Catálogo - Galería Marlborough

AVIGDOR ARIKHA
FRANK AUERBACH
R.B. KITAJ
EUAN UGLOW
AVIGDOR ARIKHA
FRANK AUERBACH
R.B. KITAJ
EUAN UGLOW
11 de mayo - 23 de junio de 2016
ENRIC GRANADOS 68, 08008 BARCELONA
T. 93 467 44 54 · F. 93 467 44 51
GALERIAMARLBOROUGH.COM
“A LATE QUARTET”
ÀLEX SUSANNA
Reunir en una misma exposición una selección de obras de estos cuatro pintores no es caprichoso ni aleatorio,
pero tampoco inevitable. Y, en cambio, el cóctel es explosivo y tremendamente estimulante. De los cuatro sólo
uno les sobrevive, pero todos pertenecen a la misma generación y, si bien nacidos en países distintos, tienen
trayectorias en cierto modo convergentes: Avigdor Arikha (Rădăuţi, Rumanía, 1929-2010), Frank Auerbach
(Berlín, 1931), R.B. Kitaj (Cleveland, Ohio, 1932-2007) y Euan Uglow (Londres, 1932-2000).
Presentarlos juntos es toda una declaración de intenciones y una provocación, sobre todo en estos tiempos en
que la práctica de la pintura cada día parece más negligida a ojos de los que se creen y proclaman portavoces
de la más apremiante contemporaneidad. Si encima se trata de pintura figurativa, entonces el caso no debe tener
remedio. Pues bien, tanto Arikha como Auerbach, Kitaj y Uglow son artistas comprometidos –cada uno a su
manera– con la captación, revelado o transfiguración de la realidad. Mejor dicho, obsesionados por este viejo
oficio: no han hecho más que pintar, que dedicarse a ello hasta la extenuación, convencidos de que sólo así
conseguirían sus propósitos. En una charla con David Sylvester, Bacon puso el dedo en la llaga: “Cada vez será
más difícil hacer esto que llamamos pintura figurativa, pues de forma gradual todo el juego de rehacer la imagen
va a exigir maneras más profundas, punzantes o evocativas”.
Los cuatro son buena prueba de ello y al mismo tiempo nos permiten comprobar la inextinguible fertilidad de
este lenguaje, que en todos ellos reviste genealogías, objetivos y tensiones bien específicos. Digamos que cada
uno interactúa con su realidad de una manera personal, insobornable e intransferible, y por eso extrae y obtiene
unos resultados de un rendimiento expresivo tan apabullante. Son artistas que pugnan por borrarse tras su obra.
No la conciben como un apéndice si no como una encarnación: son su obra, han acabado por transformarse en
ella.
De todos ellos, Arikha es el único que practica la figuración después de una etapa intensamente abstracta, y por
ello insiste en definirse como “un artista representacional post-abstracto”. De hecho, en su obra detectamos un
sentido de la composición nada convencional, que sin duda recoge lecciones de su etapa anterior. Ahora bien,
quizá lo más determinante sea la aparente desinhibición que la propulsa: nada ni nadie parecen resistírsele, y su
abanico de motivos y pretextos es de lo más variopinto. En cierto modo se propone captar el “instante decisivo”
del que hablaba Cartier-Bresson, como si una oscura pulsión gozosa le llevara a querer salvar cualquier forma
o vestigio de realidad: desde el mundo de los objetos más cotidianos –nadie como él para redimir lo más banal–
hasta todo tipo de paisajes, pasando por una incesante galería de retratos y autorretratos. Quizá por ello Robert
Hughes dijo de su obra que desprendía “un aire de escrupulosa ansiedad”.
Una vez llegado a Londres con ocho años, Auerbach a penas se moverá de su ciudad adoptiva y del cultivo de un
aparente sedentarismo hará una de sus principales fortalezas. William Feaver subraya su “singular compromiso
con la luz y el color de Londres”. Cierto, sus retratos y escenas urbanas de Candem Town sólo pueden ser fruto
de un grado de empatía con los modelos del todo inusual: son el resultado de innumerables sesiones en las que
hace y deshace su obra como si de una encarnación del mito se tratara. Es pues sobre la base de esta estratigrafía
de tiempo, materia y saber que Auerbach persiste en su agónica búsqueda, convencido de que tarde o temprano
surgirá el retrato concluyente y vivo: el que transmitirá todo el pulso del ahora y el aquí.
Kitaj es un norteamericano trasplantado en Europa en busca de sus orígenes: la Viena de su padre adoptivo, pero
todavía más la de Aby Warburg, figura clave para desentrañar la sintaxis de su imaginario. En 1962 se instala en
Londres y en 1976 impulsa la exposición colectiva “The Human Clay”, en la que reivindica una nueva figuración
–la de Bacon, Freud, Auerbach, Kossoff y Hockney, entre otros– y se refiere por primera vez a la Escuela de
Londres. Como artista, su propósito es bien claro: “Me gustaría intentar no sólo volver a hacer Cézanne y Dégas
después del surrealismo, si no después de Auschwitz y del Gulag”. Su obra parte, pues, de un feroz diálogo
tanto con sus predecesores –la ansiedad de las influencias– como con la historia más reciente y traumática: bajo
una piel de una erizada vivacidad plástica, cada obra se nos aparece como un palimpsesto de múltiples capas,
citas y referencias artísticas, literarias, filosóficas e históricas que la dotan de un sentido abierto, a menudo
desconcertante y siempre sugestivo.
R.B. Kitaj: Nuts 1, 1969, óleo y collage sobre lienzo, 30,5 x 121,9 cm
Como Auerbach en 1956, también Uglow hizo su primera exposición en la galería Beaux Arts de Londres
en 1961, y más adelante formaría parte de aquella polémica exposición comisariada por Kitaj en la Hayward
Gallery. Ahora bien, sus métodos tan radicales de trabajo consiguieron aislarlo y convertirle en “el más lento
de los pintores profesionales”, como dijo John Rothenstein. Todo ello contribuyó a hacer de él una figura poco
divulgada, a pesar de tratarse de un artista extraordinario. Si bien centrado de manera obsesiva en la figura y los
bodegones, Uglow es un pintor que tampoco concuerda con la figuración al uso: el tenso juego de relaciones
formales, la escala tonal que despliega, así como las proporciones áureas que orquestan todos sus movimientos,
hacen de él un artista muy singular. Alguien que procede de manera alterna por análisis y síntesis. Como la
de Nicolas de Stäel, la suya es una figuración limítrofe con la abstracción. En posesión de un alto grado de
autoconciencia, él mismo nos desvela su afán: “Pinto una idea, no un ideal. Básicamente intento pintar una obra
estructurada, llena de una controlada, y por ello mismo potente, emoción”.
Cuatro individualidades de una potencia expresiva incuestionable e irreductible. Voces aisladas, pero bien
reconocibles en su unicidad, en el fulgor de su voz pigmentada. Una obra portadora de efectos inmediatos y
al mismo tiempo secundarios: bajo un cromatismo de línea más o menos clara, percibimos un mar de fondo,
una lucha pertinaz por escabullirse de la corriente caótica y despiadada de la historia, sobre todo en el caso de
Arikha, Auerbach y Kitaj, de origen judío y con unas trayectorias vitales harto convulsas que condicionan su
obra de manera insoslayable.
AVIGDOR ARIKHA
Avigdor Arikha nació en 1929 en el seno de una familia judía germanohablante en Rădăuţi, en la entonces llamada
Bucovina, que hoy forma parte de Rumanía. Con tan solo diez años de edad fue deportado a un campo de trabajo nazi
donde sus dibujos llamaron tanto la atención que facilitaron su liberación tres años después. El artista luchó en la guerra
por la independencia de Israel, en 1948, en la que resultó gravemente herido. Más adelante estudió en la Escuela de
Bellas Artes de París, convirtiéndose después en un importante artista. Arikha falleció en París en 2010.
En sus inicios, la obra de Arikha fue mayormente abstracta hasta que a mediados de los años sesenta abandonó la
pintura y se dedicó a explorar el dibujo y el grabado en blanco y negro. Hasta 1973 no reemprendió el trabajo pictórico,
que a partir de entonces basó exclusivamente en sus propias experiencias. Los críticos lo han definido como cazador
de instantes; su mirada atenta sorprende al espectador ya que observa lo cotidiano desde un punto de vista insólito.
Sus obras transmiten una sensación de serenidad. El artista ha sido frecuentemente elogiado por su dominio de las
tonalidades y por el uso exclusivo que hace de la luz natural.
Arikha utilizó con frecuencia el pequeño formato, muy adecuado dada la intimidad de los temas que trataba. Representó
de forma recurrente a su esposa, así como también la vista desde su casa en París, naturalezas muertas, interiores y
desnudos femeninos. A través de su obra gráfica retrató a sus familiares y amigos, como por ejemplo a Samuel Beckett,
para quien también ilustró libros.
Arikha ha sido reconocido con significativos premios y distinciones a lo largo de su carrera artística, entre los que se
incluyen: Medalla de Oro, La Triennale di Milano, Milán, Italia (1954); Painters and Sculptors Exhibition, Graduates
of Youth Aliyah (1959); Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres, Francia (1978); Grand Prix des Arts de la Ville
Paris, París, Francia (1987); Prix des Arts, des Lettres et des Sciences, Fondation du Judaïsme Français, París, Francia
(1989); Profesor Honorario, National Academy of Fine Arts of China, Hangzhou, China (1995); Doctor Honoris Causa
de Filosofía, The Hebrew University, Jerusalén, Israel (1997); Chevalier de la Légion d’honneur, París, Francia (2005).
La obra de Arikha se encuentra en destacadas colecciones públicas de todo el mundo, entre otras: Arkansas Arts
Center, Little Rock, Estados Unidos; Denver Art Museum, Denver, Estados Unidos; Galleria degli Uffizi, Florencia,
Italia; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C., Estados Unidos; Israel Museum, Jerusalén, Israel;
The Jewish Museum, Nueva York, Estados Unidos; Museum of Fine Arts, Boston, Estados Unidos; Metropolitan
Museum of Art, Nueva York, Estados Unidos; Musée des Beaux-Arts, Dijon, Francia; Musée du Louvre, Cabinet
des Dessins, París, Francia; Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, París, Francia; Museum of Fine Arts,
Houston, Estados Unidos; National Portrait Gallery, Londres, Reino Unido; Scottish National Gallery of Modern Art,
Edimburgo, Escocia; Scottish National Portrait Gallery, Edimburgo, Escocia; Stedelijk Museum, Ámsterdam, Países
Bajos y Tate Gallery, Londres, Reino Unido.
Bread and Knife, 1973, tinta sobre papel, 30 x 39,5 cm
Geranium in Winter, 2002, óleo sobre lienzo, 65 x 50 cm
Nightgown, 2006, óleo sobre lienzo, 65 x 81 cm
Orange Tie Folded, 1975, acuarela sobre papel, 28 x 38 cm
Seated Nude, Legs Folded Behind Her, Hands Covering Her Mouth, 1999
carboncillo, 89 x 64,5 cm
Self-Portrait, Standing, 1991
grafito sobre papel, 97 x 63,5 cm
FRANK AUERBACH
Frank Auerbach, de origen judío, nació en Berlín en 1931. Se mudó al Reino Unido con ocho años de edad, escapando
del nazismo, y ha permanecido en Londres desde entonces. Entre 1948 y 1955 estudió en la St. Martin’s School of Art
y en el Royal College of Art de Londres. De su etapa formativa también cabe destacar la influencia que ejerció el pintor
David Bomberg, del que fue alumno en el Borough Polytechnic Institute. Actualmente reside y trabaja en la capital
británica habiéndose convertido en uno de los pintores más relevantes de la posguerra.
El proceso creativo del artista ha permanecido constante a lo largo de su carrera. Auerbach parte de la observación
directa, y si no queda satisfecho con una obra al finalizar el día la deshecha, de modo que llega a la versión final con
relativa rapidez. Las formas gestuales y tridimensionales que crea ̶ resultado del uso del raspado y la superposición
de pinceladas ̶ parten de la observación de la realidad. Y de esta revisión constante, propia de su método de trabajo,
surge una obra vibrante de aliento expresionista. A través de sus óleos, dibujos y obra gráfica retrata reiteradamente
los paisajes urbanos de Londres así como a un elenco de amigos y familiares, que han posado para él durante décadas.
En 1978 se celebró su primera exposición retrospectiva a cargo del Arts Council of England para la Hayward Gallery
de Londres. En 1986 fue el representante de Gran Bretaña en la Bienal de Venecia y ganó el León de Oro junto a Sigmar
Polke. En 2001 la Royal Academy expuso una antológica de su trabajo. En 2015 se presentó una importante exposición
retrospectiva en el Kunst Museum de Bonn, Alemania, exhibida este mismo año 2016 en la Tate Britain de Londres.
Su obra puede encontrarse en numerosas colecciones públicas, entre otras: Victoria and Albert Museum, Londres,
Reino Unido; Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv, Israel; Tate Britain, Londres, Reino Unido; Saint Louis Art Museum,
Misuri, Estados Unidos; Scottish National Gallery of Modern Art, Edimburgo, Escocia; Metropolitan Museum of Art,
Nueva York, Estados Unidos; Saatchi Gallery, Londres, Reino Unido; Museum of Modern Art, Londres, Reino Unido;
National Portrait Gallery, Londres, Reino Unido; National Museum, Cardiff, Reino Unido; Iziko South African National
Gallery, Ciudad del Cabo, Sud África; The National Gallery of Australia, Canberra, Australia; The National Gallery,
Londres, Reino Unido; Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España; Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México,
México; Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador, Brasil; Musée Maillol, París, Francia; Los Angeles County
Museum of Art, Los Ángeles, Estados Unidos; Leeds Art Gallery, Leeds, Reino Unido; Israel Museum, Jerusalén,
Israel; Hartlepool Art Gallery, Hartlepool, Reino Unido; Harris Museum and Art Gallery, Preston, Reino Unido;
Government Art Collection, Londres, Reino Unido; Cleveland Museum of Art, Cleveland, Reino Unido; Cleethorpes
Art Association, Londres, Reino Unido; Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal; British Museum, Londres,
Reino Unido; British Council, Londres Reino Unido; Ben Uri Art Gallery, Londres, Reino Unido; Bolton Museum and
Art Gallery, Bolton, Reino Unido; Astrup Fearnley Museet, Oslo, Noruega; Arts Council of Northern Ireland, Belfast,
Irlanda; Arts Council of England, Londres, Reino Unido; Art Institute of Chicago, Chicago, Estados Unidos; Museum
of Modern Art, Nueva York, Estados Unidos y Yale Center for British Art, New Haven, Estados Unidos.
© Julia Auerbach
Head of Jake, 2009, óleo sobre lienzo, 66,3 x 51,1 cm
Reclining Head of Julia II, 2012, acrílico sobre tabla, 44,2 x 52 cm
Portratit of Catherine Lampert, 2009, óleo sobre lienzo, 51,1 x 56,2 cm
R.B. KITAJ
Ronald B. Kitaj nació en Cleveland, Ohio, en 1932. Siendo niño asistió a clases de pintura en el Museo de Arte de
Cleveland. Tras sus estudios en la Cooper Union de Nueva York y la Academia de Bellas Artes de Viena pasó dos años
en Europa al servicio del Ejército de los Estados Unidos, para después continuar su formación en la Ruskin School
of Art de la Universidad de Oxford y en el Royal College of Art de Londres. El artista vivió durante cuarenta años
en la capital británica. En esta época su segunda residencia se encontraba en Sant Feliu de Guíxols donde tuvo la
oportunidad de desarrollar en profundidad temas que fueron decisivos para él como el de la guerra civil española, entre
otros. En 1997, tres años después de la traumática muerte de su segunda mujer, se trasladó a Los Ángeles. Kitaj murió
en su casa en 2007, una semana antes de cumplir 75 años.
A pesar de ser considerado como un artista pop, no estaba especialmente interesado en la cultura de los medios de
comunicación. En su obra son reconocidas las alusiones que hacía a la historia del arte y a la literatura. Sus principales
referentes pictóricos, especialmente en su última etapa, fueron su identidad judía y el arte francés de finales del XIX,
concretamente Degas, Cézanne y los postimpresionistas. Su obra gráfica funciona como un diario ilustrado de la vida
de un artista, caracterizada por la búsqueda de nuevas materias y formas innovadoras para representarla. Kitaj es
considerado como uno de los artistas más influyentes desde finales de los años cincuenta.
De entre los premios y residencias que le fueron otorgados cabe destacar: Artista residente, Darmouth College,
Hanover, Estados Unidos (1978); Miembro de la American Academy of Arts and Letters, Nueva York, Estados Unidos
(1982); Miembro de la Royal Academy of Arts, Londres, Reino Unido (1985); León de Oro de Pintura, La Biennale di
Venezia, Venecia, Italia (1995); Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres, París, Francia (1996); Medalla Wollaston,
Royal Academy of Arts, Londres, Reino Unido (1997). Asimismo fue nombrado Doctor Honoris Causa de diferentes
universidades de renombre internacional como la University of London, el Royal College of Art, el California College
of Arts, la Durham University y el Spertus College Chicago.
La obra de Kitaj se encuentra en numerosas colecciones públicas, entre otras: British Museum, Londres, Reino Unido;
Cleveland Museum of Art, Cleveland, Estados Unidos; Astrup Fearnley Museet, Oslo, Noruega; Israel Museum,
Jerusalén, Israel; Kunstmuseum, Düsseldorf, Alemania; Metropolitan Museum of Art, Nueva York, Estados Unidos;
Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, París, Francia; Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía Madrid, España; Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España; Museum Ludwig, Colonia, Alemania; Museum
of Modern Art, Nueva York, Estados Unidos; Tate Modern, Londres, Reino Unido; Whitney Museum of American Art,
Nueva York, Estados Unidos y Los Ángeles County Museum of Art, Los Ángeles, Estados Unidos.
Technicolor Self-Portrait, 2007, óleo sobre lienzo, 30,5 x 30,5 cm
The Man on the Ceiling, 1989, óleo sobre lienzo, 122,6 x 122,6 cm
Dying Life Model, 1978, carboncillo y pastel sobre papel, 55,9 x 76,8 cm
I Married an Angel, 1990, óleo sobre lienzo, 121,9 x 171,7 cm
EUAN UGLOW
Euan Uglow nació en Londres en 1932. Estudió en la Camberwell School of Arts and Crafts (1948-50) y en la Slade
School of Fine Art (1951-1954) en el momento en que dichas escuelas fueron sucesivamente dirigidas por William
Coldstream. El artista viajó con frecuencia para completar su formación. Pasó tiempo en España, Italia, Francia
–donde visitó a Giacometti en 1957–, Marruecos, Turquía, India, China y Chipre. En los años ochenta le otorgaron una
residencia de artista en el Art College en Londres. El pintor murió en su casa de Wandsworth, Londres, en el año 2000.
Uglow era muy meticuloso, en sus composiciones se aprecia una organizada precisión geométrica. La obra inicial del
artista muestra el uso de una pincelada difuminada, de tonos sombríos y terrosos. Su trabajo posterior evolucionó hacia
un trazo más definido, y con frecuencia está dotado de contrastes de colores luminosos que recuerdan el cromatismo
pictórico del Quattrocento italiano. El artista fue claramente influido por Cézanne y su deseo de capturar la verdad
perceptiva; por la disciplina metódica de puntos y rayas de Coldstream así como por otros artistas de la Euston Road
School, especialmente Claude Rogers y Victor Pasmore. Si bien su legado es figurativo nunca tuvo la intención de
ser hiperrealista, para el artista primaban las proporciones matemáticas entre los distintos objetos y las relaciones de
tonalidad entre los colores que completaban la composición. La minuciosidad con la que abordaba sus obras le llevaba
a demorarse meses, o incluso años, hasta darlas por concluidas, de modo que su legado no es muy extenso.
Con la excepción de algunos paisajes, el artista trabajó mayoritariamente en el estudio. Entre sus obras se distinguen
principalmente dos categorías, naturalezas muertas aisladas y desnudos femeninos, ya sean de pie, sentados frontalmente,
agachados, yaciendo acurrucados, relajados o extendidos.
Uglow ganó dos becas de pintura siendo aún estudiante pero no comenzó a exponer hasta 1960. Su primera muestra
individual fue en la Beaux-Arts Gallery de Londres, en 1961.
Durante los años noventa fue nombrado Artist Trustee de la National Gallery de Londres y Miembro Honorario de
The London Institute. A título póstumo se han celebrado dos exposiciones retrospectivas del pintor londinense: Euan
Uglow en 2002 a cargo del Arts Council of England que estuvo en itinerancia por el Reino Unido, y en 2003 Euan
Uglow: A retrospective en la Abbot Hall Art Gallery de Kendal, Reino Unido.
Su obra puede encontrarse en destacadas colecciones públicas, entre otras: Arts Council Collection, Southbank Centre,
Londres, Reino Unido; British Council Collection, Londres, Reino Unido; National Museum of Wales, Cardiff, Reino
Unido; Jerwood Gallery, Hastings, Reino Unido; Ferens Art Gallery, Yorkshire, Reino Unido; Kingston University,
Londres, Reino Unido; Victoria Gallery and Museum, Liverpool, Reino Unido; Government Art Collection, Londres,
Reino Unido; King’s College London, Londres, Reino Unido; The Ruth Borchard Collection, Londres, Reino Unido;
Tate Gallery, Londres, Reino Unido; UCL Art Museum, Londres, Reino Unido; Southampton City Art Gallery,
Southampton, Reino Unido; The Hepworth Wakefield, Wakefield, Reino Unido y Metropolitan Museum of Art, Nueva
York, Estados Unidos.
Girl in a Green Dress (The Beret), 1950-51, óleo sobre lienzo, 76 x 51 cm
Loaf, 1981-83, óleo sobre lienzo, 34,8 x 79,5 cm
Nude Lying over Piano Stool III, c. 1999, lápiz sobre papel, 13 x 21,5 cm
Study for the Lightest Picture on Earth, 1989-93
lápiz sobre papel, 28 x 26 cm
Nude Woman Walking, c. 1991
lápiz sobre papel, 41 x 28 cm
Study for Wave, c. 1988, lápiz sobre papel, 25,7 x 38,4 cm
Nude Lying over Piano Stool, c. 1999, lápiz sobre papel, 16,5 x 23 cm
Study for Potiphar’s Wife, c. 1998, lápiz sobre papel, 31 x 45 cm
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