TOC Una colección propia
Anuncio
TOC Una colección propia Obsesividad compulsiva e imagen contemporánea en las Colecciones del MUSAC y el DA2 DOSSIER DE PRENSA 2 CONTENIDOS FICHA TÉCNICA DEL PROYECTO ………………….....……………………….. 3 SOBRE 'TOC. UNA COLECCIÓN PROPIA' ..…………………. ……................ 4 ACTIVIDADES PARALELAS ........................................................................... 6 NOTAS BIOGRÁFICAS DE LOS ARTISTAS PARTICIPANTES........................ 6 NOTA BIOGRÁFICA DEL COMISARIO .......................................................... 34 NOTAS BIOGRÁFICAS DE LOS PROFESIONALES DE LA SALUD MENTAL PARTICIPANTES ............................................................................................ 35 LISTADO DE OBRA EN EXPOSICIÓN EN MUSAC .. ..................................... 36 LISTADO DE OBRA EN EXPOSICIÓN EN DA2................................................. 41 www.musac.es 3 FICHA TÉCNICA DEL PROYECTO Título de la exposición: TOC. Una colección propia. Obsesividad compulsiva e imagen contemporánea en las Colecciones del MUSAC y el DA2 Comisario: Jorge Blasco Gallardo Sedes: MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (León) y DA2, Domus Artium 2002 (Salamanca) Exposición en MUSAC, Museo de Arte contemporáneo de Castilla y León Artistas: Lara Almarcegui, Aziz + Cucher, Erick Beltrán, Eelco Brand, Fernando Bryce, Biel Capllonch, Diller + Scofidio, Till Freiwald, Carmela García, Juan Hidalgo, Zhan Huan, Ellen Kooi, Jorge Macchi, Ryan McGinley, Josephine Meckseper, Ana Mendieta, Aleksandra Mir, Sven Pählsson, Concha Prada, Jorge Quijano, Kiki Smith. Fechas: 7 de mayo - 4 de septiembre de 2016 Lugar: MUSAC, Sala 1 Inauguración: Sábado 7 de mayo de 17:00 a 21:00 horas. Actividades en relación a la exposición - Visita guiada a la exposición con Jorge Blasco Gallardo, comisario. Sábado 7 de mayo, 18:00 h. Actividad gratuita - Mesa redonda 'TOC. Los profesionales hablan' Participantes: José María Álvarez, Jesús Morchón, Guillermo Rendueles, Fernando Vicente. Modera: Jorge Blasco Sábado 7 de mayo, 19:30 h. Actividad gratuita Dirección: Avda. Reyes Leoneses, 24 24008 León Teléfono: 987 09 00 00 Horario de apertura: Martes-viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h. / Sábados, domingos y festivos de 11:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 h. Exposición en DA2, Domus Artium 2002 Artistas: Hugo Alonso, Ana Laura Aláez, Alfredo Alcaín, Emilia Azcárate, Jorge Barbi, Carmen Calvo, Yamandú Canosa, Florentino Díaz, Roland Fischer, Ferrán García Sevilla, Susy Gómez, J.A González de la Calle, José María Guijarro, Mona Hatoum, Juan www.musac.es 4 Francisco Isidro, Fran López Bru, Chema Madoz, Christopher Makos, Luis Marco, Rafael Navarro, Ana Teresa Ortega, Concha Prada, James Rielly, Elena del Rivero, José Sanleón, Rafa Sendín, Rui Toscano, Valentín Vallhonrat, Manolo Velasco, Charlie White. Fechas: 12 de mayo - 4 de septiembre de 2016 Lugar: DA2, Salas 6 y 7 Inauguración: Jueves 12 de mayo, 20:00 h. Actividades en relación a la exposición -Visita guiada a la exposición con Jorge Blasco, comisario. Jueves 12 de mayo, 20.00 h. Actividad gratuita Dirección: Avenida de la Aldehuela, s/n. 37003 Salamanca Horario de apertura: Martes a viernes de 12:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas / Sábados, domingos y festivos de 12:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 horas. SOBRE 'TOC. UNA COLECCIÓN PROPIA' MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, y DA2, Domus Artium 2002, presentan 'TOC. Una colección propia', un proyecto expositivo en dos sedes que propone un acercamiento al Trastorno Obsesivo Compulsivo (TOC) a partir de más de sesenta obras de las colecciones de ambas instituciones, que en un principio no guardan relación directa con este trastorno. El proyecto propone la activación de esta selección de piezas para que entren en diálogo con el TOC, a través de textos escritos a partir de cada obra por seis profesionales de la salud mental: los psicoanalistas José María Álvarez, Montse Rodríguez y Fernando Vicente, y los psiquiatras Mariano Hernández Monsalve, Jesús Morchón y Guillermo Rendueles. En el MUSAC la exposición podrá visitarse entre el 7 de mayo y el 4 de septiembre, y en ella podrán verse 31 obras pertenecientes a la Colección MUSAC de los artistas Lara Almarcegui, Aziz + Cucher, Erick Beltrán, Eelco Brand, Fernando Bryce, Biel Capllonch, Diller + Scofidio, Till Freiwald, Carmela García, Juan Hidalgo, Zhan Huan, Ellen Kooi, Jorge Macchi, Ryan McGinley, Josephine Meckseper, Ana Mendieta, Aleksandra Mir, Sven Pahlson, Concha Prada, Sergio Prego, Jorge Quijano, y Kiki Smith. En DA2 la inauguración tendrá lugar el 12 de mayo, con 32 obras pertenecientes a la colecciones del DA2 y de La Fundación Coca-Cola de los artistas Hugo Alonso, Ana www.musac.es 5 Laura Aláez, Alfredo Alcaín, Emilia Azcárate, Jorge Barbi, Carmen Calvo, Yamandú Canosa, Florentino Díaz, Roland Fischer, Ferrán García Sevilla, Susy Gómez, J.A González de la Calle, José María Guijarro, Mona Hatoum, Juan Francisco Isidro, Fran López Bru, Chema Madoz, Christopher Makos, Luis Marco, Rafael Navarro, Ana Teresa Ortega, Concha Prada, James Rielly, Elena del Rivero, José Sanleón, Rafa Sendín, Rui Toscano, Valentín Vallhonrat, Manolo Velasco, Charlie White. Según la Wikipedia, el trastorno obsesivo-compulsivo (TOC) es un trastorno de ansiedad caracterizado por pensamientos intrusivos, recurrentes y persistentes que producen inquietud, aprensión, temor o preocupación, obsesiones y conductas repetitivas denominadas compulsiones, dirigidas a reducir la ansiedad asociada. Las obsesiones incluyen miedo a contaminarse, miedo a que la persona que lo sufre o los demás estén en peligro, necesidad de mantener el orden y la exactitud, y dudas excesivas. Las compulsiones más comunes que se realizan en respuesta ritualista a estas obsesiones incluyen lavarse las manos, contar o acumular y ordenar, entre otras. El TOC está recogido en el 'Manual diagnóstico y estadístico de los trastornos mentales' y se encuentra entre las cinco enfermedades psiquiátricas más comunes. El proyecto 'TOC. Una colección propia' propone alejarse de la relación clásica entre arte y enfermedad mental para lograr que el visitante pueda llegar a intuir lo que es sufrir este trastorno. Para ello no se recurre ni al arte realizado por personas diagnosticadas con enfermedad mental que tanto ha interesado a los facultativos; ni a la iconografía del loco, la histérica o el alienado que puede encontrarse en numerosas obras de arte. Por contra, se parte de una selección de obras de las colecciones del MUSAC, DA2 y La Fundación Coca-Cola realizada por el comisario de la muestra, Jorge Blasco, quien conoce de cerca la enfermedad. Las obras han sido elegidas por la facilidad con la que podría activarse una posible escritura sobre ellas, pero no necesariamente tratan la obsesividad, y abarcan técnicas que van desde la pintura a la instalación, la fotografía, el vídeo, o el dibujo. A partir de esta selección de obras, los cinco profesionales de la salud mental participantes han elaborado 77 textos que no son descriptivos, sino que a veces son más cercanos a la psicopatología, a la escritura automática, al texto de «autor», o a notas clínicas relacionadas con las obras. En definitiva, se trata de textos que se adentran en la enfermedad mental de un modo poco habitual, mediante recursos a menudo literarios. La exposición trata así de poner en marcha un aparato teórico que, con su poética y su política, dé una visión de lo complejo que es acercarse a las siglas TOC. Es importante señalar que durante la elaboración de los textos los profesionales no han trabajado con las obras directamente, sino con documentación sobre las mismas, siguiendo la idea de que ésta es parte de la obra tanto como la pieza expuesta y poniendo www.musac.es 6 en valor esa parte escondida de la obra que, sin embargo, es imprescindible para su existencia. En el espacio expositivo estarán disponibles todos los textos, que el visitante tendrá a su disposición para lectura o para llevar consigo si así lo desea, componiendo una carpeta con todos los escritos de su interés. Todos ellos estarán asimismo disponibles para descarga en la página web de los centros, www.musac.es y domusartium2002.com. ACTIVIDADES PARALELAS En relación al proyecto, MUSAC organiza el sábado 7 de mayo a las 18:00 horas una visita guiada a la muestra con su comisario, Jorge Blasco, y el mismo día a las 19:30 horas se propone la mesa redonda 'TOC. Los profesionales hablan', en la que participarán el comisario de la muestra, Jorge Blasco Gallardo; los psiquiatras Jesús Morchón y Guillermo Rendueles; y los psicoanalistas José María Álvarez y Fernando Vicente. Durante la actividad se abordará la manera en la que los profesionales han trabajado en el proyecto y el modo en el que se han aproximado a las obras. SOBRE LOS ARTISTAS Y LAS OBRAS A. COLECCIÓN MUSAC Lara Almarcegui Zaragoza, España, 1972 Vive y trabaja en Róterdam, Holanda El trabajo de Lara Almarcegui parte de un proceso de investigación sobre edificios abandonados o en vías de transformación, descampados, huertas y espacios desocupados que, si bien se insertan en el paisaje urbano, son habitualmente considerados como ajenos al mismo. Partiendo de estos espacios elabora un proyecto que genera una acción, una intervención directa, física, sobre el campo investigado, y que dará como resultado una documentación gráfica de dicha acción. Restaurar un mercado en vías de demolición, una investigación sobre huertas urbanas o la publicación de una guía de descampados son algunos ejemplos de una labor directamente ligada al trabajo de campo que, en la mayoría de los casos, supone un importante alargamiento en el tiempo. El concepto de arquitectura como elemento organizador del espacio prima sobre la consideración habitual de adecuación arquitectónica al medio, dando prioridad a www.musac.es 7 factores externos como las distintas estrategias de poder desarrolladas en torno a la construcción y la conformación del paisaje urbano. Cavar, 1998 Políptico de 80 fotografías color. 200 x 200 cm Edición: 1/3 Cavar es un claro ejemplo de la importancia que adquiere en las obras de Lara Almarcegui el trabajo de campo. Un políptico formado por ochenta fotografías documenta una acción realizada por la artista en un descampado de Ámsterdam: intervenir este espacio cavando cada día un agujero, ―sin saber en qué momento terminaría‖, fue la labor realizada durante aproximadamente un mes hasta la llegada de un elemento ajeno al descampado, unas excavadoras que allanaron el terreno haciendo desaparecer el agujero. Nos encontramos aquí con una acción carente de toda utilidad práctica, de cuya existencia no queda más que el propio trabajo de documentación, pero que le sirve a Lara Almarcegui para elaborar una reflexión alegórica sobre elementos de la vida cotidiana, estableciendo un vínculo metafórico con el entorno y la propia trascendencia de sus ocupaciones. El interés de la acción radica precisamente en la propia acción: el proceso mismo de cavar, el agujero que va creciendo, los restos que van apareciendo arquitecturas, agua, tierra–, la progresiva dificultad de trabajo frente a la inminencia del derrumbamiento… Ante esta aparente inutilidad resulta difícil no sentirse desconcertado por los resultados obtenidos, ¿acaso los hay. No obstante nos invade una sensación de curiosidad por un lugar y por la intervención en el mismo. Una curiosidad que se presenta a la vez como punto de partida y como fin del propio proceso de trabajo. En definitiva se hace patente una actitud, la que adopta la artista ante elementos de su entorno: el descampado como elemento de marcado potencial crítico, en contraste con el espacio construido. Aziz + Cucher, De la serie Dystopia, 1995 – 2003 Anthony Aziz, Massachusetts, USA, 1961 / Sammy Cucher, (Lima, Perú, 1958). Vive y trabaja en Nueva York, USA Viven y trabajan en Nueva York. Anthony Aziz y Sammy Cucher comienzan su colaboración artística en 1990, apareciendo como pioneros en el uso de la fotografía manipulada digitalmente. Su trabajo, centrado en proyectos fotográficos y escultóricos, explora los efectos que las nuevas tecnologías producen sobre el cuerpo humano y reflexiona sobre los problemas de identidad del individuo. La búsqueda de una poética visual que genere una respuesta psicológica por parte del espectador se presenta como el elemento que enlaza todas sus obras. Pam and Kim Fotografía color. 101 x 127 cm. Edition: 4/5. Ken Fotografía color. 127 x 107 cm. www.musac.es 8 Siguiendo con la reflexión sobre los problemas de la identidad presentes en Faith, Honour and Beauty, Aziz + Cucher acometen, entre 1994 y 1995, la realización de una nueva serie fotográfica sirviéndose de las posibilidades de manipulación digital de la imagen. Dystopia recurre nuevamente a la tradición como punto de partida, escogiendo como formato un género tan clásico como el retrato. Los planteamientos tradicionales de este género son objeto de una relectura a partir de sus propios fundamentos y objetivos: el retratado es despojado de sus rasgos faciales, esencia del carácter individual en el que se basa una posible identificación. Unos rasgos que se corresponden con los órganos sensitivos humanos. La relación del individuo con el exterior se ve así truncada, anulando toda posibilidad de comunicación. La castración identitaria que en su anterior trabajo era fruto de la negación del individuo como tal, es replanteada en este caso como la imposibilidad de comunicación y expansión de la que ese individuo necesita para su propio desarrollo. Erick Beltrán (México, D.F., México 1974) Vive y trabaja en Barcelona, España Lives and works in Barcelona, Spain El artista mexicano acostumbra a trabajar con piezas murales que, a modo de diagrama o esquema de constelaciones de conceptos referentes a cuestiones de naturaleza enciclopédica. Suele referirse a diferentes materias y disciplinas donde la unión de diversas prácticas puede llevar a la relación de unas con otras. Modelos de Construcción del Objeto 2010 Vinilo sobre muro En Modelos de Construcción del Objeto, la manera que un objeto se sirve de la materia para desarrollarse en el espacio podría clasificarse bajo seis formas modelos (una pieza que se pliega, unión de dobleces, una pieza plegada con corte, múltiples piezas plegadas con cortes, unidades especializadas, unidades modulares). Estas diferentes estrategias de construcción o ensamblaje generan diferentes métodos y marcos ideológicos de acción y lectura del mundo. Al diagramar las relaciones existentes entre estas estrategias podemos visualizar un sistema que se expande conceptualmente pero simultáneamente se contrae en sí mismo debido a las fuerzas que modulan y estructuran el objeto per se. El diagrama se condensa en objeto, en este caso el llamado ―toro‖ o anillo de madera que incluye la pieza en una cornisa. En la sociedad, el significado de un objeto concreto incorpora no sola la forma propia de este sino también la metodología ideológica que lo sustenta. Eelco Brand Róterdam, Holanda 1969 Vive y trabaja en Breda, Holanda. www.musac.es 9 La obra de Eelco Brand aparece inserta en una aparente tradición pictórica en la que el paisaje y las escenas costumbristas han sido los principales protagonistas. Pero su trabajo no es una visión continuista de esta tradición, no sólo por el uso técnicas de animación en 3D para la realización de estos ―cuadros‖, sino porque la incorporación del movimiento nos lleva a cuestionarnos nuestra contemplación de este tipo de escenas o, más concretamente, nuestra esteriotipada percepción de la realidad. Su trabajo presenta una naturaleza artificiosa que, al reunir todos los tópicos que identificamos con el paisaje, nos hace replantearnos cómo lo natural es una construcción histórica y artificial. Los travellings y sutiles movimientos que utiliza nos alejan del ritmo al que las producciones audiovisuales nos tienen acostumbrados, obligándonos a reflexionar sobre nuestra propia contemplación y consumo de imágenes. Los títulos, que se debaten entre lo tecnológico y lo anónimo, vuelven a enfatizar esa idea de consumo carente de identidad. O-Movi, 2004. Animación 3D, vídeo color y sonido. Bucle infinito. Ed. 3/3 + 1 P.A. O-Movi presenta una escena nocturna en la que un perro, bajo la luz de una farola, mira a derecha e izquierda antes de cruzar una carretera desierta. Éste es todo el movimiento que contemplamos hipnóticamente en un bucle interminable. No existe el más mínimo atisbo de argumento, pero aún así percibimos una sensación de tragedia. El bosque que se intuye tras la farola, la noche, la carretera vacía; todo nos remite a tópicos occidentales que nos invitan a replantearnos nuestra interpretación de las imágenes. Una escena en la que los ingredientes cinematográficos de las películas de misterio, tragedia y hasta cine negro, nos ha domesticado la mirada frente a la deconstrucción de imágenes de la realidad, aunque aquí lo paródico es el hecho de que todo es una absoluta ficción. Fernando Bryce Lima, Perú, 1965 Vive y trabaja en Berlín, Alemania. Este artista trabaja con el dibujo en tinta, en compilaciones de largas series que reflexionan sobre fenómenos históricos, ideológicos y culturales que él representa desde ángulos descentrados. Sus dibujos se basan siempre en transcripciones de imágenes encontradas, como cubiertas de libros, revistas, anuncios publicitarios o carteles. El resultado de su elección es un despliegue de imaginería que analiza la política y la economía global. Fernando Bryce recurre a la expresión ―análisis mimético‖ para referirse a este proceso, un método que nos obliga a examinar las imágenes que circulan por los intersticios de las narraciones históricas para ir lentamente digiriendo sus implicaciones políticas y éticas. A partir del acercamiento y del alejamiento a esta serie de documentos que ―resucita‖ a través de sus dibujos, produce un examen de esas imágenes y a su vez los discursos modificados que en torno a ellas se despliegan, haciendo sentir mas patente ese sentimiento de des-historización en la que nuestra sociedad está inmersa. Kolonial Post, 2006 Instalación, 111 dibujos, tinta sobre papel. Medidas variables www.musac.es 10 En la serie Kolonial Post, Bryce, del mismo modo que en serie anteriores, comienza a exhumar toda una serie de cadáveres y documentos en los que la distancia de la historia le permiten a través de la selección y del montaje establecer toda una nueva idea discursiva respecto a los mismos hechos históricos. Por eso la disposición de los mismos crean unas nuevas sintaxis narrativas sobre el carácter imperial del capitalismo en expansión y la consolidación global de su carácter moderno, de carácter abierto y al mismo tiempo colonial. De esta manera, encontramos desde portadas de publicaciones dedicadas a la expansión imperial alemana, como Der Kolonialfreund o Colonial Post, hasta retratos de los protagonistas de cada una de esas colonizaciones, junto a imágenes fotográficas que otro tipo de prensa y comunicación daba en la época y todo tipo de imágenes que dan a conocer cómo las prácticas coloniales no finalizaron con el fin de la II Guerra Mundial, ni con el auge de los movimientos independentistas del ―Tercer Mundo‖. Frente al monopolio colonizador que destilaba la idea de superioridad, la obra de Fernando Bryce va aclarando sus nociones en cuanto se avanza en su hilo argumental a través de estos 111 dibujos. Desde la paradójica modernidad ilustrada que exportó violentamente Occidente a otras latitudes como Asia y África desde finales del siglo XIII, se va aclarando, en tanto vamos recorriendo la seri, que resume toda la trama de intereses economico-financieros, el discurso nacional de la sangre y, cómo no, esa idea de servicio ―civilizatorio‖ que brindaban de forma falsa esas naciones a las colonias sin ninguno gasto por ello. Biel Capllonch Palma de Mallorca, España,1964 Vive y trabaja en Barcelona, España Su trabajo se desarrolla principalmente en el ámbito de la fotografía de moda y publicitaria. Alejado de cualquier voluntad documental, fantasea e imagina situaciones y lugares. Sus imágenes están construidas y sus escenas, a modo de momentos congelados de una acción, tienen una fuerte carga de erotismo. En otras ocasiones, su objetivo se fija en extraños paisajes, escenarios de igual modo construidos a partir de su aparente desorden. Técnicamente, utiliza todas las posibilidades de los medios digitales, retocando la imagen de manera sutil, sin efectismos, en pro de la captación de las calidades y la pulcritud. Dos hombres desarmados, 1998. Fotografía Color. 90 x 115 cm. La ausencia, 1998. Fotografía color. 90 x 115 cm. En Dos hombres desarmados y La ausencia, Capllonch construye un juego en torno a la idea de la identidad y la duplicidad. La quietud de sus imágenes, que parecen querer congelar momentos de desconcierto psicológico, se aleja de lo expresivo del gesto optando por la contención y el hermetismo. Por otro lado, indaga en el concepto de www.musac.es 11 masculinidad, aportando un cierto carácter monstruoso en la clonación de las figuras que, en el caso de Dos hombres desarmados, se acentúa con las grandes pelucas negras que cubren el rostro de los personajes. La escala de los personajes, buscando el tamaño natural, ponen en evidencia una realidad paralela a quien observa. Diller + Scofidio, Elisabeth Diller (Lodz, Poland, 1954) and Ricardo Scofidio (New York, USA, 1935). Viven y trabajan en New York. Elisabeth, Diller [Lodt, Polonia, 1954] y Ricardo Scofidio [Nueva York, Estados Unidos,1935].Viven y trabajan en Nueva York. En 1979, estos dos arquitectos se asocian y abren un estudio en Nueva York. Su trabajo se distingue tanto por su independencia respecto a las corrientes artísticas del momento como por la integración de distintos medios. Diller + Scofidio analizan en su obra los límites de los medios de comunicación y el modo en que la tecnología afecta a nuestras vidas, poniendo en especial énfasis en las actitudes cotidianas. Considerados como artistas pop, Diller + Scofidio son muy críticos con dicha cultura y sólo la utilizan como radiografía de lo cotidiano Soft Sell, 1993-2003 Videoinstalación. DVD color y sonido.8´ 27‖. Soft Sell fue creado para ser colocado en la entrada del que había sido el Rialto Theatre de la calle 42 en Nueva York, ahora un cine dedicado a la pornografía. Una pantalla de vídeo gigante proyectaba una boca femenina de labios rojos y sensuales (uno de los elementos más familiares de este tipo de películas) que interroga a los que caminan por la calle. Las preguntas repetidas una y otra vez de una forma seductora incitan a la compra de una mercancía inexistente y aplazan de manera indefinida la satisfacción de un deseo que nunca se llegará a cumplir. En ésta, su primera ubicación, los labios de Soft Sell cuestionaban algunos aspectos de la vida de los transeuntes, como la manipulación a la que son sometidos como consumidores, los sistemas de vigilancia y control utilizados por instituciones políticas, o la conversión en espectáculo del entorno urbano. Sin embargo, Soft Sell también puede ser contemplado en un pequeño monitor localizado en una sala de exposiciones. En este caso, además de enfrentar el espacio público con el privado, no pierde su capacidad crítica y recuerda que instituciones como museos o centros de arte funcionan en muchas ocasiones como un bello escaparate que ofrece productos de alta cultura. Till Freiwald Lima, 1963 Vive y trabaja en Bruselas, Bélgica. Till Freiwald centra fundamentalmente su trabajo en la pintura, donde habla de la identidad contemporánea a través de grandes retratos, habitualmente de rostros jóvenes. En su trabajo es común el uso de la acuarela y el pastel; el primero suele utilizarlo cuando el retratado es un modelo que posa, mientras la otra técnica es empleada para evocar la memoria del retratado www.musac.es 12 Sin título (2003) Sin título, Acuarela sobre papel. 228,60 x 152,40 cm. Sin título Acuarela sobre papel. 228,60 x 152,40 cm. Los hipnóticos retratos que realiza Till Freiwald no dejan de aludir a la pérdida de identidad del hombre contemporáneo. Estas dos imágenes, el rostro de una chica y otro de un chico, parecen sacados de una fotografía de pasaporte donde los retratados se muestran impasibles y serios. Rostros anónimos a los que el artista les dota de un aire de misterio a través de las calidades lumínicas de la piel, los ojos o los labios. El artista detiene así su mirada en rasgos de desconocidos que se aproximan, por su técnica, al hiperrealismo, y que no dejan de parecer fotografías ampliadas. Una aproximación a esa complicada línea conceptual que separa la realidad y la ficción de la pintura realista y la imagen fotográfica. Imágenes frontales que muestran miradas forzadas, como si en vez de ser contempladas por el espectador fueran ellos quienes nos observan a nosotros. Explora, de este modo, el sentido de la imagen humana y todo lo que un rostro puede revelar Carmela García Lanzarote, España, 1964 Vive y trabaja en Madrid, España. Fotógrafa de formación, su trabajo se centra en la historia de las relaciones sociales entre mujeres, quienes transitan por su obra como únicas protagonistas, creando un mundo ficticio formado exclusivamente por chicas. En oposición a la estructura dominante masculina, los espacios de Carmela García se conforman a modo de sisterhood de evasión, refugios para mujeres, que nos hablan sobre el género y la identidad. Ya desde sus comienzos, la artista se interesa por dar visibilidad al cuerpo de la mujer, tratando los modelos femeninos y las desigualdades de género a través de un producto de aceptación masiva como son las muñecas Barbie, trabajo que le valió su primer reconocimiento. Cartografías, 2008 Instalación, papel, fotografías, cuerda y otros elementos 200 x 500 cm Cartografías, traslada a la sala expositiva el estudio y seguimiento de una serie de personajes históricos, mujeres, en su mayoría ricas herederas anglosajonas, que llegan a París en las primeras décadas del siglo XX con el anhelo de una libertad artística y sexual negada en sus países por su condición de mujeres y, en la mayoría de los casos, lesbianas. Esta serie de artistas, escritoras, editoras o promotoras de arte se instala en la www.musac.es 13 Rive Gauche de la capital francesa, generando una comunidad intelectual femenina que se frecuenta y alimenta entre sí. Aunque no funcionaron como grupo homogéneo, representaron una total revolución de los cánones sociales de la época, comenzando por su autonomía económica al margen del sustento masculino y siguiendo con sus estilismos y actitudes Juan Hidalgo Las Palmas de Gran Canaria (España), 1927 Juan Hidalgo encarna el espíritu de la vanguardia. Músico de formación, su mentalidad abierta respecto a la creatividad lo convirtió en un artista multimedia que se siente igualmente cómodo con la poesía y las artes plásticas como con la música, y que se expresa a través de libros, textos, composiciones musicales, arte postal, eventos y performances, arte objetual y fotografía. Su versatilidad en cuanto a los materiales atestigua la importancia primordial que le concede al concepto en sus creaciones poéticas, que están llenas de humor, sexo, ironía y desmitificación. Para Hidalgo, los géneros son algo permeable, y la clave reside en la adaptación de la actitud al hecho creativo. A la hora de situar en primer plano los aspectos conceptuales, cualquier soporte es igualmente válido. Incluso se podría decir que es un artista manierista.. Alrededor...del pene, 1990 1 22 Fotografías b/n una de ellas virada en azul. Gelatinobromuros de plata al selenio. En las 22 acciones fotográficas que componen Alrededor del... [pene] (1990), Hidalgo se detiene en varias partes de la anatomía masculina (no siempre la suya): las piernas, el pecho cubierto de vello, la cabeza, las manos, la espalda, el ano, los testículos y, por supuesto, el pene. Fotografías de alto contenido erótico que fragmentan el cuerpo, normalmente visionado como un monolito compacto e inquebrantable, y convierten sus miembros en eslabones de una misma cadena. La identidad sexual de este cuerpo no se construye gracias al visionado de su totalidad, ni tampoco partiendo del reduccionismo que concentraría la sexualidad del individuo en su región genital. En esta serie de fotografías que se supone articulada alrededor del pene, Hidalgo eleva la carga erótica de regiones anatómicas habitualmente desterradas del acto sexual que aquí se nos muestran al mismo nivel que el omnipresente falo. Zhan Huan Henan, China, 1965 Vive y trabaja en Nueva York, EE.UU. Zhang Huan se licenció en Bellas artes en 1993 con un título avanzado en pintura tradicional. Descontento por las limitaciones en expresión impuestos por un gobierno autoritario y una sociedad rígida, formó a principios de los años noventa el East Village de 1 Albarrán Diego, Juan. 2007 “Representaciones del género y la sexualidad en el Arte contemporáneo español”, Foro de Educación, n.o 9, 2007, pp. 301 www.musac.es 14 Pekín, una colonia artística situada en las afueras de la ciudad, que emulaba el East Village de Nueva York. Este colectivo de jóvenes artistas introdujeron la práctica de la performance en China, que incluyen actos simbólicos de resistencia y acción colectiva, en una convergencia entre las tradiciones cristianas y budistas, y la historia del arte Occidental y el movimiento de la Nueva Ola en la China en los ochenta. Para Huan, su cuerpo es el medio más directo de comunicarse con la sociedad, una sociedad que parece intolerante ante su existencia. La desnudez de su cuerpo, prueba de su identidad y su lenguaje, se ve sujeto a condiciones físicas extremas en sus obras que son rituales ceremoniales, coreografías y teatro a la vez. En estas acciones masoquistas, Huan ha encontrado la única manera de experimentar la relación entre el cuerpo y el espíritu, y por encima de todo, su propia existencia. To Raise the Level of Water in a Fish Pond (Middle View), 1997 Fotografía color. 100 x 150 cm. Ed. 2/5 P.A./15 + 5 P.A. El título de la obra, Elevar el nivel del agua en un estanque de pesca, hace referencia a la acción que documenta la fotografía, realizada por un grupo de 40 campesinos – incluyendo al propio artista– en una zona en las afueras de Pekín. Con el horizonte de la ciudad urbana al fondo, un grupo de hombres y chicos de 4 a 60 años se introducen desnudos en el estanque de Nanmofang y, a través de una coreografía precisa y poética, forman una fila, se dispersan y se reagrupan para ponerse cada uno en su sitio delante de la cámara en una actitud pasiva. El objetivo, subir el nivel del agua a un metro. La mirada dramática de los actores es una expresión de su relación con el medio ambiente, mientras la acción en grupo nos recuerda la capacidad colectiva de transformar o cambiar las cosas, de la misma manera que es una protesta contra la expansión de la población humana a las ciudades urbanas provocando consecuencias contra la naturaleza y las varias generaciones de campesinos Ellen Kooi Leeuwarden, Holanda, 1962 Vive y trabaja en Haarlem, Holanda. Ellen Kooi trabaja como directora teatral o cinematográfica. Jugando con la realidad y la ficción, consigue imágenes de gran poder visual, ambiguas, que consiguen intrigar al espectador. La artista cuenta con un escenario real –preciosos paisajes holandeses–, y con unos actores –personas que ella dispone en este escenario, casi siempre de manera estática y silenciosa, creando situaciones casi narrativas, ambiguas e intrigantes–, y hace un estricto estudio de la luz, de manera que ésta adquiere un papel muy importante en el resultado de su obra. Estos elementos, los paisajes naturales, junto a la luz perfectamente utilizada y sus silenciosos personajes, hacen de las obras de Kooi situaciones vivas, donde la realidad y la ficción se unen para crear imágenes perfectas visualmente donde se mezcla la imaginación y la realidad, creando impactantes fotografías de gran contenido onírico. Katwijk-bomen, 2000 www.musac.es 15 Fotografía color. 90 x 210 cm. Ed. 1/10 + 2 P.A. Las imágenes de Kooi, técnicamente perfectas y de gran belleza visual, recrean situaciones oníricas con atmósferas inquietantes. Utiliza un gran angular deformante, que le permite recoger en una sola imagen escenas que alargan su perspectiva y controlan cielo, tierra y distancias. Los personajes de Kooi están perfectamente colocados en el lugar que sirve como escenario de su obra –casi siempre espacios naturales–, de manera que provocan situaciones de intriga y misterio por lo inhabitual de su gesto y situación. Cada pieza de Ellen Kooi provoca curiosidad y expectación, representa una situación abstracta o psicológica que hace plantear preguntas al espectador sobre lo que allí ocurre, ya que son situaciones inexplicables y poco comunes. Jorge Macchi Buenos Aires, 1963 Vive y trabaja en Buenos Aires El trabajo de Jorge Macchi tiene como origen la apropiación de objetos. Apenas manipulados, los recicla y utiliza en un ejercicio reivindicativo que invita a la reflexión y la memoria. Las noticias del periódico, necrológicas, mapas de ciudades, son algunos de los materiales que pueden atraer su atención y, junto al azar, convertirse en conductos cargados de significados metafóricos con los que expresa lo efímero y lo agrio de la experiencia vital. Para Macchi lo que conforma la historia es accidental y en cuanto sucede se convierte en desecho, siendo precisamente lo que ocurre después de la noticia lo que atrapa su interés. En última instancia, como él mismo declara, su obra intenta remarcar la forma en que se construye la realidad a partir de tres ejes: conocimiento, terror y olvido. Un charco de sangre (poema), 1999 Collage sobre papel. 150 x 480 cm Partidario de la mínima intervención sobre el material, Jorge Macchi considera que su trabajo consiste en mirar y seleccionar, y afirma que en la medida en que el objeto está cambiado de contexto, de función, de escala y hay una oscuridad alrededor, uno centra la atención inmediatamente en él y tiene otra significación Un charco de sangre (poema) está formado por recortes de noticias policiales tomados del diario Crónica, periódico porteño de sucesos. Las líneas conforman un diseño que hace coincidir en el centro la frase charco de sangre, incluida en noticias como: ...cayó tendido en medio de un descomunal charco de sangre..., su cadáver quedó tendido sobre la vereda en medio de un descomunal charco de sangre..., ...la infortunada víctima que yacía en medio de un descomunal charco de sangre..., etc. El collage, desde cierta distancia, resulta lírico y sosegado por los tonos amables y las líneas que aparecen como suspendidas en el papel, no dejando imaginar la violencia y acritud que en realidad encierra, y que el espectador descubre apenas comienza la lectura. Ryan Mcginley, “Dakota Hair”, 2004 Nueva Jersey, EE.UU. 1978 www.musac.es 16 Vive y trabaja en Nueva York, EE.UU. Las fotografías a todo color de Ryan McGinley nos ubican en situaciones de extrema contemporaneidad y frescura, auspiciando un estilo de vida relajado. Narraciones de diversión, movimientos amorosos y, en especial, situaciones y entornos compartidos por un grupo de amigos, encargados de trasmitir una inmediata empatía. Su trabajo puede ser experimentado como un viaje intimista, protagonizado por un entorno cercano – familia, amigos y vecinos– interesados en explorar la juventud y la vida urbana en tiempo presente. Grafiteros, músicos, skaters, nadadores o fans del ícono pop Morrisey, de quien McGinley fue el fotógrafo oficial de su última gira, protagonizan múltiples zonas de euforia. Su trabajo se ubica en la estela de fotógrafos como Larry Clark o Wolfgang Tillmans, diarios visuales de la propia vida e intereses del fotógrafo. Una sucesión de imágenes que no sólo señalan encuentros específicos, ya que el grado de atención colorista, los guiños pictóricos y el cuidado de la luz son componentes fundamentales de este universo, en el que cada elemento es su mejor protagonista. Dakota Hair, 2004 Fotografía color. 68,5 x 120 cm La autobiografía aparece como el telón de fondo de estas imágenes en las que los guiños auto-referenciales hay que buscarlos no en la anécdota en concreto, sino en el clima narrativo y en cierta medida idealista que estas escenas suspenden. Cada una de estas fotografías recortan situaciones gozosas, especies de hitos del recorrido, donde lo vital aparece desde su propia inmediatez. Momentos idílicos que se salen de la fotografía documental por propia inclusión, como el cuerpo disfrutando de su caída en Tim Falling o el momento de luz estelar de Danny. Lo que estas imágenes capturan es el retrato de cierto sentido individual específico y compartido que concentra un clima, un modo de relacionarse. El viaje es para McGinley el escenario ideal con el que traspasar la barrera que supone el mapa conocido, la apertura de un tipo de relatos visuales basados en situaciones táctiles, en las que tanto la sorpresa como el descubrimiento son los encargados de motivar las acciones. La melena al viento en Dakota Hair retiene de un traslado en furgoneta por una carretera alejada de la ciudad una percepción más acompasada, casi a cámara lenta, en consonancia con el aire, el desierto y aquello nuevo por descubrir. McGinley proyecta tanto aspiraciones idealistas como ―documentos de una vida imaginaria‖ en cada una de sus fotografías. Josephine Meckseper Lilienthal, Alemania, 1964 Vive y trabaja en Nueva York, EE .UU. Artista y activista política de origen alemán afincada en los Estados Unidos, Josephine Meckseper viene cuestionando con su trabajo los comportamientos de una sociedad, la occidental, que plantea serios indicios de agotamiento. Los fundamentos del capitalismo tardío y la visión crítica sobre la sociedad contemporánea en un mundo globalizado son los ejes de la poética de Josephine Meckseper. Untitled (0%) Shelf, 2007 www.musac.es 17 Impresión digital. 35 x 45 cm A través de un trabajo que analiza las conexiones entre política y consumismo que se producen desde la cultura americana. Untitled (0%) Shelf muestra la fotografía virada de una revista, un anuncio publicitario ricamente intervenido por la artista, en el que una modelo de publicidad posa para una conocida firma comercial. La imagen responde a los clichés asociados a la representación de la mujer bajo los patrones de la moda y los medios de comunicación. Con acento en el rol y las formas de representación de la mujer, como viene siendo habitual en el trabajo de Josephine Meckseper, esta obra — editadas por Printed Matter con motivo de la New York Art Book Fair de 2007— nos acerca a la ambivalencia entre la seducción consumista, que han erigido el centro comercial como el modelo político y el pilar estético de los estados, un nuevo foro capaz de anestesiar a sus consumidores bajo la promesa de una vida mejor. Ana Mendieta La Habana, Cuba, 1948 – Nueva York, EE.UU, 1985 A finales de setenta y los primeros ochenta Ana Mendieta creó un cuerpo misterioso y absorbente de arte performativo definido por su cuerpo y un eterno encuentro con la naturaleza. Asociada con el arte feminista y con la performance, Mendieta evolucionó, en su corta carrera de trece años, su propia práctica híbrida que fusionaba aspectos del body art y del land art. Ella usaba el término ―cuerpo de tierra‖ para describir su particular aproximación a la práctica del arte en la que incorporaba su propia figura —o su silueta o su huella— al paisaje natural. Untitled (Rape Scene) (serie series), 1973-2001 5 c-prints color. 40,5 x 50,5 cm c/u Esta serie fue ejecutada en la Universidad de Iowa, donde Mendieta era estudiante de posgrado y donde participaba activamente en el Intermedia Program and Center for New Performing Arts de esa universidad. Fundado por Hans Breder, el programa Intermedia fue uno de los programas de arte universitario más progresista de los Estados Unidos en esos tiempos. En la primavera de 1973 Mendieta comenzó una serie de trabajos que hacían referencia a la violencia, en los que usaba sangre y partes de animales que obtenía en carnicerías para construir retablos esculturales que los paseantes desprevenidos se encontraban en aceras urbanas, en una granja abandonada o en su apartamento. Untitled (Rape Scene) [Sin título (Escena de violación)], que la artista también describía como ―retablo de una violación‖ fue inspirado por la brutal violación y asesinato de una estudiante en el campus de la Universidad de Iowa. Para esta acción Mendieta invitó a los participantes del taller Intermedia a visitar su apartamento a una hora prefijada. Cuando los visitantes llegaron se encontraron la puerta del apartamento abierta y la artista posando en silencio, con las manos atadas, manchado de sangre su cuerpo medio desnudo, inclinándose sobre una mesa en medio de un charco de sangre. Esta recreación de la escena del crimen (basada en hechos narrados por la prensa) se cuenta entre el puñado de trabajos performativos creados por Mendieta que incluían público en directo. www.musac.es 18 Aleksandra Mir Lubin, Polonia, 1967 Vive y trabaja en Palermo, Italia Esta artista de origen polaco, nacida en Lubin en manifiesta en su obra una permanente preocupación por lo social y las interacciones con el entorno debido, tal vez, porque a su formación en la School for Visual Arts de Nueva York se une un trabajo en Antropología Cultural en la New School for Social Research de la misma ciudad, donde vive largos periodos que alterna con su residencia en Palermo. Está también muy interesada en el juego entre ficción y realidad y la apariencia de verosimilitud. The Promise of Space, 2008 Instalación, 33 collages técnica mixta En The Promise of Space [La promesa del espacio] vuelven a aparecer todas las mencionadas grandes preocupaciones de Mir. Se trata de un conjuntos de collages de distinto tamaño enmarcados en pan de oro y cuya temática parece religiosa en un primer momento. Sin embargo, un segunda mirada desvela un espacio cósmico y tangible que está presente en algunas de las imágenes arrancadas de la iconografía mediática, como la pieza que muestra el famoso alunizaje que sirve de marco a la figura de Jesucristo. Vírgenes, religiosas, San Antonios… se mezclan con aviones, cohetes, explosiones siderales, lanzamientos… ¿De qué promesa habla la artista desde su tono irónico, parecemos reflexionar? Otra vez está aquí su gusto por aproximarse a los fenómenos colectivos, pura antropología cultural. De este modo la fascinación por el espacio se convierte en un concepto expandido en el cual ficciones y realidades se encuentran, promesas de llegar a conocer ―más allá‖, física y metafísicamente. Sven Pählsson Lund, 1965 Vive y trabaja en Oslo, Noruega Sven Pählsson está reconocido como uno de los creadores más importantes del arte electrónico actual. En sus trabajos se sirve de procedimientos infográficos para realizar un análisis de la sociedad contemporánea occidental a través de sus costumbres, sus modos de vida y la cultura del ocio. Con la animación por ordenador como herramienta en sus trabajos más recientes, Pählsson elabora una mirada personal sobre cómo los distintos hábitos humanos se ven reducidos a categoría de tópicos. Crash Course, Sprawville y Consuming Pleasures forman una trilogía en la que analiza los mitos y miserias de la sociedad norteamericana. En todos ellos cuenta con la colaboración de Erik Wøllo en la composición musical. Crash Course, 2000 Animación 3D. DVD color y sonido. 10´. www.musac.es 19 El recorrido planteado en Crash Course explora la cultura del automóvil como elemento cotidiano de nuestra civilización. En él se combinan, sin solución de continuidad, distintos aspectos originados en torno a la idea de cómo el progreso tecnológico ha generado entre los individuos una serie de necesidades nuevas. Combinando imágenes infográficas en tres dimensiones y reproducciones videográficas manipuladas, Pählsson reproduce las múltiples redes de carreteras que, a distintos niveles y de forma análoga al intrincado lenguaje informático, se establecen como elemento indispensable para la propia realización del complejo automovilístico. Son espacios deshabitados, alejados de los lugares donde se desarrollan los intercambios y relaciones sociales, pero a su vez necesarios para que éstos se produzcan. En un nivel distinto, pero ligado al anterior, se muestran grabaciones policiales que recogen diversas escenas de persecuciones y accidentes de tráfico que parecen sacadas de videojuegos, y que son el reflejo de las penurias a que conduce la alienación humana ante un desarrollo tecnológico que se escapa a nuestro control y del cual el individuo es una víctima. Consuming Pleasures , 2003 Animación 3D. DVD color y sonido. 11´. Consuming Pleasures propone una mirada crítica hacia una sociedad de consumo que se ve desbordada por sus propias exigencias. Unos grandes almacenes desprovistos de cualquier rasgo de humanidad, donde los artículos expuestos se reducen a meros continentes carentes de todo contenido incluso la marca del producto ha sido borrada de su superficie, se presentan como metáfora de una comunidad que se enfrenta a unas necesidades creadas por ella misma. No importa tanto aquello que obtenemos, sino el mismo acto de obtenerlo, el consumo desproporcionado y sin medida. Las estanterías repletas son repuestas de manera continua e inmediata para evitar la ausencia de cualquier producto, facilitando un consumo que, más que un placer o un acto de libre elección y disfrute, se ha convertido en una necesidad. Sprawville, 2002 Animación 3D. DVD color y sonido. 13´. Sprawville es un recorrido por diferentes espacios suburbiales, estructurados a partir de unos conceptos de estratificación económica y social donde no queda espacio para la diferencia ni, por tanto, la libertad individual. Casas unifamiliares idénticas, aparcamientos multitudinarios donde la única diferencia entre los vehículos viene dada por sus distintos colores o unas características formales repetidas hasta la saciedad, configuran una cartografía urbana uniforme desprovista de cualquier elemento humano que la dote de vida. Son elementos que conforman un itinerario a través del sueño americano. Las variaciones en el paisaje se valen de las técnicas utilizadas en la programación de videojuegos, y se reducen a elementos modulares vehículos, árboles, cubos de basuras, cuya reiteración construye un escenario habitado por sujetos ausentes: una presencia que sólo adivinamos a intuir a través de estos objetos de uso diario. Concha Prada Zamora, España, 1963 Vive y trabaja en Valencia, España. www.musac.es 20 La fotografía de Concha Prada se ha fijado mayoritariamente en lo rutinario, cotidiano y pequeño con un carácter meticuloso y perfeccionista. Partió de acciones domésticas, como en su serie Basuras (1995), para ir acercando su ojo poco a poco a objetos sin forma concreta aunque de múltiples formas, como en Huevos batidos (1998) o Leche derramada (1999). Se vale de múltiples recursos como el cambio de escala del objeto ampliando el detalle, gran formato para objetos pequeños, fragmentación o repetición de la imagen, fondos neutros, la textura y el color. Así, la fotografía se aleja del referente real y crea una abstracción cercana a la pintura. De la serie Basuras domésticas, 1995-1996 Para la elaboración de Basuras domésticas, Concha Prada se sirve de los deshechos que se producen en el hogar como resultado del quehacer cotidiano. El interés de la cámara no se centra en los deshechos, ni en las acciones que los producen o eliminan, sino que se dirige a su propia calidad visual. Su condición de desperdicio, fácilmente asimilable a la idea de impureza, inmundicia o excremento, parece jugar en contra de una posible aproximación estética. Pero es justamente la sublimación de estos elementos, a través de la modificación de su escala, lo que produce un efecto opuesto al esperado. La artista juega con la contradicción generada por la ampliación de unas imágenes desagradables que se convierten en bellas al destacar las cualidades formales de estos materiales de desecho. Jorge Quijano León, España, 1973 Vive y trabaja en León. La obra de Jorge Quijano supone una constante reflexión en torno a un tema clave: la imagen e identidad del hombre contemporáneo. Para este artista es fundamental la idea de que la verdad de lo que vemos –la máscara– es una pura ficción que desaparece al alejarnos de su superficie. En sus obras Quijano disecciona las múltiples expresiones del ser humano, los profundos cambios y transformaciones de la sociedad actual. De la serie Interfaceidentidad, 2005 4 acuarelas sobre lienzo. 195 x 162 cm c/u El punto de partida de estas obras son las mujeres viandantes de las metrópolis actuales. Elegidas al azar por el artista, estas desconocidas –cuya única relación con las mismas es la de una simple mirada– son, en un primer estadio de su proceso creativo, fotografiadas. En el estudio, estas fotografías se convierten en materia pictórica mediante un complejo proceso de proyecciones pintadas con acuarela sobre lienzo. Las caras de estas mujeres se transforman sobre el lienzo en residuo acuoso, en inquietantes rostros diluidos que ponen de manifiesto la pérdida de identidad de los seres en nuestra sociedad. Las jóvenes representadas aparecen desfiguradas, son espectros o residuos –rastros– de vida que transmiten todo el dolor de la metamorfosis. En palabras de Antonin Artaud, estas mujeres llevan ―una especie de muerte perpetua sobre su rostro‖ www.musac.es 21 Kiki Smith Nüremberg, Alemania, 1954 Vive y trabaja en Nueva York, EE.UU. Conocida en un principio como escultora, Kiki Smith ha hecho del estudio del cuerpo el centro de su obra experimentando con una variedad de medios tanto efímeros como perdurables, trabajando con igual fortuna el grabado y la escultura en sus múltiples variantes, el collage, la instalación y la fotografía. En los años ochenta, partiendo del binomio interior/exterior como representación de lo privado/público, comienza a indagar en la representación aislada de fragmentos del cuerpo humano y de sus órganos. Cual tratado de anatomía, este exhaustivo recorrido condujo a la artista hasta la representación del cuerpo como entidad completa, o lo que es lo mismo, un viaje desde la entrañas hacia el exterior, cuya intención es el conocimiento del mundo. The Sybil, 2004 Impresión offset sobre papel. 31 x 47 cm En de The Sybil [La sibila], edición de 250 ejemplares comisionada por la organización neoyorkina Printed Matter, el ojo parece observar fijamente al espectador en un cambio de roles inusual, donde lo que usualmente es observado, observa. Esta representación agrandada hasta la pixelización de una imagen digital de un ojo es una vuelta a un tema recurrente en la trayectoria de la artista como es el estudio de partes del cuerpo a través de su aislamiento A. COLECCIONES DA2 y FUNDACIÓN COCA COLA Ana Laura Aláez Bilbao, 1964 Ana Laura Aláez es una artista multidisciplinar que destaca por sus trabajos fotográficos. Prefiere definirse como ―arquitecta de las emociones‖, ya que expresa sus sentimientos de la forma que considera más conveniente. Su trabajo se caracteriza por la innovación y la constante investigación en busca de nuevas maneras de expresarse; instalación, escultura, fotografía, etcétera. Los trabajos de la artista vasca hacen que nos adentremos en el mundo de las apariencias debido a los cambios de cánones que aplica a los objetos, la primacía de los postulados éticos sobre los estéticos y la total dominancia de la belleza y la armonía. A lo largo de su carrera ha conseguido crear su propio microcosmos a través del humor, el sarcasmo y la ironía, haciendo desaparecer cada vez más su propia identidad. www.musac.es 22 Alfredo Alcaín Madrid, 1936 Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Grabado y Litografía en la Escuela Nacional de Artes Gráficas y estudios de Decoración cinematográfica en la Escuela Nacional de Cinematografía. Inició su dilatada trayectoria artística en los años 60 y 70 del siglo pasado, en los que fue uno de los exponentes, junto con Luis Gordillo, del Pop Art español que reaccionó contra el informalismo del Grupo El Paso, evolucionando después hacia la abstracción cubista. Su pintura ha oscilado entre el pop y el realismo crítico, y su continuada labor como creador le ha llevado desde la pintura a la escultura, a los collages, a las composiciones con objetos enfrentados y a los grabados. Partiendo del realismo, Alcaín ha mantenido una coherente evolución dentro de la figuración, que le ha permitido asimilar los más distintos movimientos contemporáneos. Hugo Alonso Soria, 1981. La obra de Hugo Alonso puede considerarse un magnífico ejemplo de la promiscuidad mediática que caracteriza a la creación contemporánea. En su trabajo encontramos referencias extraídas de la pornografía, los videoclips, la publicidad, el cine de Cronenberg y la hoy generalizada violencia televisiva. Todas estas fuentes visuales son abordadas con la fascinación propia de quien está inmerso en una perturbadora e hipnótica iconosfera de la que no podemos escapar y el escepticismo de un artista capaz de articular una crítica eficaz que nos ayude a desarrollar una serie de mecanismos de resistencia con respecto a la imagen y sus patologías. En su trabajo se puede percibir un claro interés hacia la relación que se establece entre un determinado producto audiovisual y su espectador. Inicialmente pictórica, su obra actual suele desarrollarse en diversos medios como la videoinstalación, la música electrónica, los visuales para escenografía teatral o la pintura. Emilia Azcárate Caracas, Venezuela, 1964. Se gradúa en Artes Plásticas en la Central Saint Martins School of Art en Londres en los años ochenta. Ha realizado talleres y residencias en Venezuela y Trinidad, desde hace más de una década reside y trabaja en Madrid. www.musac.es 23 Su evolución pictórica ha pasado por diferentes etapas: en un primer momento usó el óleo, posteriormente empleó pigmentos en polvo y desde 1994 trabaja la encáustica. Sus obras llaman la atención por su extraordinaria energía y minuciosa técnica de superposición de finas capas de cera previamente mezcladas con trementina u otras sustancias. Entre capa y capa la artista "marca" el lienzo encerado con pigmentos naturales o con sellos de hierro, hasta convertir las telas en pinturas que la artista denomina "paisaje de piel". En 2004 expuso en la Casa de América, Madrid. La muestra resume su experiencia de trabajo en Puerto España, Trinidad, con un conjunto de obras que manifiesta su interés por subvertir la pintura a una producción objetual, saltando al espacio tridimensional y expandiendo los límites del acto pictórico. También es clara la influencia en estas obras de la filosofía hindú: su visión de la realidad, sus motivos y prácticas espirituales que valoran los remanentes del mundo material, y de los cuales Emilia Azcárate se vale para construir un lenguaje artístico donde el significado del acto creativo reside en lo más sutil e inadvertido de nuestra cotidianidad visual. Jorge Barbi La Guardia, Pontevedra,1950. La totalidad de su obra puede definirse como una proyección plástica y poética vinculada en todo momento a su lugar natal y escindida entre la naturaleza, el cosmos y la figura humana. Su obra comenzó a fluir en la década de los 80 dividiéndose entre muestras individuales y colectivas. Ya en los comienzos de los 90 se centra en los aspectos más paradójicos del objeto artístico. Su producción discurre entre fotografías, esculturas o intervenciones que guardan en común la representación de imperceptibles momentos irrepetibles pero importantes. Para Barbi, la sencillez se pone al servicio de la sensibilidad, observando la situación desde otro ángulo, potenciador éste de las nimiedades del alma. El paseo y la observación cotidiana de cuanto le rodea enarbolan a Barbi como un científico encargado de registrar el proceso de transformación y de desplazamiento que sufre el paisaje, afectando con ello a todos los objetos que en él habitan, empapando la totalidad de la pieza con un aura enigmático a la par que poético. Carmen Calvo Valencia, 1950. www.musac.es 24 Estudió en la Escuela de Artes y Oficios, obteniendo el Título de Publicidad en1970. Asimismo cursó estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia. Su producción es una de las más destacadas del arte valenciano y su importancia es extrapolable al arte español. Principalmente su extensa trayectoria expositiva, así como su compromiso experimental han provocado su conversión en una de las artistas más representativas del panorama actual. Comenzó su andadura artística a principios de los años setenta. Sus influencias provenían del arte pop y del arte postminimalista. Paulatinamente comenzó a gestar un lenguaje personal, propio, que se identificaba por su carácter transformador. Su interés se circunscribe a la pintura, pero entendiendo ésta de manera tridimensional, dando lugar a un universo plástico en el que se erigen tendencias renovadoras constantes. Es el interés por la interpretación personal del mundo que la rodea, la base de sus obras, empleando para ello toda la información y todos los símbolos de los que dispone. La importancia que los objetos otorgan a su obra, tanto por la manera de recopilarlos como por la manera en que son unidos y dispuestos en el soporte, originan una obra resultante plagada de significaciones y reminiscencias personales que trastocan lo propio en universal. Yamandú Canosa Montevideo, Uruguay,1954. Reside en Barcelona desde 1975, donde ha desarrollado la mayor parte de su obra y ha realizado tareas docentes en las escuelas Eina y Massana, así como en el Otis College of Art de Los Ángeles. Con formas expresivas diversas, la obra de Yamandú Canosa se plasma tanto en dibujos, pinturas sobre tela como en piezas hechas con planchas de yeso que inducen a una reflexión teórica sobre la incapacidad de comprender el mundo mediante su representación. Influido por el universalismo constructivista de Torres-García, incorpora temas y recursos estilísticos dispares a su pintura, que adopta la apariencia de la fotografía, del dibujo barroco, de la figuración neo-pop o surrealista, para indagar con sutil inteligencia en la historia de nuestros modos de ver. La línea del horizonte como límite conceptual y literal de todas las cosas, como geometría, estructura y método que genera y ordena volúmenes y espacios. La línea es la constante metodológica y simbólica, la herramienta de relación y representación que unifica una obra tan paradójicamente abierta y a la vez cerrada como es la pintura de Yamandú Canosa. www.musac.es 25 Florentino Díaz Fresnedoso de Ibor, Cáceres,1954. Escultor, cuya obra resulta de gran independencia del resto de la producción española, ya que se ha alejado durante toda su carrera de los criterios formales y conceptuales impuestos por las corrientes dominantes en cada momento. Las reflexiones de Florentino Díaz se concentran principalmente en el modo de vida contemporáneo ironizando en su obra sobre algunos de los emblemas nacionales y los estereotipos domésticos. La fuerza de su lenguaje y la dualidad de su discurso son constantes en su obra. De este modo, una misma pieza puede representar conceptos divergentes, como pueden ser la linealidad y el volumen o estar realizada con materiales rígidos y blandos. El artista parece jugar con lo dúplice en sus obras, pero este juego se basa en contraponer conceptos que puedan resultar sorprendentes recordándonos en cierta medida al espíritu Dadá. El lenguaje empleado por el artista encontraría su raíz en el constructivismo y el neoplasticismo además de en un posminimalismo aligerado que combina formas elementales y las sombras desdibujadas. Los recursos empleados por Díaz al igual que las imágenes, los materiales, las evocaciones, etcétera, captan fácilmente la atención del espectador, sin embargo, su contenido más profundo, cargado de información emocional. Roland Fischer Múnich, Alemania,1958. La obra de Roland Fischer guarda cierta relación con el frío formalismo de la escuela fotográfica de Dusseldorf, los Becher, Höffer, Gursky o Struth. En sus series más conocidas se recrea en la descripción visual de las fachadas de grandes edificios, incluidas catedrales como las de Burgos o León, mostrando una especial preocupación por elementos plásticos provenientes de la abstracción geométrica; ritmo, estructura, color, retícula y el minimalismo; serialidad y objetualidad, que adquieren una dimensión casi pictórica gracias a los grandes formatos y la cuidada postproducción digital. Cada fachada se convierte en una especie de retrato del edificio que ha perdido su identidad no aportándonos ningún tipo de información acerca de las relaciones humanas que se desarrollan en su interior. Fischer explora la relación entre el colectivo y los individuos que lo conforman. La iluminación homogénea convierte el fondo de la fotografía en una especie de cuadro monocromo que envuelve a la mujer. www.musac.es 26 Ferrán García Sevilla Palma de Mallorca, 1949. Puede etiquetarse como uno de los personajes claves del arte conceptual catalán tras su residencia definitiva en Barcelona en 1969. Después, en la década de los ochenta, se erigió como uno de los mayores defensores de la llamada Vuelta de la pintura. Su progreso plástico tiene su origen en el arte conceptual. Tiempo después abordaría la pintura figurativa y finalmente se centraría en la abstracción. Desde el punto de vista temático, la obra de García Sevilla aborda el sexo, la violencia y la muerte, elementos que permanecen presentes en la mayoría de su producción plástica. Referente a su modo de proceder, es costumbre que sitúe figuras totalmente definidas, muchas veces antropomorfas, y las ubique sobre fondos neutros o con motivos que se repiten de manera insistente. Su gama cromática es rica, viva y contrastada, empleando un lenguaje simple que en ocasiones roza lo primitivo. En lo concerniente a su obra reciente, emplea una pintura de derrames y rayas que aumenta en densidad y barroquismo, a la par que participa de cierta polémica, puesto que el goteo, el dripping, es asociable al esperma o al vómito, metafóricamente hablando y que no pueden desligarse de la personalidad provocativa de este autor. Susy Gómez Pollença, Mallorca, 1964. El fácilmente reconocible estilo de Susy Gómez, hace sin embargo dudar al espectador cuando trata de buscar el conceptualismo oculto en las obras. El tema de la mujer está presente junto a ciertos tintes autobiográficos, pero el posicionamiento de la artista no queda del todo claro. Susy Gómez manipula las fotografías sobre las que actúa de una forma sugerente. Simplemente prefiere que cada cual obtenga de las obras sus propias conclusiones. Expone sus fotografías a modo de vanos abiertos a la realidad. Ella es una artista multidisciplinar en cuyas exposiciones suelen aparecer mezclados los más insólitos formatos, desde la performance hasta la pintura sobre seda o hierro. En ocasiones también incluye palabras en sus exposiciones, como un material más sobre el que recrear una obra. www.musac.es 27 Debido quizás a su formación en el ámbito del diseño, las fotografías que expone Susy Gómez consisten en recortes de la revista Vogue sobre los que posteriormente ella interfiere, en este caso con pintura. La imagen de la modelo queda oculta, o quizás sólo enmascarada. La máscara oculta el rostro que solemos ver para darnos una versión disfrazada, quizás de esta manera la artista consiga dar identidad a unas modelos que, en las páginas de las revistas, carecen de individualidad siendo meros maniquíes prefabricados. Juan Ángel González de la Calle Jerez de la Frontera , Cadiz, 1956. Artista consagrado a la pintura que desde sus comienzos viene desarrollando una línea que mantiene hasta la actualidad, marcada por una técnica pictórica tradicional, aplicada a escenas desconcertantes por la combinación de elementos que introduce en una misma escena. Su aplastante seguridad creativa lo hace uno de los autores más ciertos de cuantos existen en esta zona. Además, su lenguaje se ha configurado con el tiempo y se ha estableciendo en unas coordenadas de singular particularidad y personalidad. Su obra es de una figuración contundente y de un realismo aplastante. Pintor con una gran clarividencia, poseedor de los esquemas válidos para una pintura abierta donde puede tener cabida cualquier situación, cualquier sistema representativo mediato o inmediato. Desarrollo plástico valiente y riguroso, un sistema conceptual muy bien concebido para que el propio elemento descrito pierda su primitivo sentido y adopte una nueva realidad donde pueden entrar diversos planteamientos significantes. Descontextualiza los elementos llevándolos a espacios contradictorios y fuera de sus ámbitos habituales, continúa en esas coordenadas pero en esta ocasión, con un nuevo sentido. La luz y la ausencia de ella provocan sentimientos apartados del hilo argumental inmediato que capta la mirada. José María Guijarro Torre de Juan Abad, Ciudad Real.1953. En 1979 se licenció en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Madrid. En 1982 abandonó la docencia, y participó en algunos talleres del Círculo de Bellas Artes. Entre 1987 y 1990 vivió en Colonia (Alemania), ciudad en la que participó en varios seminarios del Fórum de la Volkshochschule. www.musac.es 28 Los materiales que utiliza son muy diversos, papel, madera, hierro, tela e incluso partes de esculturas anteriores que se reciclan. Se reciclan bajo la sospecha de que todo el arte contemporáneo es efímero, como la vida. Hasta el momento ha realizado, 15 exposiciones individuales y ha participado en más de 20 colectivas; la más importante tuvo lugar en el 2010, en el Centro de Arte Caja de Burgos (CAB), en la que el significativo elemento encontrado eran unas sencillas sillas de anea; y la más reciente en su galería madrileña, en el 2011, titulada «Agua salobre», en la que presentaba dibujos y esculturas del cuerpo humano. La Colección ―La Caixa‖ de Arte Contemporáneo posee un importante conjunto de piezas suyas realizadas en el transcurso de la última década del siglo XX y los inicios del siglo XXI. Mona Hatoum Beirut, Líbano 1952. Las instalaciones de Mona Hatoum hacen uso de objetos de usanza cotidiana y carácter doméstico, asociados por nuestra memoria a las cocinas de la infancia para construir una metáfora de orden post-feminista sobre el hogar como potencial prisión y espacio de violencia. Lejos de ofrecer un refugio respecto al mundo de la presión política y social, el hogar es el lugar de la inquietud, un espacio de reclusión síquica y terror del que no es posible escapar. Lo doméstico es en muchas ocasiones para Hatoum ―el lugar de la violencia y la violación‖. Los utensilios pueden convertirse en armas y el mobiliario en un instrumento de tortura. Aplicadas de modo descomunal, fuera de contexto y sobre todo, interpuestas en el espacio por el cual circula el espectador, estas obras funcionan más como instalaciones que como esculturas, inciden en nuestro espacio de tránsito, lo diseccionan y provocan el miedo y la aprehensión por una amenaza física que percibimos como muy real, lo cual anula la imparcialidad contemplativa a la que normalmente invita la visión de la escultura. Juan Francisco Isidro Lora del Río, Sevilla,1961-1993. El discurso que siempre empleó se conforma de una palpitante intimidad, conjugando planteamientos conceptuales elaborados lenta y metódicamente. Los objetos empleados para la elaboración de estas alegorías visuales se traducen en sencillez a la par que no pueden desligarse del humor y de la ironía. La técnica que el autor emplea es ecléctica, componiéndose tanto de pintura, como de papel recortado, como de fotografía. Respecto a este último, podemos considerar el www.musac.es 29 quehacer de Francisco Isidro como el iniciador del conceptualismo que luego seguirán otros autores, como por ejemplo Chema Madoz. Morirá muy joven, con treinta y tres años de edad,desaparece una de las figuras más interesantes y prometedoras de la nueva generación artística de nuestro país Fran López Bru Elche, Alicante, 1959. Fran López Bru, es una artista de formación pictórica, que traslada a sus fotografías la sensualidad cromática y el gusto por el fragmento que desarrollaba en sus cuadros a principios de los 90, en los que ya aparecía, como aquí, el tema del bodegón. Sus imágenes de gran formato redefinen formas orgánicas con una técnica y un lenguaje visual (gusto por el detalle, la repetición, la saturación cromática antinaturalista, etc.) que recuerda la fotografía publicitaria y ciertos aspectos del serialismo pop, pero al mismo tiempo resultan tremendamente pictorialistas. Como si fueran naturalezas muertas –o partículas mutantes– del presente, Fran López Bru obliga al espectador a reconsiderar su mirada y a decidir primero si lo que tiene frente a sí es una fotografía o una pintura y posteriormente a elegir entre disfrutar de la placidez cromática y virtualmente abstracta de las composiciones o intentar adivinar qué es lo que verdaderamente son o representan estas imágenes. Chema Madoz Madrid, 1958. Fotógrafo que trata de representar imágenes extraídas de juegos de imaginación realizados con perspectivas y texturas. La mayoría de sus trabajos están realizados con luz natural aunque emplea la iluminación artificial en los casos en que fotografía lámparas o quiera resaltar algún detalle. Su producción se caracteriza por el empleo del blanco y negro en casi todas las obras. Los objetos que nos muestra podrían tener su antecedente en el Surrealismo, pero en realidad Madoz trabaja más desde la idea. Los objetos que fotografía son en numerosas ocasiones construidos por él mismo, sin embargo, él no se considera escultor. Estos elementos no tienen una fuerte presencia física ni un acabado pulido, simplemente se les fotografía por algún aspecto que resulte curioso dentro de un contexto concreto, jugando constantemente con el cambio de escalas, la ordenación de los elementos, el poder de la evocación y la carga poética que desprenden los objetos, tratando de explotar las www.musac.es 30 capacidades simbólicas del objeto jugando a la vez con el lenguaje empleando analogías, metáforas y paradojas. Christopher Makos Lowell, Massachusetts, EE.UU, 1948. Fotógrafo y artista estadounidense, se instaló en la ciudad de Nueva York en la década de 1960. Fue a París para estudiar arquitectura, pero el contacto con Man Ray le llevaría por el camino de la fotografía. A su vuelta a los Estados Unidos, se instalará en Nueva York donde colaborará estrechamente con Andy Warhol, a quien le enseñaría utilizar su primera cámara fotográfica. También puso en contacto a Warhol con la obra de JeanMichel Basquiat y Keith Haring. Pese a la estrecha relación entre ambos, Makos nunca perteneció al colectivo artístico de Warhol conocido como “La fábrica”. Las obras de Makos están presentes en más de cien museos como colecciones permanentes y han sido objeto de múltiples exposiciones en galerías y museos de los Estados Unidos, Europa y Japón y han aparecido en numerosas publicaciones de todo el mundo. Makos irrumpió en la escena fotográfica con su libro de 1977, basura blanca. El maestro surrealista y amigo de Duchamp tomó un interés especial en Makos, compartiendo con él muchos conocimientos prácticos en su método de trabajo como fotógrafo. Luis Marco Zaragoza, 1953. Pintor autodidacta. Hijo del pintor Luis Marco Conde. Por natural influencia paterna tiene un período con extraños rostros, bodegones insólitos y paisajes desconcertantes. A lo largo de su trayectoria artística girará en torno a los principales estilos pictóricos que le influyen durante su carrera, nos encontramos con obras de estilo surrealista, pasando por la abstracción hasta llegar al expresionismo abstracto y su último periodo artístico iniciado a partir de 1986, Marco retornará de nuevo al grosor matérico dándole más importancia que a los fondos, esto lo continuará haciendo hasta 1998. Rafael Navarro Zaragoza, 1940. Fotógrafo español que comenzó a interesarse por la fotografía en la década de los años 70, iniciando su andadura en el reportaje, el teatro y los deportes. Fue Presidente de la Real Academia de Fotografía de Zaragoza, hasta que finalmente las artes plásticas le atraparon comenzando a desarrollar un lenguaje más personal. En cuanto a su carrera www.musac.es 31 debemos hacer hincapié en las series de fotográficas que han supuesto una ruptura con el medio o que han contribuido a la creación de un nuevo discurso fotográfico. En 1977 fundó junto con Manuel Esclusa, Joan Fontcuberta y Pere Formiguera el grupo Alabem. En 1978 fue designado representante en España del Consejo Latinoamericano de Fotografía y posteriormente en 1985 miembro del Consejo Asesor de la Fundación Miró de Barcelona. Su obra ha sido expuesta en los museos de todo el mundo en más de 500 ocasiones y forma parte de algunos fondos relevantes. Ana Teresa Ortega Valencia, 1952. Artista visual y fotógrafa cuya obra realizada a través de fotografías y proyecciones tiene como premisa conservar el acervo cultural y social. Profesora titular de la Facultad de Bellas Artes de Valencia, lleva exponiendo su trabajo en diferentes galerías e instituciones españolas e internacionales desde 1984. Sus primeros trabajos eran sobre soportes tradicionales alejados por completo de la fotografía, además destacan la utilización de propuestas híbridas llamadas por la artista ―Foto-Esculturas”, con un discurso alejado de las prácticas documentales y de una fotografía. Por otro lado, las obras de Ortega por estos años participaban de otra de las corrientes conceptuales que se estaban dando en los años 70, como son las prácticas apropiacionistas, donde la fotógrafa reutilizaba imágenes provenientes de la publicidad, TV, imágenes documentales, etcétera. En su trabajo siempre va a seguir el mismo eje conductor, la memoria. Para esta artista sin memoria no hay futuro. Su obra forma parte de instituciones y colecciones permanentes como Colección Arco, Instituto Valenciano de Moderno (IVAM), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) entre otros. Concha Prada Puebla de Sanabria ,Zamora,1963. Formada en la Escola d’estudis fotografics de Catalunya, sus primeras series otorga una notable importancia a la puesta en escena, más próxima a lo cinematográfico que a lo meramente teatral, donde apostará por el uso del blanco y negro, pero estos no serán los únicos rasgos comunes en sus primeros trabajos ya que unirá la mezcla de elementos tomados del cómic, la cultura popular y la especulación en torno a la significación de la imagen y la construcción de relatos. En ella se unen otros dos puntos con un mayor alcance como son la identificación e interpretación de estereotipos, generalmente relacionados con lo femenino. www.musac.es 32 Tras una estancia en Nueva York en el año 1994, su obra dará un giro sustancial donde ahora insiste en lo cotidiano como campo de indagación central dentro de su trabajo. En esta nueva etapa apostará por el blanco y negro y por la reducción de medios, así como también por una progresiva concentración en el detalle o fragmento realizada mediante encuadres agresivos. Prada otorga visibilidad a aquello que tendemos a sustraer del campo de nuestras relaciones. En sus obras pertenecientes a los años 2000 la luz y el color se convierten en los protagonistas siendo a su vez cada vez más sintética en sus propuestas. James Rielly Wrexham, Wales, Reino Unido, 1956. Se formó en Gloucester College of Art & Design, Cheltenham, UK, entre los años 19751978. Actualmente vive y trabaja en Francia. Sus pinturas son inflexibles e intransigentes. La palabra con la que se define habitualmente la obra de Rielly es ―ambigua‖, sin embargo ―intratable‖ parecía más apropiado. Es posible que la composición sea poco elegante, pero puede aligerarla con sutileza mediante unas discretas líneas y pinceladas exquisitas. Los personajes de sus obras parecen estar soportando dolores perpetuos mientras que intentan descubrir una salida que les aporte un equilibrio feliz. Elena del Rivero Valencia, 1952. Se trasladó a Nueva York en 1991 y desde entonces reside allí. Es una pintora que tiene gran cantidad de obras en papel, sin embargo experimentó con otros medios como la fotografía y el vídeo. Su inspiración para realizar sus obras es la experiencia y las vivencias del día a día. La costura, el dorado y las palabras escritas son las herramientas que utiliza con frecuencia como alternativa al dibujo. Su trabajo se desarrolla poco a poco mediante la construcción de narrativas visuales que se complementan con títulos cuidadosamente elegidos, favoreciendo a ese doble sentido que quiere dar a sus obras. A lo largo de su trayectoria artística ha conseguido numerosas becas en diferentes fundaciones e instituciones de prestigio, como por ejemplo, Fundación Rockefeller con residencia en Bellagio, Italia, Premio de la Academia de Bellas Artes de Roma y la más actual beca en la Fundación Joan Mitchell Grant (2015). Su obra se incluye dentro de las colecciones de los museos más importantes del mundo como por ejemplo, Colby College Museum of Art, Waterville, ME; Pollock Gallery of Southern Methodist University, Dallas, www.musac.es 33 Texas; Museum Of Modern Art (Moma), Nueva York; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Fundación Coca-Cola, Madrid entre otros. José Sanleón Catarroja, Valencia,1953. Pertenece a la generación de artistas que durante los años ochenta del siglo XX contribuyeron de una manera destacada a la renovación del panorama estético nacional. Su trayectoria artística se configura en torno al arte povera, el minimal y el constructivismo, donde en la actualidad siguen siendo constantes, aunque no en el sentido estricto del término, debido a que su composición se mantiene intacta. Sanleón ha venido desarrollando en su obra aspectos cruciales como la reinterpretación del paisaje de la ciudad, la metáfora del laberinto, el homenaje a los clásicos, o quizás lo que es más importante, la concepción de la pintura como territorio en continua mutación y expansión. El diálogo creativo con el paisaje natural ha estado también presente en su obra desde sus inicios, pero de manera especial durante los dos últimos años donde toma un mayor contacto con el paisaje de su tierra natal. Rafa Sendín Salamanca, 1971. Artista salmantino cuyo recorrido artístico ha pasado por varias técnicas hasta centrarse en la actualidad en el vídeo y la fotografía, centrando sus últimas obras en el ámbito de la libertad y la manipulación de los medios de comunicación. Las imágenes que utiliza para reflexionar acerca de estos conceptos, son llevadas a cabo durante paseos, estos paseos le sirven como método explorador y pensatorio, durante los cuales no puede ser ajeno a la información que emana de lo que el artista ha llamado ―iconosfera”. Las imágenes son tomadas de los escaparates y vallas de publicidad que nos encontramos las ciudades. Sólo fotografía pósters publicitarios de moda, cosméticos, perfumerías, cines, entre otros, siendo consciente de que en realidad lo que fotografiaba era una fotografía, un objeto, con todas las connotaciones conceptuales, ready-made, apropiacionismo, muerte del autor, etc. Una serie de cuestiones implícitas en el propio medio fotográfico. Rui Toscano Lisboa, Portugal, 1970. www.musac.es 34 Estudió pintura y escultura en el AR.CO (Centro de Arte e Comuçäo visual) y en la FABUAUL (Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa). Desde 1993 su trabajo se ha exhibido de forma regular en eventos como la IX Bienal de Arquitectura de Venecia, exposiciones individuales como la del Museo de Serralves y colectivas como Expanded Painting en la Bienal de Praga. Vive y trabaja en Lisboa. Paralelamente a su carrera persiguió varias líneas de actuación en el ámbito de la música y "video-jamming" la integración de diversos grupos con alta visibilidad en la escena cultural nacional. Toscano, establece una clara comprensión de la experiencia contemporánea y sus tecnologías. Valentín Vallhonrat Madrid, 1956. Estudió Geografía e Historia y Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 1986 colabora como fotógrafo de moda con Vogue en sus ediciones alemana, inglesa, portuguesa, italiana y japonesa, trabajando en múltiples campañas publicitarias de ámbito nacional e internacional. En 1990 ganó el premio Cecil Beaton de fotografía, además en este misma década de los 90 montó un laboratorio fotográfico especializado en tirajes de alta calidad para múltiples exposiciones por todo el mundo. Su trabajo se centra inicialmente en la revisión del concepto de álbum como un posible prototipo del archivo, para discutir posteriormente la noción de autoría y el diálogo con una tradición de documentación fotográfica. Aborda sus temas como un coleccionista de esquemas que se repiten en lugares y situaciones diversas. En sus series se plasma una sólida unidad formal y conceptual. Su obra ha sido expuesta en multitud de museos como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), The Museum Moscow House of Photography, y en galerías como Elba Benítez de Madrid. Manuel Velasco Valladolid, 1966. Licenciado en Bellas Artes, especialidad de pintura por la Universidad de Salamanca. Encuadrado dentro de la pintura figurativa, realiza unas pinturas borrosas basadas en instantáneas amateurs, desenfocadas y mal encuadradas, imágenes que parecen sacadas a veces de revistas. Los temas de sus pinturas suelen ser rincones de la naturaleza que aparecen siempre vistos desde muy cerca. El artista los llama ―micropaisajes‖ pero se trata de una especie de naturalezas muertas. Velasco somete el motivo a un proceso casi minimalista quedando así un juego de texturas, donde podemos ver que el objeto está a punto de disolverse. www.musac.es 35 Su obra se encuentra repartida en distintas colecciones del panorama español, como son: la Fundación Villalar, Colección Acor, Colección Fundación Coca-Cola entre otros. Charlie White Philadelphia, Estados Unidos, 1972. Las fotografías del artista norteamericano Charlie White, al igual que otros autores contemporáneos como Jeff Wall o Gregory Crewdson, cuestionan la naturaleza de la fotografía y sus diferentes variedades de registro, haciendo de este un dispositivo de reflexión en torno a lo real, lo ficticio y lo ―reconocible‖. Mitología e historia reciente se unen en sus series, mezclando realidad y ficción, para ofrecernos momentos donde pese a la belleza de las imágenes no hay margen para la inocencia y donde cada personaje termina atrapado por su propia mitología. La necesidad de adquirir una historia propia para el pueblo americano se recrea en mitos, muchos de ellos mediáticos, que forman parte de historias heroicas, violentas o simplemente de percepción exterior que existe de los Estados Unidos, historias que se transmiten de padres a hijos pese a pertenecer a hechos recientes sobre los que existe abundante información. NOTA BIOGRÁFICA DEL COMISARIO, JORGE BLASCO GALLARDO Jorge Blasco Gallardo es escritor e investigador independiente, estando especialmente interesado por todo aquello que directa o indirectamente tiene que ver con el verbo archivar. Comenzó su carrera profesional con el proyecto 'Culturas de archivo' en el año 2000, en la Fundació Antoni Tàpies, Barcelona. Durante varios años ha estado al frente de ese trabajo que cuenta con dos publicaciones y varios boletines en su haber. El trabajo ha tenido sede expositiva en la propia Fundació, en la Universitat de Valencia, en la Universidad de Salamanca y en la Sala de nuestra Señora de Prado, perteneciente a la Junta de Castilla y León. En el MUSAC co-comisarió en 2014 la exposición 'Fondo A UA CRAG al muro' junto a Koré Escobar y Raquel Álvarez. www.musac.es 36 NOTAS BIOGRÁFICAS DE LOS PROFESIONALES DE LA SALUD MENTAL PARTICIPANTES José María Álvarez es psicoanalista, miembro de la Asociación Mundial de Psicoanálisis y doctor por la Universidad Autónoma de Barcelona. Es especialista en Psicología clínica del Hospital Universitario Río Hortega de Valladolid. Es autor de más de setenta publicaciones sobre psicopatología y psicoanálisis y de algunos libros, en especial de 'La invención de la enfermedades mentales' (Dorsa, 1999; Gredos, 2008), 'Fundamentos de psicopatología psicoanalítica' (2005), tratado del que es coautor con R. Esteban y F. Sauvagnat, y 'Estudios sobre la psicosis' (AGSM, 2006; Grama, 2008; Xoroi, 2013). Mariano Hernández Monsalve es médico psiquiatra. Ha sido jefe de servicios de salud mental comunitaria en varios distritos de la Comunidad de Madrid. Sus intereses profesionales, en atención clínica, docencia, investigación y publicaciones científicas y de divulgación han sido : a) la relación y colaboración con la Medicina General-médicos de cabecera – de Atención Primaria-, b) las psicosis, c) la rehabilitación psicosocial y la recuperación, d) las psicoterapias, e) la relación entre las artes, los museos y la salud mental (colaborador en el programa EducaThyssen-red de públicos y con la red de museología social). Jesús Morchón Sanjosé se licencia en Medicina y Cirugía por la Universivad de Valladolid en 1983. Entre 1984-1989 se especializa en Psiquiatría en el Hospital Dr. José María Villacián de Valladolid. En 1990, psiquiatra adjunto en el Centro de Salud Mental del Hospital Central de Asturias, Oviedo, y psiquiatra adjunto en la Unidad de Hospitalización Breve del Hospital de Jove, Gijón. En 1992,coordinador del Área de Salud Mental de Luarca. Desde 1992 hasta la actualidad coordina la Unidad de Rehabilitación Psiquiátrica del Complejo Asistencial Universitario de León, y es responsable de la sección de Rehabilitación Psiquiátrica y del programa de Atención Comunitaria del Área sanitaria de León. Desde 1998 hasta la actualidad es director médico del Hospital Santa Isabel, monográfico de asistencia psiquiátrica e integrado en el Complejo Asistencial de León. Guillermo Rendueles Olmedo es psiquiatra y ensayista. Su obra se centra en la crítica de la psiquiatría ortodoxa, la teoría social y la política radical. Los textos de Guillermo www.musac.es 37 Rendueles se mueven sin solución de continuidad entre, por un lado, la reflexión social y política, y, por otro, temas psiquiátricos y psicológicos. Montserrat Rodríguez Garzo es psicoanalista y miembro de la asociación Apertura. Investiga las aplicaciones del psicoanálisis en el estudio de la mecánica de la creación de lenguaje en las esquizofrenias y otras psicosis, y en los lenguajes artísticos. Imparte seminarios, cursos y conferencias sobre teoría psicoanalítica, arte y estética. Ha publicado, entre otras monografías, 'Estados de dolor' (Cendeac-PdC, 2012), y 'Esquizofrenias y otros hechos de lenguaje. De la clínica psicoanalítica del Macba' (20022013), (Brumaria, 2015). Fernando Vicente, psicoanalista, se formó principalmente en Francia, donde conoció a Francesc Tosquelles, con quien trabajó y fue su primer analista y con el que mantuvo una gran amistad hasta su muerte. También estuvo unido a su segunda analista, Rosine Lefort, muy vinculada a Jacques Lacan; y muy cercano a Jean Oury, el fundador de la psicoterapia institucional. Ha sido profesor en el marco de la formation continue en las universidades de París XII y París VII. Sigue trabajando como supervisor clínico e institucional en París, Barcelona y Toulouse. Ha sido profesor en el marco de la formación continua en las universidades de París XX y París VII. LISTADO DE OBRA EN EXPOSICIÓN EN MUSAC Lara Almarcegui 'Cavar', 1998 Políptico de 80 fotografías color. 200 x 200 cm Edición: 1/3 Colección MUSAC Aziz + Cucher De la serie 'Dystopia', 1995 – 2003 'Pam and Kim' Colour photograph. 101 x 127 cm. Edition: 4/5 Colección MUSAC 'Ken' Colour photograph. 127 x 107 cm. www.musac.es 38 Edition: 4/5. Colección MUSAC Erick Beltrán 'Modelos de construcción del objeto', 2010 Vinilo sobre muro Colección MUSAC Eelco Brand 'O Movi', 2004 Animación 3D, vídeo color y sonido. Bucle infinito. Ed. 3/3 + 1 P.A. Colección MUSAC Fernando Bryce 'Kolonial Post', 2006 Instalación, 111 dibujos, tinta sobre papel. Medidas variables Colección MUSAC Biel Capllonch 'La Ausencia', 1998 Fotografía Color. 90 x 115 cm. Edición: 1/1 + 1 A.P. 'Dos hombres desarmados', 1998 Fotografía color. 90 x 115 cm. Edición: 1/1 + 1 A.P. Diller + Scofidio 'Soft Sell', 1993 – 2003 Videoinstalación. DVD color y sonido.8´ 27”. Edición: 4/5 Colección MUSAC Till Freiwald 'Sin título', 2003 Acuarela sobre papel. 228,60 x 152,40 cm. Colección MUSAC 'Sin título', 2003 Acuarela sobre papel. 228,60 x 152,40 cm. Colección MUSAC Carmela García 'Cartografías', 2006 – 2007 Instalación, papel, fotografías, cuerda y otros elementos www.musac.es 39 200 x 500 cm Colección MUSAC Juan Hidalgo 'Alrededor … del pene', 1990 22 Fotografías b/n una de ellas virada en azul. Gelatinobromuros de plata al selenio. Colección MUSAC Zhan Huan 'To Raise the Level of Water in a Fish Pond (Middle View)', 1997 Fotografía color. 100 x 150 cm. Ed. 2/5 P.A./15 + 5 P.A. Colección MUSAC Ellen Kooi 'Katwijk –bomen', 2000 Fotografía color. 90 x 210 cm. Ed. 1/10 + 2 P.A. Colección MUSAC Jorge Macchi 'Un charco de sangre', 1999 Collage sobre papel. 150 x 480 cm Colección MUSAC Ryan Mcginley 'Dakota Hair', 2004 Fotografía color. 68,5 x 120 cm. Ed. P.A./6 + 1 P .A. Colección MUSAC Josephine Meckseper 'Untitled (March on Washington 9/24/05. Coffins, X Ray)', 2007 Impresión digital. 35 x 45 cm Digital print. 35 x 45 cm Ed. 72/75 Colección MUSAC 'Untitled (0%) Shelf', 2007 Impresión digital. 35 x 45 cm Digital print. 35 x 45 cm Ed. 32/75 Colección MUSAC Ana Mendieta “Untitled (Rape Scene)”, 1973 'Untitled (Rape Scene) (serie)', 1973-2001 5 c-prints color. 40,5 x 50,5 cm c/u Ed. 9/10 Colección MUSAC www.musac.es 40 Aleksandra Mir 'The Promise of Space', 2008 Instalación, 33 collages técnica mixta/ Installation, 33 collages mixed media Medidas variables/Dimensiones variables Colección MUSAC Sven Pählsson 'Crash Course', 2000 Animación 3D. DVD color y sonido. 10´. Edición: 8/10. Colección MUSAC 'Consuming Pleasures', 2003 Animación 3D. DVD color y sonido. 11´. Edición: 3/12. Colección MUSAC 'Sprawville', 2002 Animación 3D. DVD color y sonido. 13´. Edición: 9/12. Colección MUSAC Concha Prada De la serie 'Basuras domésticas', 1995-1996 4 fotografías blanco y negro. 50 x 60 cm. Edición: 1/3 Colección MUSAC Jorge Quijano De la serie 'Interfaceidentidad', 2005 4 acuarelas sobre lienzo. 195 x 162 cm c/u Colección MUSAC Kiki Smith 'The Sybil', 2004 Impresión offset sobre papel. 31 x 47 cm Offset print on paper. 31 x 47 cm Ed. 106/250 Colección MUSAC www.musac.es 41 LISTADO DE OBRAS EN EXPOSICIÓN EN DA2 Hugo Alonso 'Pause', 2006 Acrílico sobre papel, políptico. Colección DA2 Ana Laura Aláez 'Pulseras', 1993 Hierro colado y cadenas Colección Fundación Coca-Cola Alfredo Alcaín 'La regla', 1995 Dibujo y collage sobre papel Colección Fundación Coca-Cola Emilia Azcárate 'Sin título', 1998 Óleo sobre lienzo Colección Fundación Coca-Cola Jorge Barbi 'Sin título', 1997 Ensamblaje de objetos Colección Fundación Coca-Cola Carmen Calvo 'Las amigas', 1996 Collage (esferas y pelo) sobre lienzo Colección Fundación Coca-Cola Yamandú Canosa 'H- 406', 1992 Acrílico sobre tela Colección Fundación Coca-Cola Florentino Díaz 'Sin título', 1995 Maderas diversas ensambladas Colección Fundación Coca-Cola Roland Fischer 'L.A. Portraits', 2000 Fotografía, cibachrome Colección DA2 www.musac.es 42 Ferrán García Sevilla 'Sama 57', 1990 Óleo sobre lienzo Colección Fundación Coca-Cola Susy Gómez 'Sin Título', 1995 Fotografía sobre madera Colección Coca-Cola J.A. González de la Calle 'Sin título', 2000 Óleo y fotografía sobre lino Colección Fundación Coca-Cola José María Guijarro 'Sin título'¸1997 Acuarela sobre papel Colección Fundación Coca-Cola Mona Hatoum 'Huis Clos', 2002 Instalación permanente realizadas con puertas de las celdas de la antigua prisión Colección DA2 Juan Francisco Isidro 'Focos y sinusoides, los peces', 1991 Fotografía, tinta, terciopelo y transferible Colección Fundación Coca-Cola Fran López Bru 'Sin Título', 1996 Fotografía en color Colección Coca-Cola Chema Madoz 'Sin Título', 1994 Fotografía Colección Fundación Coca-Cola Christopher Makos 'Altered Image', 1989 Gelatina de plata Colección DA2 Luis Marco 'Sin título', 1994 www.musac.es 43 Pintura sobre tela Colección Fundación Coca-Cola Rafael Navarro 'Doble acción', 2002 Fotografía sobre papel baritado Colección DA2 Ana Teresa Ortega 'Sin título', 1997 Selenización sobre hierro y metacrilato. Colección Fundación Coca-Cola Concha Prada 'Sin título', 1995 Fotografía color sobre aluminio Colección Fundación Coca-Cola James Rielly 'Bleed', 2001 Óleo sobre lienzo Colección DA2 Elena del Rivero 'Mantelería', 1995 Óleo sobre tela Colección Fundación Coca-Cola José Sanleón 'Sin título', 2001 Óleo sobre tela Colección Fundación Coca-Cola Rafa Sendín 'Sin Título', de la serie 'Uni-Dos 27', 2007 Fotografía color Colección DA2 'Sin Título', de la serie 'Uni-Dos 28', 2007 Fotografía color Colección DA2 'Sin Título', de la serie 'Uni-Dos 15', 2007 Fotografía color Colección DA2 www.musac.es 44 Rui Toscano 'T de tornado', 2008 Vídeo, DV Pal Transferido a DVD, color sin sonido.Duración: 2 min, 2 seg Colección Fundación Coca-Cola Valentín Vallhonrat 'Sin título', 1997 Fotografía siliconada sobre metacrilato Colección Fundación Coca-Cola Manolo Velasco 'Blurred Paintings', 2000 Óleo sobre tabla Colección Fundación Coca-Cola Charlie White 'Tate la Bianca', 2005 Fotografía color, C-Print Colección DA2 www.musac.es
