Espacio y paisaje: La invasión del espacio

Espacio y paisaje: La invasión del espacio
Turn the W heel Again, de Kurt Schwitters
Lic. CC. En Flickr de Tho
k
mas Haw
En determinados momentos de la historia del arte, los artistas han visto agotado el espacio
bidimensional del lienzo donde pintaban y han sentido la necesidad de "invadir" la
tridimensión para realizar sus obras. Con la aparición del Collage las fronteras entre
pintura y escultura comienzan a desvanecerse. La pintura abrió un camino lleno de nue
posibilidades no tradicionales a los escultores. A partir de 1950, las obras tridimensionales
se manejan con tanta soltura que gozan de más intensidad creativa que la pintura, y el
espacio acabará imponiéndose para las nuevas experiencias de los artistas.
El siglo XX y el hombre moderno nos deparan situaciones artísticas muy diferentes a las
tradicionales; obras en las que convergen ideas, conceptos, sentimientos, materiales y
tecnología, materializadas de tal modo que nos parecen demasiado limitadas las
tradicionales fronteras y formas de clasificar el arte como pintura, escultura y arquitectura.
Evidentemente, en este tema abordamos el dibujo de forma multidisciplinar en relación
otros ámbitos como la escultura, el performance o la instalación, por sus claras
implicaciones y ocupaciones espaciales. Por tanto, si quieres profundizar, en los temas 3 y 4
de la unidad 1 y en el tema 4 de la Unidad 4 de la asignatura de Volumen de 1º de
bachillerato podrás encontrar más información relacionada con los contenidos que vamo
desarrollar en este tema.
1. Entre la pintura y la escultura
Desde el punto de vista actual, del arte moderno, podemos considerar el relieve de
dos modos distintos: el relieve clásico, como aquellos que adornaban las
construcciones griegas, y por otro lado los relieves originados partiendo de aquella
técnica del collage cubista y las pinturas que sirven como soporte para colocar
materiales diversos. Son estos últimos los que han generado múltiples posibilidades
invadiendo el espacio tridimensional de un modo revolucionario.
Podemos mencionar los
relieves como un género
intermedio entre la pintura
y la escultura. Desde el
punto de vista clásico y
tradicional es fácilmente
identificable: medallones,
puertas, muros y partes
de edificios han sido los
soportes que se
integraban con las formas
de estas obras durante
mucho tiempo; como este
relieve del Renacimiento
de "Las puertas del
paraíso", de Ghiberti.
Estos relieves entrañaban
algunas dificultades
propias del género,
distintas a las que podían
encontrar al realizar una
pintura o una escultura de
bulto redondo. Requieren
solucionar el espacio en
muy pocos centímetros de
profundidad, para lo cual
las formas han de
deformarse y engañar al
ojo acelerando las
profundidades.
Lic. CC. En Flickr de mharrsch
Existen unas series de obras que,
partiendo de la pintura, invaden el
espacio tridimensional como una
necesidad de expansión en la
búsqueda de nuevas soluciones
creativas alejándose de la idea del
relieve tradicional. Esta obra de Yves
Klein pretende hacernos pensar, El
artista juega con el contenido
simbólico de los colores y las formas
dando a éstos una mayor importancia
que al hecho de captar, imitar o copiar
lo que ven nuestros ojos.
Lic. CC. En Flickr de Bearfaced
1.1. De la pintura al Collage
A principios del siglo XX las experiencias pictóricas cubistas pronto llevaron a solucionar la
superficie del lienzo de una nueva manera. Picasso, Braque y Juan Gris son los artistas que
desarrollan la nueva técnica del Collage , técnica que desencadenará un desbordamiento
del espacio bidimensional hacia el tridimensional, y aunque en un principio los papeles
utilizados en estos collages tan solo suponían unos pocos milímetros más que sobresal
del lienzo, el hecho de pegar un elemento prefabricado en la superficie será el
detonante para que otros muchos artistas asumiesen este recurso y creasen obras que
desde el lienzo se proyectan hacia lo tridimensional.
El cuadro de Picasso "Las señoritas de Avignon" de
1907, se considera una de las primeras obra más
representativas del Cubismo . En ella se aprecia
como las figuras se descomponen y se vuelven
angulosas. En ellas el espectador aún puede
reconocer las figuras femeninas, algún que otro
ropaje, las frutas, etc.
Lic. CC. En Flickr de ymuniz
"El guitarrista" de 1910 es otra obra de Picasso, si
te fijas, ya la figura del personaje es prácticamente
irreconocible. El cubismo se ha vuelto más
hermético y al espectador se le hace muy difícil
identificar los objetos y personajes. Este tipo de
cubismo se conoce como Cubismo Analitico
hermético, donde el estudio de las formas produce
un aspecto alejado del realismo, ya que el autor ha
fraccionado el modelo decidiendo que partes y que
puntos de vistas son representados.
Lic. CC. En Flickr de teadrinker
La perdida de la realidad en estas obras llevó a
George Braque a introducir algunos fragmentos de
palabras, números y símbolos en sus pinturas para
que el espectador pudiese encontrar alguna
referencia y pista para comprender lo que ve.
Lic. CC. En Flickr de Martin Beek
Georges Braque dará un paso más introduciendo
en estos cuadros una referencia a la realidad por
medio de materiales extraido de la propia realidad,
sobre todo papeles de decoración de paredes y
papeles con texturas como la madera. Afronta el
problema con una nueva técnica: el Collage
decir, pegando sobre el lienzo.
Un claro ejemplo es esta obra de Juan Gris "La
botella de anís" de 1914. El problema se resuelve
pegando la etiqueta de una botella de verdad,
papel que imita la madera y papel de periódico.
Son elementos cogidos de la vida real y pegados
en el lienzo. El collage hace posible que de nuevo
el observador pueda reconstruir una obra cubista
gracias a las referencias realistas que le aportan
estos recortes. Este tipo de Cubismo se conoce
como Cubismo Sintético , donde la obra se ha
sintetizado o simplificado con la ayuda de las
formas geométricas a las que se les ha añadido
elementos recortados para dotarla de significado.
Lic. CC. En W ikimed. Dominio publico
A raíz de los primeros collages, el papel pegado va
adquiriendo, en algunas obras, cada vez más
protagonismo; surgen así los llamados Papier
Collés (que significa papeles pegados) donde el
papel aporta a la configuración de la obra sus
principales elementos, como las texturas, las
formas, los colores y el espacio. Puedes
observarlo en esta obra de Picasso llamada "vaso
y botella de suze", de 1912, donde se utiliza papel
de periódico, carboncillo y cera.
Lic. CC. En Flickr de eSeL.at
La nueva estética del papier collé es trasladada a la
pintura de nuevo. Este cuadro de Pablo Picasso es
un óleo sobre lienzo, en él no hay papeles
pegados, pero se imitan los comportamientos de
dichos papeles a través del óleo. "Los tres
músicos" es una obra de 1921.
Lic. CC. En Flickr de IEDA PROFESORES
Aquí tienes dos imágenes que corresponden a los que se consideran el primer collage y
primer papier collé. Abajo a la izquierda el collage de Picasso, de 1912, titulado "Naturaleza
muerta con silla de rejilla", hecho con óleo, un recorte de hule impreso con una imagen
industrial de una rejilla, papel encolado y una cuerda que hace de marco.
A la derecha el primer papier collés, de Georges Braque, de 1912; en él utilizó carboncillo y
papel con efecto de madera.
Lic. CC. En Flickr de williamcromar
Lic. CC. En Flickr de williamcromar
Desde entonces han sido
muchos artistas los que han
utilizado las técnicas del
collage y papier collés.
Muchos movimientos
artísticos asumieron este
recurso como uno más para
hacer válidas sus
expresiones, como en esta
obra de Robert
Rauschenberg realizada en
1955.
Lic. CC. En flickr de DayDreamPilot
Para saber más
"La botella de anís" forma parte de
la colección del Museo Nacional
Cetro de arte Reina Sofía.Puedes
saber más viendo este vídeo.
1.2. Del collage al assemblage
El collage y los papier collés ( papeles y otros materiales parecidos como el hule del que
hablamos anteriormente) fueron realmente una gran ruptura con los métodos y recursos
empleados anteriormente en la pintura. Los cubistas utilizaron estos materiales de diferentes
modos: para imitar texturas y materiales, recortados con formas determinadas para
configurar los objetos, para aportar color y espacio, o como un trozo extraido de la realidad
y llevada al cuadro.
Este mismo concepto de añadir, superponer o pegar para conformar una obra, dio lugar
los Assemblages , cuando lo que se añade son objetos reales y materiales existentes en la
realidad. Los assemblages han sido llamados de formas diferentes en los distintos
movimientos artísticos (montajes, ready-mades, construcciones, combines paintings, et
En 1961 tuvo lugar una exposición llamada "The Art of Assemblage", con el nombre de
Assemblage se quería acoger a todas las formas del arte compuesto y maneras de
yuxtaposición, ampliando el término Collage
Los Montajes de Picasso
Las distintas experiencias de Picasso que le llevaron a invadir cada vez más el espacio
partiendo del collage, tienen mucho que ver con ensamblar, montar y superponer. Obser
las fotografías de abajo, todas son obras de Picasso y en ellas se representa siempre una
guitarra. Puedes comprobar como desde la pintura se invade poco a poco el espacio
tridimensional.
1912 Guitare j'aime Eva
.
1913 Guitare
.
La primera imagen
corresponde a una
pintura cubista, oleo
sobre lienzo. En la
segunda, la pintura ha
evolucionado hacia el
papier collé , puedes
ver el uso de varios
papeles que dan forma al
objeto: papeles para
decorar paredes, de
periódicos, y otros de
distintos colores.
Lic. CC. En Flickr de jmussuto
Lic. CC. En Flickr de jmussuto
1913 Guitare et bouteille de Bass
.
1913 Guitare
Guitare et bouteille de Bass ha
evolucionado un poco más, es una
especie de paier collé donde el papel
ha sido sustituido por madera,
parece ser que el soporte de esta
obra es un tablero de una mesa de
café. A su derecha puedes ver como
ese montaje evoluciona a una obra
que podemos catalogar como una
Construcción , una guitarra hecha
de cartón y cuerdas.
Lic. CC. En Flickr de jmussuto
Picasso.
Lic. CC. En Flickr de Nika
1914 Guitare.
La guitarra de cartón y cuerda da paso a esta nueva guitarra
de chapa y alambres. Te darás cuenta de que es una obra en
la que que no ha sido necesario esculpir, tallar o modelar,
hace falta buscar una manera distinta para referirse a esa
clase de obras, que hasta entonces no existían. El término
más adecuado es Construcción . Esta construcción crea
una nueva categoría temática: a diferencia de lo tradicional,
no es una figura humana, animal o naturaleza muerta, sino
un objeto . y, si te fijas, no tiene peana, no puede colocarse
en el suelo, es más bien, para colgarla en la pared, lo que
hace que se parezca a una pintura en este sentido. Estas
construcciones cubistas de Picasso también reciben el
nombre de escultopinturas , y tendrán una repercusión
enorme en el arte que le sigue. En cuanto a su forma, se
parece a los collages que realizaba con pintura y papeles,
donde las formas se geometrizan y permiten hacer un
análisis o una síntesis, que como ves, en escultura tiene
resultado volumetrico tridimensional.
Lic. CC. En Flickr de wallyg
Otras obras de Picasso
Aquí tienes otra escultopintura derivada del collage:
Vaso y dado, de 1914. Este tipo de obras parecen
haber sido arrancadas de la bidimensionalidad para
invadir la tridimensión, y funcionan a la vez como una
pintura y escultura.
Después de estos trabajos de Picasso, pronto
aparecerían algunos escultores que seguirían estos
principios cubistas, como Alexander Archipenko, del
que puedes buscar algunas obras en internet,
rápidamente verás la relación de estas obras con las
suyas.
Lic. CC. En Flickr de jmussuto
Abarcando de pleno la tridimensionalidad, y ya
como una verdadera escultura de bulto redondo,
Picasso realiza su "Vaso de Ajenjo" en 1914.
Además de la estética cubista, asistimos a la
introducción de un objeto real en la escultura.
Observa la cucharilla de plata que sujeta al terrón
de azúcar. Se trata de una cucharilla real, de uso
cotidiano; es un objeto no hecho por el propio
artista (como la etiqueta de la botella de anís de
Juan Gris del apartado anterior).
Lic. CC. En Flickr de wallyg
Pregunta Verdadero-Falso
Elige verdadero o falso
Es lo mismo el collage que el papier collé.
Verdadero
Falso
Con el nombre de Assemblage se quería acoger a todas las formas del arte compuesto
El assemblage y la introducción del objeto en el arte (arte objetual) están de alguna
manera relacionados.
Verdadero
Falso
1.3. Los assemblages y el arte objetual
La introducción en la obra de arte de objetos y materiales que nos rodean supuso la
trasgresión de las fronteras entre las dos dimensiones del lienzo y el espacio tridimensional.
El arte moderno los utilizará de muchas maneras distintas.
Assemblages dadaístas
En otras ocasiones te hemos hablado del Anti-Arte Dadá. Fueron los dadaístas quienes
tomaron objetos reales de un modo descarado y lo presentaron como arte, llevando al
extremo la utilización del objeto como parte de la obra.
Este es un montaje o assemblage de Marcel Duchamp. Eran
llamados Ready made (Que significa ya hecho). El autor
tomó una rueda de bicicleta y un taburete, ensambló ambas
piezas y firmó con su nombre esta construcción de objetos.
Podemos intuir los precedentes de esta obra en el vaso de
ajenjo de Picasso, que a su vez tomaba la incorporación de un
trozo de realidad a la obra como lo hacían los collages (visto en
el apartado 1.1), aunque ahora la finalidad es otra; el artista
elige los objetos, pero renuncia a crearlos, renuncia a todo el
proceso de creación de una obra artística, incidiendo en la
deshumanización y el anti-arte. Al mismo tiempo, la elección de
estos objetos se hacía con un criterio neutro, sin ninguna
prioridad.
Todo ello supuso un escándalo en su momento, pero tuvo
importantes repercusiones en el arte posterior, por ejemplo: la
introducción del objeto no solo ha pasado del plano al
volumen, sino que además, esta rueda posee movimiento real.
Lic. CC. En Flickr de ART 314
A la izquierda ves
"Elasticum", de Raul
Hausmann, que fue el
descubridor del
fotomontaje, otra
derivación de los
collage. Fueron muy
utilizados por algunos
dadaístas y por
numerosos artistas
posteriores.
A la derecha puedes
ver "Cabeza
mecánica", también
de Hausmann, de
1920. Un assemblage
donde el artista no
esculpe ni modela; no
se mancha las manos,
pues todos los
objetos que están
ensamblados ya
existían.
Lic. CC. En Flickr de williamcromar
Lic. CC. En Flickr de Amigomac
Kart Schwitters
era otro
dadaísta, a la
izquierda una de
sus obras a las
que él llamaba
Merz ; esta se
llama "Merz
Toegang". En
esta y en otras
obras parecidas
Schwitters
utiliza a modo
de collage
billetes, tikets,
envolturas de
productos,
cuerdas, etc.
A la derecha una
obra más
tridimensional,
un assemblage
en el que
introduce
materiales como
cartón, cuerda,
malla metálica,
etc.
Lic. CC. En Flickr de Cea
Lic. CC. En Flickr de Cea
Otros assemblages
El Constructivismo está vinculado al cubismo.
El artista ruso Vladimir Tatlin conocía la producción
de los cubistas. Una de las más famosas obras
constructivista es este "Contrarrelieve" de 1914,
realizado con madera, hierro y cables.
Aunque son assemblages, las obras de los
constructivistas son conocidas como
" Construcciones ".
Lic. CC. En Flickr de jgiesekig
El Surrealismo a menudo recurre a los
assemblages para adentrarse en el mundo
imaginario y subconsciente que lo caracteriza,
lanzando al espectador mensajes que emergen
desde lo "surreal". La introducción de objetos en
las obras surrealistas tiene como antecedente los
Ready Mades. Si los objetos de los Ready mades se
elegían al azar, con un criterio neutro, ahora, el
surrealista encuentra un objeto y lo elige con un
criterio determinado, atendiendo al subconsciente y
a su relación con la obra. Se pasa del ready made
al objet-trouvé (que significa objeto
encontrado). Esta escultura o assemblage de Dalí
utiliza distintos materiales; puedes ver una barra
de pan, realizada en material perdurable.
Originalmente, algunos assemblages surrealistas
contenían comida, insectos, u otros materiales
orgánicos que acababan deteriorándose, por lo que
solo existen en fotografía.
Lic. CC. En Flickr de aromano
Los Assemblages Box
o cajas ensambladas son
obras surrealistas muy
interesantes. Recurren a
los objetos para sugerir
ensoñaciones, deseos, e
ideas con carácter muy
cercano a lo poético.
Joseph Cornell es uno de
estos artistas.
En este enlace puedes
ver más obras de este
autor.
Lic. CC. En Flickr de rocor
Pregunta Verdadero-Falso
Elige verdadero o falso
Los dadaístas utilizaban objetos en sus obras.
Verdadero
Falso
No es posible realizar una escultura sin esculpir o tallar.
Verdadero
Falso
El objet trouvé es un objeto encontrado que se emplea en la obra de arte. Es un
término que principalmente utilizan los surrealistas.
Verdadero
Falso
2. La plenitud del espacio
Escultura: Gilles Barbier: En la sopa,
una fondue de queso cheddar y tres
pesadillas, las burbujas del discurso
(inquilino y propietario), segmentos
aislados (el asesino infinito) y los
plátanos / Vallois Galerie / The Armory
Show 2010 / 20100305.7D.03927.P1 /
SML
Lic. CC. En Flickr de See-ming Lee 李思明 SML
Desde los años 50 el assemblage como recurso y la introducción del objeto formando pa
de la obra artística apuntan hacia la modernidad de las creaciones con múltiples variantes,
conquistando el espacio cada vez de una forma más plena.
2.1. La tercera dimensión se impone
La introducción de los objetos en las obras de artes orienta al hecho artístico hacia lo
tridimensional; la descontextualización de los objetos, la elección al azar, la elección dirigida,
las colecciones y acumulaciones, la combinación de materiales, los restos y deshechos
objetos rotos, deteriorados y rasgados, etc. se convierten en los recursos preferidos de
muchos nuevos artistas para un arte moderno en el que el artista, cada vez necesita abarcar
más espacio. Al mismo tiempo, muchas de estas obras se envuelven en la idea de que el
hombre del siglo XX es puro consumo, industria y publicidad.
Louise Nevelson es una arista
que desde la década de 1950
realiza assemblages con
objetos encontrados de
madera, los cuales dispone de
un modo elegantemente
ordenados y pintados.
En sus obras se pueden percibir
los ecos del collage y del
cubismo.
Aquí puedes ver otras obras
de Nevelson, no son pinturas,
ni esculturas, son maravillosos
assemblages que se debaten
entre lo bidimensional y lo
tridimensional.
Lic. CC. En Flickr de stratoz
Robert Rauschenberg llamaba "Combines" a
sus assemblages, pintura y escultura
combinadas donde utilizaba objetos y
materiales no tradicionales. Comenzó a
realizar este tipo de obras entre 1950 y 1960.
Si quieres saber algo más sobre este artista
tan fascinante puedes pulsar en este enlace
te levará a un artículo con más información.
Estas otras obras de Rauschenber seguro
que te asombrarán.
Lic. CC. En Flickr de sielju
Las obras de John Chamberlain unifican
consideraciones del expresionismo abstracto
de Jackson Pollock y del arte Pop. Utiliza en
sus assemblages trozos encontrados de chasis
y piezas de coches destrozados.
Puedes conocer un poco más a este autor a
través de este ameno artículo , en el que
llaman a Chamberlain " el mecánico del arte".
Lic. CC. En Flickr de wallyg
El Nuevo Realismo es una tendencia
artística que utilizó estos nuevos
recursos como el assemblage o el
decollage (pegar y después despegar
o desgarrar). A la izquierda puedes
ver una obra de Arman, artista
representante del Nuevo Realismo.
Sus obras están llenas de objetos
dispuestos con cierta intención
reivindicativa, se trata de las
llamadas Acumulaciones, que son
una derivación del assemblage
donde se amontonan y coleccionan
una serie de objetos del mismo tipo
que conforman la obra artística.
Aunque Arman comenzó a realizar
sus acumulaciones en la década de
1950, esta que te presentamos es de
1991, un assembalge donde ha
acumulado numerosas brochas y
una bicicleta. Aquí puedes visitar su
web y más "acumulaciones".
Lic. CC. En Flickr de rocor
Daniel Spoerri es otro hito importante
del assemblage. También pertenece al
Nuevo Realismo, y tiene numerosas
obras realizadas con restos de
comida.
Puedes ver la obra llamada
"Restaurant de la City Galerie" de
1965.
Lic. CC. En Flickr de thefoxling
Otra derivación de la
utilización del objeto
encontrado es el Junk
Art o Arte Basura.
Algunos artistas
introducirán estos
materiales de deshecho
bajo la forma de
assamblage. Sin duda
una revelión contra la
forma tradicional de
utilizar materiales nobles
en el arte y una
reivindicación ecológica.
Puedes ver a la izquierda
una obra de El Anatsui,
un artista nigeriano que
utiliza distintos tipos de
envoltorios y chapas de
botellas de bebidas para
entretejer esta formidable
obra.
Detalle.
Lic. CC. En Flickr de
Galería de Mark B. Schlemmer
(ambas fotografías)
Pregunta de Elección Múltiple
Elige la respuesta correcta
Desde la década de los 50, mitad del siglo XX, la mayoría de los artistas
prefieren realizar obras tridimensionales, ya que los nuevos recursos
desarrollados a partir del collage y el assemblage abren nuevos caminos de
exploración y expresión.
Desde la década de los 50, mitad del siglo XX, la mayoría de los artistas prefiere
2.2. El lugar, la materia y la acción
Es normal que el estilo propio de una época abarque distintas áreas, la estética del momento
se desborda hacia decoraciones y objetos; podemos verlo en el arte clásico, el Barroco, en
el Renacimiento, etc. También esto pasa en el arte moderno, encontraremos siempre la
voluntad de llevar y extender al espacio lo que hay en el cuadro.
No es de extrañar que el assemblage y el arte objetual conquistara pronto el espacio
escultórico. Son muy numerosos los artistas que utilizan estos recursos para hacer sus
esculturas; de hecho, casi todos los artistas del apartado anterior no solo son autores de
assemblages que se cuelgan en la pared, sino que trabajaron el assemblage y el arte d
objeto desde la escultura. Es un paso más en la invasión del espacio hacia lo tridimensional.
"City on the High Mountain" de L. Nevelson
Lic. CC. En Flickr de lilyo
"Swit William" de Chamberlain. 1962
"Compression" de Cesar. 1962
Lic. CC. En Flickr de rocor
Lic. CC. En Flickr de enric archivell
La importancia del lugar
La nueva estética del siglo XX no solo es interpretada desde la escultura, también las
invenciones que se hicieron en el lienzo quieren ser lanzadas al espacio arquitectónico. ¿Te
imaginas una casa cubista o dada? Pues aunque es algo poco imaginable, existieron est
proyectos. Ya en 1912, Raimond Duchamp presentó en el salón de otoño de París una
maqueta de una casa con una fachada de estética cubista. El deseo de trasladar los estilos
personales a edificios, salas de exposiciones e interiores generará que la obra artística
abarque grandes espacios tridimensionales.
Kurt Schuitters
dedicó gran
parte de su
tiempo a
trasformar su
casa en la que
habitó desde
1918 a 1935 en
Hannover. Una
casa dadá que
denomina
MERZbau,
como el
nombre de uno
de sus
collages.
A la izquierda
puedes ver una
foto de la casa
original, y en el
vídeo una
reconstrucción
de la casa.
Lic. CC. En Flickr de willamcromar
Esta imagen corresponde a una
reconstrucción del espacio "Proun"
1923, de El Lissitzky, en la línea de la
estética constructivista y
suprematista. Se trata de un espacio
donde resuena el eco de los
assemblage.
Lic. CC. En Flickr de williamcromar
Desde la estética
Surrealista, Dalí
elabora en 1934 un
retrato de Mae West
en gouache sobre
papel de periódico
que luego llevará al
espacio
tridimensional a
modo de escena. El
rostro solo es posible
verlo correctamente
desde un punto de
vista.
Lic. CC. En Flickr de vincent d.
Lic. CC. En Flickr de funadium
La importancia de la materia
Tendencias como el Arte Povera y el Land Art cargarán su fuerza expresiva en la materia, los
primeros emplearán materiales pobres como una manera nueva de hacer arte, del mismo
modo, el Land Art empleará la tierra y la misma naturaleza como material, interviniendo en
grandes espacios.
El recuerdo de la utilización de objetos
encontrados y el uso de materiales de
deshecho y materiales no nobles en
aquellos assemblages se nos viene a
la mente cuando hablamos del Arte
Pobre. La elección de estos materiales
como principal recurso expresivo y
reivindicativo desarrollados en el
espacio conforman el conjunto de la
mayoría de las obras del Arte Povera
que se desarrolló a final de la década
de los 70. A la izquierda puedes ver el
famoso "Iglú" de Mario Merz, de
1968, realizado con sacos de arenas
ensamblados y luces de neón; Mario
Merz recurre en numerosas ocasiones
a la forma del iglú para exponer las
ideas de interior, exterior, protección,
fragilidad, simplicidad, fortaleza...
Lic. CC. En Flickr de punctuum
La tierra, el mar, las
montañas y la naturaleza
como espacios y
materiales para estas
obras experimentales
reivindican no el arte
como un producto
fabricado industrialmente
o tecnológicamente, sino
como un proceso, es
decir, el valor de estas
obras reside mientras la
naturaleza está siendo
modificada; con ello
pretenden hacernos
pensar en una naturaleza
viva y cambiante. En la
mayoría de las ocasiones
estas intervenciones
desaparecen, siendo la
fotografía o el vídeo el
único modo de dejar
constancia de sus
existencias. En la imagen
puedes ver la conocida
Spiral Jetty, de Smithson,
1970.
Lic. CC. En Flickr de
DennyMont
La importancia de la acción
El Expresionismo Abstracto, en cuanto al gesto
y la acción del proceso (como la pintura de
Pollock) también aportaron estas ideas que
serían llevadas del lienzo al espacio. Pollock
trabajaba con el lienzo en el suelo, lo rodeaba y
pintaba desde los cuatro lados. Esto mismo
suponía que la obra era resultado más de una
acción y un gesto que de pintar como
tradicionalmente se entiende. Otras
modalidades artísticas como los happening y la
performance asumen estos recursos como
verás en el siguiente apartado.
2.3. El evento y lo efímero
La multidireccionalidad del arte a partir de 1950, cuando las segundas vanguardias
desarrollan el arte moderno con el precedente de las innovaciones de las primeras
vanguardias, y de aquel arte que había nacido del objeto, toma paradójicamente el cam
de la desmaterialización del arte.
Por un lado el objeto descontextualizado, es decir, sacado de su entorno habitual y
presentado como arte (recordemos a rueda de bicicleta de Duchamp), hace que el interé
la obra resida en el concepto , en la reflexión que debemos hacer para comprender lo que
vemos. Las distintas presentaciones de estas obras tienden a desarrollarse en el espacio
tridimensional.
Por otro lado, una de las derivaciones del cubismo terminó por expresar las formas
geométricas más simples, el minimalismo acabaría generando un tipo de arte también
conceptual cuando la reducción de estas formas nos lleva a un lienzo prácticamente en
blanco e implica al ambiente que lo rodea como parte determinante en la obra, obligando
a dicha obra a expandirse hacia lo tridimensional.
Otra rama derivada de estas primeras vanguardias apostará por el proceso y la actitud
más que por el producto terminado, el verdadero arte residía en el mismo acto creativo.
Todas estas derivaciones tienen algo en común que consiste en la implicación del público. El
público ya no es un mero observador pasivo, debe permanecer activo, debe reflexionar,
pasear, presenciar, y en definitiva participar. La obra no estará completa hasta que el
visitante forme parte de ella.
Estas experiencias inducen a la aparición de nuevos términos para definir este nuevo arte,
que renuncia al lienzo tradicional y que busca otros espacios inexplorados hasta entonces;
Términos como Environments, Happening, performances e instalaciones hacen
referencia a estos eventos que podemos encontrar también relacionados con los de Arte
Acción, Arte conceptual, intervenciones, y otros términos que intentan definir de algún modo
estos tipos de experiencias, que en su mayoría son de carácter efímero por estar
determinado por la vivencia.
El Environment
El assemblage sirvió de punto de partida a
los environments; la utilización del objeto
relacionado directamente con la vida y la
diversidad de materiales se convierte en
los environment una idea determinante.
Podemos decir que un environment es una
especie de assemblage que pretende
envolver y sumergir al espectador en la
misma obra, haciéndolo partícipe de ella,
afectándolo física y emocionalmente e
integrándolo en un Ambiente creado.
Rompiendo el marco de lienzo se expande
hacia un espacio tridimensional que puede
ser un interior o un exterior. Luces y
sonidos también son utilizados como
recursos en los environments.
El vídeo no está en castellano, pero puede
hacerte una idea de la propuesta de Paul
thek, pionero del Environment.
Happening y Performance
El Happening es una
manifestación artística, que por su
carácter suele ser efímero. Estas
actuaciones pretenden convertir de
modo espontaneo a los
espectadores en participantes de la
obra, de hecho, la improvisación es
una de las características que
marcan estos eventos.
El carácter integrador de objetos,
acciones, música, teatro, personas,
etc. del happening nos hace
recordar ese mismo carácter
integrador de elementos diversos
del collage y del asemblage, del
mismo modo que sus acciones
descontextualizadas evocan las
obras dadaístas.
La Performance es muy parecida
al happening, pero se diferencia en
que todo responde a un guion
predeterminado, es más teatral
frente a la improvisación del
happening. La performance está
muy relacionada con los
comportamientos y actitudes.
Puedes profundizar un poco más si
visitas esta web , donde
encontrarás el artículo "El
Happening como tendencia
artística"
Fluxus
movimiento
artístico
relacionado con
el arte de
acción. Su
nombre
significa "fluir",
relacionado con
la idea de
cambio. La
performance
era habitual en
sus modos de
hacer arte.
Yoko Ono fue
una de sus
representantes.
El Body Art o arte corporal también
recurre a la performance en muchas
ocasiones para manifestarse. La violencia
llegó a formar parte de estas acciones, lo
que hizo que algunos artistas pasaran por
prisión aunque fuera por poco tiempo.
Las instalaciones
Una Instalación es en espacio
acondicionado concretamente para
una obra de arte diseñada para
dicho espacio, y que no está
completa hasta que el espectador la
visita y forma parte de ella. Una
instalación depende del espacio y
de la manera en que los objetos lo
ocupa. Como puedes ver, los
environments y las instalaciones
están muy relacionadas, si bien el
término instalación surgió después
en la década de los 90.
las instalaciones son el medio
expresivo de muchos artistas
actuales. Al igual que los modos de
arte anteriores, su naturaleza hace
que sea un arte efímero, y que
muchas de ellas consten solo
mediante el vídeo o la fotografía.
Curiosidad
Un espacio totalmente hecho de
basura. Ha Schult es un artista
alemán que utiliza la basura como
principal material. Hecho con los
residuos recogidos en una playa,
este hotel ofrece la posibilidad de
ser vivido a algunos "afortunados"
3. Otros modos de invadir el espacio
El collage y el asemblage son dos maneras hermanas de hacer arte; un camino que
conquistó el espacio desde el lienzo. Pero estos no son los únicos procedimientos que han
utilizado los artistas para acercarse al volumen tridimensional desde el plano bidimensional.
Existen más técnicas o recursos que pueden ser utilizadas para desbordar el lienzo o el
papel.
Este apartado está muy relacionado con "La creación de formas tridimensionales a
partir de formas planas" de la unidad 1 de la asignatura de Volumen de 1º de
Bachillerato, es muy recomendable que le des un vistazo.
3.1. Salir del plano
La luz, el movimiento, la geometría, las texturas, etc. son elementos del lenguaje visual que
los artistas han empleado en numerosas ocasiones para adentrarse en la tridimensional
En este tema has visto como han sido utilizado gran variedad de materiales y objetos.
A continuación te mostramos algunos ejemplos que pueden servirte para realizar tus pr
experiencias en este sentido.
Utilizando la geometría
Cortar, doblar y
pegar pueden
llevarse bien con la
geometría. Los
ritmos y las
composiciones
modulares han
sido utilizados por
numerosos artistas
para organizar sus
composiciones.
Imagen propia
Utilizando el movimiento
Desnudo bajando una escalera.
Duchamp.
1912
El movimiento es espacio.
Muchos artistas han
perseguido representar,
captar o reproducir el
movimiento. Esta idea del
movimiento ha sido cada
vez más compleja, desde
los orígenes del hombre
hasta los montajes más
sofisticados del Arte
Cinético.
Lic. CC. En Flickr josepajares.com
Utilizando la luz
La utilización de la luz procedente de la obra de arte
también ha sido la propuesta de numerosos artistas del arte
moderno. La obra de arte pensada como fuente de luz es
una proyección de sí misma hacia el exterior, impregnando
el espacio tridimensional que le rodea.
A la izquierda puedes ver una obra de Dan Flavin, un artista
minimalista que utiliza la luz en sus obras. Puedes
establecer la relación de este tipo de obras con los
environments.
Lic. CC. En Flickr de _rockinfree
Utilizando las texturas
Los artistas matéricos,
partiendo del expresionismo
abstracto y de la idea del
assemblage de introducir
nuevos materiales, utilizan
materias diversas diferentes de
las tradicionales, incluyendo en
el cuadro arena, tela de saco,
chatarra, trapos, madera,
cristal, yeso, etc. Los pintores
actúan sobre la obra
destruyéndola en parte con
cortes, perforaciones o
desgarrones, etc.
Antoni Tapies es un
representante español del
informalismo. Puedes establecer
alguna relación con el Arte
Povera.
Lic. CC. En Flickr de dou_ble_you
Salirse del marco
Ya Picasso realizó algunas obras
medio pintura medio escultura
en las que el marco
desaparecía. Romper el marco
es una manera de acceder al
exterior, de acceder a la
tridimensión.
Aquí tienes dos obras, una
escultopintura de Picasso y una
obra de Frank Stella; Ambas
rompen el marco tradicional de
una pintura para salir desde lo
bidimensional a lo
tridimensional.
Lic. CC. En Flickr de jmussuto
Lic. CC. En Flickr de wallyg
4. Aula Taller
Collage de Picasso.guitarra. 1913
La técnica del collage ha sido sin duda una revolución
en el mundo del arte. Te proponemos que experimentes
con esta técnica. Realiza un dibujo realista de algunos
objetos, a continuación geometrízalos hasta que apenas
se reconozcan, introduce trozos de papeles que puedan
orientar al espectador sobre los objetos a partir de los
cuales has trabajado. También puedes introducir letras y
números como hicieron los cubistas.
Lic. CC. En Flickr de jmussuto
Kurt Schitters. Merz Rainbow. 1939
Intentemos ir un paso más allá, al igual que
ocurrió en la historia. Te proponemos que
realices un assemblage como los de Schwitters,
quien incorporó algunos materiales diferentes al
lienzo, lo que hizo que éste ganase en
tridimensionalidad. Elabora un assemblage sobre
una superficie bidimensional, puedes utilizar
materiales que puedas encontrar fácilmente
como cartón, cuerda, alambre, madera, tela,
etc. incluso puedes añadir algún objeto como
una cucharilla, una pinza de la ropa o cualquiera
que te parezca oportuno. Procura vigilar la
composición.
Lic. CC. En Flickr de Cea
5. EnREDarte
Con esta aplicación
gratuita online puedes
divertirte un rato. Puedes
realizar un assemblage
virtual utilizando los
objetos que te muestran.
Puedes cambiar los
tamaños, la posición de
los objetos y rotarlos. ¿Te
atreves a realizar un
retrato?
6. Arte con acento andaluz
Nacho Criado
Nacho Criado es un
andaluz nacido en
Mengíbar, Jaén. Se
preocupa de la forma, el
material, el proceso y el
concepto.
Puedes visitar su web en
este enlace donde
existen fotografías y
vídeos de sus obras,
muchas de ellas
instalaciones.
Aquí puedes ver algunas
imágenes
correspondientes a la
exposición en el CAAC
(del 4 de diciembre de
2012 al 21 de abril de
2013, pulsa sobre el
apartado "imágenes",
Álbum de fotos de la
exposición).
Lic. CC. En Flickr de Haydn Blackey
Pionero del arte experimental español, Nacho Criado analiza en su obra el comportamie
material y la evolución física del objeto, sus aspectos procesuales y espaciales. Partiendo en
la década de los 60 de principios formales minimalistas, evoluciona después hacia el empleo
de materiales pobres y desechados de marcado carácter povera. Paralelamente desarroll
profundo interés por lo conceptual, interrogándose por cuestiones como la relación entre la
idea y su materialización formal, el paso del tiempo, la identidad o la condición híbrida de la
práctica artística. El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presenta la primera
retrospectiva de este artista andaluz en su tierra, mostrando la variedad de medios y
prácticas artísticas que utilizó. El título de la exposición surge de una declaración en la que
Criado hablaba de la mínima incidencia del artista en la producción de su obra, lo que
permitiría que el resto de los elementos del mundo la completaran a modo de agentes
colaboradores. Una convicción que mantiene sus piezas como un elemento vivo, terminad
como objeto pero inacabado como obra de arte.
Referencia obtenida de la web del CAAC