Corneta - Discover. Share. Present

Corneta (instrumento)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda
Corneta
Tesitura
Características
Clasificación
Instrumento de vientometal
Instrumentos
relacionados
Músicos

Trompeta

Trompeta pocket

Trompeta piccolo

Fliscorno

Cornetistas
La corneta es un instrumento musical de viento metal que imita la forma de un cuerno
animal y es utilizada principalmente en el jazz y en la música clásica, principalmente en el
siglo XIX en bandas militares europeas. El sonido se produce gracias a la vibración de los
labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo
del aire).
Antiguamente se utilizaba para dar el toque a las tropas de infantería del ejército y en los
carnavales.
Tal como la trompeta, la corneta está formada por 3 válvulas que permiten al músico
ejecutar diferentes tonos.
En el jazz fue muy utilizado durante el estilo New Orleans, aunque luego fue suplantado
de a poco por la trompeta, aunque aún se utiliza en el jazz.
Actualmente goza de gran popularidad en las Bandas de Cornetas y Tambores que
principalmente participan en la Semana Santa en similitud a las bandas de carácter
militar. En estos casos la corneta suele utilizarse sin pistones o válvulas, o con uno o dos
traspositores.
[editar] Cornetistas destacados










Herbert L. Clarke
Nat Adderley
Bix Beiderbecke
Bobby Hackett
Don Cherry
Enrique Norris
Wild Bill Davison
Louis Armstrong
Graham Haynes
George McCullum
Herbert L. Clarke
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda
Herbert L. Clarke con su corneta.
Herbert L. Clarke (12 de septiembre de 1867 – 30 de enero de 1945) fue un destacado
cornetista estadounidense, director de orquesta y de banda de música y compositor.
El legado de Clarke incluye algunas de las más populares composiciones para el
instrumento, muchas grabaciones definitivas, así como una escuela de interpretación que
no sólo hizo hincapié en la extrema aptitud técnica, sino también una mayor calidez y
lirismo del tono. También produjo varios métodos de interpretación que aún son
ampliamente utilizados por los estudiantes de instrumentos de viento-metal.
Contenido
[ocultar]





1 Biografía
2 Obras destacadas
o 2.1 Composiciones para corneta solista
o 2.2 Corneta y trombón
o 2.3 Métodos de corneta
o 2.4 Prosa
3 Véase también
4 Referencias
5 Enlaces externos
[editar] Biografía
Herbert Lincoln Clarke nació el 12 de septiembre de 1867 en Woburn, en el estado de
Massachusetts. Era hijo del compositor y organista William Clarke. La familia Clarke se
tenía que trasladar a menudo por los compromisos laborales de William, desde
Massachusetts a Ohio, a Indiana, de regreso a Massachusetts y finalmente a Toronto en
1880.
Los inicios musicales de Herbert fueron con el violín y en 1881 fue segundo violinista en la
Toronto Philharmonic Society. Sin embargo, según su autobiografía, uno de los momentos
formativos en su educación musical fue asistir a un concierto de The American Band de
Providence (Rhode Island) en el Horticultural Pavilion de Toronto en 1881 y la asistencia a
una actuación como cornetista solista de Bowen R. Church. Posteriormente, comenzó a
practicar con la corneta de su hermano y consiguió un puesto como cornetista en la banda
Queen’s Own Rifle en 1882.
Entre 1884, cuando se graduó de la escuela secundaria, y 1887, Clarke alternó entre la
interpretación de la viola y la corneta como segundo intérprete, cuando era necesario, en
la orquesta English's Opera House de Indianápolis, donde su familia se había mudado.
Trabajó en la tienda de John Kay en Toronto, mientras era el segundo corneta en el
Queen's Own, y tocó orquesta Ontario Beach en el verano. Fue en 1887 cuando se
incorporó como corneta solista a la banda ciudadana de Toronto, gracias a John Bayley.
Pasó los próximos cinco años interpretando y dirigiendo en varias bandas en los
alrededores de Toronto, como Taylor Safe Works Band, Heintzman Piano Company Band
o Streetsville Ontario Band, y enseñando en el Toronto Conservatory of Music, donde
también tocó en la Toronto Conservatory String Quartet, y en el Trinity College School de
Port Hope, Ontario. En septiembre de 1889 se casó con Elizabeth (Lizzie) Loudon, con
quien tuvo dos hijos: Vivian (Grace) en 1890 y James (Edward James Watkin) en 1892.
En la primavera de 1892, salió de Canadá una vez más, después del éxito de audición
con la Patrick Gilmore Band, con sede en Boston.
En 1893, se unió a la banda de John Philip Sousa como corneta solista. Después de
realizar una interpretación en la Exposición Universal de Chicago de ese mismo año,
realizó una gira con varias bandas y continuó haciéndolo durante los siguientes cinco
años. Durante este período, ocupó puestos temporales como segundo trompetista con la
Orquesta Filarmónica de Nueva York y como trompetista principal en la Ópera del
Metropolitan. También se divorció de Lizzie Loudon y se casó con Lillian Hause Bell, con
quien tuvo dos hijos más, Ruby Bell y Herbert L. Clarke, Jr.
En 1898 regresó a la banda de Sousa, con quien realizó numerosas giras y más tarde se
convirtió en asistente de director de Sousa, reemplazando a Arthur Pryor. Después de la
salida de Pryor de la banda de Sousa en 1903 para formar su propia banda de concierto,
Clarke dirigió la banda de Sousa en muchas sesiones de grabación para el sello
discográfico Victor Talking Machine Company. Además, pasó el tiempo probando y
desarrollando instrumentos para Conn Instruments en Elkhart, Indiana, y realizó un
número considerable de grabaciones como solista para los sellos discográficos Victor,
Edison, Columbia, y finalmente Brunswick. Renunció a la banda de Sousa en septiembre
de 1917 y regresó a Canadá para dirigir a la Anglo-Canadian Leather Company Band en
Huntsville de Ontario desde 1918 a 1923. Durante ese tiempo dirigió muy poco, centrado
sus esfuerzos no sólo en dirección, sino también en la composición y la creación de su
propia escuela de interpretación de corneta en Chicago.
En 1923, se trasladó a Long Beach (California), debido al estado de salud de su esposa y
dirigió la Long Beach Municipal Band hasta 1943. En abril de 1934, fue elegido Presidente
de la Asociación Americana de Directores de Bandas. Desde 1936 hasta su muerte en
1945, desarrolló una amistad y dio lecciones privadas a Claude Gordon. Sus cenizas
fueron enterradas en el Cementerio del Congreso en Washington D. C., cerca de la tumba
de John Philip Sousa. Sus documentos y recuerdos se conservan en el Sousa Archives
and Center for American Music en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign.
[editar] Obras destacadas
[editar] Composiciones para corneta solista
Clarke compuso más de 50 obras para corneta solista, muchas de las cuales han tenido
varias ediciones. Aquí están sus más famosas piezas, con la fecha de la primera
publicación incluida.









Bride of the Waves (1904)
Sounds from the Hudson (1904)
Caprice Brilliante (1908)
Southern Cross (1911)
The Carnival of Venice (1912)
Sounds from the Hudson (Valse Brilliante) (1914)
The Debutante (1917)
Stars in a Velvety Sky (1919)
From The Shores Of The Mighty Pacific
[editar] Corneta y trombón


Cousins
Side Partners
[editar] Métodos de corneta




Elementary Studies (1909)
Technical Studies (1912)
Characteristic Studies (1915)
Setting Up Drills (1929)
[editar] Prosa
Herbert L. Clarke escribió en 1934 una autobiografía titulada How I Became A Cornetist.
Nat Adderley
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda
Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación
acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas
de Internet fidedignas.
Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de
discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Nat Adderley}} ~~~~
Nat Adderley
Datos generales
Nombre real
Nathaniel Adderley
Nacimiento
25 de noviembre de 1931
Origen
Tampa, Florida
Muerte
2 de enero de 2000
Información artística
Género(s)
Hard bop
Soul jazz
Instrumento(s) Corneta
Artistas
Cannonball Adderley, Johnny
relacionados
Griffin, Ron Carter, Sonny Fortune
Nathaniel Adderley (25 de noviembre de 1931 en Tampa, Florida - 2 de enero de 2000
en Lakeland, Florida), fue un cornetista estadounidense de soul jazz y hard bop, hermano
del saxofonista Cannonball Adderley.
Durante la década de los 50 fue parte del grupo de su hermano, en el que también
estaban Lionel Hampton y J. J. Johnson. En 1959 se unió al quinteto nuevo que había
formado su hermano, en el que permaneció hasta la muerte de Cannonball en 1975. En
este grupo compuso sus primeras canciones: "Work song", "Jive samba" y "The old
country".
Tras la muerte de su hermano formó sus propios grupos y se involucró activamente en la
grabación de material nuevo. En esta época trabajó con Ron Carter, Sonny Fortune,
Johnny Griffin, Antonio Hart y Vincent Herring, y ayudó al desarrollo del festival de jazz
Child of the Sun, en la Universidad de Florida en Lakeland. Murió el 2 de enero del año
2000 en su casa en Lakeland, y fue enterrado al lado de su hermano en el cementerio
Southside de Tallahassee, Florida. Su hijo, el teclista Nathaniel Adderley Jr., fue el
director musical de Luther Vandross durante bastante tiempo.
[editar] Discografía esencial







Work Song (con Wes Montgomery, Bobby Timmons, Percy Heath, y Sam Jones)
(1960)
Mercy! Mercy! Mercy! (con el Cannonball Adderley Quintet)
Country Preacher (directo con el Cannonball Adderley Quintet) (1969)
Autobiography (1964)
Soul Zodiac (1972)
A Little New York Midtown Music (1978)
Mercy, Mercy, Mercy! '95 (1995)
Bix Beiderbecke
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda
Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación
acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas
de Internet fidedignas.
Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de
discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Bix Beiderbecke}} ~~~~
Leon Bismark Beiderbecke, "Bix" Beiderbecke, (Davenport (Iowa), 10 de marzo de
1903 - Nueva York, 6 de agosto de 1931), cornetista estadounidense de jazz tradicional.
Se trata de una de las primeras figuras de la historia del jazz y uno de sus grandes
innovadores. Situado en plena época del swing, poseía un elegante y distintivo tono, y un
espectacular y original estilo de improvisación. Fue el rival blanco de Louis Armstrong en
los años veinte, aunque la comparación no es factible debido a las diferencias de estilo y
sonido entre los dos.
[editar] Biografía
Beiderbecke empezó en la música muy prematuramente; hay noticias de que ya a los tres
años podía tocar algo en el piano. Influenciado por Nick La Rocca, a quien escucha tocar,
Beiderbecke se dispuso a dedicarse al jazz, pero sus padres consideraron tal dedicación
una frivolidad; fue enviado a la academia militar Lake Forest en 1921, que
afortunadamente se hallaba cerca de Chicago, el centro del jazz en esa época.
Beiderbecke fue expulsado por sus reiteradas inasistencias a clase. Tras un breve periodo
en casa, se convirtió en músico profesional. En 1923, Beiderbecke se convirtió en el
cornetista estrella de los Wolverines y un año más tarde empezaría a grabar con el grupo.
A finales de 1924, abandonó el grupo para unirse a la orquesta de Jean Goldkette pero su
incapacidad para leer música le obligó a abandonar. En 1925, estuvo en Chicago
intentando aprender a leer música. El año siguiente estuvo con la orquesta de Frankie
Trumbauer en San Luis. Enganchado ya al alcohol, no obstante 1927 sería el año más
importante para Bix. Trabajó con la orquesta de Jean Goldkette, grabó su obra maestra al
piano, "In a Mist" (uno de sus cuatro originales inspirados en Debussy), grabó algunos
temas clásicos con un pequeño grupo liderado por Trumbauer (incluyendo sus grandes
solos "Singin' the Blues", "I'm Comin' Virginia" y "Way Down Yonder in New Orleans"), y
firmó con la importante orquesta de Paul Whiteman.
Con Whiteman, los solos de Beiderbecke tendieron a ser breves momentos mágicos; su
brillante coro en "Sweet Sue" es un perfecto ejemplo de ello. Estuvo plenamente
productivo hasta 1928, pero al año siguiente el alcoholismo le empezó a crear problemas.
Beiderbecke tuvo que descansar, reapareció, y finalmente en septiembre de 1929 fue
enviado a Davenport a recuperarse. En 1930 realizó grabaciones intrascendentes, las
últimas que haría antes de morir. El 6 de agosto de 1931, Beiderbecke tuvo un ataque de
delírium trémens, provocado por su alcoholismo, en su apartamento de Nueva York. Sin
nadie alrededor para ayudarle, murió a los 28 años.
[editar] Selección discográfica
Bixology, 1924-30 (Joker)
Bix Beiderbecke, Vol. 1: Singin' the Blues (Columbia)
Real Jazz Me Blues (Sony)
Bobby Hackett
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda
Bobby Hackett
Bobby Hackett (de pie) y Bubba Kolb en Walt Disney
World
Nombre real
Nacimiento
Robert Leo Hackett
Providence (Rhode Island),
Estados Unidos
31 de enero de 1915
Fallecimiento
Chatham, Massachusetts, Estados
Unidos
7 de junio de 1976
Ocupación
Músico, trompetista, cornetista y
guitarrista
Familia
Cónyuge
Edna Hackett
Ficha en IMDb
Ernie Caceres, Bobby Hackett, Freddie Ohms, y George Wettling, en el Nick's, en Nueva
York, en los años cuarenta.
Fotografía de William P. Gottlieb.
Bobby Hackett (31 de enero de 1915 – 7 de junio de 1976) fue un músico de jazz
estadounidense, instrumentista de trompeta, corneta y guitarra, y que trabajó con las
bandas de Glenn Miller y Benny Goodman a finales de la década de 1930 e inicios de la
de 1940.
Índice
[ocultar]






1 Biografía
2 Vida personal
3 Selección discográfica
4 Actuaciones para el cine y la televisión
o 4.1 Cine
o 4.2 Televisión
5 Referencias
6 Enlaces externos
[editar] Biografía
Su verdadero nombre era Robert Leo Hackett, y nació en Providence (Rhode Island).
Hackett se dio a conocer siendo un seguidor del legendario cornetista Bix Beiderbecke,
contratándole Benny Goodman para recrear el famoso solo de Bix titulado "I'm Coming
Virginia" en el concierto dado por Goodman en 1938 en el Carnegie Hall.1 En los últimos
años treinta era primer trompetista de la Orquesta de Vic Schoen, la cual trabajaba con
The Andrews Sisters.
En 1939 la agencia de talentos Music Corporation of America pidió a Bobby Hackett que
formara una big band con su respaldo. Desafortunadamente la banda no tuvo éxito, y
Hackett quedó con una sustancial deuda contraída con MCA. Para poder pagar esa
deuda Bobby Hackett hubo de sumarse a las bandas de Horace Heidt y de Glenn Miller.2
Empeorando más las cosas, tras sufrir cirugía dental Hackett quedó con secuelas en un
labio que le impedían tocar la trompeta y la corneta. Glenn Miller le ofreció trabajo como
guitarrista en su banda. A pesar de estos problemas, Hackett todavía podía tocar breves
solos, siendo uno de ellos el que llevó a cabo con la Orquesta de Glenn Miller en "A String
of Pearls."
En 1947 se cumplió uno de los grandes deseos de Hackett al formar parte del Town Hall
Jazz Concert de Louis Armstrong.3 En la década de 1950 grabó una serie de álbumes de
baladas acompañando a una orquesta de cuerda bajo producción de Jackie Gleason. En
1965 Bobby Hackett hizo una gira con el cantante Tony Bennett, y en 1966 y 1967 le
acompañó Hackett en dos giras llevadas a cabo por Europa. A principios de los años
setenta hizo trabajos con Dizzy Gillespie y con Teresa Brewer.
[editar] Vida personal
Hackett estuvo casado con Edna Hackett desde una fecha no conocida hasta el momento
de su muerte. La pareja tuvo dos hijos: Barbra Hackett y Ernie Hackett.
Bobby Hackett era un gran fumador, y falleció a causa de un infarto agudo de miocardio
ocurrido en 1976 encontrándose en Chatham, Massachusetts. Fue enterrado en el
Cementerio Seaside de Chatham.
[editar] Selección discográfica


A String of Pearls, Glenn Miller and His Orchestra, 1941, Bluebird records.
Rhapsody in Blue, Glenn Miller and His Orchestra, 1942, Victor records.
With George Wein

Wein, Women and Song and More, George Wein Plays and Sings (Arbors
Records)
[editar] Actuaciones para el cine y la televisión
[editar] Cine
Saturday Night Swing Club, 1938, Warner-Vitaphone production. Orchestra Wives, 1942,
Twentieth-Century Fox.
A Bobby Hackett puede oírsele en la banda sonora de la película interpretada por Fred
Astaire en 1940 Second Chorus.4
[editar] Televisión
Henny and Rocky Show, 1956. Air Times 57, 1957.
Don Cherry
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda
Don Cherry
Don Cherry
Datos generales
Nombre real
Donald Eugene Cherry
Nacimiento
18 de noviembre de 1936
Origen
Oklahoma City, Oklahoma,
Estados Unidos
Muerte
19 de octubre de 1995 (58 años)
Málaga,
España
Información artística
Género(s)
Jazz, Free jazz, World fusion music
Instrumento(s) trompeta, piano
Artistas
Codona, Ornette Coleman, Paul
relacionados
Bley, Sonny Rollins, Naná
Vasconcelos
Don Cherry (Oklahoma, 18 de noviembre de 1936 - Málaga, 19 de octubre de 1995) fue
un trompetista estadounidense de jazz, uno de los principales representante de la
vanguardia jazzística.
[editar] Biografía
Tocó de joven en grupos de blues y rhythm and blues en su ciudad natal y posteriormente
se trasladó a Los Ángeles. A través de Billy Higgins, Cherry conoció a Ornette Coleman
en 1957, y bajo las órdenes de Paul Bley formaron un quinteto junto con Charlie Haden.
Tras la marcha de Bley, gracias al contrato de Coleman con Atlantic Records grabaron
entre 1959 y 1961 varios discos como grupo independiente.
Cherry fue muy criticado (por Miles Davis, entre otros) por sus improvisaciones
fracturadas y puntillistas, sin embargo, terminaría por ejercer gran influencia entre los
músicos jóvenes de los años sesenta.
El grupo se disolvió en 1962 y Cherry se unió al Sonny Rollins Quartet, con el que estuvo
dos años. En 1963, codirigió con Archie Shepp el New York Contemporary Five; después,
en Europa, dirigió su propia banda, en la que trabajó Gato Barbieri, recién llegado de
Argentina.
En la década de los 1970, Cherry fue a México y tocó con la banda de jazz Detrás del
Cosmos por alrededor de un año por toda la república.
En sus últimos años, Cherry se inclinó al estudio de las llamadas músicas del mundo y la
etnomusicología en general, uniéndose musicalmente a Collin Walcott y Naná
Vasconcelos con quienes formó la agrupación Codona. Tiempo más tarde se juntaría con
Milton Nascimento. También probó suerte en el rock y el funk, y formó parte del grupo
New and Old Dreams, cuarteto compuesto con antiguos integrantes de la banda de
Coleman, entre los que estaba el saxofón Dewey Redman.
[editar] Selección discográfica
1961: The Avant-Garde Bumping with meritxell (Atlantic)
1966: Symphony for Improvisers (Blue Note)
1968: Eternal Rhythm [live] (Saba)
1971: Don Cherry [1971] (BYG)
1975: Brown Rice (A&M)
1977: Don Cherry [1977] (Horizon)
1980: Yes We can with Endika
Louis Armstrong
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a: navegación, búsqueda
Louis Armstrong
Louis Armstrong en 1953
Datos generales
Nombre real
Louis Daniel Armstrong
Nacimiento
4 de agosto de 1901
Origen
Nueva Orleans, Luisiana
Muerte
6 de julio de 1971 (69 años)
Ocupación
Trompetista, Vocalista
Información artística
Otros nombres
Satchmo, Pops
Género(s)
Jazz
Instrumento(s)
Trompeta, Voz
Período de
1914–1971
actividad
Louis Armstrong1 2 (Nueva Orleans, 4 de agosto de 19013 – Nueva York, 6 de julio de
1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante
estadounidense de jazz.
Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y,
probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante
personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces
folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su
fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista
la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme
influencia para el canto jazzístico.4
Los logros de Satchmo escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo
de la creatividad del negro americano.5
Índice
[ocultar]








1 Biografía
o 1.1 Primeros años
o 1.2 Comienzos de su carrera musical
o 1.3 Los Hot Five y Hot Seven
o 1.4 The All Stars
o 1.5 Fallecimiento
2 Personalidad
3 Música
4 Influencia y legado
5 Discografía
6 Referencias
7 Bibliografía
8 Enlaces externos
[editar] Biografía
[editar] Primeros años
Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios
marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong,
los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de
las afueras de la ciudad. Su madre, Mary «Mayann» Albert (1886–1942), dejaba a Louis y a
su hermana menor Beatrice Armstrong Collins (1903–1987) bajo el cuidado de su abuela,
Josephine Armstrong y a veces, de su tío Isaac.
No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a
partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans, que desfilaban habitualmente
por las avenidas de la ciudad.
Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for
Colored Waifs, un reformatorio para niños negros abandonados a donde había sido enviado
en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire
durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y
el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos.
En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de
leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a
trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales
nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi
una figura paternal para él.6
Al tiempo, seguía con atención todos los desfiles de las bandas de música habituales en la
ciudad y escuchaba a los músicos veteranos cuantas veces podía, aprendiendo de Bunk
Johnson, Buddy Petit y, sobre todo, de Joe King Oliver.
Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por
el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había
dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas
orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como por
ejemplo la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizó una gira en un buque de
vapor a lo largo de todo el Misisipi. El propio Armstrong describiría esta época con
Marable como «su estancia en la universidad», ya que le proporcionó una enorme
experiencia en el trabajo con arreglos escritos. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en
1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de
swing más importante de la ciudad.
[editar] Comienzos de su carrera musical
En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos que se produjo hacia
Chicago, a donde había sido invitado por Joe King Oliver para incorporarse a su Creole
Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta de Oliver era, a comienzos de los años
veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que
la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong
empezó a incrementarse de forma exponencial.
En 1923, Armstrong hizo su debut con la orquesta de Oliver para el sello discográfico Okeh
Records. En sus primeras grabaciones se incluyeron algunos solos y apartes como segunda
corneta de la banda; en 1924, sin embargo, ya era el solista más importante y más creativo
del grupo. En febrero de 1924 se casó con Lillian Hardin, pianista de Oliver, quien lo
animó a abandonar a este para alcanzar mayores metas artísticas. Así, se separó
amistosamente de Oliver y, tras trabajar brevemente con Ollie Powers, se marchó a Nueva
York.
Su fama llegó rápidamente a oídos del mejor director de orquesta negro del momento,
Fletcher Henderson, quien le ofreció un contrato para que se uniese a su banda, la Fletcher
Henderson Orchestra, la principal banda afroamericana de la época. Armstrong se cambió a
la trompeta para armonizar mejor con los otros músicos de su sección orquestal y debutó
con ella el 29 de septiembre de 1924 en el Roseland Ballroom de Nueva York. Tras
decidirse a aprender a leer música, en sólo un año revolucionó el estilo y la forma de tocar
de sus compañeros y grabó con las mejores cantantes de blues de la época, como Bessie
Smith.6
Durante este periodo, hizo también muchas grabaciones de forma independiente con los
arreglos de un viejo amigo de Nueva Orleans, el pianista Clarence Williams, como por
ejemplo unos dúos con su «rival» musical Sidney Bechet y una serie de acompañamientos
con los Blues Singers.
[editar] Los Hot Five y Hot Seven
En 1925 regresó a Chicago para unirse a la orquesta de Lil en el Dreamland Ballroom;
empezó a grabar bajo su propio nombre para el sello OKeh acompañando a dos
formaciones creadas por él llamadas Hot Five y Hot Seven, produciendo éxitos como
«Potato Head Blues», «Muggles» (una referencia a la marihuana, la cual tendía a consumir
desde siempre) y «West End Blues».
El trabajo de Armstrong con ambos grupos se convertiría en clásico dentro de la historia del
jazz, siendo enormemente influyente y reinterpretado.7
Fuera del estudio continuó tocando con Big Bands, como por ejemplo las de Erskine Tate y
Carroll Dickerson, y su repertorio comenzó a cambiar hacia canciones populares como
«Ain't Misbehavin». Apoyado ahora por la prestigiosa banda de Dickerson, anunciada
como su propia orquesta, Armstrong aplicaba su forma virtuosa de tocar la trompeta y su
encantadora manera de cantar con enorme efecto a las melodías populares de la época. La
aparición en 1926 de «Heebie Jeebies» supone la primera muestra del estilo vocal llamado
scatting, que Armstrong haría famoso: un solo instrumental cantado mediante sonidos o
palabras sin ningún sentido.
Armstrong regresó a Nueva York en 1929, luego se trasladó a Los Ángeles en 1930 y
después realizó una gira por Europa a partir de 1932 (regresaría dos años después, en
1934), consiguiendo un espectacular éxito en París.6 La aparición de Joe Glaser en 1935
como su representante y la contratación de la orquesta de Louis Russell como formación de
apoyo de Armstrong, establecieron el curso de los acontecimientos durante el resto de la
década, en la que Armstrong pasó de ser una simple figura del jazz a un destacado miembro
de la industria del entretenimiento en general.
En 1940, Glaser rompió su relación comercial con la big band de Russell y contrató a
nuevos músicos: esta unidad fue el principal apoyo con el que contó Armstrong hasta 1947.
El cambio de aquel año fue presagiado por la grabación de la banda sonora de la película
Nueva Orleans, en la que aparecía Louis, y en la que se interpretaban obras del repertorio
clásico del jazz a cargo de un pequeño grupo.
Tras pasar muchos años de gira, se asentó permanentemente en Queens, Nueva York, en
1943. Aunque no ajeno a las vicisitudes del Tin Pan Alley y del negocio musical controlado
por gánsteres, Louis continuó desarrollando su técnica y su carrera musical.
Durante los siguientes treinta años, Armstrong llegó a actuar una media de trescientas veces
por año. En los años cuarenta, las big bands entraron en decadencia debido a los cambios
en el gusto del público: muchas salas de baile cerraron y entre los nuevos medios de
comunicación como la televisión y el auge de nuevos tipos de música, las big bands y el
swing pasaron a un segundo lugar. Se hizo imposible mantener y financiar orquestas
itinerantes de 16 músicos.
[editar] The All Stars
Hacia 1947, Armstrong redujo su banda a seis instrumentos, volviendo así al estilo
Dixieland que lo había hecho famoso al principio de su carrera. Este grupo fue llamado All
Stars y estaba formado por Armstrong (voz y trompeta), Jack Teagarden (trombón), Barney
Bigard (clarinete), Earl Hines (piano), Big Sid Catlett (batería) y Arvell Shaw (contrabajo).
Con ellos, Louis Armstrong se presentó el 13 de agosto de 1947 en el club Billy Berg's de
Los Ángeles. Por la agrupación pasaron otros músicos en diferentes etapas: Trummy
Young (quien tocó con Dizzy Gillespie desde 1944), Marty Napoleon, Billy Kille, Edmond
Hall, Danny Barcelona, Tyree Glenn y Barrett Deems. Durante este periodo, realizó
muchas grabaciones y apareció en alrededor de treinta películas.6
En 1964, Armstrong grabó el que sería su tema más vendido: «Hello, Dolly». La canción
obtuvo el puesto número uno en las listas de Estados Unidos, superando al grupo inglés
The Beatles. Armstrong también obtuvo por el disco un premio Grammy al Mejor Cantante
masculino y fue nominado a Mejor Disco del año. En este álbum se encuentra, también,
otro tema clásico de Armstrong: «Jeepers Creepers».
[editar] Fallecimiento
Armstrong tuvo trabajo hasta poco tiempo antes de su muerte y, aunque en ocasiones en sus
últimos años se inclinase hacia algunas interpretaciones triviales, en otras era capaz de
demostrar un todavía asombroso dominio de la técnica y de la intuición musical que dejaba
perpleja a su propia banda.
Entre sus numerosos destinos artísticos, estuvieron lugares de África, Europa y Asia, bajo
el patrocinio del Departamento de Estado de los Estados Unidos; el éxito fue tan grande
que terminó por ser conocido como «Ambassador Satch» (embajador Satch).
Debido a problemas de salud, restringió sus actuaciones a lo mínimo hacia el final de su
vida, aunque seguiría tocando hasta el día de su muerte.
Louis Armstrong sufrió un ataque al corazón en 1959, del cual se pudo recuperar para
seguir tocando. Pero un segundo ataque al corazón en 1971, le obligó a guardar reposo
durante dos meses. Se reunió nuevamente a tocar con su grupo el 5 de julio de ese mismo
año y, al día siguiente, en Corona, Queens (Nueva York) murió mientras dormía por
complicaciones de su corazón, justo un mes antes de cumplir 70 años.
[editar] Personalidad
Autógrafo de Louis Armstrong.
El apodo Satchmo, o Satch, es una abreviación de Satchelmouth («boca de bolsa»). En
1932, el entonces editor de la revista Melody Maker, Percy Brooks, saludó a Armstrong en
Londres diciendo «Hello, Satchmo!», abreviando Satchelmouth (probablemente, sin
intención), y tal apodo tuvo éxito. A comienzos de su carrera también era conocido como
Dippermouth («boca de cucharón»).
Ambas referencias tienen que ver con la forma en que embocaba su trompeta mientras
tocaba. La situaba sobre sus labios de tal forma que tras muchas horas de interpretación,
surgía en su labio superior una hendidura, de ahí el término «Dippermouth». Esta hendidura
se puede observar en muchos retratos de Louis de ese periodo y tuvo que ver con la
orientación de su carrera hacia el canto debido a que le llegó a suponer una traba a la hora
de tocar la trompeta. En cualquier caso, tras un periodo en que no la tocó, enmendó su
forma de tocar el instrumento y continuó con su carrera instrumental. Los amigos y algunos
músicos cercanos le llamaban también Pops, que es como Armstrong se dirigía
normalmente a ellos (excepto a Pops Foster, a quien siempre llamaba «George»).
El apodo «Satchmo» y la cálida personalidad sureña de Armstrong, combinados con su
apego natural al espectáculo y a la búsqueda de una respuesta en el público, condujeron a la
creación de un personaje público -la sonrisa, el sudor, el pañuelo- que terminó por ser al
final de su carrera un tanto afectado y, según muchos, casi una caricatura racista de sí
mismo.
Fue también criticado por aceptar el título de «King of The Zulus» (en la comunidad
afroamericana de Nueva Orleans, un título honorífico para el jefe del carnaval negro
Krewe, pero desconcertante y ofensivo para los foráneos por su vestido tradicional de falda
verde y maquillaje de negro intentando satirizar las actitudes sureñas blancas) en el Mardi
Gras de 1949.
La aparente insensibilidad racial de Armstrong al aceptar el título y el disfraz de King of the
Zulus han sido vistos en ocasiones como parte de un defecto mayor de Armstrong: donde
algunos vieron una personalidad gregaria e introvertida, otros veían a alguien que se
esforzaba por atraer al público blanco aun a costa de convertirse en una caricatura de
artista. Algunos músicos criticaron también a Armstrong por tocar ante audiencias
segregadas y por no tomar una postura clara en el movimiento por los derechos civiles,
sugiriendo que era un Uncle Tom (véase para el concepto asociado al término el artículo tío
Tom). Billie Holiday, por su parte, siempre le disculpaba subrayando en él su gran corazón.
Con todo, Louis Armstrong fue un apoyo financiero muy importante para el Dr. Martin
Luther King Jr. y para otros activistas por los derechos civiles, aunque siempre prefiriese
trabajar en esos asuntos de forma muy discreta, sin mezclar sus ideas políticas con su
trabajo como artista.
Las pocas excepciones en que no cumplió esta norma se convirtieron entonces en muy
efectivas: la crítica de Armstrong al presidente Eisenhower, llamándole «two-faced» (con
dos caras) y «cobarde» debido a su inacción durante el conflicto de la segregación racial
escolar en Little Rock, Arkansas, fue noticia nacional en 1957. También protestó
cancelando una gira por la Unión Soviética en nombre del Departamento de Estado
diciendo que «por la forma en que están tratando a mi gente en el sur, el gobierno podría ir
al infierno» y que él no podía representar a su gobierno fuera del país cuando estaba
manteniendo un conflicto con su propio pueblo.
Fue alguien especialmente generoso, hasta el punto de decirse de él que había gastado tanto
dinero en los demás como en sí mismo.
Por otra parte, Armstrong estuvo constantemente preocupado por su salud y por sus
funciones corporales. Utilizó con frecuencia laxantes como forma de controlar su peso, una
práctica que le llevó a fomentarla públicamente aportando su experiencia y opiniones en el
libro Lose Weight the Satchmo Way. El laxante favorito de Armstrong en su juventud era
Pluto Water, pero posteriormente se hizo un entusiasta del remedio natural Swiss Kriss, que
también publicitó siempre que se le quiso oír.
[editar] Música
Armstrong recibiendo un premio de manos de Joey Adams en Carnegie Hall.
En sus primeros años, Armstrong era conocido sobre todo por su virtuosismo con la corneta
y la trompeta. Su mejor sonido trompetístico se puede escuchar en las grabaciones con sus
Hot Five y Hot Seven. Las improvisaciones que hizo en aquellas grabaciones sobre
estándares del jazz de Nueva Orleans y sobre otras canciones populares del momento, han
resistido perfectamente el paso del tiempo hasta el punto de soportar la comparación con
cualquiera de las hechas por otros intérpretes posteriores.
La generación más antigua de jazzistas de Nueva Orleans se refieren con frecuencia a sus
improvisaciones como variaciones melódicas. Las improvisaciones de Armstrong fueron
novedosas y sofisticadas en su época, aunque eran sutiles y melódicas. Lo que normalmente
hacía era recomponer los temas populares que tocaba, haciéndolos más interesantes. El
toque de Armstrong está lleno de alegres, inspiradas y originales melodías, saltos creativos
y ritmos sutilmente relajados o dinámicos. El genio de estas composiciones tan creativas se
origina en la técnica interpretativa de Armstrong, conseguida tras una práctica constante
que amplió su gama, su tono y las capacidades de la trompeta. En estas grabaciones,
Armstrong casi llegó a crear sin ayuda de nadie el papel del solista de jazz, convirtiendo lo
que era en esencia una música colectiva de tipo folk en una forma de arte con enormes
posibilidades para la expresión individual.
La actividad de Armstrong en los años veinte le llevó a tocar más allá de los límites de sus
habilidades. Las grabaciones de los Hot Five, especialmente, presentan en ocasiones errores
y omisión de notas, aunque son difícilmente perceptibles para una audiencia subyugada por
unas actuaciones llenas de energía y espontaneidad. Hacia mediados de los años treinta,
Armstrong alcanzó una seguridad plena al tener conciencia de lo que podía hacer y al
realizar esas ideas con perfeccionismo.
A medida que su música progresaba y que su popularidad crecía, su canto también se
convirtió en importante. Armstrong no fue el primero en grabar scat, pero fue uno de sus
maestros y ayudó a popularizarlo. Consiguió un gran éxito con su interpretación de «Heebie
Jeebies», con momentos de scat, y grabó «I done forgot the words» («Puedo olvidar las
palabras») en mitad de su grabación de «I'm A Ding Dong Daddy From Dumas». Tales
grabaciones fueron éxitos y el canto scat se convirtió en parte importante de sus
actuaciones. Más allá de esto, no obstante, Armstrong experimentaba con su canto,
acortando o alargando las frases, insertando improvisaciones, usando su voz de forma tan
creativa como lo hacía con su trompeta.
Durante su larga carrera, tocó y cantó con los más importantes instrumentalistas y
vocalistas; entre ellos, con Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fletcher
Henderson, Bessie Smith y, especialmente, con Ella Fitzgerald. Su influencia sobre Bing
Crosby es particularmente importante con relación al consiguiente desarrollo de la música
popular. Armstrong grabó tres discos con Ella Fitzgerald: Ella and Louis, Ella and Louis
Again y Porgy and Bess para Verve Records. Sus grabaciones sobre temas de Fats Waller
en Satch Plays Fats y su disco Louis Armstrong Plays W.C. Handy en los años cincuenta
fueron quizá sus últimas grabaciones creativas realmente importantes, aunque grabaciones
posteriores como Disney Songs the Satchmo Way tiene sus momentos musicales relevantes.
En cualquier caso, sus últimas grabaciones son criticadas como simples o repetitivas.
Armstrong logró a lo largo de su carrera un gran número de grandes éxitos con sus
interpretaciones; entre ellos se cuentan «Stardust», «What a Wonderful World», «When
The Saints Go Marching In», «Dream a Little Dream of Me», «Ain't Misbehavin'»,
«Stompin' at the Savoy», «We Have All the Time in the World» (parte de la banda sonora
de la película de James Bond On Her Majesty's Secret Service y parte también de una
anuncio de 1994 de Guinness), etc.
En 1964, Armstrong desbancó a The Beatles de lo alto del Billboard Top 100 con «Hello,
Dolly», que proporcionó al intérprete de 63 años un récord en Estados Unidos al ser el
artista de mayor edad en conseguir un número 1. En 1968, consiguió otro gran éxito en el
Reino Unido con la altamente sentimental canción pop «What a Wonderful World», que
copó las listas británicas durante un mes, aunque en Estados Unidos no tuviese tanto éxito.
La canción caló todavía más en la conciencia popular cuanto fue usada en la película de
1987 Good Morning, Vietnam, alcanzando como consecuencia de ello una gran popularidad
en todo el mundo. También sería utilizada 9 años más tarde en la película Doce monos.
Armstrong se aproximó a muchos tipos de música, desde el blues más enraizado a los
arreglos más almibarados de Guy Lombardo, desde las canciones folk hispanoamericanas a
sinfonías y óperas clásicas. Armstrong incorporó influencias de todas estas fuentes en sus
interpretaciones, a veces provocando el aturdimiento de sus fans, que querían que el artista
se mantuviese en una línea más convencional. Armstrong fue situado en el Rock and Roll
Hall of Fame al ser considerado como una de sus primeras influencias. Algunos de sus
solos de los años cincuenta, como por ejemplo la roquera versión del «Saint Louis Blues»
del disco con WC Handy, muestran que la influencia fue recíproca.
[editar] Influencia y legado
Louis Armstrong.
La influencia de Armstrong en el desarrollo del jazz es virtualmente inabarcable. Incluso se
puede decir que a causa de su desbordante personalidad, tanto como figura pública en sus
últimos años como intérprete, su contribución como músico y cantante ha podido ser
infravalorada.
Como trompetista virtuoso, Armstrong tenía un toque único y un extraordinario talento para
la improvisación melódica. A través de su toque, la trompeta emergió como un instrumento
solista en el jazz. Fue un magnífico acompañante y músico de grupo, aparte de sus
extraordinarias cualidades como solista. Con sus innovaciones, elevó el listón musical para
todos los que vinieron detrás de él.
A Armstrong se le considera el inventor de la esencia del canto jazzístico. Tenía una voz
extraordinariamente peculiar, grave y rota, que desplegaba con gran destreza en sus
improvisaciones, reforzando la letra y la melodía de una canción con propósitos expresivos.
Fue también un gran experto en el scat, e incluso de acuerdo con algunas leyendas lo había
llegado a inventar él durante su grabación de «Heebie Jeebies» al verse obligado a
improvisar sílabas sin sentido al caérsele las partituras al suelo. Billie Holiday, Bing Crosby
y Frank Sinatra son ejemplos de cantantes influenciados por él.
Armstrong apareció en más de una docena de películas de Hollywood (aunque en pocas con
cierta relevancia), habitualmente de director de banda o como músico. Fue el primer
afroamericano en protagonizar un espectáculo radiofónico de ámbito nacional en los años
treinta. Realizó también apariciones televisivas, especialmente en los cincuenta y sesenta,
entre las que se incluyen apariciones en el The Tonight Show de Johnny Carson. Louis
Armstrong tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 7601 Hollywood
Boulevard.
Muchas de las grabaciones de Armstrong siguen siendo populares. Más de cuatro décadas
después de su muerte, un gran número de ellas de todos los periodos de su carrera están
accesibles al público en una forma que no lo estuvieron en vida de él. Sus canciones son
emitidas y escuchadas habitualmente, y son honradas en películas, series de televisión,
anuncios, e incluso en anime y juegos de ordenador. «A Kiss to Build a Dream on» fue
incluida en el juego de ordenador Fallout 2, como acompañamiento de la introducción. Sus
grabaciones con Joe Oliver y su Creole Jazz Band continúan siendo escuchadas como
documentos del estilo grupal del jazz de Nueva Orleans. Demasiado a menudo, sin
embargo, de Armstrong sólo queda su toque sublime de trompeta en medio de orquestas
planas y convencionales. «Melancholy Blues», interpretada por Armstrong y sus Hot
Seven, fue incluida en el Voyager Golden Record y enviada al espacio como representante
de los más grandes logros de la humanidad.
Armstrong fundó una fundación no lucrativa para la educación musical de niños
discapacitados y legó su casa y lo sustancial de sus archivos de escritos, libros, grabaciones
y recuerdos a la City University del Queens College de Nueva York, todo ello una vez que
se hubiese producido también la muerte de su mujer Lucille. Los Archivos de Louis
Armstrong están abiertos a los investigadores y su casa fue abierta al público como museo
el 15 de octubre de 2003.
El principal aeropuerto de Nueva Orleans lleva como nombre Aeropuerto Internacional
Louis Armstrong.
[editar] Discografía









1923: Louis Armstrong and King Oliver (Milestone)
1923: Clarence Williams' Blue Five (CSB)
1928: Hot Fives And Sevens, Vol. 3 (JSP)
1931: Stardust (Portrait)
1933: Louis Armstrong Sings the Blues (RCA)
1947: Satchmo at Symphony Hall, Vol. 2 [live] (Decca)
1949: Satchmo Serenades (Polygram Records)
1951: Satchmo at Pasadena [live] (Decca)
1954: Louis Armstrong Plays W.C. Handy (Columbia/Legacy)






















1955: Louis Armstrong at the Crescendo, Vol. 1 [live] (Decca)
1955: Ambassador Satch (Columbia/Legacy)
1955: Satch Plays Fats: The Music of Fats Waller (Sony)
1955: Satchmo the Great (Sony)
1956: Ella and Louis (Polygram Records)
1956: Pasadena Civic Auditorium June 20, 1956 (Giants of Jazz)
1956: High society
1957: Porgy & Bess (Polygram Records)
1957: Ella and Louis Again (Polygram Records)
1957: Louis Armstrong Meets Oscar Peterson (Polygram Records)
1957: Louis and the Angels (Umvd Labels)
1959: The Five Pennies (Decca)
1960: Happy Birthday, Louis! Armstrong & His All-Stars (Omega)
1960: Satchmo Plays King Oliver (Varese Sarabande)
1961: Together for the First Time [With Duke Ellington] (Roulette)
1963: Hello, Dolly! (Mca)
1968: What a Wonderful World (Verve)
1968: Disney Songs the Satchmo Way (Disney)
1969: On Her Majesty's Secret Service (Capitol). BSO de 007 al servicio de su majestad.
2002: The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Seven Recordings (Columbia/Legacy)
2002: Satchmo Live (Orpheus Records)
2006: Complete New York Town Hall & Boston Symphony Hall Concerts (DeFinitive