universidad central del ecuador facultad de artes

UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR
FACULTAD DE ARTES
CARRERA DE ARTES PLÁSTICAS
LA FUNCIÓN DEL ESCAPARATE EN LA REPRESENTACIÓN
ARTÍSTICA:
MODERNIDAD, MODA Y CONSUMO
TESIS PREVIA A LA OBTENCIÓN DE LA LICENCIATURA EN
ARTES PLÁSTICAS
ELBA HILDA GRANJA MEJÍA
TUTOR: MARÍA ELENA CRUZ ARTIEDA
QUITO, MARZO 2015
DEDICATORIA
A Las y Los artistas y a la colectividad.
ii
AGRADECIMIENTO
A Dios quien es mi mayor inspiración, a mis Padres los amo, gracias por tantas bendiciones,
Doc. Abraham T., Giovanita G., Aidita E, Mariancita R., gracias por sus oraciones y la fortaleza
espiritual.
iii
AUTORIZACIÓN DE LA AUTORIA INTELECTUAL
Yo, Elba Hilda Granja Mejía en calidad de autora del trabajo de investigación realizada sobre “La
función del escaparate en la representación artística. Modernidad, moda y consumo...”, por el
presente autorizo a la UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR, hacer uso de todos los
contenidos que me pertenecen o de parte de los que contienen esta obra, con fines estrictamente
académicos o de investigación.
Los derechos que como autor me corresponden, con la excepción de la presente autorización,
seguirán vigentes a mi favor, de conformidad con lo establecido en los artículos 5, 6, 8; 19 y demás
pertinentes de la Ley de Propiedad intelectual y su Reglamento.
Quito, a 18 de marzo 2015
FIRMA
C.C 171584404-7
Teléf. 0998916375
Email: [email protected]
iv
APROBACIÓN DEL TUTOR
En mi carácter de Tutor de la Tesis de Grado, presentada por Elba Hilda Granja Mejía para optar el
Título de Licenciad en Artes Plásticas, cuyo título es “La función del escaparate en la
representación artística. Modernidad, moda y consumo…” Considero que dicha Tesis reúne los
requisitos y méritos suficientes para ser sometida a la presentación pública y evaluación por parte
del jurado examinador que se designe.
La línea de investigación en la que se enmarca este trabajo es: Integración de las artes al contexto
social y Las artes en la historia y en la época actual y su proyección futura.
En la ciudad de Quito a los 16 días del mes de marzo de 2015
Firma
María Elena Cruz Artieda
Cd. Nº 171561798-9
v
ÍNDICE DE CONTENIDOS
Paginas Preliminares
Pág.
Dedicatoria ......................................................................................................................................... ii
Agradecimiento ................................................................................................................................. iii
Autorización de la Autoria Intelectual .............................................................................................. iv
Aprobación del Tutor ......................................................................................................................... v
Índice de Contenidos ......................................................................................................................... vi
Indice de Figuras ............................................................................................................................. viii
Resumen ............................................................................................................................................ ix
Abstract .............................................................................................................................................. x
Introducción ....................................................................................................................................... 1
CAPÍTULO I: EL PROBLEMA .................................................................................................... 2
1.1.
Planteamiento del problema ............................................................................................... 2
1.2.
Formulación del problema ................................................................................................. 2
1.3.
Preguntas directrices .......................................................................................................... 2
1.4.
Objetivos ............................................................................................................................ 3
1.5.
Justificación........................................................................................................................ 3
CAPÍTULO II: LA MODERNIDAD ............................................................................................ 4
2.1.
El paradigma de la Modernidad ......................................................................................... 4
2.2.
El mensaje de las imágenes en las vidrieras ..................................................................... 12
2.3.
El Escaparate y su Función en el Arte .............................................................................. 16
CAPÍTULO III: EL MUSEO EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA ............................................. 25
3.1.
Escaparate galería ambulante ........................................................................................... 25
3.2.
Arte y moda, objeto de consumo ...................................................................................... 28
3.3.
Catálogos (el disfraz del consumismo) ............................................................................ 32
CAPÍTULO IV: PROYECTO “ESCAPARATE DEL MUSEO A LA CALLE” .................... 34
4.1.
La producción del arte creada con un look frívolo. “Art fashion” ................................... 39
4.2.
De cara al arte................................................................................................................... 44
vi
CAPÍTULO V: CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES ................................................ 48
5.1.
Conclusiones .................................................................................................................... 48
5.2.
Recomendaciones ............................................................................................................. 48
BIBLIOGRAFÍA ............................................................................................................................ 49
vii
INDICE DE FIGURAS
FIGURA:
Pág.
1.Velocità Astratta (èpassatal'automobile) (1913) ............................................................................. 9
2.Portrait of Chess Players ................................................................................................................. 9
3.Impresión, sol naciente (1872) ...................................................................................................... 10
4.Y por hoy… nada (1972) .............................................................................................................. 12
5.Vitrinas y escaparates en la contemporaneidad ........................................................................... 14
6.Vitrinas y escaparates en la contemporaneidad ........................................................................... 15
7.Ilustración de los inicios del escaparate ........................................................................................ 17
8.Arte y escaparates ......................................................................................................................... 18
9.Escaparatemoderno ....................................................................................................................... 19
10.Arte y escaparates........................................................................................................................ 20
11.Arte y escaparates........................................................................................................................ 21
12.Portrait-robot de paul van hoeydonck ......................................................................................... 22
13.Dog Grooming Price Guide......................................................................................................... 23
14.(S/T) ............................................................................................................................................ 23
15.Anime manga .............................................................................................................................. 30
16.Cirugía plástica............................................................................................................................ 30
17.Museo Guggenheim Bilbao......................................................................................................... 37
18.Proyecto 1 proceso de la elaboración de “Artfashion”................................................................ 39
19.Art fashion................................................................................................................................... 40
20.Anthro/Socio (Rinde Spinning), 1992 ......................................................................................... 42
21.De cara al arte.............................................................................................................................. 44
22.“…..Y si se le obligara a fijar su vista en la misma ¿no crees que le dolerían los ojos y
escaparía….” .................................................................................................................................... 46
viii
UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR
FACULTAD DE ARTES
CARRERA DE ARTES PLÁSTICAS
La función del escaparate en la representación artística
Modernidad, moda y consumo.
Autor: Elba Hilda Granja Mejía
Tutor: María Elena Cruz Artieda
Marzo 2015
RESUMEN
El análisis de esta investigación tiene por objeto acoplar
un medio estratégico como es el
escaparate para la exhibición de las diversas representaciones artísticas en varios sectores del
cotidiano y su movilidad en el espacio urbano. De esta manera se puede disponer de un sistema
factible y amplio que reste la distancia entre la obra de arte y el espectador como una alternativa.
Este escenario vitrificado llamado “escaparate” simboliza el juego de la imagen con el contenido y
el mensaje que éste nos proporciona
en la concepción
del pensamiento moderno y sus
connotaciones en la moda y el consumismo. El presente trabajo propone así una alternativa viable
en la que el arte va más allá de las tradicionales formas de exhibición y representación de la
imagen, para lograr una evidente democratización del arte. Conjuntamente con los medios de
exhibición, el estudio plantea una serie de reconsideres acerca del hacer artístico en la modernidad
y contemporaneidad.
PALABRAS CLAVES
ARTE Y MODERNIAD, ESPACIO URBANO ESCAPARATE, INSTITUCIÓNES
MUSEABLES, MODA Y CONSUMO, ARTE Y COTIDIANIDAD
ix
UNIVERSIDAD CENTRAL DEL ECUADOR
FACULTAD DE ARTES
CARRERA DE ARTES PLÁSTICAS
The works of the show-case in the artistic representation
Modernity, fashion and consumerism
Autor: Elba Hilda Granja Mejía
Tutor: María Elena Cruz Artieda
Marzo 2015
ABSTRACT
The objective of the analysis of this research is to include a strategic means such as the
showcase in order to exhibit different artistic representations in diverse everyday activities as well
as its mobility in the urban spaces. This way there will be an alternative which is feasible and broad
enough to reduce the distance between artworks and the audience. This glass-covered
stage called “showcase” symbolizes the game of image and content along with the message sent. It
is a message with the concept of modern thought and their connotation in fashion and
consumerism. The proposal offers a viable alternative which goes beyond the traditional ways of
exhibiting and representing images to achieve a true democratization of art. Along with the
exhibition means, the study offers a series of considerations about the artistic endeavor in
modernity and contemporaneity.
KEYWORDS
ART AND MODERNITY, URBAN SPACE, SHOW CASE, MUSEUMS AND RELATED INSTITUTIONS,
FASHION AND CONSUMERISM, ART AND EVERYDAY LIFE
I. Edison Santacruz, MA, holder of ID card No. 1705628467, hereby certify that this is a true
translation of the original document in Spanish to the best of my Knowledge.
x
INTRODUCCIÓN
El escaparate y su función en el arte. Modernidad, moda y consumo… Tema del cual parte este
proceso de investigación tiene por objeto incluir
en los diversos ámbitos del cotidiano una
alternativa para disponer vías variadas en la función del hacer artístico, este hacer que promueve
diversas alternativas en función del arte hacia la comunidad y en general ese espacio urbano que
señala un camino para la exposición de diversas manifestaciones artísticas.
Esta área urbana sumergida en la cotidianidad en la que se desarrolla una analogía entre el mercado
industrial y la moda, son proclamadores de cambios en los acontecimientos sociales, e innovadores
de masas infundidos también en los movimientos contestatarios de diversas épocas, realizan así
una construcción corporal externa e interna imponiendo un canon desde el mercado.
Este espacio de juego que se encuentra en el cotidiano parte del espacio público, es una alternativa
o un sendero viable donde se puede manejar el arte fuera de los sitios habituales, como los museos
el objetivo es considerar que el arte debe salir de los sitios convencionales para alcanzar a ese
representativo número de transeúntes, que más adelante se convertirá en el espectador de las
diversas manifestaciones artísticas para sustentarlo con nuevas imágenes que renueven el
pensamiento, dando paso a un sentido nuevo del consumo.
En consecuencia el escaparate o vitrina propone un medio de comunicación, que captura el interés
de los individuos en los espacios públicos del cotidiano, y representa una vía alterna para poner al
descubierto los diversos temas que plantea el arte, tomando en cuenta que dichos temas deben ser
de acuerdo a un nuevo planteamiento y al rescate de valores y no a las conveniencias del mercado
capitalista característico de la modernidad y del consumo.
1
CAPÍTULO I
EL PROBLEMA
1.1.
Planteamiento del problema
El planteamiento del problema radica en la búsqueda de un espacio urbano que establezca un
vínculo entre el arte y la cotidianidad, para ello se propone la construcción de un escaparate que
funcione como un sistema expositivo, mediador, como parte de la escenografía artística y la
representación plástica, para la construcción de nuevas formas estéticas. Donde se revele más allá
de una imagen decorativa de consumo, y se encuentre como un lugar de promoción artística, social
y política. Por medio del dispositivo se plantea liberar al espectador de las tradicionales formas de
representación y exposición como son los museos y así proponer un enlace más directo con el
mismo, generando así una nueva visión en el hacer artístico proyectada a la democratización del
arte.
1.2.
Formulación del problema
El tema propuesto como “La función del escaparate en el arte. Modernidad, moda y consumo”,
nace con el propósito de indagar el espacio en el que se exhibe la obra de arte, junto con un análisis
crítico del hacer artístico en la Modernidad y la relación que existe entre este, con la moda y el
consumo. A partir de esta inquietud queremos efectuar una observación de la labor que ejerce el
artista, mismo que desempeña un papel vital en la obra, en lo que refiere a la construcción de
símbolos y metáforas, dando importancia al lugar en el que se exhiben las diversas intervenciones
artísticas, lo que representa una función primordial en la labor de la comunicación.
1.3.
Preguntas directrices
¿Cuál es la función del arte en la actualidad?
¿Tiene el arte un camino viable para salir de las caducas instituciones del arte, como lo es el
museo. ?
¿Que representa el arte en la Modernidad?
¿Podemos encaminar al arte a un sentido amplio en cuanto a su forma de exhibición.?
2
¿Se puede consumir un arte que se muestre digerible y con un fin positivo frente a las imágenes
banales que se gestan con el consumismo?
1.4.
Objetivos
El uso de las vidrieras contribuyen a fundar nuevas estrategias que sobresalen de las instituciones
tradicionales, para manifestar un sinnúmero de mensajes, que no solo generen, como lo menciona
Adolfo Vásquez Rocca (2008), “necesidades artificiales” frente al desmesurado e impulsivo
consumo de las masas característico de la contemporaneidad, sino que más bien nos permita habitar
en este espacio abierto, para así poder exteriorizar las actividades del mundo de las artes.
El empleo de este sistema recurre a un nuevo criterio, al desapego de lo establecido por el sistema
capitalista y el pensamiento hedonista, e involucra la práctica de nuevas intervenciones artísticas
que incluyen a la sociedad, las cuales se amplían hacia otras zonas representadas a través de
diferentes sistemas expositivos dentro de un espacio visible y fuera de las antiguas instituciones
museísticas, hacemos un análisis de las representaciones de la imagen en la modernidad y
contemporaneidad, las cuales han adquirido sentidos ambiguos, y se ha puesto en tela de duda el
verdadero significado del hacer artístico.
1.5.
Justificación
Si el escaparate o vitrina nos permite ese enlace con la comunidad y su cotidiano, se debe
considerar la importancia de las imágenes, para que estas se destaquen de un hecho banal, e
involucren una reflexión. Esta imagen “nueva” debe transmitir un contenido crítico en los diversos
temas expuestos, de esta forma habrá una relevancia y una trascendencia, y se apartará de las
imágenes casuales y estrategias de publicidad donde se ofrecen productos banalizados, es decir sin
valor y contenido. La importancia que en la actualidad le hemos otorgado a un artículo de
cualquier índole, lleva a pensar cuál es en realidad el papel que desempeña el artista, si es este el
medio de conexión para manifestar o denunciar un tema que no se lo avizora en la sociedad, o
simplemente es un ente abstraído e inofensivo que se nutre de las apariencias, y que se reproduce
junto con la modernidad y la industria de imágenes.
3
CAPÍTULO II
LA MODERNIDAD
2.1.
El paradigma de la Modernidad
En general la Modernidad representa una serie de cambios y transformaciones en las estructuras
sociales. Cambios que instauraron una nueva filosofía en el proceso histórico cimentado por el
Renacimiento, tanto en la economía, política, religión, la filosofía y por supuesto la estética y el
conocimiento con el respectivo nacimiento de la ciencia. No se puede precisar con exactitud la
fecha de su inicio, ya que su relativismo temporal, propio de un proceso histórico, no enmarca una
fecha exacta; pero varios análisis históricos nos remiten a los años de 1400.
Durante esta época se desarrollaron los atisbos del pensamiento humanista centrados en la
individualidad, un hombre creado como un ente que se vale por sí solo, representado por una
conciencia que se aleja de la religiosidad de la Edad Media y la enfatizada secularización dada por
el desapego de la religiosidad, y que fue avalada por el pensamiento renacentista. Dentro de estos
cambios estructurales, el Renacimiento trae consigo debates y teorías filosóficas en cuanto al
racionalismo, el idealismo y las diversas posturas ensanchadas a la caracterización del hombre
como centro del universo.
Al avanzar en la historia de la modernidad y el desarrollo del capitalismo, la Ilustración, los
adelantos logrados por la Revolución Industrial, de la misma manera la marcha que atravesó el arte
en todas sus etapas, en un inicio fueron las más simples composiciones, un dibujo casi lineal, más
adelante el manejo de la perspectiva, hasta lograr una desfragmentación de la imagen, lo estático
fue adoptando movimiento. El Gótico con sus cúpulas, puntas, arcos, bóvedas, el Barroco con su
recargada representación, el manierismo con sus poses estilizadas y su estética ornamental, y
diversas tendencias como el Romanticismo, Realismo, Impresionismo y el paso tan trascendental
dado por el Impresionismo. Posteriormente en el siglo XX el papel del arte sufre una innovación
substancial con las vanguardias que plantean una filosofía antagónica, frente a las posturas de la
época medieval.
4
Las predicas desde los diversos puntos de vista han llevado a una nueva construcción de imágenes,
por el cual se amplía el pensamiento heterodoxo hacia la contemporaneidad, que conlleva a la
multiplicidad de sentidos y al rompimiento de la concepción del tiempo, las tradiciones se
desmoronan frente a un campo de batalla abierto a la tecnología que presenta un nuevo lenguaje de
comunicación.
La Modernidad con su amplio repertorio de imágenes y conceptos, predispone el camino a nuevas
expresiones, discursos ideológicos y la ruptura establecida por siglos atrás, la imaginación adopta
nuevos caudales interpretativos y el apetito de nuevos signos, la libertad de la creación de imágenes
que reintegran formas y adoptan nuevas personalidades. Todos estos hechos representan un cambio
radical en el contexto cultural moderno y el paradigma de la modernidad, lo que nos remite al
estudio de Alvarenga (2010), el cual manifiesta lo siguiente:
Podemos observar que la modernidad se construye en un proceso de racionalización de los
diferentes ámbitos y experiencias humanas como lo asegura Weber. Dicha racionalización, que
es el punto de apoyo del proceso de construcción del capitalismo, crea, dentro de la producción
material e ideológica, ámbitos especializados, en los cuales reina la ilusión de una autonomía
absoluta. De esta manera, la esfera económica se percibe como un ámbito, autosuficiente por sí
mismo, con sus propias leyes y su propia “naturaleza”. Tal es la ilusión de la autonomía
absoluta de cada uno de los ámbitos con respecto al resto de la sociedad. (p. 1)
Esa percibida autonomía creada en la Modernidad conlleva al desarrollo del capitalismo, y al
debate de las definiciones en cuanto a un valor de uso, valor de cambio, plusvalor, pero
esencialmente a la producción y reproducción de la mercancía y el comercio como tal. Pero
tendríamos que manifestar que el capitalismo no se basa únicamente en la condición comercial
dada por tal o cual evento, ya que el ente moderno se fundamenta en el criterio de su mentalidad
racional, hedonista, y no en su condición normal como consumidor de un objeto que le puede ser
necesario.
Las relaciones de dependencia que crea la Modernidad en la persona se basan exclusivamente en la
aportación del capital, visto este como un medio para satisfacer deseos y necesidades creadas por
el individuo y alimentadas con aspiraciones del imaginario que proyecta la misma modernidad. El
comercio moderno coloca en el individuo la demanda de la exclusividad a costes elevados, a
cambio satisface el deseo impuesto por el mismo mercado. El individuo, en la búsqueda de su
particularidad, modifica sus ambientes y vuelve lo superfluo en una condición necesaria, afianzada
por el capitalismo en sus varias esferas.
5
Esta lucha constante por generar cambios en los diversos ámbitos de la vida social capitalista crean
una visión dudosa en cuanto a la satisfacción del individuo que se rodea de imágenes, donde
predomina el dominio de las maquinas ejercido por el capitalismo y la industrialización, pero cuyo
mando no establece un cambio o una estrategia segura para la construcción de una visión social,
que rescate la dignidad del ser humano, como tal.
Planteadas estas premisas nos centraremos ahora en el estudio de la Modernidad y su connotación
en el ámbito artístico,
y particularmente en su relación con la imagen creada en la
reproductibilidad técnica, concepto analizado por Walter Benjamín, lo cual es característica
exclusiva del capitalismo. Asimismo analizaremos la estética moderna, los paradigmas que esta
profesa, sin dejar de lado el estudio de las vanguardias.
Desde el punto de vista artístico, dicho proceso histórico fue adaptándose a un sinnúmero de
cambios en su sistema filosófico centrado en la dualidad, dejando de lado lo moral, en una
propuesta antagonista de lo clásico versus lo moderno, lo tangible versus lo intangible, la unidad
versus la fragmentación y lo perdurable en contraposición de lo efímero, así, la modernidad se
convierte en una etapa de oscilación y cuestionamientos en el arte.
A lo que Liessmann (2006) añade lo siguiente:
La modernidad es así mismo aquella época que, por preguntar por la utilidad de todo, pondrá
en cuestión la utilidad del arte. Para cubrir este déficit, el arte constantemente se ve forzado a
tomar préstamos de la política, de las humanidades y, no en último lugar, de la moral a
utilizarse como instrumento en la lucha por la justicia o como conciencia exhortadora. (p.18)
Sin embargo, la Modernidad representa lineamientos ideológicos basados en la imagen, una imagen
saturada de características hedonistas, donde está implícito el placer por el placer, lo banal, el
dolor, el deseo y la exploración de un mundo donde se crean necesidades por la carencia de
bienestar, convirtiéndose en una sociedad funcionalista1 y utilitaria, que en su supervivencia va a
generar imágenes ornamentadas a favor del consumo, en cuanto el producto pierde su valor por su
cualidad o calidad, y supera su condición, a medida que el individuo le otorga diversas
características para satisfacerse a sí mismo.
Para entender esto, debemos explicar que la Modernidad crea el ocular centrismo, es decir que, esta
imagen pierde el sentido real puesto que es vista por un único ojo o lente, en este sentido ejerce un
1
La teoría funcionalista y relacionista del sí mismo, que explica la constitución del yo a partir de sus
prestaciones funcionales y de las relaciones con el ambiente, va más allá del concepto de libertad como
incremento de opciones, transformándose en teoría funcionalista de la sociedad. (Herrera, Gómez Manuel.
(2007). p.117)
6
control sobre la visión. Se empieza por dar volumen a los personajes, paisajes y objetos de los
pintores que experimentaron esta situación. La perspectiva clásica queda inactiva; Giotto y Duccio
realizan sus primeras obras aplicando el uso de una perspectiva lineal con efectos de profundidad,
enmarcadas en una nueva mirada; si antes la imagen se mantenía bajo la visión estática de cada
pintor, donde no existía la diferencia entre lo próximo y lo distante, ni la acercamiento a la
realidad, en la modernidad la nueva imagen nos permite percibir la distancia y parte de la
“realidad” esta mirada se amplía en el sentido espacial con el artista Jan van Eyck, más adelante, la
aplicaran varios virtuosos de la pintura paisajista hasta encontrarse con la aparición de diversos
puntos de vista en el que las líneas fugan hacia diferentes ángulos en el espacio.
La perspectiva lineal no fue una eventualidad, o un método por medio de un punto de fuga, también
logró crear una visión paralela de una imagen “real”, la misma que, insta a un sentido de
categorización de la imagen moderna.
Esta conjunción entre imagen y perspectiva, más capitalismo e individualidad, dan como resultado
un nuevo discurso estético. La estética en cuestión maneja un sinfín de cualidades y características
que varían según la percepción de los filósofos; para Kant, la estética involucraba lo bello, lo cual
tenía “un valor en sí mismo”, mientras que para Heidegger implicaba la sensibilidad. Esta
multiplicidad de enfoques determinan la sobre abundancia de formas en la imagen moderna.
En la actualidad, la estética del arte moderno se defiende con nuevos conceptos, ya no podemos
referirnos únicamente a “lo bello” del arte como lo manifestaba Kant, o lo producido desde el
punto de vista sensorial de Heidegger y la representación sensible del objeto y de su forma, donde
la obra requiere a
un ser contemplativo. Ahora, la obra y su estética son el fruto de un
individualismo personalizado y por lo tanto múltiple. Oliveras (2012) manifestó al respecto lo
siguiente:
La estética es, indiscutiblemente, marca de la modernidad, de ese momento de la historia que
inaugura el principio de la subjetividad. (…) Constituye un hito decisivo en la consolidación de
la estética no es sólo porque presenta categorías nuevas sino por el modo en que se articulan las
ideas en torno del hombre como centro, como lugar de decisión. A partir de entonces, yo mismo
y mis estados son lo primero, lo digno de atención. (p. 24)
El discurso estético moderno, que toma como premisa la individualidad del ente creativo, se desliga
de los parámetros establecidos en la Edad Media, propone la libertad del pensamiento, esa libertad
se encuentra en la temporalidad, en la obra conceptual, en la realidad alterna. Parafraseando a
Sánchez Vázquez Adolfo (1996. p. 272) en lo que respecta a ciertas características establecidas en
la estética de la modernidad, el mencionado autor encuentra su diferencia y su autonomía, creados
7
además por el dinamismo y el cambio, que se manifiesta con el progresismo, el universalismo del
ser moderno y el racionalismo, que para Sánchez es: “El arma con que la modernidad destruye los
principios y valores”, pero al mismo tiempo “…también le permite proyectar un mundo más
humano” (Ibíd.) Estas posibilidades son precisamente el punto de referencia para interpretar a la
modernidad como un arma de doble filo.
Dichas prédicas desde los diversos puntos de vista estéticos de la modernidad acarrean a una nueva
construcción de imágenes, por lo que el pensamiento en la modernidad conlleva una multiplicidad
de sentidos y al rompimiento de la concepción del tiempo, las tradiciones desmoronadas frente a
un campo de batalla abierto a la tecnología que presenta un nuevo lenguaje de comunicación.
Toda esta lucha constante por generar cambios en los diversos ámbitos de la vida social, política e
incluso artística, instauraron una visión mucho más amplia en cuanto al predominio industrial dado
por la misma época Moderna cuyo mando no establece un cambio o una estrategia segura para la
construcción de una visión social que rescate la dignidad del ser humano como tal. Sin embargo,
los espejismos de dicha elaboración de estructuras y pensamientos espontáneos de la modernidad,
llevan a sus ideologías también a contraponerse, como lo plantea Bourriaud (2006):
Una concepción racionalista modernista proveniente del siglo XVII, una filosofía de lo
espontaneo; otra que proponía la liberación a través de lo irracional (el Dada, el surrealismo,
los situacionistas). Ambas se oponían a las fuerzas autoritarias o utilitarias que buscan
formatear las relaciones humanas y someter a los individuos. (p.10)
En consecuencia, toda pretensión de cambio genera una lucha incesante por la búsqueda de una
libertad en la creación. El ritmo lento de las formas o el estado pasivo del lenguaje, se transforma
en movimiento de expresión viva, donde el hombre consciente de su nuevo estado, provoca una
búsqueda constante, enriquecida en la mutación de las formas, desafía el entorno y experimenta
nuevas prácticas. Como sucedió con las vanguardias donde el rompimiento absoluto de las formas
colocó al arte en un campo de batalla, en un verdadero enfrentamiento con la máquina, que
usurpaba sin divagaciones el lugar del individuo.
Las vanguardias simbolizaban el pensamiento radical y mantenían una posición de avance, su
filosofía se basó en el cuestionamiento de las anticuadas formas de hacer arte, confrontaron el
pasado y su discusión sobre los hechos que atravesaba la sociedad en aquellos días. Los diversos
movimientos rechazaban el canon establecido por las viejas tradiciones y, junto al ímpetu de un
pensamiento transformado por una nueva visión, se convertían en la contraparte de una sociedad
que se adaptaba a las ideologías establecidas. Rompiendo con las normas instituidas del pasado
conservador, los movimientos vanguardistas pretendían hallar o instaurar un camino a un futuro
8
incierto, como varios autores lo definen, más que un movimiento, “Las Vanguardias” son la clave
para proporcionar un tiempo suplementario a otras formas de hacer arte.
Las obras que miramos a continuación son una referencia del movimiento en el espacio adoptado
por las vanguardias en el arte, la caracterización de una filosofía acorde a la multiplicidad de
sentidos propios de la modernidad.
Fig.1
VelocitàAstratta (èpassatal'automobile) (1913)
Autor:Giacomo Balla
URL:http://tecnologiaearte2013.blogspot.com/2013/05/il-futurismo-e-lautomobile.html
Fig.2
FPortrait of ChessPlayers
Autor: Marcel Duchamp
URL:http://www.surrealists.co.uk/viewPicture/75/
Las imágenes en la Modernidad en sí son desarrolladas por artistas que trabajan para descubrir
nuevos mundos donde el sentido ético y estético será juzgado por la historia y por qué no, por el
mismo espectador. La posición radical del arte de las vanguardias define a la obra como un objeto
9
de lo cotidiano en la búsqueda de un valor agregado. Es así que se pueden mencionar varias obras
como síntomas de la modernidad, vale la pena analizar las características de las mismas para tomar
en cuenta que una acción o fragmento de la vida antagonista son hechos de la modernidad y son
síntomas de lo que más adelante se lo definirá como contemporáneo.
No existe ya un concepto único para definir la Modernidad ni el arte, pues los mismos conceptos
para definir a la modernidad, son réplicas de información consignadas en libros, revistas, afiches y
catálogos, se archiva la vieja información que prevé los cambios de la sociedad moderna en la que
el arte plantea sus nuevas ideologías. Desde las representaciones pictóricas de Monet con su obra
“Impresión, sol naciente” (1872) (ver f. 3) se da paso a una postura libre de hacer arte, la variación
de la luz, la más fresca tonalidad y la más sutil estética, da la apertura al arte moderno y a la
fragmentación de la imagen, dentro de esta imagen fragmentada se encuentra un nuevo mundo por
descubrir. Marcel Duchamp, uno de los máximos representantes de este juego de la imagen
renueva el ojo del espectador, creando una “nueva” imagen.
Fig.3
Impresión, sol naciente (1872)
Autor: Claude Monet
URL:http://www.jorgeestebancalvo.com.ar/impresionismo-Jorge-Esteban-Calvo.php
Estas formas de representación nos permiten pensar que la imagen ha mutado y al hacerlo ha
variado no solo su aspecto sino también su contenido, y con ellos el imaginario de una sociedad
que no queda aislada de la cultura global. El desarrollo de las corrientes apelan a sí mismas y
acumulan nuevamente los objetivos que se plantearon en diversas épocas, para de esta forma
transfigurar las imágenes y adaptarlas a su tiempo y espacio. El interés de una mercancía y de un
valor agregado a las propuestas modernas está en manos del individuo que consume la imagen
hasta saciarse.
10
La idea de percibir nuevas esencias en la Modernidad deja de lado los actos morales y colectivos,
dando paso a la nueva perspectiva de una vida individualizada. Los referentes ya no son más “los
libros sagrados” de la época medieval, el gesto mismo de los hacedores de arte incluye la
obscenidad de las formas deliberantes que proponen un juego infinito en mundo de excesos, en un
universo de entretenimiento y fábulas que se presentan en la gran pantalla del cotidiano.
“¿Qué se ha diluido? Un paradigma; el sentido de lo sublime, la necesidad, de trascendencia a
través de la obra de arte, su inquietante capacidad para abordar la otra orilla, de mirar lo invisible.”
(Fajardo, 2001, p.126)
La pérdida del sentido de lo sublime como nos menciona Fajardo son los aspectos que entrelazan
los diversos pensamientos y concepciones del mundo moderno dejan al borde de la extinción al
pensamiento fecundo de la verdadera creación donde se involucraba el ser mismo y su más infinita
esencia. Tras la ruptura de los ideales sublimes de lo sagrado, del ensueño que componía la obra, se
antepone los ideales de la modernidad que se manifiesta en la perdida de la sensibilidad, o cabe
decir, que esta misma sensibilidad adoptó las formas de lo animalizado es decir de la deformidad y
la mutación de la imagen.
Ahora bien, Bauman (2007, p. 11) nos menciona la “perfección compositiva” en contraposición de
“la ruptura de la regularidad que crea y destruye la obra de arte”, donde el movimiento juega a
favor de las formas que anteriormente se mantenían inmóviles; con estas características, la
peculiaridad de la imagen moderna se encuentra en el dualismo del pensamiento. Nuevamente
Bauman nos amplía su amplía su criterio en cuanto al quebrantamiento de la composición: “Si
Mondrian buscó la excelencia absoluta de la composición perfecta en la que las cosas están
siempre fijas, Calder rechazó esta finitud he hizo que, con el movimiento, las cosas exploraran
nuevas posibilidades” (Ibid, p.12) Se puede observar que de alguna manera la estética moderna
quiere inmortalizar el tiempo y los objetos. La vida vertiginosa acelera los procesos del ser.
La Modernidad ha desvanecido la estética y el gusto de admirar la obra de arte, para admirar al
artista en una posición egocéntrica y estrafalaria, queriendo imitar o decir algo de un tema que para
él no tiene solución. La modernidad ha fragmentado no solo la imagen, ha fragmentado además la
razón, que se mantuvo por mucho tiempo inequívoco y aislado de los procesos sociales del
medioevo, una vez más la cualidad del objeto en contraposición de la sujeción del tiempo.
11
Fig.4
Y por hoy… nada (1972)
Autor: Stuart Brisley
URL: https://goyovigil50.wordpress.com/2011/01/13/stuart-brisley-1933-%C2%BFlo-celebraisconmigo/
El “nuevo arte” o “el otro” arte renombrado así en los años 60 muestra la condición del artista en la
búsqueda de su esencia como tal, introdujeron el performance, el happening y lograron actuaciones
deliberantes como defecarse en escenarios y otros actos que nos llevan al análisis del porqué del
arte, cual es ahora su fin. Y para concluir nos remitiremos específicamente al análisis del
performance con el tema “Y por hoy… nada” El arte en medio de la nada, sus reflexiones
inconclusas, en un mundo acelerado, queda solo el nada de una historia por consumar en la
modernidad.
2.2.
El mensaje de las imágenes en las vidrieras
Las vidrieras representan un espacio abierto a un sinfín de mensajes hacia numerosos sectores,
representan los ideales de un mundo globalizado y mega tecnológico atrapado en situaciones
ásperas, los mensajes que llevan estas son la creación de una especie de individuos hechos a
medida de los procesos y de los intereses industriales, constantemente estamos en la búsqueda de
imágenes que añoramos en tiempos surcados, pero dichas imágenes en la modernidad se han
convertido en una especie de armas de destrucción masiva, ahora son una carga de sargas
ideológicas, tecnológicas, con un sentido servil monopolizado.
Mensajes efímeros que se encuentran hoy por hoy en los centros comerciales, vallas publicitarias,
en grandes y pequeñas pantallas, anuncios sobre como verte con una figura ideal, más hermosa,
más delgada, sin imperfecciones, son muestra de que las imágenes se han mancillado en un espacio
y han calado en el imaginario de las masas. Las vitrinas forman parte de ese atril que sustenta el
12
mensaje: El soporte que lo ampara es un atril que no percibe el aire, menos la realidad, un atril
vitrificado de indiferencia, un mueble de adquisiciones insípidas. Simplemente, un medio para
divisar la construcción de un escenario ostentoso de poderío que pretende reflejar lo inexistente, lo
que en el transcurso del camino se ha ido dilapidando, incluyendo a la naturaleza como
decoraciones ficticias. Las organización de las imágenes en las vitrinas crean en el individuo una
agitación que se calma con el consumo del producto que está en el anuncio. Para hacer más
llamativo a este producto y al lugar donde lo encontramos se crea una espacie de decoración
ficticia, de pequeños jardines, que muestran de paso la perdida de lo natural, jardines transitorios.
A esto, Adolfo Vásquez Rocca (2011) se refiere como:
La buscada incongruencia entre arquitectura y decoración “natural”. En medio de la polución
visual de los carteles, los anuncios y los letreros, los árboles del shopping-mall están allí para
probar que, si un shopping-mall es el universo bajo su forma de mercado, nada del universo
puede serle ajeno. La tecnología del shopping-mall necesita, para cumplir adecuadamente sus
fines, expulsar cualquier recuerdo del mundo exterior y convertirse en un espacio abstracto y
universal. (p.3)
Estos espacios ficticios y a la vez tan existentes y cotidianos, se han convertido en el segundo
hogar de los entes consumidores, el manejo de un área está estratégicamente apoderada de un
sector que permite al consumidor establecer lazos de afectividad con las cosas mas no una
socialización con las personas, busca espacios alternos motivados a mantener un estatus A en la
sociedad.
“El hábitat del ser humano no es ya ni la naturaleza en estado puro ni la casa o el domicilio, sino
una organización intermedia que asegure la calidad urbana de la estancia humana.” (Vásquez,
2011, p.3)
Con los paradigmas establecidos por la modernidad como el individualismo, la creación de
necesidades artificiales, el rompimiento del espacio con la globalización, el consumismo, la
saturación de la imagen, sin duda alguna se ha dado paso a una serie de imágenes que bordean
constantemente nuestros ideales, la ruptura de un espacio “sacro” ha dado marcha a la insipiente
banalización de la imagen y a su exclusividad por medio del consumismo2. Este consumo se
manifiesta en todos los entornos. El mercadeo le ha dotado al producto de características únicas, la
tecnología metamorfoseada con retrocesos decadentes, ya que el producto que no está en bogue,
2
El consumismo es un fenómeno de las sociedades modernas occidentales por el que se adquieren bienes o
se contratan servicios por parte de los consumidores y usuarios por encima de las necesidades de
subsistencia, a veces con endeudamiento, y de manera irreflexiva para atender a necesidades superfluas.
(Consumo y consumismo. 2009)
13
debe ser apartado para dar paso a un nuevo producto con mayores características, son estos los
valores agregados de los anuncios que ofrecen en los medios visuales.
Dentro de este mismo análisis GuyDebord (1997) añade que:
Este es el principio del fetichismo de la mercancía, la dominación de la sociedad por “cosas
suprasensibles aunque sensibles” que se cumple de modo absoluto en el espectáculo, donde el
mundo sensible se encuentra reemplazado por una selección de imágenes que existe por
encima de él y que al mismo tiempo se ha hecho reconocer como lo sensible por excelencia.
(p.10)
En este sentido, las imágenes en las vidrieras como podemos observar en ( f. 5y 6) así como se han
transfigurado en el tiempo, han cobrado lugar dentro de lo cotidiano, con la acumulación de
mercancía que adquiere su valor a medida de su consumo,
la iconografía que a modo de
ornamentos vemos expuesta por las avenidas, sugiere únicamente un estado inmortalizado de
nuestros actos, aquel desarrollo del pensamiento humano que intenta descifrar los códigos
establecidos y las definiciones de los términos planteados para una época.
Fig.5
Vitrinas y escaparates en la contemporaneidad
URL: https://monamourleon.files.wordpress.com/2013/03/1.jpg
14
Fig.6
Vitrinas y escaparates en la contemporaneidad
URL:http://escaparatesdemoda.com/escaparates-por-tipo-de-negocios/escaparates-de-ropa/modaescaparate-urbano/attachment/escaparate-moda-urbana/
Por otro lado, las escenas decorativas que sustentan la idea de consumismo y el efecto que al
mismo tiempo las consume, pretende visibilizar un fragmento para reinterpretar y acomodarlo a su
modo y de esta forma, expandir el concepto de comercialización, a lo que se refiere Adolfo
Vásquez Rocca (2008) como:”…proyección de los bazares de Oriente en el mundo burgués y
símbolo de la metamorfosis de todas las cosas bajo la luz de su venalidad, escenario de una feria
que embruja a los clientes hasta el final de la visita. “(s/p)
Se podría mencionar que las imágenes en las vidrieras constituyen una de las formas más sutiles y
con intenciones comerciales bien definidos, que cautiva y entrelaza las emociones del espectador
por la necesidad de satisfacer un deseo creado por la sociedad misma del consumo, donde ya no se
adquiere el objeto por provecho de este, pues este se ha convertido ya, en un requisito que da un
valor agregado a la búsqueda de identidad. Frente a los mensajes implícitos de la imagen se debe
considerar que dichos íconos mercantiles han propuesto el “confort” y han adquirido un espacio
relevante en las vidrieras.
Las imágenes que se presentan en los diversos medios llevan una misión estratégica que construye
el sentido de lo cotidiano. El imaginario de la sociedad actual ha englobado diversas formas para
amoldar los estilos a su cuerpo. El propósito de las vidrieras, por lo avizorado anteriormente, es sin
duda la unificación de nuestros sentidos, la estilización de nuestras emociones, al margen de una
pasarela de imágenes que amplía únicamente nuestra visión fetichista; expresión muy utilizada por
Benjamin para referirse a la devoción por la mercancía.
15
Por consiguiente, este espacio vital de comunicación que se encuentra en el armazón de un
escaparate, el cual facilita diversas posibilidades, sin titubeos fue intervenido por las numerosas
representaciones artísticas, otorgando una perspectiva amplia en cuanto al significado de las
imágenes. Su debate radica en adaptar nuevos conceptos para que la imagen vitrificada deje de ser
un elemento sin vida. Y podríamos concluir que dicho mecanismo ha captado toda la atención del
individuo. Dirigido hacia un público amplio que se nutrirá de una imagen mucho más reflexiva de
nuestras emociones y sensibilidades.
2.3.
El Escaparate y su Función en el Arte
La necesidad de una comunicación visual, hace que el hombre cree un medio de difusión como es
el escaparate, un medio de exhibición que alberga a la imagen: dicha imagen parte desde rancios
tiempos. En la prehistoria evidenciamos algunas manifestaciones del arte entre las figuras de
diversos animales, con la necesidad de satisfacer un instinto de supervivencia y magia, podemos
encontrar aquí las primeras “exposiciones” que de cualquier manera reflejan ese deseo del hombre
por promover un hecho sublime. “El deseo y necesidad coincidían en las representaciones
prehistóricas…. (Y venían a ser la misma cosa en aquel estadio de la evolución)” (CerverAsensio
Francisco, 1991, p.12). Otorgando así, a dichas representaciones, un sentido que define una época,
un territorio demarcado por la huella del hombre primigenio, aún sin que este lo haya hecho con un
sentido comercial o artístico como lo vemos en la actualidad, ya supone un reflejo de la
comunicación y la creación.
Con este indicador podemos avizorar espacios para la exhibición de dichas manifestaciones, que
desde siglos atrás fueron categorizadas como artísticas dentro de los museos y academias.
Posteriormente, los medios estratégicos audiovisuales y publicidad impresa, además el cine o la
televisión, han ido renovando y variando su contenido, hasta el punto de llevarlos al máximo de
la comercialización, con el propósito básico de captar un público o posibles consumidores. De esta
manera se ha dispuesto que el hombre a lo largo de esa extensa exploración histórica proponga un
sinnúmero de elementos que van relacionados con la imagen, la palabra y la acción misma del
anunciar o promover un espacio estético comercial vinculado a la vida social.
Entre esos diversos medios de exposición de la imagen, surge estratégicamente el escaparate, que
sin duda permitió exhibir lo que en un inicio era simplemente la acumulación de productos, y paso
a un cambio, en el sentido estético del mismo. El señalado mueble, al poseer una oquedad para
introducir objetos y brinda la posibilidad de transparentarlo, revela el objeto, producto o mercancía
que se encuentra dentro, crea una función estrictamente visual del cuerpo en exhibición y propone
16
una senda del producto hacia el espectador, su función es albergar un producto para ser
comercializado haciendo las veces de un plataforma.
A medida que fue pasando el tiempo y la competitividad creció, el escaparate fue proponiendo su
utilidad como una técnica publicitaria. A lo que Fernando el Mar (2008) señala sobre el escaparate.
“El valor estético fue cobrando importancia; había que seducir al público, darle un carácter
2escenográfico. Los comerciantes fueron valorando este medio de expresión, creando exposiciones
más selectas, eligiendo los productos, agrupándolos por semejanzas de utilidad, formas, color.”
(s/pág.)
Fig.7
Ilustración de los inicios del escaparate
Autor: Fernando el Mar (Breve historia del Escaparatismo)
URL:http://revisioninterior.blogspot.com/2009/11/breve-historia-del-escaparatismo.html
En la figura 7, se observa las primeras representaciones de las vitrinas o escaparates con una
función comercial. Este espacio de exhibición permite inaugurar un nuevo sentido en cuanto a las
“Funciones y Propósitos del Arte”, ha suplido la condición habitual y ha sido un facilitador en la
apertura de las representaciones artísticas hacia otros medios sociales, tomando una postura de
libertad en un amplio universo de conceptos, dilatando de esta forma la pupila del espectador a
quien se lo encamina a diversas posibilidades, ya no dirigidas al consumismo, sino más vale al
consumo de un bien que le sea favorable para su cualidad humana.
A pesar del tiempo que ha transcurrido sobre este medio, no ha quedado imposibilitado para
continuar con su labor comunicativa, y más aún cuando se trata de exponer temas que atañen a las
relaciones sociales, políticas y culturales de los individuos por medio de estas diversas
manifestaciones gráficas. En consecuencia, el arte se ha valido de este sistema y lo ha adoptado
17
como parte de la búsqueda de un camino amplio hacia un público que coexiste con él en el
cotidiano.
Fig.8
Arte y escaparates
Autor: TakashiMurakami
URL: http://erretres.com/drivenbydesign/arte-y-escaparates/
“Artista japonés que une arte tradicional japonés, corrientes artísticas de su país como el anime y el
manga y la corriente pop americana. Es un artista muy versátil: ya que toca la pintura, la escultura,
el diseño industrial, el anime, la moda y otros medios…….” Clara Cassinello (2011).
TakashiMurakami es uno de los varios artistas que exponen sus ideas en grandes escenarios
comerciales: Entonces resulta que el margen en el escaparate se ha vuelto infinito en la creación
artística, lo que ayer fue una reunión acumulativa de mercancía, se ha convertido en el hábitat que
ha permitido desde mediados del siglo XIX exhibir junto con los objetos, un proceso de
construcción en la preparación de las sugestivas vitrinas. Así nos podemos instalar en un infinito
glosario de temas, ya sean estos, tecnológicos, urbanos, de enfoque a la naturaleza, tradicionales,
infantiles, etc. Temas en los cuales la capacidad del artista ha bordeado las esferas del ambiente
social, convirtiendo al escaparate en un medio de difusión visual. “Sus óleos, acuarelas y
fotografías se mezclan entre vestidos, zapatos, bolsos, joyas y perfumes en una perfecta simbiosis”
(Larriba, 2012, p.1). Técnicas y tácticas artísticas versus objetos comerciales, he aquí que se
debería acoplar la capacidad y el criterio reflexivo de los artistas que intervienen en este tipo de
escenas y escenarios comerciales.
18
Fig.9
Escaparate moderno
Autor: BergdorfWoodman
Fuente: CERVER, Asensio Francisco. (1991).Biblioteca atrium del escaparatismo:
introducción a la promoción visual.
Sin embargo, no solo se trata de hacer alarde de un producto y mostrar maniquies con vestidos de
moda (f. 9), se trata de impregnar una huella en un espacio abierto a los ojos de las masas, las ideas
estan expuestan y se convierte en un área relevante que puede dar uso el artista, de esta manera se
pone al descubierto otro tipo de temática a los actores de la sociedad consumista, los cuales tienen
un papel protagónico dentro de los medios visuales.
La imagen expuesta para el transeúnte adquiere una visión amplia en el escaparate, y supone un
juego de metáforas en la construcción del producto exhibido. Esta estructura de interés comercial
conjetura un fin de creación, junto con los acontecimientos sociales a lo largo de las décadas, y
construye un territorio significativo y de expresión. Dicho medio es usado de una forma funcional
por los artistas, como signo de expresión, donde convergen las tendencias abarrocadas hasta
depurarse en un sobrio minimalismo, con esta referencia podemos divisar que el escaparate camina
junto con el arte, dominando así, la imagen. “El escaparatismo no solo tiene una función comercial
sino que también se puede considerar arte en la calle y que a su vez se convierte en la galería de
arte más grande del mundo”. (Louis Bou, 2008, p.11)
19
En este despliegue de creatividad no solo se encuentra el resultado de una maniobra de marketing,
igualmente es el enlace más directo que puede existir entre el artista y su obra con el público,
logrando así explorar otros campos distintos al que se acostumbra para contemplar una obra de arte,
es además, uno de los espacios más estratégicos para transmitir un sinfín de emociones que
renueven la imagen donde el valor de cambio no sea solo el dinero, sino una nueva estética
cavilosa.
Los temas y conceptos que se exponen directamente al público son diversos, no hay una definición
exacta para precisar una estrategia en cuanto a su discurso. Sobre este tema Cerver, Asensio
Francisco (1992) añade que. “Fundamental es el proceso de selección, colocación y ambientación
en un escaparate ya que exige concretar a priori la línea estilística y el prestigio que quiere reflejar
la tienda o la firma que la sustenta.”(p. 74)
Todos los manejos en cuanto a resaltar las cualidades de un producto han ido variando en el
proceso histórico del escaparate, iniciado desde la Revolución Industrial del siglo XIX hasta las
exigencias tecnológicas de la actualidad, donde interviene de una manera valiosa el artista, dicho
artista deberá manejar un sinnúmero de destrezas, lenguaje y códigos semánticos, es decir, se
convierte en un juego experimental sin dejar de lado la intuición y el repertorio de las metáforas
que sustentará de una manera vigorosa su labor, como se lo demuestra en la figura10 y 11 Además
de ser el escaparate un escenario para divulgar información, se convierte a la vez en un medio de
análisis sociocultural del sujeto. Cerver Ascencio (1991) comenta al respecto. “Los aspectos que se
centran en el estudio del individuo se refieren a las actitudes y opiniones, conductas, deseos y
categorías socio profesionales; incluso también en torno a su trabajo, la política, la salud, el habitad
y el ocio.” (s /p)
Fig.10
Arte y escaparates
Autor: DominicWilcox
URL: http://www.amigosmuseodeltraje.com/category/escaparates/
20
“Selfridgets (Grandes almacenes), colaboraron con el artista DominicWilcox para hacer sus
escaparates. La obra se titula Field, son 700 zapatos ecológicos con los cordones de hierba. El
proyecto, que ya se había exhibido anteriormente en otras galerías, es una obra que reflexiona sobre
la relación que tienen los objetos cotidianos y la naturaleza.” Clara Cassinello (2011. s/p)
Fig.11
Arte y escaparates
Autor: EmanueleRadzyner
URL:http://greenpeardiaries.blogspot.com/2014/02/artidi-escaparates-de-artistas-invierno.html
Fig.11 “Artista francesa. Crea instalaciones temporales que transforman los espacios. Sus obras son
invasivas y están compuestas, a menudo, por la repetición de un mismo elemento que forma un
todo” (Ibid. s/p)
La competencia y el interés por cautivar a los clientes llevan al escaparate junto con el
escaparatista, a demostrar que el arte no se desliga de lo cotidiano y que entrelaza nuevas formas de
representación estética, no obstante son los artistas como Arman3quienes intervienen directamente
en la función de atraer al público mediante los sentidos, aunque con una imagen más directa no
comercial. Para Arman, el uso de las vitrinas o escaparates fue el método más eficaz y alternativo
que otorgó sentido a la obra por medio de la imagen aglomerada, y por el cual manifiesta el
consumismo exasperado de esta sociedad.
3
ARMAN El artista que cortó, acumuló, quemó y aplastó cachureos para convertirlos en obras de arte
denunció el consumismo de masas, la guerra, el poder de la máquina y los medios de comunicación. (Bárbara
Morana, 2005, p.1)
21
Fig.12
Portrait-robot de paul van hoeydonck
Autor: Arman
URL:https://www.google.com.ec/search?q=arman&client=firefox-a&hs=bdf&rls=org.mozilla:es-
Este análisis sugiere que, aquel espectador, quien se encuentra sereno detrás de una vidriera, es
también un personaje fundamental dentro del hacer artístico, debe traspasar el umbral vitrificado,
para restaurar su condición de su ser, que no busca solo su individualidad y el consumismo, a ser
un personaje de reflexión y de criterio. La realización de estos ambientes no pretenden situarnos en
un territorio comercial, sobretodo pretende calar en el concurrente y difundir una multiplicidad de
mensajes opuestos a los que nos venden en el mercado capitalista.
Los recursos se muestran innumerables en la búsqueda de una manifestación artística y no ha
quedado de lado la función estratégica del escaparate. Al igual que Arman el trabajo de los artistas
como Justine Smith (f. 13) yRobert "Rob" Pruitt (f. 14) proponen una alternativa al cotidiano, sus
temas relevantes en efecto muestran la preocupación por el consumismo podemos constatar que
el arte mantiene una estrecha relación con la creación dentro de las vidrieras, el mundo de la moda
requiere nutrirse de imágenes con identidad para atraer así a un consumidor de valores. Los artistas
visuales han sido llamados para realizar esta labor dentro de un espacio que amplía el camino para
utilizar un sinnúmero de aplicaciones tanto técnicas como estéticas y, porque no decirlo,
psicológicas.
22
Fig.13
DogGrooming Price Guide
Autor: Justine Smith
URL: http://www.plushpawz.co.uk/grooming-price-guide/
“Su interés se centra en mostrar al dinero como conductor del poder y el sistema de valores que nos
rodea. A través de collages, impresiones y esculturas, examina nuestra relación con el dinero en el
terreno político, moral y social, mientras también explota la belleza física de los billetes.” Ana
Cuesta, P.; Laura Grau, E. y Rubén Lanceros, G. (2014). Escaparates de artistas.
Fig.14
(S/T)
Autor: Robert "Rob" Pruitt
URL: http://greenpeardiaries.blogspot.com/2014/02/artidi-escaparates-de-artistas-invierno.html
“Robert "Rob" Pruitt (1964) es un artista post-pop estadounidense que explora la juventud
americana y la cultura de consumo.” Ramona Cortini.; Daniela Díaz, F.; Guillermo Domínguez, G.
y Liliana Muñoz, Q. Escaparates de artistas (2014)
23
Aunque muchos aseguren que el escaparate es un instrumento de promoción donde el producto
adquiere valor y por el que se pagará un precio muchas veces hiperbólico; podemos evidenciar con
lo mencionado anteriormente, que el escaparate no ha dejado ni dejará de ser un elemento que
brinda diversas posibilidades al artista, quien será el actor principal para conferir a éste instrumento
un sentido social público, con la revelación de temas que se mantienen en espera de ser avizorados.
Podemos considerar de una u otra manera, que la condición para exhibir una obra de arte no está
sujeta a ninguna limitación ni formato, son amplios los senderos por los cuales las formas, la
eficacia y el concepto mismo de la obra, son exhibidos dinamizando el espacio social, cultural y
artístico. Este instrumento vitrificado es el umbral que en tiempos pasados atravesó un sinfín de
atajos, estilos que fueron mudando de una epidermis comercial de detalles hasta convertirse en la
silueta perfecta de la exhibición, y que en la actualidad permanece activa en la trinchera del arte
24
CAPÍTULO III
EL MUSEO EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA
3.1.
Escaparate galería ambulante
El museo, de hecho, ocupa un lugar central en la novela; se conecta al interés de los protagonistas
en la arqueología, la geología y la historia y es así que como a través del Museum se exponen con
claridad cuestiones acerca de los orígenes, la causalidad, la representación y la simbolización. El
Museum, así como los asuntos que éste intenta responder, dependen de la arqueología
epistemológica.
Douglas Crimp, “En las ruinas del museo” (s/p)
La formalidad de las exposiciones de arte bajo las políticas de la institución museística afloró ya
desde la concepción misma de la institución. “El término museo tiene origen en el griego lugar de
culto a las Musas” (María Cristina Ares, 2009, p.47). Al referirnos al museo como un lugar en el
cual se rinde reverencia a un objeto, hace que exista una interrogante y una discusión sobre el
sentido estético, conceptual y técnico, del hacer artístico.
El manejo de las obras de arte exige una apertura hacia diversos lugares del tránsito habitual de la
comunidad fuera del aislamiento que propone el museo.
El museo ubica al arte en un sitio único y referencial, sin embargo el arte con sus prácticas exige
desde la modernidad vanguardista una emancipación. Este espacio, que el hacedor de la obra ha
requerido en sus amplias intervenciones
ha sido el aliciente para romper la modalidad
de
estatización de los “contenedores” de arte llamados museos, pues como plantea Crimp “Los
museos son los mausoleos de la obra de arte.” (Douglas Crimp y Theodor W. Adorno, 1993, s/p.).
Es por ello que, en la actualidad, se necesita más que de un proyecto museístico, donde intervienen
diversos personajes que manejan el escenario de la obra y la reconstruyan a medida de sus
exigencias y necesidades históricas, donde el artista pierde el contacto directo con la misma. Hoy el
arte demanda de un análisis mucho más crítico de las funciones del arte que no estén ligadas hacia
una parcialidad establecida por la institución museística, donde la obra adquiere su significación,
25
valor y sentido por la implantación de “incuestionables” características en la que se dicta ciertos
parámetros, de modo que la obra se manifieste únicamente en su apariencia externa. María Cristina
Ares (2009) afirma que:
...… un objeto será museable en tanto se lo considere bello, propiedad que se articula con los
conceptos de finitud y armonía de las partes en un todo, y en tanto sea capaz de producir en el
espectador el consiguiente sentimiento placer. (p.52)
Hay que considerar que las diversas intervenciones hechas por el artista deben ser reveladas y salir
a flote desde el silencioso mundo convencional apoderado de un mecanismo que controla el hacer
artístico y que por mucho tiempo ha mantenido al arte en sus estrictas normativas, las cuales
otorgan o no un valor agregado a la obra. De acuerdo con las tendencias en la actualidad marcadas
por el land ART, con los artistas Christo y Jeanne- Claude afirman que, la producción del arte sin
duda debe resurgir de aquellos espacios que han neutralizado el dinamismo y el sentido de la obra,
sujetándolos a un régimen estático, enervando así, el propósito que tiene el artista al manifestarse
como creador de la obra y mayormente, como ser humano. En este sentido Ribalta, Jorge (2002)
encontró que:
…. fuerzas hegemónicas que tienden a una mitificación de lo local-nacional y a una
instrumentalización de las instituciones culturales como agentes activos de la tercerización
económica de las ciudades, así como a plantear alternativas a las insuficiencias de los modelos
dominantes del museo, basados en general en el mito universalista de la obra original o bien
en una concepción del museo como espectáculo. (p.6)
Esta concepción del museo como espectáculo, requiere de un cambio en cuanto a la posición del
artista desde las vanguardias, a su calidad y cualidad de un ser emergente que no se mantiene
estático ante los parámetros establecidos por los museos, logrando así una comunicación fluida con
el espectador frente a Los nuevos conceptos artísticos.
De tal modo que la labor artística es sujeta a muchos cambios en lo que respecta a la forma de
presentar y exteriorizar sus obras de arte, y de esta manera transmitir al espectador su tema, su
crítica, su mensaje y su misma técnica. Sin duda, paso a paso ha ido forjando el camino y creando
nuevas alternativas como enlace de comunicación frente a un público accesible a toda forma de
expresión artística. Junto con la imagen dinámica del arte, él es expuesto en sus diversas
expresiones artísticas de una u otra manera hacia el público. Pero cabe recalcar que deben existir
muchas más estrategias, para de esta manera abordar otros campos que vayan más allá de la
institución museística.
26
Así pues, en muchos de los casos el artista apela a sí mismo, y ha roto los torzales que le han atado
por mucho tiempo a las exposiciones convencionales. Ha quebrantado estas simientes tradicionales
para de esta forma dar paso a una democratización plena de sus obras. La importancia del museo ha
quedado en un segundo plano, las obras y el paso a la modernidad han sido procesos relevantes en
las esferas iconográficas. La evolución de la imagen junto con los cambios en los acontecimientos
sociales, políticos, ideológicos, etc. nos llevan a renovar las formas expositivas que se manifiestan
junto con el concepto de la imagen pura.
No es de extrañar que el contenido y la responsabilidad del hacer artístico lleve a una constante
búsqueda de espacios que se manifiesten en el cotidiano del transeúnte, quien podría nutrirse de
nuevos valores estéticos, reflexivos otros modos de ver y otras expresiones iconográficas, que han
sido deshechas por los mismos establecimientos museísticos.
En el 2005 Fernández Quesada Blanca realiza un estudio sobre los espacios públicos en la
modernidad que añade que:
La Contemporaneidad, insuflada por un fuerte sentimiento democrático, impulsa la búsqueda
de nuevos espacios de trabajo, nuevos lugares en los que actuar directamente; la urgencia por
intervenir, dialécticamente en la sociedad en que se vive. El eje central para la producción
artística es la necesidad de construir un espacio, social, habitable y que responda, a las
necesidades “de todos”. (p.15)
Como parte de esta búsqueda, la concepción artística ha adoptado y adecuado un medio expositivo:
El escaparate. Y cabe definir este término como galería ambulante, el cual ha cumplido en el arte
una función relevante, pues representa mucho más que un objeto en una institución privada que se
nutre únicamente de los pequeños grupos sofisticados, donde se mueve la obra de arte a su imagen
y semejanza, con este instrumento expositivo se recupera el espacio público.
El espacio donde camina el colectivo atañe a cada vivencia donde transita un personaje de
apreciaciones diversas, contextos diferentes, con características que otorgan sentido a la obra, a
través de éste una plaza se convierte un medio de transmisión estratégico para llegar a diversos
grupos humanos, dicho espacio puede referirse netamente a una zona urbana por sus características,
donde se concibe toda clase de expresión. Y Quezada (2005) amplia lo dicho:
En el espacio urbano se localiza la asociación libre e informal entre personas de cualquier tipo,
de cualquier relación social: de gente que pasa, de intercambio de opiniones, de cualquier
propósito político: manifestaciones, mítines… Se puede afirmar que el espacio urbano no es
un espacio en la ciudad, sino la ciudad misma porque es el compartido, espacio discursivo der
27
la sociedad. Hablar del espacio urbano es hablar de la ciudad, la calle, lo cotidiano… el lugar
de la realidad. (p.5)
De esta manera, a través del escaparate, el arte puede mostrar otra significación, para ello se
necesita de un pensamiento crítico, lúdico, perceptivo, que se cuestione a sí mismo e interactúe con
la mirada de aquel individuo que está presente, es real, y se lo encuentran en los medios cotidianos,
aquel transeúnte que refleja una experiencia diferente de frente a lo que revela la obra. Existe una
intervención de los espacios y la nueva perspectiva creada por la modernidad, a lo que:
Mónica Kreibo, (s/f) desde una perspectiva realista añade que:
El “nuevo realismo” supo interpretar la era moderna representando e interviniendo sus
principales objetos, como la ciudad, la máquina, la fábrica, el consumismo y los mass-media;
estando los artistas de esta tendencia muy comprometidos con la sociedad y la época en la cual
vivían. (p. 20)
Esta libertad en las diversas formas de expresión artística ha sido planteada de cierta manera por los
grupos artísticos que apuntaron hacia nuevas formas de concepción del arte. Desde décadas pasadas
podemos palpar los atisbos que rompieron las estructuras y sobre todo el encuentro de un camino a
un mundo mucho más accesible y capaz de entender las nuevas grafías sin decoraciones ni adornos
simplistas. Estas grafías denotan cambios, pero estos cambios deben ser el fundamento de una
ideología que no esté apegada, a la filosofía del “otro arte”.
Como ya lo hemos afirmado, el imaginario del cotidiano que transita por las calles también
representa un público asequible a las formas de representación plástica, y los campos de exposición
deben ser variados y extensos, no se debe relegar la función del arte únicamente a una institución
privada o pública, o a una reunión local, es pues así que el Escaparate como galería ambulante es
más que un método, más que un soporte, más que el encierro de una reunión local; es una
alternativa viable que concibe un concepto crítico frente a otras imágenes que no proyectan ningún
argumento con criterio reflexivo.
3.2.
Arte y moda, objeto de consumo
Iniciaremos este análisis haciendo referencia a la inquietud que Jean Baudrillard (2005) en su
texto “La simulación en el arte” tuvo con respecto al futuro incierto de la representación artística.
28
Para mí es ese el problema: no la historia sino el destino del arte en relación directa con esa
desaparición general de las formas–de lo político, lo social y hasta de la ideología, y de lo
sexual, por supuesto– en nuestra sociedad. (p.19)
Este pensamiento sobre la incertidumbre en lo que respecta al hacer artístico, genera una serie de
preguntas. En realidad, ¿Cuál es el papel que desempeña el artista en la contemporaneidad? ¿Será
que su obra se ha convertido en un objeto de consumo? Acaso se han ido mermando sus acciones,
el falso supuesto de la imagen, la creencia de las curadurías, será que los relatos de nuestras
vivencias se disolvieron al margen de nuestras mismas acciones de consumo. Una suma de
respuestas surge a una sola pregunta, en la colisión que genera el arte actual.
En efecto, hoy el arte está realizado en todas partes. Está en los museos, está en las galerías,
pero está también en la banalidad de los objetos cotidianos; está en las paredes, está en la calle,
como es bien sabido; está en la banalidad hoy sacralizada y estatizada de todas las cosas, aun
los detritos, desde luego, sobre todo los detritos. (Baudrillard, 2005, p.19)
Si aquellos espacios que son el escenario del arte como: los museos, galerías, paredes, la calle, como anteriormente lo menciona Jean Baudrillard-, lugares donde los objetos representan a la
“banalidad sacralizada”, podemos definir casi con exactitud que el trabajo artístico en la
contemporaneidad debe nutrirse de estas imágenes y espacios cotidianos y restituir su
significación, con imágenes que muevan y provoquen en el ser humano la búsqueda de un
equilibrio en sus acciones.
El consumo no nos rige en el sentido absoluto del malgastar un objeto desaprovechado. El
consumo también puede referirse a nuestras condiciones y necesidades como seres humanos. Si
este ente procura atiborrar un espacio para rellenar necesidad y carencias representaciones
gráficas y en desgastadas emociones de anuncios publicitarios, por no tener una alternativa,
podríamos palpar que el problema no es el consumo en sí, sino más bien, el hecho de accionar
nuestras emociones y satisfacerlas con imágenes carentes de reflexión. Si el consumo no es el
problema, sino lo que se ha hecho con la imagen que lo representa, valdría la pena plantearnos y
reconstruir los mensajes que son emitidos como una propuesta del arte.
Espacios urbanos, plazas, mercados, parques, centros comerciales, llenos de un sinnúmero de
anuncios, vallas publicitarias, carteles, representando la alegoría del consumismo con imágenes
que están de “moda”, creando así, políticas y reglamentos en la veneración de lo que el individuo
de mentalidad consumista quiere llegar a obtener. Espacios y Medios de comunicación gráfica
nos llevan al encuentro de imágenes. Nos sobrecoge la idea de querer aparentar lo que no somos,
cremas que rejuvenecen, esclavizantes maneras para desnutrir el cuerpo, implantes y cirugías
29
fracasadas por la mala práctica, la veneración del anime. 4 (f. 14). Surgen varias preguntas sobre
qué imagen queremos proyectar, tal vez no lo sabemos, pero sí lo consumimos porque está de
moda, porque la pantalla nos lo sugiere.
Fig.15
Anime manga
URL:https://encryptedtbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQNWTZDDaUTKgr1Dov1Icqu6d294VMP
MRrjjLnwltNIjUN7er3-Vw
Fig.16
Cirugía plástica
URL:https://encrypted-tbn1.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcRw0RGuL0H9yDYlIzv8I5LEFFX0JIg4OAztIInA0hk5jGJckUH
4
Anime o manga. Estilo de vestir que refleja La subcultura cibernética en torno a los dibujos japoneses
anime (películas o cortos de animación) o manga (papel). (Ambrose, G. y Harris, P., 2007, p.22)
30
La antropología del cuerpo en la Modernidad adquiere tipologías reconstructivas, que afirman el
proceso acelerado de la modernidad, esta característica excepcional del manejo del tiempo y su
relación con nuestra actividad humana permiten establecer que el cuerpo se reforma con
sistematizaciones médicas, tecnológicas, hechas a través de las cirugías plásticas (f.16), donde
La estructura del cuerpo en la modernidad es el reflejo de las condiciones que impone la
misma.
La Contemporaneidad eleva las apariencias y fecunda en cada individuo una manera particular
de denominar una concepción, los artículos mercantiles siguen siendo el objeto, pero lo son más,
las masas usuarias, en el afán de la búsqueda de un espacio para ser visibles en el mundo
globalizado que embiste a los personajes. En consecuencia son creadores de su propia hazaña
fugaz. “Y el mundo de la mercancía se muestra así tal como es, puesto que su movimiento
equivale al distanciamiento de los hombres entre sí y respecto de su producto
global.”(GuyDebord, 1967, cap. 2). Al promover productos con disfrazadas cualidades, este
distanciamiento de los hombres entre sí, se amplía en cuanto a la acumulación de productos.
De la misma forma que se comercializa la imagen o cualquier producto dentro de un mercado
que modela la imagen del sujeto se realiza la misma práctica en cuestiones que involucran al
artista y la comercialización o el “marketing” “El sistema de distribución de obras de arte,
controlado, a veces, sólo parcialmente por el artista, o puede permitir por terceros que se apropie
del esfuerzo derivado del resto de los recursos y capacidades del artista.” (Montero Isabel, U. y
Oreja Juan, R. (s/a) p.2) Estas mismas capacidades del artista son dependientes también del
mercado y de su condición, el “valor” de la obra entonces no radica por su concepto, su técnica,
ni por el capacidad creativa del artista sino más bien por las estrategias del mercado creando así
una vía para la difusión de imágenes comerciales.
Los modelos de la imagen están ahí presentes en nuestra cotidianidad, con abarrocados estilos, y
la predisposición de los personajes para consumir lo que está presente, y lo que no, lo podemos
encontrar en catálogos. Podemos darnos cuenta que la capacidad creativa se va menguando
frente a las ideologías del consumismo, si lo bello ha adquirido un nuevo significado, poco a
poco lo sublime paso hacer una carencia de la creación. Pero en cuanto a esta condición el artista
debe retomar el pensamiento de lo sublime. Sobre las cualidades de este término Alvarenga Luis
(2003) añade que: “Lo sublime va más allá de lo simplemente bello, porque es algo que se eleva
de forma superlativa por encima de lo ordinario. Alude también a una facultad especial del
espíritu que va más allá de la sensibilidad ordinaria”. (p. 3)
31
3.3.
Catálogos (el disfraz del consumismo)
Si antes podíamos palpar de una forma directa el producto que se nos ofrecía como mercancía,
donde teníamos la posibilidad de reconocer la calidad y la cualidad de este, la contemporaneidad ha
tajado esa relación para valorar el beneficio. Las imágenes que se encuentran en estos exhibidores
adquieren otras posturas para ser manipulados, los modelos son una especie de mutación
tecnológica, ojos exorbitados, miradas falsas, el maquillaje perfecto para cubrir la realidad, no se
permite debelar la imagen tal como es, y de este modo adquiere otro significado.
Adolfo Vásquez Rocca (2012) hace el siguiente análisis:
En algunos países se usa la expresión una “mujer producida” para referirse a aquella que ha
fabricado o construido su imagen, ya sea con el maquillaje o el vestuario, en definitiva por el
claro acento de su “look”. La expresión “producción” en este caso está asociada a los
“productores” –de imagen– que se mueven en el mundo del espectáculo. Cuando la moda
accede a la modernidad se convierte en una empresa de frente a la alta costura surge el “prêt–
à–porter”, lo cual no significó en absoluto una democratización de la moda, sino más bien
uniformidad o igualación de la apariencia. (p.2)
Por otro lado, el consumismo se afirma por la cantidad del producto más no por la cualidad que nos
brinda, el hecho es que nos hemos convertido en un proceso de manufactura barata al reproducir en
grandes masas.
GuyDebord (1967) añade:
El valor de uso que estaba contenido implícitamente en el valor de cambio debe ser ahora
explícitamente proclamado, en la realidad invertida del espectáculo, justamente porque su
realidad efectiva está corroída por la economía mercantil súper desarrollada: y la falsa vida
necesita una seudo justificación. (p.13)
Y nuevamente nos cuestionamos si queremos consumir, ¿consumir qué? ¿Estas falsas
representaciones?, o nos apoderamos de los distintos circuitos sociales y brindamos la posibilidad
de que la imagen adquiera un nuevo significado, y deje de ser un hecho fugaz en las cosas banales
que representan únicamente la simulación de la comunicación.
Jean Baudrillard (2005), podría añadir lo siguiente:
Ya no hay necesidad de subrayar el artificio o el sinsentido de las cosas, pues todo eso forma
parte de su representación misma, forma parte de su encadenamiento visible (demasiado
visible, por cierto), forma parte de su súper fluidez que crea por sí sola, por exageración, un
efecto de parodia. (p.31)
32
Este “encadenamiento visible” del que nos habla Baudrillard a saturado la imagen y la ha
convertido en un símbolo mercantil donde se oferta un sinnúmero de artificios, para ser
consumidos a cambio de nivelar las emociones de los individuos. Este tipo de consumo representa
la ausencia de un sentido crítico, de ideales, de la razón, y apela a una reconstrucción de los
mensajes por medio de la imagen.
Si en el caminar de nuestro cotidiano nos encontráramos con imágenes que nos representen como
verdaderos entes analíticos y reflexivos, donde la prioridad sea el razonamiento de nuestras
acciones y no el accionar falso en la carencia de nuestras emociones. Hallaríamos ese camino para
la construcción de un espacio, un nuevo pensamiento en el término del “consumo”.
Con todos estos factores que hemos analizado, queda por concluir que el arte debe adoptar nuevas
formas de comunicación donde se dé prioridad al consumo más sensato. La imagen con un nuevo
sentido perdurará en el tiempo y creará una sociedad que no quede aislada de una identidad.
33
CAPÍTULO IV
PROYECTO“ESCAPARATE DEL MUSEO A LA CALLE”
Como lo mencionamos en la apertura de este análisis, el arte en sus diversas manifestaciones brinda
la posibilidad de extender el escenario hacia numerosos sectores, junto con la inquietud por la falta
de espacios, nos lleva a explorar otros escenarios que están alejados de los circuitos convencionales
del arte como son los museos, quienes han cortado la posibilidad de una vía asequible al hacer
artístico.
Para acceder a este escaparate no hace falta tener una “buena pinta” o un look fashion, tampoco es
necesario ser un ilustrado. El juego de metáforas en las propuestas de los diferentes proyectos
elaborados, los cuales analizaremos más adelante, nos brinda la posibilidad de llegar aquel
personaje que transita por el espacio urbano. La idea está planteada pero, es el transeúnte quien
descifrará el concepto de la obra.
“Escaparate del museo a la calle” surge de las experiencias que como estudiantes hemos adquirido.
El análisis de las obras estuvieron supeditados a los museos, no hubo un cuestionamiento de
aquellas obras e intervenciones hechas en espacios públicos.
En las varias visitas a los museos desde los inicios de la carrera, se han presentado un sinnúmero de
imágenes que pretendieron de cualquier manera provocar, en forma velada, la “denuncia” de un
tema en particular. Temas relevantes, cotidianos, simplistas, sarcásticos, la muerte, la vida… Y
acopiada mente el artista se manifestaba con un sinnúmero de poses retrospectivas, de un ser que
va en la búsqueda de una razón, en el que convergen caminos ambiguos, poniendo así, a la imagen
sublime en el aspecto “sacro” en tela de duda, y tajando la posibilidad de un verdadero análisis de
la obra en cuestión.
Castilla Américo (2010) señala lo siguiente:
El Museo Artequín de reproducciones de obras de arte resulta polémico desde el anunciado de
su objetivo: “…transmitir los valores y significados del arte…”, a lo que se suma el hecho de
que la herramienta para hacerlo son obras que ya han sido consagradas y sobradamente
estudiadas como tales. El peligro de enfrentarse a códigos ya “significados” y quizá
34
clausurados limitaría gravemente la “creación de significados” más propia de los enunciados
de las teorías constructivistas de la educación que promovería el museo. (p. 24-25)
Estas situaciones estuvieron sujetas a una sola realidad que no admitió ver más allá de los pocos
temas con los que se enfrentaba el artista, en cierta manera, se mantuvo una posición estática, poco
relevante, de los hechos que marcan en la sociedad y el espacio en el que se debate el análisis de
estos. La cultura plantea un sinfín de temas concebidos para manifestarse por medio del arte en sus
diversas expresiones, los cuales deben ser avizorados en numerosos espacios, no restringir la
información significa llevar a las calles más que una técnica, un tema o un estilo, significa hacerlo
público. Este problema no ha sido únicamente nuestro, no solo que se ha negado la posibilidad de
expandir el hacer artístico a otros sectores, también existe la problemática en la que, la propuesta
del arte resulta inconcebible en las políticas de algunos países.
Buntinx (2007) halló lo siguiente:
Aunque con frecuencia ironizada en el llamado Primer Mundo, la institución del museo se
mantiene para determinados contextos como un objeto de deseo radical. Contextos de periferia
extrema como el del Perú, cuya densidad cultural resulta superada solo por sus miserias
económicas y políticas: baste señalar la irresponsabilidad histórica de ciertos grupos allí
dominantes, proverbialmente conocidos por su incapacidad para erigirse como dirigentes, y
mucho menos para proporcionar una visión nacional, incluso (o sobre todo) en el ámbito
decisivo de la construcción cultural de una idea de comunidad, no importa cuán imaginaria o
imaginada. (p. 8)
Toda esta penumbra que gira en torno a los museos no contribuye al verdadero análisis de la obra,
pueden existir características relevantes, un juego de conceptos, puede estar presente la semiótica y
la semántica en cada construcción pictórica, escultórica, performática y otras expresiones artísticas;
pero si el camino se ha malogrado, no se podrá distinguir cuál es el verdadero sentido de concebir
el arte. El artista no solo se ha manifestado de diversas maneras, y ha habitado en las esferas
museísticas las cuales fueron deponentes del arte, se ha sostenido además, en un interés personal
que ha convertido a la obra en mercancía.
Merchán, F. S. (1986) argumenta en este punto lo siguiente:
La obsolescencia psicológica artística, pues, es difícilmente comprensible desligada de la
obsolescencia planificada que afecta a las actuales relaciones de producción. Los intereses del
mercado en una sociedad en donde la obra ha ido perdiendo progresivamente los valores de
uso a favor del puro valor de cambio, imponen la necesidad de innovaciones artísticas
incesantes, similares a los fenómenos de la moda. (p.9)
35
No solo la obra de arte se ha mancillado al otorgarle un valor económico, grandes cantidades de
dinero, avalúos extremos, subastas que premian los más altos costes, son parte de las reglas de
hacer arte posmoderno, la obra asociada al museo se ha convertido en el valor añadido de un
producto artístico. Si la obra se encuentra sobre muros blanqueados, esta representa una metáfora,
no muy difícil de interpretar, si a esta misma obra la colocamos en un centro comercial o
“shopping” su categorización es diferencial, pero si la ubicamos donde el espectador no asume un
rol especifico, ni clase social, esta obviamente adquirirá un sinnúmero de significados, he ahí, que
la importancia de la función artística debe traspasar los muros de la “institución museística”.
“Escaparate del museo a la calle” promueve una interacción visual, en el que convergen varios
segmentos de la sociedad, no hay cuestiones reguladoras en torno a la experiencia que adquiere el
espectador, parafraseando a Castilla Américo (2010). Si las nuevas generaciones conviven con el
mundo digital que muestran los contenidos con anterioridad a las visitas, no sería ideal que haya
una conexión o un puente que retome una dirección democratizadora del hacer artístico de vista a
las nuevas generaciones.
Atrás deben quedar las políticas gubernamentales que sostuvieron los muros museísticos para su
propio beneficio y deleite, si antes pretendían ubicar en las visitas de estos, únicamente a las altas
esferas, ahora se ha logrado romper estos protocolos, con lo cual se ha abierto camino a otras clases
de la sociedad, pero aun así, este instrumento llamado museo no deja de pertenecer a un mundo
incoherente con la realidad, aunque con el transcurso del tiempo haya variado en su aspecto físico
de acuerdo con los avances tecnológicos, no ha dejado de ser un tabique que se limita a ciertos
espacios sociales.
Las gigantescas obras arquitectónicas de los museos que sirven como instrumentos “educativos”
han pasado por una constante evolución, podemos encontrar desde los más clásicos como el Museo
del Prado en Madrid, el cual abarca un sinnúmero de obras pictóricas de gran trascendencia, hasta
llegar a las construcciones más modernas y extravagantes, llenas de suntuosidad, se trata sin duda
de una ironía frente a la realidad que atraviesa el mundo.
36
Fig.17
Museo Guggenheim Bilbao
URL:https://www.google.com.ec/search?q=MUSEO+GUGGENHEIM+BILBAO
&client=firefox-a&hs=7S0&rls=org.mozilla:es-ç
Los museos contemporáneos, los cuales están dispersos por las grandes metrópolis del mundo, son
una mezcla de la frivolidad con la extravagancia, como podemos observar en la figura 16, (Museo
de Guggenheim5) no pasan desapercibidos, es inevitable el contacto visual de este gigantesco
“museonumento” arquitectónico, de sólida estructura física, grandes ventanales, luces, láminas
metálicas de titanio, si las obras aquí expuestas son museables o no, es de poca trascendencia, lo
imperante de la situación se reitera en la actuación de los involucrados en el replanteamiento del
arte. Guggenheim ¡una explosión de la teatralidad!, su inauguración hace una remembranza a la
época en la que los reyes y su corte llegaban a la saciedad del imperialismo, orgias y la capacidad
de realizar actos decadentes, una confluencia de personajes casi sacados del cine obsceno, el
parecer es más que el ser y su esencia. Bilbao, ciudad que por mucho tiempo se mantuvo dentro de
una escena de caos, logró a expensas del irracionalismo humano causar una histeria colectiva.
A lo que Iñaki Esteban (2007) comenta. “Los invitados al mayor acto social en décadas se
acercaban al museo a pie o en coche de lujo y presumían de su papel de pequeños dioses protegidos
por los silbatos de los guardias y las sirenas de la policía.” (p.7)
De museo a museo la variedad se encuentra en la decoración, el ambiente, lo poderoso versus lo
débil, lo imperante versus la fragilidad del arte en decadencia, el soporte de la obra se sujeta en
materiales aparentemente corrosibles por el tiempo, y se superpone a la fascinación de los sentidos
del espectador, la sociedad advierte estar en un mundo anacrónico, pedante dueño de sus propias
leyes en la construcción de monumentos automatizados, decodificados, impermeabilizados, e
industrializados con ambientes tecnológicos. “Con parecidas intenciones, Benjamín hablaba del
5
Guggenheim. Museo inaugurado en Bilbao el 18 de octubre de 1997
37
<<lujo industrial>>, una expresión con la que se refería a la importancia que habían tomado los
edificios, escaparates, techos acristalados, muebles prendas y modas......” (Ibíd.)
Con toda esta problemática que gira en torno a los muros blanqueados llamados museos, la
característica especial de la obra dejo de ser relevante y su concepto ya no interesa, su contenido
declinó, no se sabe para qué fue hecha, pero lo que sí queda claro, es que el valor añadido a esta, se
le atribuye al titánico “museonumento”. Dentro de estos lugares se encuentra la posibilidad de
reincorporar lugares lúdicos, la musicalización, el despliegue de ideas para que la obra adquiera
una variedad de significados, donde la imaginación está en juego, pero aun así, la reflexión sobre
el espacio en que se sumerge el hacer artístico debe ser analizada y puesta en discusión.
En conclusión, “el museo, la caja sagrada o cueva del tesoro” como lo denomina Ares María
Cristina (2009), representa la falta de difusión de las artes en sus amplios sentidos, antiguos o
modernos, grandes o pequeños, de renombre o no, albergan miles de obras, muchas de ellas
reposando como cadáveres embalsamados, la patología del arte moderno y postmoderno no debe
sujetarse a valores económicos añadidos por el sistema capitalista. Es hora que la difusión del arte
supere todos los ámbitos, si ha variado la técnica, los conceptos, las ideas, en general, la forma de
hacer arte, también debería mutar su espacio.
Para superar estas situaciones, el proyecto “Escaparate del museo a la calle” propone un camino
abierto, porque no es lo mismo tomar un atajo que recorrer por las calles, no es lo mismo mirar al
frente que mirar panorámicamente, el acceso al arte debe ser democrático.
38
4.1.
La producción del arte creada con un look frívolo. “Art fashion”
Fig.18
Proyecto 1 proceso de la elaboración de “Artfashion”
Autora: Elba Granja
“Artfashion” fue la propuesta para la construcción del primer proyecto, en el que se involucraba
varios factores, y nace con la necesidad de producir un símbolo metafórico para adentrarme al tema
de la institución del arte en la Modernidad.
Su proceso se sostiene en la recolección de telas que han sido utilizadas para la limpieza de los
excesos de pintura de varios compañeros pintores, también se ha incorporado a la confección de la
prenda diversos materiales como lienzo o lona, con los que se elaboran los cuadros para realizar la
obra pictórica, junto con encajes y bordados para la decoración de la prenda. Todos estos
materiales hablan en un sentido simbólico y cada detalle representa una acción en el arte moderno,
las manchas de cada pincelada adquieren una característica y un lenguaje que se manifiesta aún
asentada en un lienzo aparentemente inútil.
39
Fig.19
Art fashion
Lienzo reciclado 170 cm (alto)
Autora: Elba Granja
Nos adentramos ahora a revelar la obra en cuestión: “Art Fashion”. Esta obra representa la
construcción de una prenda que adquiere diversas características, tanto por su estética, como por el
material y el juego de metáforas. Fuera de un personaje sin materia se encuentra el vestido
glamoroso que señala varios aspectos: lo superfluo, lo extravagante de la moda, haciendo alusión a
épocas en las cuales la ironía estaba presente en los palacios, donde cabía toda clase de
comportamiento estrafalario junto a una posición o jerarquía que adoptaban los personajes de las
cortes. La moda sin duda jugó un papel primordial en la sociedad, grandes atuendos decorativos,
tanto femeninos como masculinos, llenaban las salas del reino, a más poderío más extravagancia.
Esta época contigua a la moderna, son referentes de las diversas manifestaciones y tendencias
dentro del ámbito artístico.
40
El rococó tuvo una fuerte connotación en la moda, los efectos teatrales, la silueta abombada, el
corsé, los textiles extra decorados y los ambientes donde el juego de las apariencias provocaba un
des conmensurable aprecio por el placer, lo banal y lo efímero.
SuohTamami, (s/f), puede decirnos más:
La cultura responsable del estilo rococó se caracterizaba por la búsqueda del placer personal.
Como ese placer naturalmente incluía la indumentaria, también ésta fue elevada a la categoría
de arte. Aunque Francia ya había sido el líder reconocido de la moda durante el reinado de
Luis XIV (…) Tras la popularidad inicial del rococó, el estilo de vestir se dividió en dos
direcciones diametralmente opuestas, una que implicaba un fantástico amaneramiento de
estética artificiosa y otra el deseo que manifestaba de volver a la naturaleza. (p. 26)
Al sentir sus cuerpos atrapados en grandes pliegues y sargas suntuosas, manifiestan en el vestir la
forma pomposa del vivir en su cotidiano, aquella época viene a representar lo que hoy en día
miramos en los eventos de arte, la negación de lo que tiene un valor a cambio de lo superfluo en la
obra de arte.
Con estos antecedentes podemos concluir que son muchos los aspectos y la mutaciones que
atraviesa el arte, si retrocedemos en el tiempo y nos ubicamos en la década de los sesenta, donde
hubieron cambios notables tanto en las técnicas como en los conceptos artísticos, y de donde
partimos hacia nuevos caminos y tendencias dentro de las plásticas, la moda, la música, y los
hechos sociales atravesados por estallidos teóricos y el ensamblaje de nuevas maneras de hacer
arte, estas maneras no siempre estuvieron sujetas a conceptos morales, fueron propuestas
andróginas, desencadenas con el concepto de la liberación del pensamiento.
HarrietWorsley (2004) comenta:
Libera tu mente y después tu ropa. El sumer of love, Jimi Hendrix, las protestas contra la
guerra del Vietnam, la quema de los sujetadores y el LSD. La filosofía de la flor y la psicodelia
absorbieron a los niños del baby boom en una bocanada de humo de marihuana. (p.548)
Liberación, de la mente o del alma o simplemente alusiones producidas por la mariguana, en
nombre del amor, no lo sabemos, pero lo que sí queda claro, es que hubo una serie de definiciones
de nuevas propuestas, reinterpretación de ideales y la apatía hacia la pintura, a la escultura, y a las
técnicas que por mucho tiempo fueron el soporte de las obras de arte.
41
El vídeo fue la señal de que los cuerpos y los objetos ya no debían mantenerse inmóviles, su
precursor Bruce Nauman6 habilitó el desplazamiento de lo fijo hacia el recorrido del espacio, en
fin, hubo atisbos de una nueva ideología artística planteada a través de los cuerpos móviles.
Fig.20
Anthro/Socio (Rinde Spinning), 1992
Autor: Bruce Nauman
URL:http://www.masdearte.com/images/masdearte/eexpressive3.jpg
“Si se abandonó el informalismo introvertido” (MarchánFiz Simón, 1990, p.11) y en la década de
los 60 se produjo un mitin de artistas que se rebelaban contra las posturas antiguas, los propósitos
del análisis de la construcción de una obra de arte deben ir más allá de la presentación física del
objeto, de sus formas estéticas, de su cromática, deben ir en búsqueda de la esencia misma por la
que fue creado. Toda esta construcción produce en el espectador un mensaje y su finalidad no
siempre ha sido positiva, el extremo al que se ha llevado el arte ha provocado la falta de conceptos
críticos, se degrada el cuerpo humano con performance fetichistas, asexuados por la marca
irreverente del artista, los efectos de estos sobrepasan la búsqueda de lo visceral, accionando de
esta forma, lo anti humano, transformando al cuerpo en una venta de garaje en el que se ofrece al
público conceptos inútiles, sexo, pornografía, camuflada con la palabra “arte”.
De qué hablamos en la actualidad, de una generación que transgrede sus propias acciones en la que
sus criterios han pasado por una cirugía plástica, esta es la moda, cuerpos decapitados,
6
El pionero del video Bruce Nauman terminó su formación en una época en la que muchos artistas pintaban
sus últimos lienzos. El propio Nauman no tardo en volver la espalda a la pintura. En 1965 y 1966 centro su
atención en la << manera en que los objetos se relacionaban con el espacio>>, con la creación de objetos
abstractos mediante materiales maleables, como la fibra de vidrio o el caucho. A partir de 1968 prosedio
asimismo al uso de su propio cuerpo como escultura y la escenificación de actitudes corporales ysecuencias
de movimientos destinadas a su grabación en película cinematográfica o en video. (Ruhrberg, et,ál, 2005,
p.604)
42
transgresiones, la belleza violentada, ¿no hablaría más el mensaje del cine mudo con su silencio?,
que aquellas imágenes proyectadas sin ninguna censura, las cuales tratan de decirlo todo, pero en
su angustiada búsqueda extrema de razones no dicen absolutamente nada.
Kauffman Linda (2000) hace referencia a un futuro posthumano que “significa el impacto que la
tecnología tuvo sobre el cuerpo humano”. La sobreabundancia de la búsqueda de la perfección se
ha concentrado únicamente en el objeto, más no en las acciones internas de este, es decir, la
capacidad de generar actos que sumen la dignidad humana se ha ido relegando a intereses
personales, que en función de representar una realidad sujeta a sus malas acciones, desmiembran el
hacer artístico. No es cuestión de extrema derecha o extrema izquierda, el equilibrio no se
encuentra en una de las dos, más bien se trata de una cuestión que apela a la no degradación de las
acciones humanas.
Se habla mucho de preservar la naturaleza, de preservar monumentos históricos, hasta de preservar
la apariencia física del ser humano, pero quien resguarda el pensamiento de las nuevas tendencias
artísticas, que se han definido como precursores de leyes relativas, el blanco dejó de ser blanco y el
negro apela a características que cada individuo le otorga, lo bello se transforma en imagen
degradante, los actos en su totalidad se han envanecido y han pasado por filtros que han deshecho
el gozo de realizar obras de arte que reflejen un pensamiento racional.
Hacer falsas figuraciones de los pensamientos, reinterpretar las verdades y hacerlas ambiguas con
recopilaciones o vivencias masoquistas, son la muestra del arte actual. Si toda obra de arte como
presume Hans Robert Jauss (2002) “pone a nuestra disposición una irremplazable posibilidad de
experiencia”, deberíamos plantearnos algunas preguntas: si nuestra visión como artistas va más allá
de nuestros intereses o si los conceptos modernistas y las apariencias estéticas han llegado a rasgar
el pensamiento racional del artista.
El arte encaminado desde la modernidad hacia la contemporaneidad se ha convertido en la
palabrería ineficaz y la falta de dominio de nuestros actos, se ha convertido en la utilización de
sinónimos, de frases incoherentes, de metáforas sin sentido, aporías, armonías, frialdad, términos
que quieren definir nuestras concepciones artísticas, pero que no logran interpretar o fundar un
interés para el bien social.
43
4.2.
De cara al arte
PROYECTO 2
Fig.21
De cara al arte
Autora: Elba Granja
“De cara al arte”, proyecto que se anega hacia las varias representaciones del arte en la
modernidad. Las nuevas expresiones y las diversas manifestaciones del arte colgadas como prendas
en un armador, la realidad descompuesta, más que el cubismo de una obra, composiciones
radicales,
minimalistas,
figuras
geométricas
44
en
contraposición
de
las
orgánicas,
performancedesatinados, lo excéntrico del arte, convertido en obra. “De cara al arte”, como una
caída precipitada frente a las nuevas concepciones artísticas de la contemporaneidad.
Fajardo (2001) al respecto expresa lo siguiente:
Durante estos últimos años, la crisis de la modernidad ha gestado infinidad de reflexiones
sobre sus impactos en los distintos ámbitos de la cultura. Tal es su magnitud, que al iniciar un
nuevo milenio, se ha generalizado una obsesión por tratar de observar e interpretar, en
panorámica, las grandes y pequeñas conquista dejadas por la hecatombe del siglo XX. (p. 11)
La experimentación por medio de la fotografía, el cine, los performances, el ready- made, land art,
happenings, son las nuevas avocaciones en el cuerpo, y en su esfera visceral, la desconstrucción de
la corporeidad para alcanzar su máxima liberalidad produjo en su ser una máquina, como si se
tratara de crear un guion “kitsch”7 que se encuentra fuera de la realidad, un guion de ficción, en
pos quedaron las vanguardias y la discusión sobre estas, y se dio paso a un canibalismo de las artes.
“De cara al arte” (fig.20) está basada en esa construcción moderna del cuerpo deshumanizado y
adornado por guiones intervenidos por el videoarte y el performance, estos llegan a ser la crónica
del mensaje de una época en la que es representada por el mercado del arte, y ponen al descubierto
obras ampulosas como las de Gunter Bruss, “Self – decoration” (1964), esta obra somete al mismo
artista a la decapitación de sus conceptos e ideologías como un efecto del “fenómeno fluxus”, a
quien se lo concibe como “arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones”
(Ruhrberg, et. ál, 2005, pag.582.) Si el arte ha adquirido éstas características y su contenido no
trasciende en el colectivo social, deberíamos detenernos y recapacitar sobre nuestras prácticas
artísticas.
7
El kitsches uno de los productos más típicos de la modernidad, sin embargo , esto no sólo sería razón
suficiente para discutir el kitsch entre las ideas de la modernidad, vanguardia y decadencia que, por una parte,
están muy estrechamente relacionadas a través del tema común del tiempo y, por otra, entre un ámbito más
amplio. (CalinescuMatei. 2003. P.23)
Pero el kitsch no es en modo alguno una consecuencia directa del surgimiento de la estética moderna.
Históricamente, la aparición y el desarrollo del kitsch son los resultados de la intrusión de la modernidad – la
tecnología capitalista y el interés empresarial- en el dominio de las artes. (Ibid)
45
PROYECTO 3
Fig.22
“…..Y si se le obligara a fijar su vista en la misma ¿no crees que le dolerían los ojos y
escaparía….”
Módulos en cinta decorativas.
Autora: Elba Granja
Esa apreciación que tenemos frente a un universo de pensamientos, reflexiones, expresiones e
ideas en nuestras culturas, nos lleva a la construcción estética de corrientes, son como un material
que se encuentra en blanco (fig. 21) para realizar una acción, y de este modo invertir en nuevas
ideas. La capacidad que ahora adopta el individuo frente al consumismo, son la representación de
un cuerpo prefabricado de ideas y prácticas que adornan su esencia. El ser o querer parecer se ha
convertido en un traje de fantasía que se lo oculta y se lo avizora, en tanto a nuestras
extravagancias.
Los afanes del vivir, son la evidencia del declive de nuestras emociones, hablamos con muros, con
esferas huecas que retumban en el aire. “¿Qué se ha diluido? Un paradigma: el sentimiento de lo
sublime, la necesidad de trascendencia a través de la obra de arte, su inquietante capacidad para
abordar la otra orilla, de mirar lo invisible”. (Carlos Fajardo Fajardo, 2001, p.126)
Queremos reflexionar a largas, pero la destreza del ser humano se ha convertido en cual máquina
de vapor y el material más impermeable frente a las acciones excéntricas. La habilidad o el
virtuosismo para representar una idea fantástica se ha petrificado en el tiempo.
Detrás se ha atenuado el verdadero sentido de la creación. Hemos olvidado la poesía, y hemos
desligado la fuente de la inspiración, se construye en la nada, y se deja de rebelar nuestros más
escondidos deseos y ansias de amar el arte. ¿Cuál es ahora el rasgo de un artista, o se ha perdido en
la efusión del tiempo?
46
Después de este planteamiento de interrogantes en cuanto al análisis de nuestras representaciones,
no solo artísticas, sino más bien como individuos comprometidos con los actos, dejo en el
pensamiento de ustedes este fragmento de “El mito de la caverna” de Platón.
El mito de la caverna (República, VII) Platón
- Examina, pues -dije-, qué pasaría si fueran
liberados de sus cadenas y curados de su
ignorancia, y si, conforme a naturaleza, les
ocurriera lo siguiente. Cuando uno de ellos
fuera desatado y obligado a levantarse
súbitamente y a volver el cuello y a andar y a
mirar a la luz, y cuando, al hacer todo esto,
sintiera dolor y, por causa de las chiribitas, no
fuera capaz de ver aquellos objetos cuyas
sombras veía antes, ¿qué crees que contestaría
si le dijera de alguien que antes no veía más que
sombras inanes y que es ahora cuando,
hallándose más cerca de la realidad y vuelto de
cara a objetos más reales, goza de una visión
más verdadera, y si fuera mostrándole los
objetos que pasan y obligándole a contestar a
sus preguntas acerca de qué es cada uno de
ellos? ¿No crees que estaría perplejo y que lo
que antes había contemplado le parecería más
verdadero que lo que entonces se le mostraba?
47
CAPÍTULO V
CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES
5.1.
Conclusiones
El desarrollo de este trabajo de investigación, surgió a partir de varias interrogantes y por la
necesidad de fundar una alternativa viable en cuanto a la producción del hacer artístico, y
específicamente del contacto de la obra hacia otros sectores delo cotidiano, a través de un
mecanismo estratégico, el “escaparate”, utilizado como un instrumento artístico de movilidad hacia
un público más extenso. La idea del escaparate tomó curso a medida del desarrollo del proceso en
el que se evidenciaron varias falencias en cuanto a la creación artística y al manejo de las obras de
arte, que por mucho tiempo vivieron aisladas en muros blanqueados llamados museos. Las obras
artísticas quedaron, en las paredes de los museos, incomunicadas hacia otros sectores, el
movimiento se mantuvo estático y dentro de las avenidas, plazas, parques, no se pudo, durante
mucho tiempo, notar las diversas representaciones del arte. Este arte simbolizado a través de la
imagen recayó en su concepto, pero la alternativa de humanizar las imágenes quedan a nuestro
criterio, el espectador puede llegar a nutrirse de nuevos conceptos, y en general de un nuevo arte,
que puede tener un nuevo manifiesto en cuanto a su exposición al público.
5.2.
Recomendaciones
No se puede definir con exactitud qué es el arte, ni cuál es el propósito del mismo, lo que podemos
y debemos es destacar nuestras acciones como seres humanos reflexivos, analíticos y tomando en
cuenta nuestro papel como artistas, cuya característica nos diferencia por la forma distinta de
mirar el mundo, como individuos sensibles ante las acciones de los entes sociales; estas cualidades
nos deben llevar a un planteamiento de nuestros procesos artísticos en el presente, y en el mañana,
tomando en cuenta lo que se ha construido en el pasado.
48
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