lecarte - Pontificia universidad católica del Perú
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lecarte lecarte PRESENTACIÓN JULIO DEL 2007 AÑO UNO NÚMERO TRES PUBLICACIÓN DE LA SALA DE LECTURA DE LA FACULTAD DE ARTE PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DEL PERÚ EDICIÓN: JMHM-MAMD CARÁTULA: FIGURA FEMENINA DE FERTILIDAD, 300-600 CULTURA NAZCA PERÍODO INTERMEDIO ANTIGUO TERRACOTA POLICROMADA 20 X 16 X 20 CM. E-MAIL: [email protected] Persistente y concentrado lector, Las maravillas nos rodean; que las elogien muchos o pocos, poco importa; que alguien pueda expresar en imágenes innominadas sus excelencias nos conmueve tanto como un sentimiento para el que no encontramos palabras, sólo admiración. Un extraño objeto del deseo –cotidiano-, individualizado por nuestra percepción (Claude Cahun). Una vida intensa, desdoblada y fecunda, llena de tristes mudanzas esenciales (Frida Kahlo). Poemas, versos, prosa que se incrusta en nuestro ser (César Vallejo); Grandes vivencias a las que nosotros conferimos sentido (Sebastián Salazar Bondy). Visión selectiva, compulsiva y vislumbrada (Lucian Freud). Mitades que complementan dualidades, pueblos que aún perduran con su antigua sabiduría (Perú y México). Culturas que se dan la mano, creando espacios que el paso del tiempo vuelve a descubrir (Anni y Josef Albers). Machu Picchu, olvido y presencia, hoy maravilla (Martín Adán). Hallazgos inéditos (Cilica Chlimper y Cristina Gálvez). LOS EDITORES SUMARIO PRESENTACIÓN, 2 ¡CUIDADO CON LOS OBJETOS DOMÉSTICOS!, CLAUDE CAHUN, 3 POEMAS, CÉSAR VALLEJO, 5 ORIGEN DE LAS DOS FRIDAS, FRIDA KAHLO, 7 SOBRE ARTE ABSTRACTO, SEBASTIÁN SALAZAR BONDY, 9 ALGUNOS PENSAMIENTOS SOBRE LA PINTURA, LUCIAN FREUD, 11 PRESENTACIÓN DE LA MUESTRA DIVINA Y HUMANA, ELIANE KARP DE TOLEDO, 13 ANNY Y JOSEF ALBERS. VIAJES POR LATINOAMÉRICA, 15 LA PROMESA [EXTRACTO], MARTÍN ADÁN, 17 EN SALA. INGRESOS DEL 17 DE MAYO AL 17 DE JULIO DEL 2007, 19 LAS COSAS NUESTRAS, 21 SITIOS, 23 ÉRASE UNA VEZ..., 24 EL RINCÓN DE LOS HALLAZGOS, FRAGMENTOS DE VIDA, CILICA CHLIMPER / ILUSTRACIONES DE CRISTINA GÁLVEZ, 25 edición dirigida a los integrantes de la facultad de arte con propósitos exclusivamente didácticos, sin fines lucrativos, directos o indirectos, en concordancia con el decreto legislativo n° 822 de 1996 lecarte ¡CUIDADO CON LOS OBJETOS DOMÉSTICOS! CLAUDE CAHUN lecarte Comparados con los humanos, otros animales parecen bastante razonables. Lo que diferencia al ser humano, lo que constituye su propia peculiaridad y que mejor lo describe es que cada vez más tiende a desbordar el campo racional —es decir, el campo de la adaptación sincrónica de la vida a su entorno. El animal humano se siente satisfecho con un mínimo de adaptación corporal, pero se esfuerza y sale airoso en conservar la vida a pesar de las circunstancias que la empeoran para alcanzar, aunque sólo parcialmente, metas cada vez más huidizas y ciegamente seguidas, mientras que pone su destino en manos de las generaciones futuras. Sólo el animal humano tiene la capacidad de causar un trastorno de la materia tan grande que sus propios órganos florecen con monstruosidades y enfermedades interminables. Sólo el humano civilizado posee este poder feroz y el lujo desenfrenado de alimentarlo —es decir, de preservar y cultivar tal variedad de vanas ornamentaciones, exhibiendo lepra y tumores— espantosos objetos inventados o hallados, irracionales retoños de carne. No sólo tal ornamentación se exhibe desdeñosamente frente a toda utilidad (?) sino también en sus márgenes. Los maravillosos colores del iris del ojo humano desafían a la memoria de los amantes. La estructura de la raíz de los pequeños molares fuerza al dentista a concluir que “la anatomía no existe”. Los ataques epilépticos ofrecen sin cesar a los psiquiatras las herejías más desconcertantes. Lo mismo sucede con la así llamada materia inanimada: es completamente maleable para el animal irracional llamado humano. Empezando con las llaves de celuloide rosadas y los martillos verdes que el niño usa como sonajas, si encuentra en ellas, más allá de todos los pretextos pseudo educacionales, las mismas satisfacciones que aquellos que (conscientemente o no) los imaginaron o seleccionaron; después de las bolitas de migajas de pan enrolladas mecánicamente (?) entre los dedos, y después de una varilla azucarada en la propia boca, ofrecidas como premio; después de los castillos de arena en la playa, de los encantadores palacios rellenos de tocino construidos por los matarifes de puercos, de los innobles monumentos que honran a los muertos, a los revolucionarios y a las palomas mensajeras; después de las exhibiciones de fuegos artificiales donde se enciende en el cielo una última estrella cuando todo lo demás se ha desvanecido —una lastimera y mortinata estrella que no enciende nada— no queda nada de la horrible fiesta donde la razón pudiera mostrarnos sólo la esclavitud del hombre por el hombre, por la materia, por los sistemas. Y nosotros debemos descubrir dónde cesa la razón, agarrar a la materia y sujetarla con la conciencia de nuestra liberación. En la sociedad de hoy no todos nosotros estamos en posición de hacernos dúctiles —buenos conductores de las fuerzas liberadoras— y a menudo nos sorprendemos al encontrarnos parecidos más al pequeño mimo que al gran paranoico. Pero entre otros síntomas, la sobreproducción de objetos cada vez más extraños (tales como las pinzas microscópicas, que sólo se pueden usar bajo un microscopio) nos asegura que la realidad actual que nos rodea está resquebrajándose: la línea de ensamblaje del trabajo forzado, soporífero, y la brida dorada de la pasión será rota una y otra vez, frente a las fotografías de objetos perecibles que estoy mirando en este mismo momento tendrán una oportunidad de desvanecerse. Podría seguir y seguir con estos objetos: ellos mismos le hablarán mejor, y mejor hablarían aún si pudiésemos tocarlos en la oscuridad. A diferencia de los talentos prodigiosamente liberados y liberadores de aquellos exploradores y fabricadores de los objetos que vemos frente a nosotros, vienen a mí los pensamientos de los oprimidos, y me acongojo por sus hermosos talentos, deformados y perdidos. Estoy pensando en la niña del artículo —quizás también lo leyó— que investigaba estos tristes vestigios: nacida sorda, muda, y ciega, ella era un manojo de “nervios y alaridos” sometida a una educación religiosa a los ocho años. Puede adivinar lo que hizo en ella el efecto acumulativo de la paciencia y la resignación. Pero usted, ella, y yo podríamos haber mencionado el objeto irracional que ella fácilmente podría haber creado, mezclando elementos según indicaciones sutiles, tales como la consistencia y los olores, jugando así, mucho más allá del amor, con qué oscura superfluidad. ¿Pero hoy? En ella y para ella, enfermedad y amor están entrelazados por siempre como las piezas de un espantapájaros alrededor de su pértiga. El catolicismo hizo su trabajo bastante bien, y orgullosamente también. Para familiarizar a la niña con la muerte, la hicieron tocar y olfatear cadáveres; algunas noches la pusieron en la cama junto a su hermana moribunda. Incluso se las ingeniaron para infundir en ella algunas vagas nociones sobre el matrimonio y la procreación, con la advertencia: “En su situación, ¿podía incluso imaginarlas?” Insisto en esta verdad primordial: uno mismo debe descubrir, manipular, domesticar, y construir objetos irracionales para ser capaz de apreciar el valor particular o general de los que están expuestos aquí. Por eso es que, en cierto sentido, los trabajadores manuales pueden estar en una mejor posición para entenderlos que los intelectuales, si no fuera por el hecho de que toda la sociedad capitalista —incluida la propaganda comunista— lo disuade de hacerlo. Y por eso es que está empezando a excavar en sus bolsillos, y quizás vaciándolos sobre la mesa. Recorte una esponja en forma de cerebro y restañe un poco de la sangre que es derramada todos los días. Colóquela en una tina y vea si flota, si el agua se enrojece, y si los fluidos animales no chorrean de sus poros: la flor carnosa, el ala ligera, el gato tortuga, la rosada lirelie (una diminuta patata germinante), la popegeon (un beso donde las pestañas se tocan, un párpado que palpita), la lasciva civelle, y todas las primorosas sin nombre. Enturbie el agua del animarium con una varilla para batir de vidrio —la palabra agitador viene a la mente y lo sobresalta. La criatura largo tiempo esperada llega al fin, sin saber donde deja caer sus lágrimas. Tome un espejo. Rasque el baño de plata cerca de su ojo derecho. Detrás del pequeño punto transparente, deslice una cinta donde han sido pegados pequeños objetos y mire sus ojos mientras camina. Éste se llama el Juego de las Cenizas. Encuentre una pequeña casa cubierta con paja (el electrovox) en cuya parte trasera descubre una placa sensible a ciertos sonidos. Puede hacer cualquier cosa o cualquiera puede salir de ella, pero sólo si previamente la ha puesto o los ha puesto en el interior: todo lo que tiene que hacer es hablar en voz alta. Su voz hará que la placa vibre. Si hay más de un jugador en este juego no tan inocente, puede suceder que el objeto introducido por una persona y accidentalmente llamado por otra responda a afinidades secretas. ¿Dije “puede suceder”? Con seguridad sucederá. ¡Sea cuidadoso! Además, actúe como si lo que haya dicho sobre ello, en cualquier caso, sea sólo para tratar de construir (destruir + x) con sus propias ideas y hallazgos, que, por más que puedan tener en común con nosotros, no obstante permanecerán —en parte o totalmente— todavía desconocidos. Claude Cahun: Autorretrato, c. 1927 Cahiers d’art I-II, “L’Objet”, 1936, traducción del francés al inglés de Guy Ducornet. Versión castellana: mamd. lecarte POEMAS CÉSAR VALLEJO QUIERO ESCRIBIR, PERO ME SALE ESPUMA Quiero escribir, pero me sale espuma, Quiero decir muchísimo y me atollo; No hay cifra hablada que no sea suma, No hay pirámide escrita, sin cogollo. Quiero escribir, pero me siento puma; Quiero laurearme, pero me encebollo. No hay toz hablada, que no llegue a bruma, No hay dios ni hijo de dios, sin desarrollo. Vámonos, pues, por eso, a comer yerba, Carne de llanto, fruta de gemido, Nuestra alma melancólica en conserva. Vámonos! Vámonos! Estoy herido; Vámonos a beber lo ya bebido, Vámonos, cuervo, a fecundar tu cuerva. 27 Oct 1937 Cesa el anhelo, rabo al aire. De súbito, la vida amputa, en seco. Mi propia sangre me salpica en líneas femeninas, y hasta la misma urbe sale a ver esto que se para de improviso. —Qué ocurre aquí, en este hijo del hombre? —clama la urbe, y en una sala del Louvre, un niño llora de terror a la vista del retrato de otro niño. —Qué ocurre aquí, en este hijo de mujer? —clama la urbe, y a una estatua del siglo de los Ludovico, le nace una brizna de yerba en plena palma de la mano. Cesa el anhelo, a la altura de la mano enarbolada. Y yo me escondo detrás de mí mismo, a aguaitarme si paso por lo bajo o merodeo en alto. lecarte Poemas en prosa y ámbito en Contra el secreto profesional lecarte ORIGEN DE LAS DOS FRIDAS FRIDA KAHLO: Las dos Fridas, 1932. Óleo sobre tela, 173 x 173 cm. FRIDA KAHLO ORIGEN DE LAS DOS FRIDAS = Recuerdo = Debo haber tenido seis años cuando viví intensamente la amistad imaginaria con una niña.. de mi misma edad más o menos. En la vidriera del que entónces era mi cuarto, y que daba a la calle de Allende, sobre uno de los primeros cristales de la ventana. echaba “baho” y con un dedo dibujaba una “puerta”…….. Por esa “puerta” salía en la imaginación, con una gran alegria y urgencia. atravezaba todo el llano que se miraba hasta llegar a una lecheria que se llamaba PINZÓN … Por la O de PINZÓN entraba y bajaba INTEMPESTIVAMENTE al interior de la tierra, donde “mi amiga imaginaria” me esperaba siempre. No recuerdo su imagen ni su color. Pero sí sé que era alegre —se reía mucho. Sin sonidos. Era ágil y bailaba como si no tuviera peso ninguno yo la seguía en todos sus movimientos y le contaba, mientras ella bailaba, mis problemas secretos. ¿Cuales? No recuerdo. Pero ella sabía por mi voz todas mis cosas… Cuando ya regresaba a la ventana, entraba por la misma puerta dibujada en el cristal. ¿Cuándo? ¿Por cuanto tiempo había estado con “ella”? No sé. Pudo ser un segundo o miles de años… Yo era feliz. Desdibujaba la “puerta” con la mano y “desaparecía”. Corría con mi secreto y mi alegria hasta el último rincón del patio de mi casa, y siempre en el mismo lugar, debajo de un árbol de cedrón, gritaba y reía. Asombrada de estar Sola con mi gran felicidad y el recuerdo tan vivo de la niña. Han pasado 34 años desde que viví esa amistad mágica y cada vez que la recuerdo, se aviva y se acrecenta más y más dentro de mi mundo. PINZÓN 1950. Frida Kahlo lecarte Frida Kahlo, Diario. Autorretrato íntimo. La Vaca Independiente, 1995. pp. 245-247 La venadita. 1946. Óleo sobre masonite, 23 x 30 cm. FRIDA KAHLO: Poema junto con el cual entregó el cuadro a Lina y Arcady Boytler Corrido para A y L. Solito andaba el venado rete triste, y muy herido, hasta que en Arcady y Lina encontró calor y nido. Cuando el venado regrese fuerte, alegre y aliviado, las heridas que ahora lleva todas se le habrán borrado. Gracias, niños de mi vida, Gracias, por tanto consuelo, en el bosque del venado ya se está aclarando el cielo. Ahí les dejo mi retrato pa’ que me tengan presente, todos los días y las noches, que de ustedes yo me ausente. La tristeza se retrata en todita mi pintura pero así es mi condición ya no tengo compostura. Sin embargo, la alegría la llevo en mi corazón sabiendo que Arcady y Lina me quieren tal como soy. Acepten este cuadrito pintado con mi ternura a cambio de su cariño y de su inmensa dulzura. Frida Coyoacan, Viernes 3 de mayo de 1946 lecarte SOBRE ARTE ABSTRACTO SEBASTIÁN SALAZAR BONDY El pintor no debe hacer cuadros simplemente bellos, sino también necesarios (no útiles, por supuesto, en el sentido práctico que sofísticamente sugiere como refutación el defensor del arte por el arte), es decir, cuadros en cuya esencia y cuya forma (contenido y expresión) nos hallemos de algún modo vital, vigente, eterno. Y esto, en primer lugar, porque la belleza en sí, la belleza pura —cosa que intenta con buena voluntad, pero con resultados irremediablemente frustráneos, el arte llamado no figurativo— no se da sin apoyarse en un motivo real, mágico o poético. Los juegos cromáticos, los esquemas del arte abstracto, adolecen precisamente de la falla de no emanar de “una íntima necesidad espiritual”. Son insinceros y, por ende, innecesarios. Insisto en que la música “concreta” se asemeja a la pintura abstracta en que sólo se propone como fin provocar puras sensaciones y, por medio de ella, establecer una comunión intensa entre artista y espectador. Se trata de una relación de producción y consumo puramente sensorial, no espiritual. La pintura figurativa (se entiende que no defiendo a los académicos, a aquellos que representan la realidad óptica de una manera exclusivamente objetiva, sin la contribución de la personalidad del artista y de manera fotográfica) es la pintura de ayer y de hoy. Velázquez o Picasso, Vermeer o Tamayo, Manet o Chagall, Fra Angelico o Modigliani, toman el asunto como un punto de partida, como un medio tan indispensable en la creación como el color y la materia misma que se emplea. En verdad, la pintura es una teoría de la realidad, una opinión. Me ratifico en la idea de que la pintura abstracta elude todo juicio sobre el mundo, y que por eso es exclusivamente lúdica. Exactamente como la arquitectura que no piensa en los seres que van a habitar las casas y se distrae en simple pruritos decorativos (castillos góticos, casas-buque, etc.). En cuanto a la poesía, el defensor de la pintura abstracta —como él mismo lo da a entender— está equivocado. Cuando Vallejo dice: “Quédeme a calentar la tinta en que me ahogo… etc.” expresa una idea a través de imágenes poéticas, de tropos y mutaciones verbales, los cuales poseen ciertamente “eficacia de intelección”. Si no comprende aquel poema, no sé de veras qué es lo que gusta en sus versos al amigo L.M.Q.G. ¿Suena bonito acaso? No. El poema expresa una angustia y sugiere una serie de emociones y conceptos sobre ella. Podríamos decir que es “figurativa” porque “representa” la desesperación, el sufrimiento y el modo cómo el poeta la asume. Más claro todavía resulta el fragmento de Neruda. Pertenece a Alturas de Machu Picchu, poema que se refiere a algo sumamente concreto y tangible. Y precisamente a la primera parte de ese poema, donde Neruda alude al hombre contemporáneo. Si se me permite, el fragmento puede traducirse así: “Si las flores o la naturaleza continúan multiplicándose, y la roca se mantiene, el hombre continúa trabajando en el mar y en las minas”. Eso es, por otro lado, lo que el propio poeta sostiene. Tuve la suerte de escucharle en Santiago de Chile unas conferencias en las que afirmó que todo el Canto general se refería a hechos y cosas vivas o, dicho de otro modo, que poseía “eficacia de intelección”. (Todo esto, sin tener en cuenta que citar un trozo de poema, como reproducir un pedazo de cuadro, es impropio para respaldar una tesis). ¿Qué no he fundamentado mi posición? ¿Qué he hecho, entonces? Lo más probable es que, igual que en caso de los poemas de Vallejo y Neruda, mi refutador no encuentre “eficacia de intelección” en mis palabras. No aspiro a la que él llama “eficacia de encantamiento”, por desgracia, porque esa eficacia es la que se basa en la ingenuidad o candor de quienes, sin adoptar una actitud crítica, captan por principio cualquier cosa que se les dé. Yo carezco de beaterías y me gusta pensar por mi cuenta. Creo que el arte abstracto no sólo escamotea los problemas espirituales de este tiempo, sino que además prescinde de otros problemas, más inmediatos y básicos. Quiero un arte combativo, un arte con sentido y finalidad conocidas, no una diversión de salón para escogidos o iniciados. Quiero un arte grande que dé esperanzas, que invite a vivir, que me arrastre a ser humanamente mejor y más optimista. Quiero un arte que sea nacional, y universal, no cosmopolita o babélico, en el cual mi sociedad y mi época se reflejen con todas sus dichas y sus creencias y sus dudas. Por eso no creo en el llamado arte abstracto, conspiración de silencio, adorno para ámbitos inciertos donde la sensualidad y la indiferencia quieren ignorar que la existencia es una aventura contra el odio, la destrucción y la muerte. La Prensa. 30 de mayo de 1954, p. 6. VÉASE: lecarte Sebastián Salazar Bondy, Una voz libre en el caos. Ensayo y crítica de arte. Jaime Campodónico/Editor, Lima, Perú, 1990. [N 6713.5 S18] LUCIAN FREUD Large Interior, Paddington, 1947 Óleo sobre tela 183 x 122 cm. 0 lecarte ALGUNOS PENSAMIENTOS SOBRE LA PINTURA LUCIAN FREUD Mi propósito al pintar imágenes es de poner a prueba y de conmover los sentimientos al conferirles una intensificación de la realidad. Cómo puede realizarse esto depende de cuán intensamente el pintor entienda y sienta a la persona u objeto de su elección. Por esto, la pintura es el único arte en el que las cualidades intuitivas del artista pueden ser más valiosas para él que el conocimiento o inteligencia en sí. El pintor hace real para los otros sus sentimientos más íntimos acerca de todo lo que él se interesa. Un secreto se hace conocido para todo aquel que ve la pintura a través de la intensidad con la que es sentida. El pintor debe dar rienda suelta completamente a los sentimientos o sensaciones que pueda tener y no rechazar nada a lo que es atraído naturalmente. Para él es sólo esta indulgencia la que actúa como la disciplina a través de la cual descarta lo que no le es esencial y así cristaliza sus gustos. Los gustos de un pintor deben desarrollarse a partir de lo que lo obsesiona tanto en la vida de modo que nunca tenga que preguntarse qué es adecuado hacer en el arte. Sólo a través de un completo entendimiento de sus gustos puede liberarse de cualquier tendencia de mirar las cosas con un ojo de manera que pueda encuadrarlas en una concepción hecha de antemano. A menos que este entendimiento esté vivo constantemente, empezará a ver la vida sólo como material para su especialidad de arte particular. Mirará algo, y se preguntará: “¿Puedo hacer yo una pintura de esto? Y así su obra degenerará completamente al no ser ya el vehículo de su sensación. Se podría decir que llegará a cristalizar su arte en vez de sus gustos, aislándolo, en consecuencia, de la emoción que podría hacerlo vivo para los otros. La obsesión del pintor con su tema es todo lo que necesita para impulsarlo a trabajar. Las personas son estimuladas a hacer obras de arte, no por la familiaridad con el proceso por el que son hechas, sino por una necesidad de comunicar con tal intensidad sus sentimientos acerca del objeto de su elección que estos sentimientos se hagan contagiosos. No obstante, el pintor necesita ubicarse a una cierta distancia emocional del sujeto para permitirle que le hable. Puede asfixiarlo si deja que su pasión por él lo abrume mientras está en el acto de la pintura. Los pintores que se niegan a sí mismos la representación de la vida y limitan su lenguaje a formas puramente abstractas, se privan a sí mismos de la posibilidad de provocar más que una emoción estética. Los pintores que usan la vida misma como su tema, que trabajan con el objeto frente a ellos, o lo tienen constantemente en la mente, lo hacen para traducir casi literalmente la vida en el arte, por así decir. El sujeto debe ser mantenido bajo la observación más estrecha: si se hace esto, día y noche, el sujeto –él, ella, o ello— eventualmente revelará el todo sin el cual no es posible la selección misma; ellos lo revelarán, a través de una o toda faceta de sus vidas o carencia de vida, a través de movimientos y actitudes, mediante cada variación de un momento a otro. Es este conocimiento mismo de la vida el que puede dar al arte completa independencia de la vida, una independencia que es necesaria porque la pintura para conmovernos nunca debe simplemente recordarnos la vida, sino debe adquirir una vida propia, precisamente para reflejar la vida. Digo que se necesita un completo conocimiento de la vida para hacer a la pintura independiente de la vida, porque, cuando un pintor tiene una lejana adoración de la naturaleza, un sobrecogimiento por ella, que le impide examinarla, sólo puede copiar la naturaleza superficialmente, porque no se atreve a cambiarla. Un pintor debe pensar que todo lo que ve está allí en su totalidad para su propio uso y placer. El artista que trata de servir a la naturaleza es sólo un artista ejecutivo. Y, ya que el modelo que tan fielmente copia no va a ser colgado junto a la pintura, ya que la pintura va a estar allí por sí sola, no tiene interés si es una copia exacta del modelo. Si convence o no, depende enteramente de lo que es en sí mismo, de lo que está allí para ser visto. El modelo sólo debiera servir la función muy personal para el pintor, de proporcionar el punto de partida para su emoción. La pintura es todo lo que siente sobre él, todo lo que piensa que vale preservar de ella, todo lo que confiere. Si todas las cualidades que un pintor extrae del modelo para su pintura realmente fueran asumidas, ninguna persona podría ser pintada dos veces. El aura emitida por una persona o por un objeto es tanto una parte de ellos como su carne. El efecto que pueden hacer en el espacio está tan ligado a ellos como podría estarlo su color u olor. El efecto en el espacio de dos individuos humanos diferentes puede ser tan diferente como el efecto de una vela y de una bombilla eléctrica. Por lo tanto, el pintor debe estar tan ocupado con la atmósfera que rodea a su sujeto como con el sujeto mismo. Es a través de la observación y de la percepción de la atmósfera que puede registrar el sentimiento que quiere que su pintura proporcione. Nunca ocurre un momento de completa felicidad en la creación de una obra de arte. Su promesa se siente en el acto de creación pero desaparece hacia la conclusión de la obra. Porque es entonces que el pintor se da cuenta de que lo que está pintado es sólo una pintura. Hasta entonces había osado casi tener la esperanza de que la pintura pudiera nacer a la vida. Si no fuera por esto, podría pintarse la pintura perfecta, a cuya culminación el pintor pudiera retirarse. Es esta gran insuficiencia lo que lo impulsa. Así, el proceso de creación se hace necesario para el pintor quizás más que la pintura. El proceso, de hecho, es creador de costumbres. lecarte “Some Thoughts on Painting”, Encounter 111, no. 1, julio de 1954; 23-24. LUCIAN FREUD Girl with a Kitten, 1947 Óleo sobre tela 39.5 x 20.5 cm. lecarte PRESENTACIÓN DE LA MUESTRA DIVINA Y HUMANA ELIANE KARP DE TOLEDO Complementarios y recíprocos, así eran nuestros antiguos pobladores; hombre y mujeres que plasmaron en forma oral, gráfica y artística nuestra historia, la cual se remonta probablemente a más de 5.000 años, cuando aparecen los primeros indicios acerca de la organización de sociedades complejas y centros urbanos dentro del vasto y variado territorio andino, proceso que alcanza su mayor expresión en el gran Tawantinsuyo, el colosal Estado inca. Complementarios en la dualidad: Sol y Luna, Este y Oeste, Oro y Plata, Apus y Pacha Mama, Hombre y Mujer. Cada mitad implicaba el contrario de la otra; se formaba así un mundo dual, aunque unido en su búsqueda del equilibrio y la armonía, que permitía el continuo y cíclico flujo de la vida. El futuro no es más que la continuidad del pasado, un esfuerzo por replicar las leyes simples y vitales del ciclo de nuestra existencia. Leyes hechas mitos, leyendas que son representadas a través de rituales, repitiendo para la eternidad los actos de nuestros héroes fundadores. Aquí, en los Andes, según relato mítico, nuestros ancestros civilizadores emergen de la Mama Qocha y son, desde el principio, una pareja. Sí, las fuerzas fundadoras de nuestro ombligo o centro civilizador –el Qosko-- son el hombre y la mujer. A lo largo de su existencia, en el tiempo del Tawantinsuyo, este centro mantuvo, hasta en su arquitectura y en la estructura de sus ciudades, una forma dual. Siempre el hanan (arriba) y el hurin (abajo). Dos estructuras paralelas, lo que probablemente implicaba la presencia de dos incas gobernando al mismo tiempo para equilibrar el poder. Este modelo es muy antiguo. Lo conocemos por lo menos desde el tiempo de la cultura Chavín (1500 a. C.), en cuyo centro religioso se encontraba aquella magnífica pieza monolítica que llamamos el Obelisco Tello, sobre la cual se halla esculpido un personaje que es, a la vez, hembra y macho, representación de la dualidad entre el poder político y religioso. Esta misma complementariedad simbólica la encontramos siempre presente en los vestigios dejados por nuestras grandes civilizaciones, y se hace más visible aún en el caso de las culturas Moche y Virú, culturas lunares, ligadas al mar y, por ende, a la mujer como principio regidor de toda la vida. La mujer, diosa, sacerdotisa —a través de su poder sexual-—, cocinera, curandera, tejedora y luchadora para asentar los fundamentos de la civilización, es lo que hemos querido resaltar en esta muestra única; porque pensamos que este es el estatus que debe recobrar en nuestra modernidad. Pero, por sobre todo, la mujer sagrada, la que da la vida, la mantiene y la nutre, y que está siempre presente en el ciclo vital de nuestra existencia, es la Pacha Mama, la que hasta hoy se sigue venerando y recordando en todo el mundo indígena, manteniendo con ella su cordón umbilical lantente y esperanzador. Para nosotras, también ha llegado el momento en que la modernidad debe inspirarse en la sabiduría ancestral. VÉASE: lecarte Divina y humana. La imagen en los antiguos Perú y México. Lima, Perú, 2004. p. 9. [AP 2007-8] Cántaro escultórico. mujer con diseños pintados en los genitales, Cultura Nasca, Cerámica, Alto: 14.4 cm. Ancho: 13.8 cm CULTURA MAYA Figurilla antropomorfa femenina Arcilla Alto: 18.5 cm. Ancho: 12 cm. lecarte ANNI Y JOSEF ALBERS. VIAJES POR LATINOAMÉRICA ANNI ALBERS: Two, 1952. Lino, algodón, rayón. 45.7 x 104.1 cm. Anni y Josef Albers fueron verdaderos pioneros de la modernidad artística fundamentales del siglo XX. Josef Albers (1888-1976) fue un maestro influyente, escritor, pintor teórico reconocido por su serie Homenaje al cuadrado, que pintó entre 1859 y 1976, así como su innovador libro La interacción del color (1963). Anni Albers (1899-1994) fue una diseñadora textil, tejedora, escritora y grabadora, que inspiró una reconsideración de lo textil como forma artística. Ambos se conocieron en 1922 en la Bauhaus, célebre escuela y cuna del diseño moderno, que enfatizó la indispensable relación que debía forjarse entre artistas, arquitectos y artesanos. En 1933, tras el cierre de la Bauhaus por el gobierno nazi, los Albers emigraron a los Estados Unidos. Fueron fundadores de Black Mountain College, en el estado de North Carolina, una escuela que ejerció una influencia poderosa en la introducción del arte moderno en América del Norte. Es en esta época que se inician sus viajes por Latinoamérica. Los Albers realizaron más de catorce viajes a la región entre 1934 y 1967, visitando Cuba, México, Perú y Chile. Llegaron a apreciar y valorar en alto grado la cultura de esos países, sus paisajes, sus gentes y su arte. [...] Anni Albers, quien dedicó su libro sobre el tejido a sus maestros “los antiguos tejedores del antiguo Perú”, expresó elocuentemente su profundo respeto y admiración por el arte de México y América del Sur en sus escritos: Conforme crecían nuestro interés y nuestro amor por el arte del México prehispánico, nos adentramos en regiones que aún no formaban parte del itinerario turístico habitual ... Caminábamos bordeando altos vallados de cactos por calles de aldea silenciosas y vacías ... Nos sentábamos en el campo con el bocadillo en la mano, y allí donde mirásemos veíamos sobresalir tiestos de alfarería antigua ... nos dábamos cuenta de que bajo tierra, esperando la excavación, había estratos sobre estratos de civilizaciones pasadas ... el arte prehispánico todavía no había ganado aceptación como arte, y sentíamos la emoción del descubrimiento ... visitamos pirámides ... que nos pasmaban por los grandes conceptos de su arquitectura ... [el arte] tiene una potencia restauradora que necesitamos una y otra vez ... Quizá fuera esa cualidad intemporal del arte precolombino lo que primero nos habló, al margen de la especial significación que tuvo que poseer para una comunidad contemporánea. Anni Albers, noviembre de 1969 Junto a las pinturas rupestres, los hilos se cuentan entre los primeros transmisores de significado. En el Perú, donde ningún lenguaje escrito ... se había desarrollado antes de la Conquista ... encontramos –no a pesar de ello sino por esa razón– una de las más altas culturas textiles que hemos llegado a conocer. ... Mucha de la potencia del arte textil se había perdido durante siglos de esfuerzos por hacer versiones tejidas de pinturas ... Obras de arte, en mi opinión, son las antiguas piezas peruanas, conservadas por la aridez del clima y desenterradas al cabo de cientos y aun miles de años. ... Sus personajes, animales, plantas, formas escalonadas, zigzags ... están siempre concebidos en el vocabulario del tejedor. ... De fantasía infinita dentro del mundo de los hilos, transmitiendo fuerza o travesura, misterio o la realidad de su entorno, infinitamente variados en su aspecto y construcción aunque sometidos a un código de conceptos básicos, estos tejidos establecieron un nivel de excelencia que no ha sido superado. Anni Albers, On Weaving, 1965 El primer estímulo a hacer joyas a partir de accesorios metálicos nos lo dio el tesoro de Monte Albán ... de una belleza tan sorprendente en combinaciones insólitas de materiales que nos dimos cuenta de las extrañas limitaciones de los materiales que suele emplear la joyería ... descubrimos la belleza de las arandelas y las horquillas ... nos extasiamos ante los tapones de fregadero ... el arte de Monte Albán nos había dado la libertad de ver las cosas disociadas de su utilidad, como materiales puros que valía la pena convertir en objetos preciosos. Anni Albers, On Jewelry, 1942 lecarte Al cabo de una vida de trabajo tejiendo a mano y diseñando tejidos, Anni Albers empezó a ensayarse en el grabado en la década de 1960. Sustituyendo la urdimbre y la trama del telar por la cuadrícula del papel milimetrado, creó entonces dibujos como base para los grabados. Entre 1936 y 1946 la pintura de Josef Albers pasó por una serie de transformaciones. Rupturas y cambios de dirección coincidieron con estancias prolongadas en México, donde podía dedicar largo tiempo a pintar sin interrupción. En 1940 Albers se encaminaba ya al color puro en pinturas como Creciente y A Mitla, que recuerda los muros pintados de rojo intenso que rodean el Palacio de las Columnas de Mitla (Oaxaca). Esas obras, y el A Oaxaca de 1943, prefiguran la serie de Variantes, también conocidas como Adobes, que comenzaría a finales de 1946. En 1947 escribía a un amigo: Desde enero [he pintado] un solo tema en unos setenta estudios. Lo que más me interesa ahora es ver cómo se modifican los colores unos a otros según las proporciones y cantidades ... Me siento especialmente orgulloso cuando los colores pierden su identidad y se tornan irreconocibles. Los verdes se convierten en azules, los grises neutros en rojos violáceos, etcétera. Los colores oscuros se aclaran y viceversa. Y lo asombroso de todo esto es que empleo los colores exactamente como salen del tubo. Sólo mezclo el salmón y el morado que no existen en tubo. ... Es una manera de trabajar muy restringida y desde luego muy unilateral. Pero tremendamente emocionante. Los colores opacos parecen transparentes sólo como resultado de la manera de combinarlos. Los [colores] ligeros pesados y al contrario, los brillantes mates. Josef Albers, septiembre de 1947 Con su cámara de 35 milímetros, Josef Albers hizo millares de fotografías en los sitios prehispánicos de México y el Perú. Con copias por contacto o ampliaciones componía después montajes fotográficos que eran más que simples recuerdos de viaje; eran un instrumento que le permitía analizar y reconstruir los lugares arqueológicos, y le servían como el equivalente de cuadernos de apuntes o modelos de estructuras tridimensionales, volúmenes y esquemas. Representan un paso crucial en su proceso de destilación de las formas arquitectónicas mexicanas en escuetos motivos geométricos. En 1935, tras un viaje realizado a Chile, Anni y Josef Albers, llegaron al Perú para dictar un curso en la Escuela de Ingenieros en Lima. Conocieron entonces Cuzco, Arequipa y Trujillo. Así como el arte precolombino llegó a ejercer su influencia en ambos artistas, ellos también dejaron una intensa huella en el arte de la región. Los estudios de Anni Albers sobre los tejidos precolombinos fueron, en muchos sentidos, pioneros, y la pedagogía de Josef Albers marcó profundamente la enseñanza artística en la región. En 1964 se presentó en Lima una exposición de la serie Homenaje al Cuadrado en el IAC. A través de esta muestra, el arte de Albers llegaría a ejercer una decisiva influencia, aún no suficientemente reconocida sobre las vanguardias de nuestra región —y particularmente del Perú— durante los años cincuenta y sesenta. Anni y Josef Albers. Viajes por Latinoamérica, Museo de Arte de Lima, del 28 de junio al 23 de setiembre del 2007. VÉASE TAMBIÉN: Josef Albers, La interacción del color, Alianza Forma, 1998 [ND 1492 A34] y Josef Albers, Interaction of Color. Revised and Expanded Edition, Yale University Press, 2006 [P 2007-44] JOSEF ALBERS: Image Grillage, 1922, ensamblaje de vidrio, 32.4 x 29.8 cm. ANNI ALBERS: (arriba) Triangulated Intaglio V, 1976, aguafuerte/ aguatinta, 61 x 51 cm. (abajo) Orchestra III, 1980, gouache en offset fotográfico, 45.1 x 42.9 cm. lecarte CANTO A MACHU PICCHU. LA SORPRESA [FRAGMENTO] MARTÍN ADÁN […] lecarte Carne fétida que dice que es la vida, Y la vida eres tú, piedra sucia e inodora Y en tu modo de mirarme, bruta y lírica; Piedra humana, tremendamente humana, Toda de terror y de delicia... ¡Tú que bajas del piso quincuagésimo, Tú, par de ojos de estupor y malicia, Tú que traes en el maletín, Tu muerte y tu vida Y tu imagen y tu kodak, Y tu verdad y tu mentira!... ¡Tú, manera de ser ante lo eterno, Fotograbado y melancolía, Y enterarme de aquello de que dudo, Y seguir adelante con el guía!... ¿Cuándo, Machu Picchu, cuándo Montaña, llegaré a la orilla? Pero cuando tu mueras, Machu Picchu, Dónde me iré, con qué iré, con mi sonrisa Y con mi carne y con mi hueso y con mi casa Y con mi herejía, Y con mi traducir lo del latín gorrión, Y con mi misa, Y con no sé qué porque me llegó tarde el ser Al no ser la hora Al caerse de abajo la vida. ¡Y este no ser nada sino hablar ante el verso!... ¡Y este temblar ante Dios que es la vida! ¡Y este mirarte y muerte, Piedra De allá arriba!... ¡Este sentirse uno Dios ante la propia conciencia Y ante la propia herejía!... ¡Este haberte hecho un humano como yo, Que no era el profeta de la Biblia, Ni el hombre de las Nieves, Ni el Gorila!... ¡Este tu ser a mi medida humana, Sin suelo, sin habitantes y con sola tu agonía! ¡Ay, Machu Picchu, cómo me matas y me vives! ¡Cómo me cae tu inmóvil piedra, como me cae mi eterna vida! Todo es la verdad si no es la historia. Todo es la vida si es la vida, Y así es mi verdad, mi vida. Tú eres sólo la forma sobre el abismo, Y así será siempre mi sabiduría, La de la Academia, La de la Antología, La del que vive porque está muriendo y escribiendo Para su propia policía, Y se entretiene, En su agonía, Estimando y describiendo, Riéndose porque ya no acierta a llorar, La maravilla. ¡Desolación, madre mía, Dame tu firmeza! ¡Que mi pie pise en el nervio que vibra quebrado! ¡Que mi mano palpe en piel que pela! ¡Que yo baje desde el éxtasis de espanto y dios, A mi carne, a mi hueso, a mi enervada idea! ¡Déjame bañarme con la india desnuda, Dónde sólo alguna agua me vea! ¡Déjame asirme a agua írrita, Adonde mi meandro inmaterial me lleva! ¡Déjame con la imagen, Déjame, deja! ¡Déjame ser la montaña de sueño, Infinitud incompleta! ¡Déjame ser sin despertar! ¡Que lo que soy, si soy, sea vida entera, eterna!! […] Fragmento de La Sorpresa, Canto a Machu Picchu, La Mano Desasida, 1964 lecarte EN SALA INGRESOS A LA SALA DE LECTURA DEL 17 DE MAYO AL 17 DE JULIO DEL 2007 17.05.2007 FOTOGRAFÍA DIGITAL CON POCA LUZ, Tim Gartside, Evergreen, 2006, 160 p. [F 2007-10] FOTOGRAFÍA DIGITAL DE APROXIMACIÓN, Michael Freeman, Evergreen, 2005, 169 p. [F 2007-12] FOTOGRAFÍA DIGITAL DE PAISAJE, Michael Freeman, Evergreen, 2005, 169 p. [F 2007-11] FOTOGRAFÍA DIGITAL DE PERSONAS, Michael Freeman, Evergreen, 2005, 169 p. [F 2007-9] DIGITALÍCESE. ACTUALICE EL PASADO, Colin Barret/Steve Luck/Allen Zuk/Keith Martin, Evergreen, 2006, 160 p. [DG 2007-48] TALLER DE ILUSTRACIÓN DIGITAL. GÉNERO FANTÁSTICO, Martin McKenna, Evergreen, 2005, 160 p. [DG2007-49] LIBRO BLANCO. TÍTULOS DE GRADO EN BELLAS ARTES/DISEÑO/RESTAURACIÓN, Agencia Nacional de Evaluación de la Calidad y Acreditación, Tomo I, 2004, 464 p. [R 2007-65] LIBRO BLANCO. TÍTULOS DE GRADO EN BELLAS ARTES/DISEÑO/RESTAURACIÓN, Agencia Nacional de Evaluación de la Calidad y Acreditación, Tomo II [R 2007-66] EGON SCHIELE. PANTOMIMAS DEL DESEO. VISIONES DE LA MUERTE, Wolgang Georg Fischer, Taschen, 2007, 200 p. [P 2007-60] PIANO CONCERTO NO. 3, OP. 30, IN D MINOR/PIANO SONATA NO. 2, OP. 36, Sergei Rachmaninoff; Vladimir Horowitz, Eugene Ormandy; CD; DONACIÓN: Alonso Almenara 21.05.2007 CONCERTO FOR VIOLIN AND ORCHESTRA IN E MINOR OP. 64, Felix Mendelssohn; CONCERTO FOR VIOLIN AND ORCHESTRA IN D 77, Johannes Brahms; Anne-Sophie Mutter, Herbert von Karajan; CD; DONACIÓN: Alonso Almenara SYMPHONY NO. 3 IN A MINOR, OP. 44, Sergei Rachmaninov/SYMPHONY NO. 8 IN D MINOR, Ralph Vaughan Williams; Sir Adrian Boult; Decca Records, 2001; CD; DONACIÓN: Alonso Almenara MAJOR, OP. 26.05.2007 MUSEO DEL VATICANO, Museos del mundo, Tomo 5, El Comercio, 2007, 160 p. [AG 2007-77] 05.06.2007 NUDOS. REVISTA DE ARTE Y LETRAS DE AMÉRICA LATINA, 2007, 20 p.; Revista (2 ej.); DONACIÓN: Carmen Herrera Nolorve y Ricardo Sumalavia [AG 2007-90] WARHOL, Varios, Centro Cultural de la Católica, 2007, 125 p.; Catálogo [G 2007-4] CHICO LUNAR, Fito Espinoza, 2007; Catálogo [CP 2007-45] 06.06.2007 WARHOL, Varios, Centro Cultural de la Católica, 2007, 125 p.; Catálogo [G 2007-4] METROPOLITAN MUSEUM OF ART. NUEVA YORK, Museos del mundo, Tomo 6, El Comercio, 2007, 160 p. [AG 2007-81] TRATADO DE LA PINTURA, Leonardo da Vinci, Editorial Losada, 1944; Fotocopia empastada; DONACIÓN: Nice Piaggio [P 2007-77] ANATOMY FOR THE ARTIST, Jeno Barcsay, Spring Books, 1967, 344 p.; Fotocopia empastada (2 ej.) [Di 2007-7] 11.06.2007 EL LENGUAJE VIAL. EL LENGUAJE DE LA VIDA, Carlos Tabasso, Juan Carlos Dextre, 2007 [DG 2007-51] EMILIO RODRÍGUEZ LARRAÍN, XIV BIENAL DE PINTURA CONTEMPORÁNEA, 2007 [P 2007-70] 12.06.2007 NATIONAL GALLERY. LONDRES, MUSEOS DEL MUNDO, Tomo 7, El Comercio, 2007, 160 p. [AG 2007-98] 13.06.2007 M.C. ESCHER. ESTAMPAS Y DIBUJOS. 100 AÑOS 1898-1998, Taschen, 1994; (Reemplazo por pérdida de ND 492.B2 F81) [G 2007-5] THE CATALAN OPENING, Xavier Corberó, 1988; Catálogo; (Reemplazo por pérdida de ND 492.B2 F81) [CE 2007-189] 19.06.2007 1960-2000. COLECCIÓN DEL INSTITUTO CULTURAL PERUANO NORTEAMERICANO, ICPNA, 2007, 121 p. [AG 2007-105] NATURALEZA MUERTA. APARIENCIA REAL Y SENTIDO ALEGÓRICO DE LAS COSAS. LA NATURALEZA MUERTA EN LA EDAD MODERNA TEMPRANA, Norbert Schneider, Taschen, 2003, 215 p. [P 2007-75] CUATRO DÉCADAS DE ARTE EN EL PERÚ lecarte DIVINA Y HUMANA. LA MUJER EN LOS ANTIGUOS PERÚ Y MÉXICO, Varios, 2006, 157 p.; DONACIÓN: Johanna Hamann [AP 2007-8] MUSEO VINCENT VAN GOGH, Museos del Mundo, Tomo 8, El Comercio, 2007, 160 p. [AG 2007-106] 20.06.2007 CHICO LUNAR, Fito Espinoza, 2007; Catálogo; DONACIÓN: Johanna Hamann [CP 2007-45] 21.06.2007 RESCATE DE UNA COLECCIÓN FOTOGRÁFICA, Teófilo Hinostroza, 2007, 20 p.; Catálogo (2 ej.); DONACIÓN: Julio Garay Terrazas [CF 2007-4] 22.06.2007 DIE KUNST DER ANATOMIE. KÖRPERDARSTELLUNGEN AUS FÜNF JAHRHUNDERTEN, Benjamin A. Rifkin – Michael J. Ackerman, Knesebeck, 2006, 344 p. [Di 2997-8] NEW BOOK DESIGN, Roger-Fawcett-Tang, ed., Laurence King Publishing, 2004, 192 p. [DG 2007-46] 26.06.2007 MUSEO TOULOUSE-LAUTREC/MUSEO GUSTAVE MOREAU, Museos del Mundo, Tomo 9, El Comercio, 2007, 160 p. [AG 2007-116] ESCULTÓRICA. PUNTO PERUANO, Juan Pacheco Enciso, 2007; Revista (3 ej.); DONACIÓN: Juan Pacheco “PERUNATOR”. DISEÑO DE VEHÍCULO ECOLÓGICO PARA LA PRÁCTICA DEPORTIVA DE AVENTURA EN ZONAS DE DESIERTO – SIN MOTOR, Raúl Muñoz Sifuentes, Tesis de Diseño Industrial, 2007 [T 2007-2] REVISTA FAN. ART. CABALLERO OSCURO. FRANK MILLER, Año 1, Número 4, 2007, 40 p.; Revista (2 ej.); DONACIÓN: Ricardo Andrés Chiock Chang [DG 2007-50] REVISTA FAN-ART. OH! DIOSA. KENICHI SONODA, Año 1, Número 5, 2007, 40 p.; Revista (2 ej.); DONACIÓN: Ricardo Andrés Chiock Chang [DG 2007-49] REVISTA FAN-ART. ESTAMPIDA. TRIGUN MAXIMUM, Año 1, Número 6, 2007, 40 p.; Revista (2 ej.); DONACIÓN: Ricardo Andrés Chiock Chang [DG 2007-48] 03.07.2007 ATLAS OF HUMAN ANATOMY AND SURGERY. THE COMPLETE COLOURED PLATES OF 1831-1854, Jean Baptiste Marc Bourgery/ Nicolas Henry Jacob, Taschen, 2005, 714 p. ATLAS DE ANATOMÍA HUMANA, Jean Baptiste Marc Bourgery/Nicolas Henry Jacob, Taschen, 2006. 128 p. 07.07.2007 ESPACIO VORAZ. PINTURA Y TIEMPO EN LA OBRA DE JOSÉ TOLA 1998-2002, 2002; Catálogo; DONACIÓN: Johanna Hamann [PP 2007-41] URBANIA, Abi Lazkoz, Juan López, Daniel Martínez/Olga Mazurkiewicz/Lou Lou, Santiago Roose, 2003, 106 p. DONACIÓN: Johanna Hamann [AG 2007-133] NUEVAS ADQUISICIONES. MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE LIMA, 2006; Catálogo; Donación: Johanna Hamann [AG 2007-132] 11.07.2007 VENECIA. ÁLBUM DE VIAJE, Acento Editorial, 1999 [R 2007-142] Acento Editorial, 1997 [R 2007-141] TIERRA SANTA. ÁLBUM DE VIAJE, Acento Editorial, 1998 [R 2007-140] ROMA. ÁLBUM DE VIAJE, Acento Editorial, 1998 [R 2007-139] EGIPTO. ÁLBUM DE VIAJE, Acento Editorial, 1997 [R 2007-138] PARÍS. ÁLBUM DE VIAJE, 16.07.2007 SCULPTURE. INSTALLATION AND COLLABORATION, July/August 2007, Vol. 26 No. 6 [E 2007-51] JAPAN’S CREATIVE THINKING, Jetro, 2001; Donación: Miguel Mora [F 2007-18] LOT PERFORMANCE, 2007; DVD; DONACIÓN: Raura Oblitas 17.07.2007 4. PROCESOS, COMPLEJIDAD, ARTE. EXPOSICIÓN INTERNACIONAL DE ARTE DIGITAL, VARIOS, ICPNA, 2007; Catálogo [CAG 2007-83] ANTOLÓGICA A PARTIR DE LA SIMULTANEIDAD. TRÍPTICOS Y POLÍPTICOS, HERNÁN PAZOS, ICPNA, 2007; Catálogo [CP 2007-213] RIJKSMUSEUM. AMSTERDAM, Museos del Mundo, Tomo 11, El Comercio, 2007, 160 p. [AG 2007-136] NATIONAL GALLERY OF ART. WASHINGTON, Museos del Mundo, Tomo 12, El Comercio, 2007, 160 p. [AG 2007-135] ARTWARE 0 lecarte LAS COSAS NUESTRAS ACUARELAS Ricardo Wiesse Sala de Exposiciones Británico de Los Jardines 25 de junio-10 de agosto “No solo hay que trabajar en el aspecto técnico, sino también en la actitud, interpretando el mundo desde otro punto de vista, escapando un poco de la influencia electrónica y trabajando más bien la motricidad, afinando la percepción”. SOBRE RUEDAS Exposición de alumnos, profesores y egresados de la especialidad de Diseño Industrial PUCP Galería ICPNA San Miguel 27 de junio-11 de agosto CAPRICHOS DE ORQUÍDEA Charo Noriega La Galería 1 de julio-4 de agosto CELESTE Y TERRENO Jaime Romero Sala de la Casa de la Emancipación, Trujillo, Perú 3 de julio — 3 de agosto “… Pero Jaime es fundamentalmente un artista: un creador, interesado que desde siempre a través de los medios plásticos ha incursionado en un plástica que pone a polémica, pues fluctúa entre la presencia de los elementos de contradicción del ser humano y lo que lo rodea. Es la suya un visión ética que no llega definirnos como un espacio moralizador, pero si anuncia y destaca los elementos que el ve en contradicción y eso con decisión y sin dudas.” Alejandro Alayza BROTES DEL RECUERDO Luz Negib Centro Cultural Peruano-Británico 3-31 de julio “Mis obras nacen de un dibujo casual e irrepetible como la vida misma, que me sorprende y asombra intensamente, trayendo a mi memoria la nostalgia de cosas ya vividas… sentidas… y pintadas, como cuando se escucha una antigua melodía que evoca el pasado”. MAD MAX Diego Sánchez, Alex Julca, Nancy La Rosa, Andrea Cánepa, Alberto Serquén, Clara Huarniz, Omar Lavalle, Gloria Arteaga, Rudolph Castro Centro Fundación Telefónica 5-22 de julio MAL DE AMÉRICA (DIBUJOS DE VIAJES) Raimond Chaves | Gilda Mantilla Galería Projecte SD, Barcelona lecarte 5 de julio – 14 de setiembre LIBROS FASCINANTES Albert García, Aldo Shiroma, Alex Ángeles, Ángel Valdez, Armando Williams, Christian Bendayán, Cuco Morales, Daniel Benaim, Eduardo Tokeshi, Elena Valera, Enrique Casanto, Enrique Polanco, Eriván Phumpiú, Flora Zárate, Fernando Olivos, Franco Domenak, Flor Vallejo, Genoveva Urbano. Harry Chávez, Herbert Rodríguez, Jaime Higa, Jaime Domenack, Joaquín Liébana. José Carlos Martinat, Juan Javier Salazar, Juan Osorio, Jaime Moya, Lala Rebaza, Luz Letts, Marcel Velaochaga, Marcelo Zevallos, Miguel Det, Manuel Ferrer, Patricia Camet, Raura Oblitas, Robert da Vies, Rocío Rodrigo, Roldán Pinedo, Silvia Porras, Victor Castro, Magali Sánchez, Olga Engelmann, Venancio Shinki, Raúl Rodríguez Biblioteca Nacional del Perú 10- 24 de julio MINISTERIO DE LA VERDAD Fernando Otero Galería Forum hasta el 26 de julio “La arquitectura tiene una presencia muy fuerte en mi trabajo. Siempre me ha atraído el diseño industrial además. Pero claro, visto desde la perspectiva de un artista. Nunca podría ser un arquitecto. Yo soy el artista que sueña con ser arquitecto. En el momento en que empiezo a llevar a cabo una obra, es una desilusión total, es un romance frustrado, pues te encuentras con las matemáticas y la física”. [El Comercio, domingo 8 de julio del 2007, Cultura | C10 ] ASENTAMIENTOS ESPONTÁNEOS Y POÉTICOS DEL TERRITORIO. PAISAJE, MEMORIA Y DINÁMICA SOCIALES José Barreda, Felipe del Águila, Jorge Izquierdo, Luis Luna, Gino Marchini, Daniel Ramírez Corzo, Luis Zegarra, Marcelo Zevallos Centro Cultural España 11-31 de julio ACERO. MUESTRA ESCULTÓRICA EN ACERO DE ARTISTAS LATINOAMERICANOS Milton Barragán, Gabriel Beltrán, Johnny Bonnelly, Pedro Briceño, Sergio Castillo, Sebastián Guggiari, Johanna Hamann, Guillermo Mac Lean, Helena Netto, Héctor Rosales, Marcelo Visentini, Edgar Zúñiga Fundación Cívica Cultural Villacero, Bogotá, Colombia Mes de julio http://www.pucp.edu.pe/facultad/arte/invierno_0/ lecarte SITIOS THE JOSEF & ANNI ALBERS FOUNDATION http://www.albersfoundation.org/ Cronologías, galerías, bibliografía, álbum de fotos y más. En inglés. ARTMOTIV. REVISTA INTERNACIONAL DE ARTE http://artmotiv.com/ Director: Joseph Firbas [La revista] … debatirá sobre arte. Un espacio para los críticos, para que desarrollen temas, desmiembren los nuevos lenguajes, los desarrollen, los humanicen y nos ayuden a asimilarlos, porque a veces estamos muy metidos en lo intelectual. Ellos nos permiten tener una visión más clara de lo que se está desarrollando en arte”. En castellano. BRUMARIA http://www.brumaria.net/ Es un proyecto de artistas para la construcción de un espacio de estudio, reflexión y propuesta, que tiene por objeto la puesta en circulación de materiales teórico/ prácticos relativo a las ideas artísticas y estéticas y su relación con la estructuras sociales y políticas que le se son inherentes. En castellano. CTHEORY http://www.ctheory.net/home.aspx publicación internacional de teoría, tecnología, y cultura; que entrega artículos, entrevistas, eventos, y reseñas de textos importantes. En inglés. TATE ETC. lecarte http://www.tate.org.uk/tateetc/issues.htm Importante revista de las galerías Tate de Londres. En inglés. César Campos ÉRASE UNA VEZ... De izquierda a derecha: Julia Navarrete, Susana Rosselló, Benito Rosas, Liky Massa y Pablo Harold m.a.m.d. Miraflores, junio del 2004. De izquierda a derecha: Veronica Crousse, Johanna Hamann y Marta Cisneros lecarte EL RINCÓN DE LOS HALLAZGOS FRAGMENTOS DE VIDA CILICA CHLIMPER. ILUSTRACIONES DE CRISTINA GÁLVEZ lecarte EL RINCÓN DE LOS HALLAZGOS FRAGMENTOS DE VIDA CILICA CHLIMPER. ILUSTRACIONES DE CRISTINA GÁLVEZ lecarte
