El libro de las comedias

El libro de las comedias
Espectáculo para violonchelo, piano, siete bailarines y narradora
Guión:
Música:
Ana Hernández-Sanchiz
Bach, Beethoven, Brahms, Debussy, Saint-Saëns, Schumann,
Shostakovitch y Stravinsky
G U Í A
D I D Á C T I C A
Ana Hernández Sanchiz
El li bro de las Com e dias
Índice
1. El espectáculo
3
2. Los intérpretes
3
3. La danza contemporánea
4
4. La Commedia dell’arte
5
5. El violonchelo
8
6. El piano
9
7. La música: sonatas, suites... y carnavales
10
Actividades
1. A dúo
16
2. ¿Bailas?
17
3. Siete cuentos y otros sueños...
18
4. Imágenes soñadas
19
5. Cine en danza
21
Referencias bibliográficas
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2010 © Ana Hernández Sanchiz
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1. El espectáculo
Algunas personas no pueden dormirse si no leen antes una historia con la que después
soñar. Y algunas de esas personas eligen libros que contengan siete historias: un cuento
para cada día de la semana. Nosotros hemos elegido uno de esos libros, protagonizado
por los personajes de la Commedia dell’arte italiana.
Sucesivamente, la narradora va contando uno a uno los cuentos. Después de cada
historia, se queda dormida. Entonces, sueña con los personajes de la Commedia, aunque
ya se sabe... los sueños transforman la realidad y las historias... y éstas se desarrollan de
forma imprevisible. ¿Soñamos en blanco y negro... o en color? ¿Tienen nuestros sueños
banda sonora? En este caso, la tienen. Cada ensoñación irá acompañada de una de las
piezas musicales programadas.
De este modo, las historias contadas por la narradora podrán desarrollarse de forma
sorprendente a través de las coreografías que se estrenarán. El sueño abre la caja de
Pandora: los personajes pueden mantenerse o variar, los sucesos tal vez ocurran al revés
de lo leído... la narración onírica abre mil caminos imprevistos.
Efectivamente, hablamos de coreografía porque se trata de un espectáculo de danza con
mayúsculas: Danza Contemporánea con Música en Directo, composiciones de diversos
autores, para violonchelo y piano.
2. Los intérpretes
Los bailarines y las bailarinas recrearán la versión onírica de las historias, esos “cuentos
soñados” que comienzan cuando termina la palabra...
En la parte musical, la violonchelista Maitane Iturri y el pianista Francisco Luis Santiago nos
acercarán la hermosa música que compositores de la talla de Bach, Beethoven, Brahms,
Debussy, Saint-Saëns, Schumann, Shostakovitch y Stravinsky escribieron para ese dúo de
instrumentos: el violonchelo y el piano.
Por último, Belén Otxotorena y Ana Hernández Sanchiz, colaboradoras habituales de
Música en Acción, serán las encargadas de contarnos los siete cuentos y, además, no
tendrán ningún problema en compartir con todos vosotros sus sueños...
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3. La danza contemporánea
La danza contemporánea es un estilo de baile basado en la técnica del ballet clásico
aunque, precisamente, nace a principios del siglo XX como una reacción en contra de las
rígidas posiciones y los movimientos estilizados de la técnica clásica.
Este tipo de lenguaje coreográfico tiene un claro objetivo de comunicación: los
movimientos se sincronizan con la música con la intención de transmitir una emoción, una
idea o un pensamiento que permiten la conexión, el diálogo entre el bailarín y su público.
Mientras la danza clásica sigue manteniendo los mismos principios y técnica, aunque con
una lógica evolución, la danza contemporánea comenzó a forjar técnicas y estilos propios,
separados de la base clásica y basados en conceptos diferentes (peso, desequilibrio,
espacio, cualidades del movimiento, etc).
Según muchos, esta danza se define más a través de lo que no es que de lo que es. En la
danza contemporánea la dinámica del cuerpo proviene de la energía de la persona
haciendo que el movimiento alcance cada parte del cuerpo. El espacio es utilizado como
una vía natural de expresión a través de cada gesto y del dinamismo del movimiento.
Influenciada por diferentes estilos que fueron desarrollados durante el último siglo en
América y Europa, sólo uno de ellos es permanente en la danza contemporánea de hoy:
la libertad. Su ejecución no sólo se desarrolla en posición vertical, es tan rica que se
pueden usar diferentes posiciones y niveles.
La forma en la que ocurre es siempre caracterizada por la simplicidad y elegancia de su
técnica.
Comparando...
Danza Clásica
Danza Contemporánea
Las formas siempre son estilizadas y bellas
Las formas muestran lo bonito y lo feo de la vida
El cuerpo necesita tener unas proporciones
concretas y desde niños se trabaja en eso
No existe un canon físico: el cuerpo puede pesar o
medir lo que sea mientras esté fuerte y flexible
Los pasos básicos están rígidamente definidos
Se trabaja en todos los niveles, incluyendo también
el suelo y los saltos
Hay muchos estilos de pasos
La coreografía sigue una historia y tiene varios
personajes
La coreografía se basa en la expresión de ideas y
sentimientos
Se baila con ropas y zapatos especiales
Se baila con todo tipo de ropa y, por lo general,
descalzos
Se trabaja con movimientos elevados y saltos
En el pas de deux, el hombre carga a la mujer en
formas y figuras definidas
Uno o más hombres cargan a la mujer o a otros
hombres de maneras inusitadas.
Incluso la mujer carga al hombre
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4. La Commedia dell’Arte
La Commedia dell’Arte es un género teatral surgido en Italia a mediados del S.XVI y que
prácticamente desapareció a comienzos del XIX, si bien en la segunda mitad del siglo XX
experimentó una recuperación historicista, que perdura hasta nuestros días.
Los actores no están sujetos a un guión determinado, sino que son libres para improvisar
a partir de los lazzi (situaciones cómicas que desencadenan la trama). Estos actores saben
también bailar, cantar, tocar instrumentos... El mimo y la acrobacia eran de gran
importancia en la representación, que habitualmente tenía por asunto el amor de una
pareja obstaculizado por sus padres, por un viejo libidinoso o personajes similares. Los
actores se especializaban en un personaje y lo interpretaban durante toda su vida.
En sus orígenes, las compañías estaban formadas por familias en las que las mujeres
interpretaban los personajes femeninos, cosa poco habitual en aquella época en que la
escena estaba vetada para ellas. Estas compañías tenían carácter itinerante y siempre
estaban de actualidad, porque transformaban sus intervenciones dependiendo del lugar y
del momento. Las actuaciones se llevaban a cabo en todo tipo de espacios: teatros,
salones de la corte y, sobre todo, en plazas y calles al aire libre.
La Commedia dell’Arte cuenta con un nutrido grupo de
personajes que aparecen en todas las representaciones.
Cada uno tiene su personalidad, vestuario y movimientos
propios. Son características sus máscaras de cuero en las
que el tamaño y forma de la nariz define la psicología del
personaje. Los únicos que aparecen en escena sin
máscara son los personajes femeninos y el Enamorado.
Tipos de la Commedia:
- Los Zanni o criados. Es el grupo principal y el más
numeroso. Entre ellos hay todo tipo de caracteres:
Arlecchino (insolente y algo estúpido, aunque tierno) y su
compañera Colombina (ingenua y pícara), Brighella
(astuto), Truffaldino (torpe), Pulcinella (tan pronto listo
como tonto)...
- Los viejos libidinosos o cómicos: Pantalone, el Dottore, Tartaglia.
- El militar presuntuoso: el Capitano.
- Los enamorados: Florindo e Isabella.
- La altiva Signora, muy segura de sí misma.
En nuestro Libro de las Comedias encontraremos a algunos de estos personajes y algunas
de las situaciones que, tradicionalmente, les toca vivir en la Commedia dell’Arte. En
ocasiones aparecerán solos y, otras veces, en conflicto con otros personajes:
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Arlechino
Criado especializado en provocar enredos y desarrollar
intrigas en favor de su amo. Destaca por sus habilidades
físicas y acrobáticas (saltos, volteretas...), por su gran retórica
verbal y por una gestualidad muy sistematizada. Suele
aparecer con un traje multicolor de motivos geométricos,
cuyo origen está en una tela muy remendada.
Persigue sin pudor a las criadas, especialmente a Colombina.
Colombina
Joven y humilde criada, aparentemente ingenua, dotada en el
fondo de gran malicia y picardía. Variantes de Colombina son
Coralina y Esmeraldina (más dinámica y más intrigante
respectivamente).
Sigue el juego del coqueteo de Arlecchino aunque, como ella
es más inteligente, acaba llevando las riendas de la situación.
Pantalone
Anciano que no acepta su edad y se convierte, a menudo, en
rival de su propio hijo. Es la personificación del mercader
veneciano, tacaño y usurero, deseoso de lograr en su
madurez o ancianidad el amor que no alcanzó en su
juventud, y destinado a ser engañado por la esposa, la hija o
la amante. Suele lucir una barba puntiaguda, calzas rojas,
zapatos a la turca y una capa negra.
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Capitano
Proviene del Miles Gloriosus de Plauto. Es un fanfarrón y
un charlatán en busca siempre de la conquista femenina,
aunque suele salir burlado e, incluso, apaleado.
Aunque hay muchas variantes, desde el de uniforme
impecable al más desastrado, su tipo físico tiene mucho
que ver con un gallo. Su máscara suele tener una larga
nariz, muy a menudo de apariencia fálica.
Pulcinella
Es un criado, de origen napolitano. Es especialista en
enredarse en discusiones estúpidas y peleas con
cualquiera: el hostelero, el doctor, el recaudador de
impuestos, el resto de criados...
Intenta hablar un idioma depurado (en origen italiano
toscano), pero acaba diciendo una ristra de
despropósitos.
Suele ir vestido de blanco, con un gran sombrero
puntiagudo. Físicamente, es un tipo barrigón y algo
jorobado.
Enamorados
Los enamorados suelen ser hijos de
Pantalone o el Doctor, y traen a sus
padres de cabeza por conseguir
casarse. Son la representación del
amor puro y resultan siempre
románticos. Aman, se pelean, se
reconcilian y por lo más mínimo se
vuelven a enfadar. Estos personajes
son los que más sufren a lo largo de
la pieza, pero no por su culpa, sino
por equívocos que interpretan mal.
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5. El violonchelo
El chelo es un instrumento de cuerda frotada: el sonido se produce al frotar
alternativamente sus cuatro cuerdas con un arco sujeto con la mano derecha, mientras los
dedos de la mano izquierda presionan las cuerdas. Su registro sonoro se encuentra entre
la tesitura de la viola y la del contrabajo. Por su tamaño, los intérpretes tocan sentados,
con el violonchelo sujeto entre las piernas y apoyado en el suelo por la pica.
Como en el resto de instrumentos de cuerda frotada, los efectos que se pueden
conseguir utilizando diferentes técnicas de arco (dobles cuerdas, stacatto, col legno,
legato, etc.) y de mano izquierda (armónicos, glissando, vibrato...) son muy variados, como
podremos comprobar en el concierto. Una de las técnicas más usuales y efectistas es la
del pizzicato, que consiste en tocar las cuerdas con los dedos, en lugar de con el arco.
El sonido del violonchelo está considerado como uno de los más parecidos a la voz
humana.
¿Sabes que el violonchelo tiene un “alma” en su interior?
¿Quieres ver un violonchelo por dentro? Pincha aquí:
http://www.kalipedia.com/popup/popupWindow.html?tipo=flash&titulo=Violonchelo&flash_width=620&fl
ash_height=456&url=/kalipediamedia/artes/media/200704/30/musica/20070430klpartmsc_1.Ges.SWF.swf
&popw=644&poph=416
Cu erd as al air e
Extensión
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6. El piano
Bartolomeo Cristofori, alrededor del año 1700, creó un instrumento de teclado capaz de
producir sonidos suaves y fuertes; de ahí que le diera el nombre de pianoforte. Diseñó un
complejo mecanismo mediante el que, al pulsar las teclas, se activan una serie de macillos
forrados con fieltro que golpean otras tantas cuerdas de acero. Por eso se clasifica como
un instrumento de cuerda percutida.
Interio r de un piano
Las cuerdas se instalan dentro de un arpa metálica en el interior de
la caja de resonancia. El teclado lo forman entre 85 y 88 teclas
blancas y negras, según los modelos. El piano, además, consta de dos
pedales: el pedal derecho permite que los sonidos se prolonguen y
mezclen. El izquierdo hace posible la ejecución en sordina, es decir,
con una intensidad general más suave.
Extensión de l piano
El hecho de poder tocar una nota diferente con cada dedo proporciona al piano una
enorme capacidad expresiva como solista o acompañando a otros instrumentos, a
cantantes o a una orquesta. Franz Liszt, uno de los más grandes intérpretes y
compositores de música para piano, lo expresó así de bien: «En el espacio de sus siete
octavas, el piano comprende la extensión de una orquesta; los diez dedos de un solo hombre
bastan para completar las armonías producidas por cien instrumentos.»
Aunque los mejores pianos son los de cola, como los que se utilizan en las salas de
concierto, los más extendidos son los pianos verticales, por su menor precio y el espacio
más reducido que requieren.
Piano de co la
Piano vert ical
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7. La música: sonatas, suites... y carnavales
En el concierto escucharemos música de varios autores y estilos, desde el Barroco (J. S.
Bach), hasta llegar al siglo XX (Stravinsky y Shostakovich).
Sonatas...
La mayoría de las piezas que escucharemos pertenecen a algunas de las más importantes
sonatas escritas para violonchelo y piano; curiosamente, en todos los casos hemos
seleccionado el segundo movimiento:
! J. Brahms.
Sonata para chelo y piano, op. 38.
(II. Allegretto quasi Menuetto)
Brahms compuso los dos movimientos iniciales en el verano de 1862, además de un
Adagio que desechó posteriormente. El último movimiento, en cambio, fue
compuesto en 1865. En esta sonata, el compositor no contemplaba al piano como
un mero acompañante del violonchelo, sino como un compañero en igualdad de
condiciones, un auténtico dúo. Éste es el comienzo del movimiento:
Como curiosidad, la obra está dedicada a Josef Gänsbacher, profesor de canto y
chelista aficionado. Ambos interpretaron la obra ante un grupo de amigos;
Gänsbacher se quejó de que Brahms tocó el piano tan fuerte que no se oía al chelo.
“Por suerte para ti”, gruñó Brahms, abandonando enfadado el piano.
Para ver una grabación de esta pieza, interpretada por Anna Litvinenko (14 años) al
violonchelo y Sahily Canovas al piano, pinchad el siguiente enlace:
http://www.youtube.com/watch?v=kjtntEhdA-I&feature=related
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! C. Debussy
Sonata para violonchelo y piano (II. Serenade)
Se trata de una obra tardía del compositor francés, escrita en 1915. Fue la primera de
un proyecto de serie de “Seis Sonatas para instrumentos diversos”, aunque finalmente
Debussy sólo completó otras dos: la Sonata para violín y la Sonata para flauta, viola y
arpa. Es una obra muy breve, ya que su interpretación completa no se extiende más
allá de los 11 minutos. Esta sonata es una de las piezas clave del repertorio para
violonchelo moderno y se la considerada como una de las obras maestras escritas para
este instrumento.
El comienzo de este segundo movimiento Serenade nos muestra una gran variedad de
efectos, ejecutados en pizzicato, a través de los cuales el sonido del chelo se funde por
momentos con el sonido de las cuerdas del piano:
Podéis disfrutar de una grabación de esta pieza, en interpretación de Mischa Maisky al
violonchelo y Martha Argerich al piano, a través del siguiente enlace:
http://www.youtube.com/watch?v=z8PSgkorMdA&feature=related
! D. Shostakovich
Sonata en re m para violonchelo y piano, op.40
(II. Allegro)
Esta sonata fue una de las primeras obras del músico ruso, que la compuso en 1934 en
apenas dos semanas, en un momento de gran agitación emocional: tras enamorarse de
una joven estudiante durante el montaje de su Lady Macbeth en el festival de
Leningrado, se divorció de su esposa, Nina, con la que volvió a casarse al poco tiempo.
Dedicó la obra a su amigo el chelista Viktor Kubatsky, con quien la estrenó en Moscú.
El segundo movimiento tiene la energía del movimiento perpetuo, empujado por un
ostinato en el chelo, mientras que el piano presenta un tema delicado y casi
incongruente, en octavas muy separadas entre sí, una sonoridad de uso frecuente de
Shostakovich. Escuchad este movimiento en la siguiente versión de Mischa Maisky y
Martha Argerich:
http://www.youtube.com/watch?v=-g6G4vrrH5M&feature=related
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! L.V. Beethoven
Sonata nº III para chelo y piano op. 69
(Scherzo)
Esta sonata, escrita en el periodo más productivo del compositor alemán (1808),
consta de tres movimientos organizados de una forma no habitual para la época (lento
– rápido – lento, en lugar de la estructura típica rápido – lento – rápido).
Curiosamente, a principios del siglo XIX las sonatas para piano y otro instrumento se
denominaban por lo general sonatas para piano con acompañamiento instrumental. Esto
era especialmente marcado en el caso de las sonatas con violonchelo, ya que surgieron
de las sonatas para bajo continuo. Por eso, era habitual que el chelo duplicase la parte
de la mano izquierda del piano, mientras éste con la derecha interpretaba las melodías.
En el caso del Scherzo, escrito en el relativo menor (la m), destaca la alternancia de
temas entre los instrumentos, los acentos rítmicos irregulares y el trío, que se escucha
dos veces.
Escuchad la histórica versión de dos maestros: el violonchelista Mstislav Rostropovich y
el pianista Sviatoslav Richter.
http://www.youtube.com/watch?v=dHrOHgbrtCw&feature=related
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Suites...
Dos de las piezas del concierto pertenecen a sendas suites, aunque su origen es muy
diferente. En el barroco, la suite era una pieza musical compuesta por varios
movimientos breves basados en distintos tipos de danzas de la época. Solían comenzar
con un preludio, al que seguían Allemande, Courante, Zarabanda, Bourrée y Giga,
alternándose así los tiempos lentos con los ritmos rápidos.
Más adelante, a partir del siglo XIX, aparece otro tipo de suite, basada en el ballet o la
música incidental. Los compositores realizan una selección de algunos de los números
más destacados de la música escénica y los reúnen en una suite orquestal de concierto.
! J. S. Bach
Cello Suite nº3 (Giga)
Las seis suites para violoncello solo de Bach, compuestas entre 1717 y 1723 en su
puesto de maestro de capilla en Cöthen, son algunas de las obras más conocidas e
interpretadas del repertorio para violonchelo solista. Además, han sido transcritas para
numerosos instrumentos (violín, viola, contrabajo, guitarra, marimba, piano, trompeta,
trompa, clarinete, fagot...).
La Giga es una danza cortesana de carácter animado, procedente de Francia, que
suele aparecer al final de las suites. En el teatro inglés también se acostumbraba a
poner fin a las representaciones con una Giga. Generalmente, es una danza en 3/8,
aunque también aparecen otros compases derivados (6/8, 6/4, 9/8...). En ocasiones, el
carácter animado del baile se consigue acentundo el tercer tiempo de cada compás:
Podéis escuchar la versión de un estupendo solista: Mischa Maisky.
http://www.youtube.com/watch?v=2BWWotMZCPI&feature=PlayList&p=333648B9C
97EB631&playnext_from=PL&playnext=1&index=17
! I. Stravinsky
Suite Italiana para violonchelo y piano (Serenata)
Esta suite proviene del Ballet Pulcinella, realizado por encargo de Diaghilev y estrenado
en París en 1920 con vestuario y decorados de Pablo Picasso. Para la suite orquestal,
Stravinsky seleccionó algunos de los números instrumentales, excluyendo todos los
vocales. Posteriormente creó varias versiones de cámara – violín y piano (1925),
violonchelo y piano (1932-33) y violín y piano (1934).
La serenata es una pieza melancólica y sugerente que podéis escuchar a través del
siguiente enlace (a partir del minuto 2’58”) en interpretación de Misha Quint al
violonchelo y Sventlana Gorokovich al piano:
http://www.youtube.com/watch?v=wn19hMCVzB0
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... y Carnavales
Las dos obras que completan el programa del concierto proceden de dos colecciones de
piezas breves que se agrupan bajo una denominación común: Carnaval. La primera de
ellas es una pieza para piano solo de Schumann y está basada precisamente en los
personajes de la Commedia dell’Arte. La segunda, de El carnaval de los animales de SaintSaëns, es original para violonchelo y piano a cuatro manos.
! R. Schumann
Carnaval Op.9 (Preámbulo)
Esta obra se subtitula Scenes mugrones sur Quatre notes, porque fue compuesta en su
mayor parte en torno a las notas A, S, C, H (La, Mib, Do, Si en nomenclatura
alemana), que forman el nombre de una aldea de Bohemia, en donde tenía una amiga.
Curiosamente, son además las únicas letras “musicales” de su apellido. Los títulos de
las 21 piezas breves que componen la serie fueron agregados posteriormente.
Se trata de una galería musical de máscaras carnavalescas, dedicadas a los personajes
de las antiguas comedias del arte italianas. Precisamente, el Preámbulo de esta
colección servirá también para abrir el espectáculo, con su carácter alegre y solemne a
un tiempo:
Os ofrecemos el enlace a la interpretación de esta pieza por el pianista Claudio Arrau:
http://www.youtube.com/watch?v=dC0JAWQsZwM
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! C. Saint- Saens
El carnaval de los animales
(El Cisne)
Subtitulado Gran fantasía zoológica, es una obra formada por 14 pequeñas piezas. Cada
una de ellas, a excepción de la última, evoca musicalmente un animal. Eso, claro está, si
aceptamos de buen grado la broma de Saint-Saëns de incluir a los pianistas entre la
fauna de su carnaval...
A pesar de ésta y otras bromas, la seriedad del compositor francés le llevó a prohibir
que esta obra humorística se editara mientras él vivía, salvo la pieza que escucharemos
en el concierto, El Cisne. Sin embargo, cuando murió dejó escrito en su testamento
que El carnaval de los animales podía ser publicado por sus editores habituales.
Seguramente no sospechaba que esta obra se iba a convertir en la más famosa de
todas cuantas escribió.
Las diferentes piezas están compuestas para combinaciones instrumentales diversas. La
partitura original del Cisne, concretamente, fue escrita para piano a cuatro manos y
violonchelo (en el concierto la escucharemos en la versión del autor para un sólo
pianista):
Os proponemos escuchar una versión orquestal de esta pieza, en la que la Boston
Pops Orchestra, dirigida por John Williams, acompaña al gran violonchelista Yo-Yo Ma:
http://www.youtube.com/watch?v=zNbXuFBjncw&feature=related
Esta pieza está muy relacionada con el mundo de la danza clásica, por la famosísima
coreografía de la gran Anna Pavlova La muerte del cisne:
http://www.youtube.com/watch?v=qE1FR-Dj5K4&feature=related
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ACTIVIDADES
1. A dúo
La mayoría de las piezas musicales que escucharemos en el concierto están interpretadas
a dúo por el violonchelo y el piano. Están compuestas por algunos de los más grandes
compositores de la historia de la música: Beethoven, Brahms, Debussy, Stravinsky,
Shostakovich, Saint-Saëns...
-
Escuchad las obras y reconoced el timbre de un instrumento y otro. ¿Tocan
siempre a la vez? ¿Te parece que uno de los dos hace el papel protagonista o que
ambos se reparten los papeles por igual? ¿Todas las piezas son iguales en este
aspecto?
- Aquí tenéis el comienzo de una de las partituras que se interpretarán. Como
veréis, el violonchelo utiliza un pentagrama, mientras el piano requiere dos, uno
para cada mano. Fijaos también en la clave en la que se escribe la parte del
violonchelo y la mano izquierda del piano. Es la clave de fa en 4ª. ¿La conocíais?
Vuestro profesor podrá explicaros cuál es su función y en qué casos se utiliza.
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2. ¿Bailas?
Para bailar acompañados de música (como veremos, no es imprescindible para la danza),
podemos fijarnos en otros elementos además del ritmo o la melodía. Por ejemplo...
Los instrumentos
¿Cómo se toca el violonchelo? ¿Y el piano?
Fijaos en la coreografía que os muestra este vídeo de la
Compañía Nacional de Danza, sobre la Cello Suite nº1 de Bach:
Multiplicidad. Formas de silencio y vacío. Nacho Duato 1999.
http://www.alhma.com/realaudio/multi/multi.htm
-
Escoged alguna de las obras del concierto, o bien otras del repertorio para piano y
violonchelo (solistas o en dúo) y explorad las posibilidades expresivas que os
sugieran los gestos de los instrumentistas, la forma de los instrumentos, etc.
El timbre
-
Intentad bailar adaptando vuestros movimientos al timbre de un violonchelo o de
un piano, como si quisierais que se asemejaran a él. Tendréis que trabajar las
cualidades del movimiento: pesado, flotante, ligero, cortado... Para empezar,
trabajad con música para cada instrumento en solitario.
- Dividíos en grupos: chelos y pianos. Escuchad música interpretada por ambos
instrumentos a dúo. Fijaos cómo se alternan, si hay preguntas y respuestas, si uno
realiza una melodía principal mientras el otro acompaña, si hay solos... Seguid estas
pautas.
- Realizad el ejercicio anterior con una de las obras del concierto: “El cisne”
En el encabezamiento de esta actividad decíamos que la danza no necesita estar siempre
acompañada de música, también podemos bailar en torno a otro tipo de sonidos no
musicales, en silencio o, por ejemplo, sobre poemas o textos de todo tipo.
-
Buscad (o escribid vosotros mismos) poemas o textos en prosa relacionados con
el concierto: sobre el piano o el violonchelo, sobre los personajes de la
Commedia dell’Arte... Elegid uno o varios narradores que los lean con intención,
expresividad, buena articulación... Este aspecto será imprescindible para que la
cadencia del texto os inspire el movimiento.
-
Una vez hayáis trabajado con el texto a nivel de movimiento espontáneo
(improvisación), podéis crear una coreografía, es decir, seleccionar y
organizar en una composición los movimientos improvisados previamente.
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3. Siete cuentos y otros sueños...
El espectáculo habla de un libro que contiene siete cuentos, uno para cada día de la
semana. Podemos utilizar este concepto para escribir nuestras propias historias partiendo,
por ejemplo, de los nombres de los días.
!
Tomad las primeras letras de cada día y construid una narración a partir de ellas.
También podéis hacer una propuesta común de comienzo y continuar cada uno
con vuestro cuento a partir de ahí. Aquí tenéis unos ejemplos que podéis utilizar:
LUN_a llena en el cielo y frío en las calles; eso es lo que recuerdo de aquella fatídica noche...
MART_a era una niña parecida a otras niñas; sin embargo...
MIE_nten los que digan que no tienen miedo a nada. Incluso el famoso Juan Sin Miedo...
JUE_gos de mesa revueltos, muñecas y tebeos se esparcían por el suelo de la habitación de
los niños... parecía que un huracán la hubiera asolado...
VIE_nes esta tarde al bosque conmigo? Tengo que visitar a mi abuelita, le dijo Caperucita Roja
a su amiga Maribel...
SAB_rosos manjares llenaban la mesa preparada para el banquete nupcial de los Príncipes de
Aquisgrán...
DOMI_sol... do! cantaba alegremente Nacho al entrar al aula de música, sin saber que su
peor pesadilla estaba a punto de comenzar ...
!
Otra fórmula que podéis utilizar es el microrrelato, un cuento muy breve, de
apenas unas frases. Construidlos a partir de acrósticos creados con los nombres
de los días de la semana. Ahí va un ejemplo:
L os genios del valle
U nieron sus fuerzas aquella noche...
N adie confiaba en ellos.
E ran débiles... decían. Sin embargo, juntos
S alvaron su reino de la Oscuridad Eterna.
Otros sueños... Transformar vuestros propios cuentos u otros tradicionales que
conozcáis, como si aparecieran deformados en un sueño. Seguramente los personajes se
comportarán de forma diferente a la habitual, cambiará su carácter, o su aspecto físico; el
lugar donde sucede la historia también será extraño; es posible que vosotros mismos os
veáis convertidos en protagonistas del cuento... Dejad volar la imaginación.
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4. Imágenes soñadas
El surrealismo es el movimiento artístico más relacionado con el mundo de los sueños y de los
escenarios oníricos que éstos producen en nuestra imaginación. André Bretón, autor del Primer
manifiesto surrealista, escrito en Paris en 1924, destacaba la importancia del sueño, de los sueños,
en la naturaleza humana. En su opinión, debemos ser capaces de liberar la fuerza del inconsciente
también cuando estamos despiertos, superando las leyes de la lógica. Sólo así conseguiremos una
libertad absoluta, a nivel existencial y expresivo.
En los sueños, como en la pintura, todo es posible. De hecho, una de las razones del arte
es hacernos soñar, abrir nuestra mente a otras realidades, mostrarnos caminos que nos
ayuden a mejorar en nuestro día a día... Ya lo decía André Breton: “La imaginación es lo
que tiende a volverse realidad...”
-
Al igual que en el espectáculo, donde la historia original es deformada por el
sueño, podéis seleccionar fotografías o cuadros que os gusten y transformarlos,
convirtiéndolos en la “escenografía de un sueño”, fuera de toda lógica...
-
Si recordáis con cierta claridad alguno de vuestros sueños, tratad de plasmarlo en
una obra plástica, con la técnica que más os guste u os encaje.
-
Fijaos ahora en las tres obras surrealistas que os proponemos:
! Leed el título de la obra, que aparece
abajo. Si os fijáis bien, veréis que
aparecen representados tanto el hecho
real como el sueño que provoca...
¿dónde observáis uno y otro?
! ¿Qué tienen que ver los tigres con la
abeja? ¿Por qué creéis que Dalí los
incluyó en su obra?
! Casi
todos los objetos y seres
representados aparecen flotando, sin
tocar el suelo. ¿Cómo consigue
transmitir esto el pintor?
! ¿Alguna vez os ha ocurrido que un
sonido u otra sensación real sentida
mientras dormíais ha pasado a formar
parte de un sueño... o una pesadilla?
Salvador Dalí (1944)
“Sueño causado por el vuelo de una
abeja alrededor de una granada un
segundo antes del despertar...”
2010 © Ana Hernández Sanchiz
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El li bro de las Com e dias
Remedios Varo (1962)
“Fenómeno”
! ¿Cuál es el extraño fenómeno que muestra esta
obra? ¿Se os ocurren más imágenes que puedan
poblar este “mundo al revés”?
! La autora recrea un ambiente misterioso, un
poco inquietante... ¿cómo lo consigue?: la gama de
color, la neblina de la parte superior, el personaje
que observa desde la ventana, las miradas fijas...
! Tal vez no hayáis reparado en los adoquines que
flotan abajo, a la derecha... ¿cómo logra plasmarlo
la artista? ¿qué creéis que les ha hecho salir de su
lugar?
René Magritte (1928)
“Intermission”
! Esta última obra tiene un componente escénico
muy marcado, ¿no os parece?: el telón, la
iluminación, los “cuerpos” creando una
composición muy plástica... Trabajad sobre ella a
nivel de expresión corporal, aprovechando el
concepto: un brazo, una pierna.
2010 © Ana Hernández Sanchiz
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El li bro de las Com e dias
5. Cine en danza
¿Qué os sugiere esta fotografía? Compartid vuestras impresiones con el resto de
compañeros.
Aunque cada vez hay menos prejuicios alrededor de la danza (quizá alguno programas de
televisión hayan contribuido a ello), todavía hay algunos chicos y, probablemente, algunos
padres, que siguen considerando que este arte es “cosa de chicas”. Por eso, no llegan a
plantearse la posibilidad de recibir clases de danza y, si lo piensan alguna vez, no se
atreven a dar ese paso.
- Os recomendamos que veáis la película “Billy Elliot. Quiero
bailar”, a la que pertenece el fotograma que os hemos
propuesto para comentar en el aula. Os puede servir como
introducción al mundo de la danza y, ¿por qué no?, del cine.
1984, Norte de Inglaterra. Billy es un joven de catorce años de familia minera
con una peculiaridad: le atrae más el baile que el boxeo. La profesora de ballet
pronto ve en él un gran talento y decide darle clases a escondidas de su padre
y su hermano mayor. Sin embargo, éstos se darán cuenta y obligarán al chico a
apartarse de ese "ambiente para niñas", dejándolo al cuidado de su senil
abuela… hasta que ellos mismos superen sus prejuicios y se den cuenta de la
valía de Billy.
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Referencias bibliográficas
Antoine-Andersen, V. El Arte para comprender el mundo. Serres. México D.F., 2005
Fernández Rubí, M. La danza en las dramatizaciones. CCS. Madrid, 2003
Fernández Valbuena, A.I. La Comedia del Arte: materiales escénicos. Espiral. Madrid, 2006
Renshaw, A. The art book for children. Phaidon. London, 2005
Renshaw, A. El ABC del arte para niños. Phaidon. London – New York, 2007
Robinson, J. El niño y la danza. Octaedro. Barcelona, 1999.
2010 © Ana Hernández Sanchiz
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