía de estupidez, ridículo, novatéz, ignorancia, ridículo, tercer-mundismo, todo adjetivo negativo cabía en ese momento.
¿Me permiten un momento? - Philip Glass subió las escaleras.
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ver a Juan Carlos. Como director del proyecto tuvo que decirle
que necesitábamos dos o tres horas para prepararnos.
- ¡Perfecto!, así me da tiempo de terminar una serie de pendientes que tengo por la mañana y así puedo terminarlos- Philip sacó
de su bolsa del pantalón las llaves de su casa y se las entregó a
Juan Carlos, - mi hijo está arriba, le voy a avisar que van a esperar
aquí, vayan a comer y nos vemos dentro de dos horas para terminar la entrevista- nos quedamos perplejos, las llaves de su casa;
definitivamente la vida en Nueva York era otra antes del once de
septiembre del 2001.
La entrevista fluyó, Philip interpretó en el piano de media cola algunos fragmentos de Anima Mundi, Einstein On The Beach, un
concierto privado frente a nuestras miradas y cámara, ya no era
Philip Glass, era Philip el hombre que nos permitió cometer uno
de los peores errores de nuestra vida profesional y seguir adelante. Humildad fue la lección.
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Mesa de edición “Trailer” de Koyaanisqatsi.
Cortesía de: Juan José Saravia AMC.
Afortunadamente el sonidista tuvo la precaución de pedir el manual de instrucciones
de la ya famosa Alesis Adat de ocho canales que en ese momento solo grababa dos
canales, es decir que la entrevista se podría haber grabado en un simple DAT de dos
canales, pero nuestro Sonidista dejó su equipo en México. Esta fue la primer lección
del proyecto, sin lugar a dudas, mi mejor escuela de cine.
Después de unos minutos de leer la sección de “problemas” del manual, nuestro sonidista nos indicó con certeza: -Hay que formatear el cassette, por eso no esta grabando¿y eso en que nos disminuye el ridículo? ¿Qué hay que hacer? nos preguntamos todos.
- Hay que formatear, es decir grabar todo el cassette VHS para poder grabar encima,
voy a necesitar el tiempo que queramos grabar- nos dijo con sorpresiva tranquilidad.
-¿Dos horas?, ¿en serio?- nos preguntamos, ¿quién sería el valiente que le diría a
nuestro entrevistado que por una estupidez, por una falta de precaución no estábamos
listos para lograr la entrevista?, Philip Glass bajaba las escaleras, todos volteamos a
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Más de cinco latas de película se etiquetaron como expuesto.
Cada lata representaba hasta ahora la mejor de nuestras cacerías
visuales, una evidencia de nuestro aprendizaje, cada fotograma
estaba impregnado de lecciones, de valores que nosotros colocamos en los haluros de plata que para este momento requerían de
la magia química del revelado. Duart film laboratories fue el sitio
donde enviamos a revelar el material, pero antes teníamos que
regresar el equipo al edificio de estudiantes que nos albergó por
una semana.
Todos se fueron, Juan Carlos y yo nos quedamos afuera de la
casa de Philip para pedir un taxi, aquellos famosos Yellow Cab
neoyorquinos en los que es muy frecuente arriesgar la vida. Pasaron más de cinco minutos y el mar de Yellow cabs estaba ocupado, uno tras otro pasaba de largo frente a nosotros, muy pocos
estaban vacíos. Estábamos rodeados de una caja de cámara, una
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CORTESÍA DE: http://bullesdejapon.fr/wp-content/uploads/2011/11/koyaanisqatsi1.jpg
maleta de luces que podría ser dos terceras partes de un ataúd, dos estuches de tripies, una par de maletas con cables y accesorios y un Back pack al estilo
de alta montaña repleto de objetos necesarios para filmar.
Pasaron más de veinte minutos, fueron cuatro o cinco monedas de 25 centavos las que Juan Carlos gastó buscando taxis libres por la zona, era el “rush
hour”, cientos de autos, de todos colores viajaban hacia el norte de Manhattan, nuestros rostros evidenciaban desesperación y frustración, estar a más de mil
kilómetros de casa, en una gran ciudad y nosotros, más de media hora sentados sobre unas cajas sin poder conocer ese maravilloso sitio.
Lentamente se detuvo frente a nosotros una camioneta, recuerdo que era una station wagon de Volvo, una marca y modelo que no existía en esa época en
México, en la conducción, una señora de pelo blanco, en el sitio del copiloto otra mujer de más de sesenta años, pelo totalmente blanco.
-¿A dónde van?- nos preguntaron con un aire de lástima y cierta preocupación al ver a dos jóvenes montados sobre un bonche de cajas en una ciudad en la
que ningún taxi se detiene cuando tienes equipaje extra.
En cualquier guión, la escena sería inverosímil, dos señoras entradas en la tercera edad conduciendo por la sexta avenida de Nueva York hacia el alto manhattan con toda la parte posterior de su camioneta repleta de equipo y dos jóvenes en posición cuasi contorsionista viajando con ellas.
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Este proyecto esta plagado de anécdotas, momentos en los cuales el rigor de nuestro trabajo nos condujo a casi vencer toda adversidad, lo peor, lo más mágico y lo
más frustrante todavía no nos había pasado pero si este proyecto hubiese sido en
cine digital, seguramente hubiéramos viajado en el subterráneo en vez de ir con dos
norteamericanas quienes hicieron la mejor obra de caridad del día.
El ensayo, un par de días después, fue un evento memorable. Filmamos muchos
momentos de un grupo de músicos, que para nuestra sorpresa, utilizaban sintetizadores de sonido. Los teclados al oprimir una tecla creaban secuencias rítmicas
que pareciera que cuatro músicos tocaban a la vez, con otro sintetizador al oprimir
una tecla se escuchaba a un cantante de ópera con el coro de Koyaanisqatsi, Juan
Carlos que tenía la idea de encontrar a un señor elegantemente vestido el cual fue
meticulosamente imaginado y estudiado para filmarlo, nos sorprendió que su voz la
generaba un sintetizador Korg. Para terror de nuestro sonidista, la única salida de las
consolas de mezcla eran dos canales, tuvieron que convencer a los ingenieros para
que la famosa Alesis Adat pudiera grabar otros canales, el problema es que eran 2 o
cuarenta canales, ¿cuales ocho grabarías?
Improvisación. A partir de ese ensayo el proyecto nos fue guiando. La magia comenzaba, la publicista de Philip Glass ensamble nos informó que en unos meses el grupo
tocaría en la Ciudad de México las partituras de las películas de Godfrey Reggio y
muy probablemente él viajaría a México. ¡Perfecto! los dos juntos y en México...
mucho mejor.
El proyecto creció y los requerimientos también.
Ciudad de México. Filmamos los conciertos que Philip Glass ensemble ofreció en el
teatro Julio Castillo, a un costado del auditorio nacional, las funciones estaban abarrotadas y nosotros paseando por el paso de gato filmando todo lo posible ya que la
luz era muy poca, solo los estantes de partituras y el reflejo de la pantalla, “bendita”
emulsión forzándola dos pasos veía más que nuestros ojos.
En esta ocasión logramos la primer entrevista con Godfrey Reggio, nos compartió su
admiración a la cultura Mexicana, varias decisiones importantes en su vida fueron
influenciadas por nuestra cultura y sucesos del México de los sesentas.
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ABAJO CORTESÍA DE: http://elkarneclausen.files.wordpress.com/2010/07/koyaanisqatsi10.jpg
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Una de sus películas favoritas: Los Olvidados de Buñuel. Los sucesos del dos de octubre en Tlatelolco
fueron una motivación personal para dejar el sacerdocio a un lado y comprometerse a trabajar con los
indígenas desplazados del sur de Estados Unidos y producir un proyecto que le implicó más de siete
años de realización: Koyaanisqatsi.
Viajamos a Santa Fe, Nuevo México. Llegamos a casa del tío José, un hombre más bien norteamericano de origen Mexicano que hacía muchos años se fue a vivir el sueño americano y logró ser uno
de los diseñadores del Boeing 747, para ese momento estaba ya viviendo su retiro. Era fin del año
1993, la Navidad por primera vez para mí tenía tinte blanco de las nevadas de invierno en esta zona.
Llegamos a principios del mes para poder conseguir entrevistar a Ron Fricke, el director de fotografía
de Koyaanisqatsi. Recordemos que para ese año el internet no era popular todavía, nadie tenía correo
electrónico y pocos tenían celular porque eran todavía del tamaño de un ladrillo.
Desde México, por varios contactos localizamos a un proveedor de equipo en Santa Fe, que nos
podría rentar el equipo de iluminación. Con la reducción de presupuesto, decidimos que solamente
viajaríamos Juan Carlos y yo, evitaríamos el exceso de equipaje y así reduciríamos costos, las latas
de película ahora las teníamos que cargar entre dos. El show comenzaba al llegar a los detectores
de metal y pedir que nos hicieran revisión manual, entonces había que sacar la bolsa negra. Para
aquellos que no les tocó el cambio de magazines, la bolsa negra o “changing bag” era una especie de
camiseta por la cual en un extremo tenía dos mangas largas por las cuales podías acceder al interior
de la bolsa y por el lado contrario había una doble cremallera o zipper para poder meter y sacar de la
bolsa el Magazine y las latas de película; ahí dentro, todo cerrado sin que entrara nada de luz tenías
que, sólo con el tacto y memoria, cambiar los rollos y ser meticulosamente ordenado para no confundir
el material expuesto con el virgen. En el aeropuerto era toda una operación pedirle al policía o encargado de seguridad que hiciera una revisión manual del contenido de las latas, era un espectáculo que
el o la encargada de revisar a los pasajeros metiera una mano por una de las mangas y yo por el otro
lado con una sola mano mostrándoles que era película fotosensible lo que traíamos ahí. Siempre me
llevaba media hora o más tiempo de discusiones y ruegos para que no pasarán el material fílmico por
los rayos X.
La ibero nos volvió a prestar la cámara y ahora yo ascendí a fotógrafo, así que oficialmente este sería
mi primer proyecto como cinefotógrafo aunque me asistía sólo y Juan Carlos hacia sonido porque no
teníamos presupuesto y el Tío José sólo daba hospedaje a dos, menos mal que había lavadora de
ropa porque el espacio para nuestra ropa se redujo considerablemente.
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Juan Carlos a partir del primer día de estancia en
Santa Fe, comenzó a realizar llamadas. Un día antes
de la primer entrevista con Reggio nos percatamos
que el contacto de arrendamiento de equipo nos dio
una serie de teléfonos y una dirección que correspondía a un apartado postal. ¡Upps! Ahora estamos
en uno de los sitios más exclusivos del sur-oeste de
la unión americana y hasta dónde podíamos saber
ahí no hay empresas de arrendamiento de equipo.
Yellow Pages, el directorio telefónico que colgaba
de la primer caseta telefónica fue nuestra primer opción, se me ocurrió buscar alguna pista en: “Motion
Pictures” (imágenes en movimiento); Juan Carlos se
reía de mi hasta que apareció el título: “Motion Pictures, production Companies” y abajo decía “Mountain Air Films”, Juan Carlos marcó y nos dirigimos lo
más rápido a las oficinas de esta productora.
Mientras estacionábamos el auto y averiguábamos
por dónde entrar, un hombre de alrededor de cincuenta años, piel muy blanca con el rostro lastimado
por el sol invernal nos salió a recibir, esa mañana no
había estado tan fría.
-¿qué hacen dos mexicanos en la víspera de Navidad buscando equipo de cine?- Nos preguntó amablemente el señor que nos invitó a pasar y me indicó
con la mano que pasara yo primero.
-Pues, nos quedaron mal y estamos aquí porque...
¿Conoce usted una película que se llama Koyaanisqatsi, es imagen y música de...- Juan Carlos le
explicaba al señor que nos recibió mientras yo, unos
pasos más adelante, entré a un espacio amplio que
originalmente era un garage y había sido adaptado
para taller donde colgaba un espectacular de Ko-
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Cañón de Bandelier, viviendas “Hopi”. Nuevo México, EUA.
Cortesía de: Juan José Saravia AMC.
yaanisqatsi con títulos en Japonés y varios pósters y afiches de Powaqqatsi. El hombre solo sonrío
y miro hacia atrás de él permitiendo que Juan Carlos viera los afiches que les quedaban a sus espaldas.
-Yo edité Koyaanisqatsi-.
Nuestro rostro era una poesía.
-¿ Alton Walpole? - preguntó Juan Carlos.
La magia existe pero se busca, este hombre nos mostró una copia del guión original de Koyaanisqatsi y Powaqqatsi que más bien parecen diagramas de flujo. Nos prestó bocetos, dibujos y todas
las imágenes que él recopiló del proceso de siete años de producción en el que Reggio realizó Koyaanisqatsi. La joya más preciada de nuestro afortunado encuentro, la mesa de edición donde Alton
editó Koyaanisqatsi y. Powaqqatsi, así como el “trailer” original de cine.
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otro plano temporal, era como si detrás de la pantalla
de la mesa de edición estuviera el aula de la escuela
activa de fotografía en Coyoacán y yo estuviera mirándome a mi mismo años después, había logrado
pasar detrás de la pantalla, mirábamos lo mismo el
Juanjo del pasado y el del Presente, hoy escribiendo
estas líneas sumo un tercer plano y me veo a mi mismo con la misma pasión por mi trabajo pero con unos
cuantos cabellos de color plateado.
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Mesa de edición “Trailer” de Koyaanisqatsi.
Cortesía de: Juan José Saravia AMC.
Editar en una mesa horizontal Steinbeck era como conducir un Cadillac dentro del mundo de la edición, dependía de la cantidad de platos secundarios pero era un equipo que podría generar envidia
a muchos editores. Al momento de ver el “trailer” de Koyanisqattsi pude comprender la importancia
de tocar la película para entender el proceso de montaje, entender el AB ROLL, o sea que puedes
ver físicamente cómo dos líneas de tiempo como se integran en una sola. Los sistemas de edición
no lineal (es decir en la computadora) han tenido que evolucionar en muchos años para lograr la
eficiencia con la que los editores de antaño entendían el montaje. Los cuarto de edición son ahora
otro concepto muy distinto al que era en la época en la que se editaron estas películas.
Ver montados y correr sobre engranes los fotogramas de una de las películas que me motivó a ser
director de fotografía me provocó una muy particular emoción. Nunca hubiera pensado hacía dos
años, cuando descubrí esta película que estaría sentado en el sitio del editor, me vi a mi mismo en
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-¿te podemos entrevistar?- preguntó Juan Carlos a
Alton Walpole.
-Seguro, sólo que ahora no puedo, tengo que preparar el pavo navideño- nos replicó en tono burlón.
-¿entonces, nos podrías rentar las luces y la pizarra
de sincronía que necesitamos?- preguntó Juan Carlos
con la duda de saber cuanto tendría que pagar por el
equipo y el problema secundario fue que necesitaríamos más película para entrevistar a Walpole.
-Llévense las luces los días que las necesiten, va por
mi cuenta- amistosamente nos lo dijo.
¿Escuche bien?¿gratis? ¿Prestado?
-¿En serio?- pensé en voz alta,
- Ahora ustedes están aprendiendo, el día en que ya
sepan algo, enseñen lo que ya saben- nos dijo a modo
de un padre que empuja a sus hijos a caminar. Esta
es una de las mejores lecciones de humildad que el
cine me ha enseñado.
Juan Carlos marcó a todos los números de teléfonos
que nos dio Reggio, Walpole y Mark Magidson el productor de Baraka para localizar a Ron Fricke. Magidson, productor de varias películas de Fricke advirtió a
Juan Carlos que después de Koyannisqatsi, Ron tuvo
muchas desavenencias personales con Reggio pero
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que intentara localizarlo para que aportara su
entrevista para beneficio de nuestro proyecto.
Tras varios días de intentos Ron Fricke contestó. Juan Carlos haciendo honor a su puesto
dentro del proyecto, logró tras mucho trabajo,
convencer a Fricke de otorgarnos una entrevista después de más de 5 años en que había
prometido no hablar de Reggio ni Koyannisqatsi.
¿Qué le preguntas a alguien que con su trabajo
inspiró fuertemente el tuyo? Mi cabeza daba
vueltas en pensar que le preguntaría.
Llegamos muy puntuales el 24 de diciembre a
casa de Ron Fricke, ninguna señal de la Navidad en su casa, entramos, nos saludó al puro
estilo budista, nos pidió retirarnos los zapatos
y pasar al sitio donde podríamos hacer la entrevista.
Una casa amplia, sobria en su decoración, el
estudio limpio y muy ordenado, algunos fotogramas amplificados de los documentales
“Baraka” y “Chronos” adornaban las paredes,
un gran ventanal hacia un amplio jardín fue el
escenario para la entrevista. La diferencia de
luminosidad entre el interior con el exterior soleado y nevado era una situación sumamente
compleja en términos lumínicos, Fricke me miró
para que le indicara donde debía colocar la silla
en la cual se sentaría, hoy debo aceptar que le
indiqué el sitio sin ninguna meditación especial,
se acomodó y yo utilicé sólo una lámpara de
mil watts a través de un paraguas para rellenar
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un poco el interior del cuarto, me confié en la latitud del
negativo y comenzó la entrevista, hasta hoy me siento
orgulloso de la imagen obtenida.
Chronos, es una película que Fricke realizó en gran
medida como reacción a un conflicto creativo con Godfrey Reggio, la estructura es muy similar al trabajo de
Reggio así que las preguntas deberían ser muy específicas para que no se desatara una discusión. La entrevista fue sin duda muy calculadora por parte de Fricke,
Juan Carlos cumplió con no hacer ningún cuestionamiento personal entre Godfrey y Ron. Salimos de ahí a
celebrar la Navidad al puro estilo norteamericano.
Después de entrevistar a Alton Walpole, sólo faltaba
filmar a Reggio en su estudio, en su oficina en Santa
Fe, Nuevo México. Filmamos la entrevista y cada rincón
de su estudio el cual era un espacio bastante pequeño
pero con mucha personalidad.
La mañana del año nuevo de 1994, entre la resaca y el
frío no podíamos tomar perspectiva de lo que veíamos
por televisión. ¡Guerra en México! era el encabezado,
sólo veíamos las imágenes repetidas por todos los
medios internacionales en las que aparecían soldados
zapatistas caminando sobre cadáveres de soldados
mexicanos por alguna población chiapaneca. Mucha incertidumbre se manejó en la televisión y prensa en los
días en que estuvimos allá. La información que llegaba
de la Ciudad de México era de la familia y amigos, sin
lugar a dudas eran muy distintas las opiniones, al parecer en la ciudad todo tranquilo.
Eran plenos noventa, para algunos: época de bonanza
y sueños de neoliberalismo para otros; para nosotros
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DERECHA. PhilipGlass
Cortesía de: http://www.performances.org/press/1213/pressphotos/SFPPhilipGlass-01.jpg
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Desde México tratamos de contactar a Francis F. Coppola y a George Lucas, ellos financiaron la segunda película de la trilogía Qatsi, ambos titanes de la industria
Hollywoodense presentaron y financiaron una trilogía que
tiene un discurso poderoso tan sólo con imágenes y música, eran ellos sin duda un testimonio importante.
Juan Carlos contactó a los publirelacionistas de Lucas y
Coppola, este último esta asociado con algunos Mexicanos en complejos turísticos en Belice, por lo cual teníamos la esperanza de poder interceptarlo entre la Ciudad
de México o la Riviera Maya donde supimos viajaba con
frecuencia. Lucas, sólo era posible entrevistarlo en Los
Ángeles. El equipo de relaciones públicas nos mantenía
informados sobre la agenda de ambos, pero parecía que
nunca los podríamos encontrar si no concertábamos una
cita con unos cuantos dólares de por medio para apartar
la cita.
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Cañón de Bandelier, viviendas “Hopi”. Nuevo México, EUA.
Cortesía de: Juan José Saravia AMC.
todo giraba en torno a “vida fuera de balance”.
No sabíamos que pensar con el futuro del proyecto. El panorama político y social era muy poco
claro a principios del 94. Hicimos de todo dentro del marco de la legalidad para obtener recursos, yo me quería comprar una cámara de 16mm y Juan Carlos pagar deudas adquiridas por
el proyecto y quizá comprar un micrófono y grabadora para poder terminar el documental; poco
faltó para ser parte de experimentos genéticos. Hicimos desde fiestas que resultaron un fracaso
hasta filmar películas de clase b (llamados en México “video homes”). Yo asistía cámara y Juan
Carlos asistía dirección. Cada vez los recursos se hacían menos, era el año de 1994, fin del
Salinísmo, cambio de gobierno tras unas elecciones en las que asesinaron al candidato que
aparentemente era el “intocable”, era la época más incierta en este país desde hacía muchas
décadas, aunque muchos Mexicanos ni se percataron de este clima político y social creyendo
que éramos primer mundo. Y nosotros... tratando de crear un testimonio de arte.
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Dólares y dólares, el negocio no se detiene ni un segundo, por ello necesitábamos entrar en este esquema y para
mi fue la primer lección contundente de conocimiento del
mercado cultural mundial. Necesitábamos conseguir más
dinero para poder seguir; para apartar las fechas de los
titanes y que nos aportarán su opinión sobre lo que para
nosotros era una trilogía muy especial.
Para el momento en que logramos que nos dieran una fecha tentativa para la entrevista ya casi entraba el invierno
en el hemisferio norte.
Diciembre de 1994, Juan Carlos trabajaba de asistente
de dirección y yo asistiendo cámara en una película de
clase B llamada “uzy, ráfaga mortal”. La historia era “una
joya del género policiaco”, una de las películas más exi-
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tosas del sub-mundo cinematográfico del “video Home” mexicano: un comando armado secuestra un
avión y el héroe que rescata a los pasajeros es el mismo Mario Almada junto con varios actores que interpretan el comando perfeccionista al estilo SWAT región cuatro. La realidad de este argumento surgió
porque al director y productor de esta película le facilitaron filmar dentro de un avión de una aerolínea
basada en Cuernavaca, por ello el tema era el secuestro aéreo.
Justo cuándo estábamos filmando una secuencia de acción, balazos y amenazas de los comandos un
asistente de producción llegó con una de las peores noticias para nuestro documental: El peso se devaluó.
En la mente de Juan Carlos y la mía apareció de inmediato una gran interrogante: pasajes de avión,
hospedaje en Los Ángeles, en Belice, pago de agentes, etc. ¿Qué tan grande iba a ser el golpe?
De 3.50 a 12.50 pesos por dólar.
Día tras día veíamos como el peso caía estrepitosamente, cada vez era más inalcanzable terminar
nuestra aventura.
Este fue el peor golpe, este sí nos noqueó.
Silencio absoluto. Impotencia. Coraje. Tristeza. Resignación.
Meses pasaron sin dar crédito de lo cerca que estuvimos de terminar. Los servicios se dispararon en
precio. No pudimos ni editar. El conocido “error del 94” fue la estocada final y ninguno pudo utilizar este
proyecto como tesis.
La decepción fue tan grande que yo no quería volver a iniciar otro proyecto de tesis, muchos años pasaron hasta que la opción cero, ese trámite que hizo Vicente Fox, me permitió ser licenciado en comunicación. No dejo de pensar, ¿cómo hubiera sido mi vida si tuviéramos este proyecto terminado? Yo tengo
en mi poder una buena parte del negativo pero no se dónde esta el resto y tampoco se dónde esta el
sonido de las entrevistas. Lo único que tengo certeza es que Juan Carlos no quiere saber nada de ese
proyecto desde hace tiempo y yo me llevo la mejor parte, lo que el cine me enseño en esos días sigue
siendo hoy una de las mejores bases de mi trabajo y vida personal. Esta fue sin lugar a dudas una de las
mejores experiencias, la mejor escuela de cine, la mejor aula de la vida; no estoy seguro que hubiese
sido igual si lo hubiese grabado en cine digital. 23.98
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CARTELERA
Guión: Rafael Lara, Francisco Gallástegui
Música:Nacho Retally
Fotografía: Germán Lammers
Productora: Gala Films / Gobierno del Estado de
Puebla / Estudios Churubusco Azteca
Género: Bélico. Drama | Histórico. Siglo XIX
REPARTO.
Kuno Becker, Mario Zaragoza, Angélica Aragón, Liz
Gallardo, William Miller, Andrés Montiel, Jorge Luis
Moreno, Noé Hernández, Daniel Martínez, Mauricio Isaac, Christian Vasquez, Antonio Merlano, Jose
Carlos Montes, Pablo Abitia, Pascasio Lopez, Álvaro
García Trujillo.
SINOPSIS.
Cinta histórica donde recreará la conocida Batalla de
Puebla en la que el Ejército Mexicano derrotó al francés
en 1862.
FICHA TÉCNICA.
Título Original: CINCO DE MAYO: LA BATALLA
Año: 2013
País: MEXICO
Director: Rafael Lara
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SINOPSIS.
1 de mayo, 1956. Dos hermanos, Arturo y Gustavo Martínez, salen de Pachuca, Hidalgo con el deseo de cruzar
el continente en bicicleta. Ochenta y dos días después,
llegan a la ciudad de Toronto, sin saber que ésta hazaña
cambiaría la ruta de sus vidas y de su árbol genealógico.
Estos dos hermanos son mi papá y mi tío, y desde que
recuerdo, éste viaje épico ha formado parte del folclore de
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CARTELERA
mi familia. Más de medio siglo después, Arturo y Gustavo
vuelven a recorrer el mismo camino, en una exploración
de la memoria, los ciclos de la vida y el ineludible paso
del tiempo.
FICHA TÉCNICA.
Director: Felipe Cazals
Productor Ejecutivo: Fernando Gou
Compañía Productora: Cuatro Soles Films S. A. de C. V.
Idioma: Español
Guión: Felipe Cazals y Leo Mendoza
Fotografía: Martín Boege AMC
Dirección de Arte: Lorenza Manrique
Dirección de Vestuario: Mayra Juárez
Música Original: Víctor Báez
Sonido: Gabriel Coll
Postproductor: Tlacateotl Mata
Diseño Sonoro: Samuel Larson
Edición: Oscar Figueroa Jara
Locaciones: El Fuerte Sinaloa, Mocorito Sinaloa, Los
Mochis Sinaloa, Cosalá Sinaloa, Hidalgo y Puebla
Año: 2012
Género y Duración: Drama Histórico, 112 min.
Sonido: Dolby digital
Formato: 35 mm a color, 1:1.85
FICHA TÉCNICA.
Documental
91 min.
Español & Inglés
México
Dolby 5.1
Dirigida por: Andrea Martínez Crowther
Producida por: Ozcar Ramírez González
Música Original: Yann Tiersen
http://www.ciclofilm.com
SINOPSIS
Rafael Buelna Tenorio (Sebastián Zurita), nuestro
ciudadano, es un estudiante sinaloense de Derecho,
comprometido con sus ideales. Murió a los 33 años
luchando por su profunda convicción de justicia y
equidad. Compartió su vida con María Luisa Sarría
(Marimar Vega), esposa solidaria y amorosa, que entendió el papel de su compañero en la lucha revolucionaria. Ciudadano Buelna es un joven inconforme,
desconocido por la historia oficial, que soñó con un
país igualitario.
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REPARTO.
Sebastián Zurita, Marimar Vega, Damián Alcázar, Jorge
Zárate, Tenoch Huerta, Bruno Bichir, Elizabeth Cervantes, Dagoberto Gama, Gustavo Sánchez Parra, Enoc
Leaño, Villa Raúl Méndez
http://www.ciudadanobuelnalapelicula.com
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CARTELERA
FICHA TECNICA.
Título Original: HALLEY
Año: 2012
Duración: 90 min.
País: México
Director: Sebastian Hofmann
Guión: Sebastian Hofmann, Julio Chavezmontes
Música: Akira Rabelais
Fotografía: Matias Penachino
Productora: Mantarraya Producciones
Género: Terror. Drama
REPARTO.
Alberto Trujillo, Lourdes Trueba, Hugo Albores
http://www.halleyfilm.com/
SINOPSIS.
Alberto está muerto y ya no puede disimularlo. Su lamentable estado de descomposición es cada vez más notable; ni el maquillaje ni el perfume logran esconder su
condición. Renuncia a su trabajo para desaparecer en los
confines de su muerte, pero no si antes formar una inusual amistad con Silvia, la gerenta del gimnasio 24 horas
donde es guardia nocturno.
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SINOPSIS.
Los Fabulosos 7 narra la historia de un grupo musical de ambientación de eventos, que se encuentra
en un momento decisivo de su trayectoria y que enfrenta a sus integrantes al dilema de luchar por sus
sueños o renunciar definitivamente a ellos.
FICHA TÉCNICA.
Título Original: Los Fabulosos 7
Año: 2011
Director: Fernando Sariñana, Charlie Gore
Guión: Anahí López (Idea: Fernando Sariñana)
Música: Álex Cuevas y Álex Sánchez
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CARTELERA
obstáculos culturales, personales, sociales y los límites
geográficos.
Fotografía: Guillermo Granillo AMC, AEC.
Productora: Mezkalina Films / Corazón Films / Secretaría de Turismo del Estado de Oaxaca / Equipment and
FilmDesign
Género: Comedia
REPARTO.
Ximena Sariñana, Arcelia Ramírez, José Ángel Bichir, Ausencio Cruz, Paty Díaz, Odiseo Bichir, Juan Carlos Remolina, Fernando Becerril, Jorge Zárate, Ari Brickman y
José Angel Esparza.
http://www.corazonfilmsmexico.mx/main/template01.
php?cons=98
SINOPSIS.
Edward es un joven que vive en un pequeño pueblo
norteamericano, sus días parecen no tener sentido
hasta que conoce a Alberto, un mexicano que en su
juventud fue mariachi. Pronto Edward encontrará la
pasión en la música tradicional mexicana y viajará
a Guadalajara con un solo objetivo: convertirse en
Mariachi. En su viaje aprenderá que en el camino
para alcanzar sus sueños tendrá que sacrificar muchas cosas, mientras que sus sentimientos hacia
dos guapas tapatías lo llevarán a lugares que nunca
imaginó. EL MARIACHI GRINGO explora a través de
la música, la búsqueda de un sueño, a pesar de los
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FICHA TECNICA.
Título Original: EL MARIACHI GRINGO
Director: Tom Gustafson
Productores: Alejandra Cárdenas, Tom Gustafson
Cory Krueckeberg, Rafael Cuervo
y Ramiro Ruiz
Compañías Productoras: Sin Sentido Films y Speak
Productions
Productores Ejecutivos: Gill Holland, Ambrose Roche
y Isabella Smejda
Idioma: Español / Inglés
Guión: Cory Krueckeberg
Fotografía : Kira Kelly
Música: Tim Sandusky
Supervisora Musical: Annette Fradera
Diseño de Producción: Darío Carreto
Diseño de Vestuario: Malena de la Riva y Janice Pytel
Diseño Sonoro: Javier Umpiérrez
Edición: Cory Krueckeberg y Jennifer Lee
País: México / EEUU
Año: 2012
Género: Drama
Duración: 107 min.
Sonido: Dolby Digital
Formato: 35 mm - 1,85:1
REPARTO.
Shawn Ashmore, Martha Higareda, Fernando Becerril,
Lila Downs, Kate Burton, Tom Wopat, Adriana Barraza.
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CARTELERA
haciendo algo que ninguno de ellos había hecho antes... trabajar.
Será ahí y bajo esas condiciones donde los hijos de
Germán aprenderán cuán es su valor sin un apellido,
fortuna y posición social. Mientras que el propio Germán aprenderá un lección: su error no fue educar a
sus hijos con mano suave, sino que prefirió ser empresario que ser papá.
FICHA TÉCNICA.
Título Original: Nosotros los nobles.
Año: 2013
Direcctor: Gary Alazraki
Guión: Gary Alazraki
Música: Benjamin Shwartz
Fotografía: José Casillas
Productora: Alazraki Films
Género: Comedia | Sátira
REPARTO.
Gonzalo Vega, Luis Gerardo Méndez, Karla Souza,
Juan Pablo Gil, Carlos Gascón, Ianis Guerrero, Alberto Zeni y Quetzalli Cortés
http://www.nosotroslosnobles.com
SINOPSIS.
Cuando Germán Noble (Gonzalo Vega) - un manipulador
y poderoso empresario - se da cuenta que los haraganes
de sus hijos -- Javi (Luis Gerardo Méndez), Bárbara (Karla Souza) y Charlie (Juan Pablo Gil) -- están tirando sus
vidas por la borda, decide fingir la quiebra de su empresa para darles una lección, haciéndoles creer que todas
sus propiedades fueron embargadas: los deja sin coches,
celulares y tarjetas de crédito, los lleva a vivir a un vecindario pobre, los hace cambiarse de apellido y cortar
concomtacto con todos sus amigos para salir adelante
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SINOPSIS.
Dos jóvenes que se conocieron en otra vida se reencuentran. Alejandro reconoce a Yolanda, quien pertenece
a una extraña familia que tiene el defecto de vivir una
vida extraordinariamente larga y a la que él culpa de la
muerte de su padre. Alejandro emprende una aventura
para encontrar el secreto detrás de la muerte de su padre
y descubrir si es capaz de arriesgar la vida para enfrentar
su verdadero destino.
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CARTELERA
FICHA TECNICA.
Título Original: REENCARNACION, UNA HISTORIA DE
AMOR.
Año: 2012
Duración: 105 min.
País: México
Director: Eduardo Rossoff
Guión: Eduardo Rossoff (Novela: Juan José Rodríguez)
Música: Felipe Pérez Santiago
Fotografía: Germán Lammers AMC
Productora: Lestes Films, S.A. de C.V. / EFICINE 226
Género: Thriller
FICHA TECNICA
Título Original: SOBRE ELLA
Año: 2011
Duración: 90 min.
País: México
Director: Mauricio T. Valle
Guión: Mauricio T. Valle
Música: Sergio Luque
Fotografía: Niels Buchholzer
Productora: Bala Pictures
Género: Drama | Amistad
REPARTO.
Patricia Garza, Juan Pablo Medina, José María Torre, Aislinn Derbez, Ricardo Palacio, Ludyvina Velarde.
REPARTO.
Liz Gallardo, Shalim Ortiz, Raúl Méndez, Jorge de los
Reyes, Martha Aura, Ari Brickman, Khristian Clausen,
Roy Majoe.
http://reencarnacionunahistoriadeamor.com
SINOPSIS.
Para algunos, la vida es una fiesta llena de alegría,
música y baile. Sobre Ella es justo eso: una fotografía
colorida, con texturas y claroscuros. Es la historia de
cómo aprendemos a entender el destino, los lazos
de amistad, la pasión de amar y la alegría de despertar cada mañana. Conoce a Ana, Daniel, Christian
y Pía, un grupo de amigos que han logrado seguir
unidos a pesar de los problemas que los acechan
día a día. Hasta hoy, cuando un suceso inesperado
cambiará sus vidas para siempre.
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CARTELERA
de estabilidad, pero la Capital está más inquieta que
nunca. El Movimiento Estudiantil confronta al gobierno con marchas y plantones.
En este contexto, nuestros personajes convergen
desde distintos estratos sociales y desde distintas
posiciones del entorno, haciendo que momento a
momento fluyan las emociones y la sorpresa de lo
inesperado. Una historia de amor épico dentro de un
marco histórico que sigue generando controversia.
FICHA TÉCNICA.
Título Original: Tlatelolco, verano del 68
Año: 2012
Duración: 110 min.
Director: Carlos Bolado
Guión: Carolina Rivera
Música: Christian Basso
Fotografía: Andrés León Becker, Jaime Reynoso
AMC
Productora: Coproducción México-Argentina;
Producciones Corazón / Maiz Producciones / INCAA / FIDECINE / CONACULTA / CUEC-UNAM
Género: Drama. Romance | Basado en hechos reales. Años 60
SINOPSIS.
Tlateloco es una historia en una ciudad con grandes héroes y villanos; también una historia de amor entre dos
estudiantes de distintos estratos sociales.
Propuesto como el primer país del tercer mundo en ser
anfitrión de los Juegos Olímpicos, la Ciudad de México
se encuentra bajo la mirada microscópica del resto del
mundo. La tensión aumenta. El gobierno se esmera por
embellecer la ciudad y por darle al mundo una imagen
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REPARTO.
Cassandra Ciangherotti, Christian Vásquez, Roberto Sosa, Giovanna Zacarías, Camille Solari, Cesar
Ramos, Ricardo Kleinbaum, Teresa Ruiz, Claudette
Maillé, Luis Ernesto Franco, Alejandra Ambrosi, Marius Biegai, Juan Manuel Bernal, Andrés Montiel, Cecilia Ponce, Iván Arana, José Ángel Bichir, Francisco
Javier Padilla, Pablo Abitia, Angel Zermen y Genaro
Hernandez.
http://www.corazonfilmsmexico.mx/main/template01.
php?cons=76
SINOPSIS.
¿Cómo es que un buzo acapulqueño se casó con un top
model Americana? ¿Qué estaba buscando ella cuando
manejó en su convertible desde Nueva York hasta Acapulco con su hijo de 3 años de edad? ¿Qué le pasó a
este niño güero y pecoso que creció en un entorno que le
recordaba día con día que era un gringo?
Narrando una legendaria cacería de tiburón a mediados
de los años setentas como el corazón de nuestra historia,
conoceremos a la familia Martínez Sidney y descubriremos los secretos de su extraño pasado. También tendre-
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CARTELERA
Directorio
mos una nueva perspectiva de la relación México-EUA.
FICHA TECNICA.
Título original: VUELVE A LA VIDA
Año: 2010
Duración: 72 min.
País: México
Director: Carlos Hagerman
Guión: Carlos Hagerman (Historia: John Grillo)
Música: Conjunto Acapulco Tropical, Rigo Dominguez, Charles Gounod, Mariano Mercerón
Fotografía: John Grillo
Género: Documental
Formato de rodaje: MINIDV, DVCPROHD, Super 16mm,
Super 8mm.
Sonido: 5.1 Digital/ Estereo
Edición: Valentina Leduc
Música: Conjunto Acapulco Tropical, Rigo Dominguez, Mariano Mercerón
Productora: La Sombra del Guayabo / FOPROCINE
Co-Productores: Juan Carlos Rulfo, Nicolás Vale
Productores Asociados: John Grillo, Martha Sosa,
Yissel Ibarra
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coordinacion y diseno- editoral
juan jose saravia amc
coordinacion y distribucion
claudia mera olguin
CONSEJO DIRECTIVO amc
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vicepresidente
oscar hijuelos AMC
vicepresidente
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tesorero
jaime reynoso AMC
secretario
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equipo tecnico y colaboradores
Juan JosE Saravia AMC
Iniciativa AMC
Ricardo CerdAn
Claudia Mera o
Jorge Montalvo Aguirrebeitia
Eduado San MartIn
Especiales
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EDUARDO MARTINEZ SOLARES AMC
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Foto cortesía: Juan José Saravia AMC
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