Pakito Baeza Jeff Jerolamon

I S S U E M AY - J U N 2 0 1 2
ENTREVISTAS
Pakito Baeza
Jeff Jerolamon
Ángel Celada
REVIEWS
DrumGear / Roto Drums
Sistema de microfonía interna May
www.bateriapercusion.com
EN PORTADA
sumario
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En Portada
Ángel
Celada
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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DrumGear Pakito
y Roto Drum Baeza
Review
editorial #6
Entrevista.
Entrevista
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Sistema de Rams y
microfonia Pablo
Entrevista
interna
May
Jeff
Jerolamon
Entrevista
Rewiew
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Didáctica
Bricobatería Dime qué
Lo que escriben
escuchas,
los lectores
ves, estudias
y te diré
quién eres.
Una vez más estamos aquí para traeros la revista de Batería y
Roto Sound y Drumgear, no os las perdáis, siempre sabe muy bien
Percusión con la ilusión de que os deje con ganas de más, de que una
sobre lo que escribe. Jordi Drummer, un hacha del bricolage, nos
vez leído el número tengáis ganas de que llegue el siguiente. Eso es lo
explica visualmente los pasos llevados a cabo para restaurar una Pearl
que nos mueve. Ya que parece que la crisis y la situación económica no
del 67.
escampa, para nosotros es la mayor de las satisfacciones. Recogemos
todo ese cariño y nos juntamos cada dos meses y en esta ocasión
hemos “parido” otro número que ha caído de pie. Tenemos en
exclusiva a otro de los grandes baterías nacionales, Ángel Celada, un
hombre que puede aguantar a una banda sobre sus hombros como
nadie, por no hablar de su tremendo groove. También contamos con
Pakito Baena, uno de los reyes de la percusión y por último y no
menos importante Jeff Jerolamon un estilista del jazz. Una curiosa
entrevista entre Pablo Serrano como profesor y Ramiro Nieto de Rigth
Ons como alumno, cierra el apartado de interviews. Darwin nos da
un repaso a microfonía interior May además de dos reviews de cajas:
Y como no, nuestras secciones de siempre de didáctica, software
y recomendaciones entre otras. ¡No dejes de visitar nuestros
anunciantes y sus propuestas!
Agus González-Lancharro
Director de Batería & Percusión
EN PORTADA
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
Ángel
Celada
Asensio Ros “Wally”
Ángel Celada es uno de los baterías de referencia en la
música española, tanto por su trabajo en estudio y giras
con artistas como Serrat, Golpes Bajos, Bosé, El Ultimo
de la Fila, La Orquesta Mondragón…como sus proyectos
personales. Aunque lo mejor es que nos vaya contando el
mismo, sus inicios, su visión del instrumento, de la música,
del estudio… Amigos: Ángel Celada.
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TODO UN CLÁSICO
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN PO R TAD A
¿Cómo y cuándo empezaste en esto de la música?
Desde pequeñito descubres una pasión por la música
(en mi caso especialmente hacia el Rock y el Blues)
de manera un tanto misteriosa, ya que no tengo ascendentes relacionados directamente con ella, creo
que esto es bastante común en casi todos nosotros, a
partir de ahí se produce una inquietud y vas desarrollando con el tiempo. El resto es fácil de imaginar, de
grupo en grupo y, poco a poco, vas haciendo hasta
ahora.
Fuiste autodidacta en tus comienzos. ¿Crees que asistir
a clases con un profesor es necesario?
Si, soy autodidacta, nunca he estudiado un método
ni un libro, tengo mi propio sistema que he ido desarrollando poco a poco.
En cuanto a lo de las clases, creo que recibirlas de un
profesor cualificado que sepa entender la evolución
del alumno, si, pero pienso que es delicado, como
todo lo relacionado con la docencia, especialmente
en niños.
También pienso que en músicos de un nivel ya avanzado puede estar bien recibirlas de una manera especializada, hacia un estilo o una dirección concreta.
¿Qué método de estudió utilizaste en tus inicios?
Ninguno, escuchar mucha música, aburrir con preguntas a los baterías que me gustaba, y mi propia
disciplina para practicar, aunque eso en si ya es un
método.
“Creo que si no hay
un buen Groove...
mal asunto, aunque
ya sé que con esto no
descubro nada.”
¿Sigues estudiando-practicando? ¿Qué rutina sigues?
Necesito seguir haciéndolo por varias razones: creo
que una es un poco psicológica, ya sabes, esa especie de dependencia algo enfermiza que se traduce en
cierta inseguridad si no lo haces. Pero también creo
que es importante seguir haciéndolo si sigues instalado, como es mi caso, en el inconformismo, no estás
conforme y quieres mejorar. Además el tipo de afinación y el set que utilizo me obligan.
En cuanto a la rutina, creo en ella y la aplico en función del trabajo (ensayos, viajes etc.) a veces no queda mucho tiempo, pero si lo tengo, como te decía
antes, la aplico a mi propio sistema.
¿Tocas algún otro instrumento?
Toco algo la guitarra, pero debería dedicarle algún
tiempo, la tengo completamente abandonada, una
pena…
¿Qué cualidades crees que debe de poseer un buen
batería?
Te diría algunas muy obvias, entonces prefiero resumir: “La cualidad de hacer que los músicos con los
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que toca estén cómodos” Eso es lo más gratificante y
se suele traducir en continuidad. Cada uno de nosotros deberíamos intentar saber como conseguirlo
¿Cuál crees que es la principal función del batería en
una banda?
Hay especialistas en hacer demostraciones etc. A veces pienso que es como otro oficio. Si se trata de una
banda, al margen del estilo que puede condicionar;
desde la humildad deberíamos entender que somos el instrumento base fundamental, eso lo resume todo. Como decía una frase de un músico genial
“Una mala banda puede tener un buen batería, pero
nunca una buena banda podrá tener un mal batería”
¿Como te definirías como batería, técnico, de feel/
groove…?
Mira, eso como es lógico no soy yo quien debe hacerlo. Lo que si creo es que si no hay un buen Groove…
mal asunto, aunque ya sé que con esto no descubro
nada.
De todas formas todo puede ser complementario y
también hay una técnica muy exigente para sonido,
precisión, dinámicas etc. Deberíamos dedicar tiempo
a lo aparentemente sencillo, hay mucho que trabajar
y si lo haces, se nota.
¿No crees que últimamente las nuevas generaciones
se preocupan mucho por la rapidez, la técnica de lo
complicado y descuidan la técnica de lo sencillo, lo
esencial y el feel?
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN PO R TAD A
Me gusta mucho como has enunciado la pregunta
Efectivamente, también hay una técnica para eso que
tu denominas “sencillo”, que no quiere decir fácil.
Sencillo no es sinónimo de fácil, ni complicado de
difícil. A veces lo más sencillo puede resultar ser lo
más difícil.
Mira, te contaré una cosa. En mi grupo hacemos un
tema que cuando decidí montarlo pensé que era realmente sencillo y fácil, y lo es aparentemente. Pues
bien, es el que mas me cuesta del repertorio, creo que
su propia sencillez e intensidad lo hace tan exigente;
pero a veces, no se ni por qué me cuesta
Si, a veces pienso que hay un culto excesivo a la velocidad y también a la complejidad, incluso a veces
tengo la sensación de que estamos instalados en el
“mas difícil todavía” y eso adquiere ciertas connotaciones circenses.
Hay una frase del gran Leonardo da Vinci que me
encanta “La simplicidad es la sofisticación suprema” .
Yo suelo decir que, como casi todo en la vida, “Estudio para hacerlo mas fácil”
Si dos baterías con un talento similar dedican las mismas horas a practicar uno en la dirección de complejidad, velocidad etc. y otro en la otra dirección de la
que hablamos, uno conseguirá ser más fuerte en una
de las direcciones pero, lógicamente, el otro lo será
en la otra. Es una cuestión de enfoque.
Mi traumatólogo me decía “Angel, no le des vueltas,
la velocidad son repeticiones”
“Hay una frase del
gran Leonardo da
Vinci que me encanta:
La simplicidad
es la sofisticación
suprema.”
¿Qué baterías que te han influenciado a lo largo de tu
carrera y de ellos a quien destacarías?
Muchos, siempre he sido inquieto con respecto a estilos y épocas. Creo que mi formación le debe mucho
a grupos como: Free (este de manera especial), Led
Zeppelin y a toda la música en general relacionada
con el Rock-Blues. También a cantantes como: Paul
Rodgers (Free; Bad Company), Steve Winwood,
Roberta Flack…Paul Rodgers es uno de mis cantantes preferidos y una de mis principales influencias.
Tengo verdadera debilidad por este tipo de cantantes
y siempre digo que me gustaría que mi batería sonara
cono cualquiera de ellos
Pero en lo que respecta a baterías: John Bonham
(Led Zeppelin), Simon Kirke (Free, Bad Company),
Buddy Miles (que peso y como cantaba), Charlie
Watts, Jeff Porcaro (su ritmo era exquisito), Mickey
Curry (Bryam Adams) este batería me encanta, le escucho desde mucho antes de estar con Bryam Adams
y, aún hoy, es de los que mas me gusta. Su manera de
tocar baladas es tremenda.
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Por supuesto Steve Gadd y Billy Cobham han sido
dos grandes influencias para mi, son dos creadores y
en estilos diferentes, dos referentes de la betería actual.
De los actuales hay muchos que me gustan, pero lógicamente me afecta de manera diferente
Has tocado con numerosas y grandes bandas de pop
rock pero también con grandes del jazz ¿En que estilo te
sientes más a gusto?
Con aquel que tanto la música como los músicos me
hacen sentir y sentirme bien.
Mira, en mi disco “Angelitos negros” hay temas de
McCy Tyner y de Joe Zawinul, pero también de Free
y un bolero bellísimo que popularizó Antonio Machín y que da título al disco.
Ahora, sin duda, estoy mucho más cerca de la canción que de otra cosa. Me gusta que haya voz en la
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EN PO R TAD A
música que interpreto, Me gusta acompañar y ahí
puedo estar cómodo en cualquier bella canción siempre que se cuiden todos los matices y rebose paz aún
habiendo mucha intensidad. Aunque siempre tiendes a tus influencias…
¿Te ha marcado en especial alguna de las bandas o
músico que has acompañado?
He aprendido, no de todas, pero si de muchas bandas
a las que he acompañado y también, no de todos,
pero si de muchos músicos con los que he tocado.
Siempre hay diferencias, pero no es cuestión de destacar. Y cuando hablo de aprender me refiero no solo
en el ámbito de lo musical, sino también en el de lo
personal. Muy importante.
Algo a destacar que hayas aprendido con tantos años
de carretera girando con tanta gente…
Si, a saber donde no debo de estar
Antes de salir a tocar ¿Realizas algún ejercicio de
relajación-concentración, calentamiento…?
Depende, he tenido épocas en las que estas tres cosas que me dices, en cierta medida, eran necesarias
y creo que, especialmente relajación-concentración,
son importantes.
Pero a veces hay circunstancias que afectan: falta de
intimidad, falta de tiempo etc. entonces no es tan
fácil. También depende en gran parte de la dificultad o de lo rodado que tengas el repertorio, por estas
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razones a veces se hace necesario. En cualquier caso
siempre procuro tener un tiempo antes de los conciertos para desconectar y conseguir ese estado.
torios con un aforo medio que son otra cosa por la
seriedad y respeto que imponen y tienen un enorme
encanto.
¿Qué prefieres para tocar los grandes estadios o los
pequeños clubs?
¿Qué música escuchas?
Esto también es complementario, cuando llevas
tiempo haciendo grandes recintos, añoras los pequeños, y cuando llevas tiempo sin hacerlos, puedes añorar volver a ellos.
De todas formas están los grandes estadios y los pequeños clubs, pero también están los teatros y audi-
Con el tiempo uno se hace algo, no sé si decir raro
o especial, cuesta emocionarse fácilmente, estamos
invadidos por el entorno de una música que no nos
interesa en absoluto y eso satura aún mas. A veces
tengo la impresión de no escuchar nada nuevo, como
si ya lo hubiese escuchado antes en toda su esencia
solo que disfrazado de otro uniforme.
Pero, cuando algo me emociona, puedo estar tiempo
escuchándolo, soy algo compulsivo en esto, y puede
ser desde Eva Cassidy a Nickelback o los Secret Machines (este grupo me encanta)
Hace unos días, viajando en coche, escuché una versión de “Time after Time” que me emocionó, paré
donde pude solo para escucharla con atención, quería
saber quien cantaba y no lo dijeron, era solo guitarra
acústica y voz. Cuando llegué a casa conseguí el tlf y
llamé a la emisora, era Eva Cassidy. Desde entonces
llevo días escuchándola.
¿Has conseguido lo que buscabas con tus proyectos
personales? Háblanos un poco de ellos.
Aunque no me puedo quejar (el año anterior hicimos
cerca de cuarenta conciertos) tampoco puedo decir
que estoy contento. Me gustaría que mejorasen las
condiciones y así podría contar mejor mi historia
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(creo que un concierto hoy es una historia que contar), más pulida, más mimada, eso mejoraría el concierto y en consecuencia, poco a poco, podría llegar a
mas gente. Pero bueno, le verdad es que este proyecto
nos está dando muchas satisfacciones.
El proyecto se llama Angel Celada “Songs Project” y
alterno dos formaciones, una en trío, muy curiosa,
con Carla Sevilla (voz) y Koldo Uriarte (piano) y otro
mas eléctrica en cuarteto, también con Carla Sevilla (voz), David Soler (guitarra) e Iñigo Goldaracena
(bajo). La idea es grabar en breve y estoy en ello,
pero no quiero precipitarme.
“El sonido obedece a
una sensación, tienes
que tener criterio y no
necesariamente seguir
las pautas standard.”
¿Dónde te encuentras más cómodo? ¿Qué te gusta
más? ¿Tocando en directo, componiendo, grabando en
estudio, dando clinics…?
Todo es música y todas estas formas te hacen estar en
contacto con el instrumento, todo es emocionante,
pero sin duda el directo es especial.
¿Que set de batería utilizas?
Desde ya hace un tiempo utilizo: Bombo de 26 x 16,
Tom aéreo de 13 x 9, Tom base de 18 x 16 y Caja
de 14 x 7. Todo de arce y Mapex Orion. Es mi set
preferido.
En cuanto a platos, ahora estoy encantado con los
Meinl “Byzance” de la serie Jazz, me gustan los ExtraThin y en medidas muy grandes.
HiHat de 16 (Botton Mb10 y Top Thin-Crash Byzance Jazz) – Extra Thin Hammered Crash de 20
– Extra Thin Ride Bizance Jazz de 22 (como Ride y
como Crash) y Big Apple Ride Byzance Jazz de 22
(también como Ride y como Crash).
Si necesito algo mas agresivo utilizo un set parecido
pero de Mb20, son muy poderosos.
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Utilizas Medidas grandes cuando lo que últimamente se
lleva es lo contrario: bombo 24, timbal 13 x 9, base
18…
No comparto ese criterio, yo utilizaba medidas pequeñas hace mucho tiempo, ahora ya no. Eso puede
ocurrir aquí y depende del tipo de música, pero la
mayoría de grupos que requieren un sonido grande
y poderos (que no agresivo) utilizan medidas grandes, y también baterías como: Mickey Curry, Steve
Jordan, Simon Philips, Abe Laboriel Jr., Josh Garza
(Secret Machine), Chad Smith... En el Pop y Rock
inglés y americano son muy comunes.
Tienes un sonido muy particular, ¿Qué sonido buscas?
¿Qué madera prefieres?
El sonido obedece a una sensación, tienes que tener
criterio y no necesariamente seguir las pautas standard. Te conoces un poco, sabes cual es tu forma de
tocar y buscas lo más adecuado. Yo utilizo medidas
grandes y parches destensados porque el sonido que
resulta es más grave, más cálido, más discreto, empasta mejor con todos los instrumentos y ayuda a mi
forma de tocar. También es menos agresivo, como si
golpearas en una superficie blanda.
A veces el impacto con los parches tensos siento que
me agrede. Pero esto es muy personal, tienes que tener criterio. Tu golpeas y respondes: no, ¡esto no! o
al contrario: ¡ah! esto si…Pero claro, insisto, debes de
tener criterio. Cualquier sonido puede ser bueno si
tú lo sabes defender. De todas formas, a veces pienso
que, como pasa con las voces, los graves son adictivos, un vez que los pruebas te cuesta desprenderte de
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EN PO R TAD A
ellos. Son muy cálidos y agradecidos.
En cuanto a la madera, el Maple sigue siendo mi favorita, pero también es la que más me ha acompañado y por lo tanto la que mejor conozco.
¿Cambias de kit según el estilo de música que tocas o
simplemente retocando la afinación te basta?
No cambio de kit en función de la música que interprete, tampoco de afinación. Si cambio algo es por el
estímulo que el propio cambio produce.
En estudio es distinto, especialmente con caja y platos, aunque cada vez trato de complicar menos. Quizás para músicas muy concretas haga falta un sonido
más determinado, pero en general y en el ámbito
musical que yo me muevo, se puede defender cualquier sonido con una cierta adaptación en tu forma
de tocar.
Si no me equivoco eres de los primeros que apostó por
Mapex en España, ¿Por qué Mapex?
Venía del abedul, entonces estaba de moda y todo el
mundo tocaba con él. Yo me cansé un poco, quizá
por exceso. Entonces me ofrecieron la oportunidad
de Mapex de Maple, conocí a la gente que lo distribuía en España y me convencieron ambas cosas.
Aposté y hasta ahora.
Conozco muy bien su sonido y me encanta. La gente
de Euromúsica-Garijo es estupenda, estoy muy agradecido.
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¿Con qué otras marcas trabajas, platos, baquetas,
parches...?
Platos Meinl (antes he descrito series y modelos), baquetas Regal-Tip 9A con mi firma, parches Remo:
Emperor transparente batidor y Ambassador transparente resonante en toms. Power-Stroker 4 Coated
en Bombo y Control- Sound Coated en caja.
¿Qué consejo darías a alguien que empieza?
No se dar consejos, eso es delicado y me cuesta. Creo
que como en la propia vida, hay que intentar saber lo
que uno quiere y empeñarse en el esfuerzo.
¿En qué te encuentras embarcado ahora mismo?
Aunque sigo en constante contacto con mi cuidad
Vitoria, acabo de trasladarme a Barcelona por cuestiones personales, esto está haciendo replantearme
cosas.
Estoy haciendo los conciertos de Mikel Urdangarín
en Euskadi. Los compromisos que van surgiendo y
especialmente mi propio proyecto del que ya te he
hablado..
Algo que quieras contar que no te hallamos preguntado.
Solo toda mi gratitud a: Euromúsica-Garijo,
MusicXite y a NPdrums. También a Mapex, Meinl,
Remo y Regal-Tip. Gracias también a vosotros.
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DRUMGEAR
DGS S1450 y DGS BZ1370
Por Darwin
ROTO DRUM
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La caja, es ese instrumento que tiene un alma particular;
cada caja es un mundo y en cada mundo hay montones
de colores, sonidos y texturas.
DRUMGEAR
Hoy os voy a mostrar tres mundos diferentes, pero
con un denominador común: son la misma cosa, con
carácter distinto.
Drumgear, es una marca poco conocida, están asentados
en Dinamarca, Copenhague para ser más exactos.
Realmente disponen de pocos productos, centrando
toda su atención en las cajas, de las cuales, hoy traigo
dos de ellas para darles un repaso.
El primer modelo, Drumgear DGS S 1450, es una caja
de acero de 14” x 5”, con aros de 2,3mm, bordón de
carbón de 20 líneas, 10 bellotas tipo tubo de 100mm,
casco de acero de 1mm, con el filo a 45º y acabado
en cromo plateado. Estéticamente, la caja es más que
probable que os resulte familiar a más de uno y eso es
posiblemente porque es exacta a las cajas Tama, no es
que se parezca, es que es la misma, pero con un precio
ligeramente inferior, en este caso, rondando los 285
euros más iva.
¿Cómo suena?
Pues realmente suena potente, nítida. Tiene muy buen
ajuste de bordón y éste es muy sensible, cumpliendo
generosamente con su función.
Es una caja que nos puede recordar a tantas otras que
hayamos tocado anteriormente construidas en acero,
es decir, sonido metálico, con un armónico medio
(realmente no se dispara mucho en armónicos), buen
rango de afinación y tonos tirando a agudos/medios. Si
la golpeas suave, hará que el bordón deje constancia
de su existencia, consiguiendo un perfecto sonido del
mismo y si desatas tu furia, te responderá con un más
DrumGear
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que notable volumen, que te hará ver que no necesitas
más y que es muy versátil y útil para tenerla en cuenta
a la hora de tocar diferentes estilos musicales. Si tuviera
que calificarla del 0 al 10, le pondría un 7... me parece
buena caja, pero no me ha sacado la sonrisa que si logró
sacarme su hermana, de la que os voy a hablar ahora.
La siguiente caja, es una Drumgear modelo DGS
BZ1370, construida en bronce de 13”x 7” , con un casco
de 1mm, aros de 2,3mm, bordón de carbón de 20 líneas,
8 bellotas tipo tubo de 150mm y acabado en bronce.
Decir que esta caja me ha encantado, sería decir poco.
Es una caja que vale perfectamente cada uno de los
casi 500 euros más iva que cuesta. Su respuesta en
todo tipo de situaciones, la puedo calificar de “mortal”.
Afina a la perfección en tonos muy agudos o tonos
graves, muy rockeros, ochenteros... es un “bofetón” en
toda la cara cada golpe rabioso que recibe. El rango
de afinación, parece que tiene un límite altísimo y nos
responde siempre con calidez y mostrándonos su “mala
leche”. Si lo preferimos, puede ser una caja muy dulce,
que agradece los golpes fantasma y nos los presenta
con total claridad. Posee un nivel armónico que yo
denomino “bonito”, si, tiene unos armónicos muy
bonitos, controlados, sin ser eternos, pero que se hacen
notar claramente y todo ello acompañado de muchísimo
carácter. Al igual que su hermana de acero, tiene una
gran sensibilidad en el bordón y saca un tono muy cálido
y nítido cuando tocamos “aro”. Con 13 pulgadas de
diámetro, puede parecer que se quedará pequeña si por
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ROTO DRUM
DrumGear
un momento queremos ser los reyes del infierno, pero
para eso, tenemos otras 7 pulgadas de profundidad,
que nos dejarán bien claro que esta medida impar en
diámetro, es mas que suficiente para irnos hasta el
Averno sin movernos de nuestra banqueta.
Al igual que su hermana, si tengo que calificarla del 0
al 10, le pondría un 9 y la recomiendo como compra
inteligente si lo que quieres, es algo un poco diferente y
que no te va a dejar la cuenta tiritando.
Para mas información: www.drumgear.dk
A veces, algunos fabricantes tienen momentos de
iluminación y nos ofrecen algunos productos fuera de lo
común, este es el caso de la marca italiana Roto Drum,
afincada en al ciudad de Brescia, que rompe esquemas y
le da una vuelta de tuerca a la construcción de baterías.
las piezas de los motores Ferrari. Tienen una presencia
magnífica y una gran robustez, con un peso que
considero hasta ridículo.... si coges una bellota en la
mano, parece que no has cogido nada, porque apenas
pesa unos pocos gramos.
Voy a mostraros una caja que a nadie le dejará
indiferente. Construida al más puro estilo italiano,
cuidando los detalles al máximo, utilizando materiales
de primerísima calidad y revolucionando lo establecido,
ofreciendo un producto llamativo, versátil hasta el
infinito, con una imagen demoledora y un aspecto que
nos lleva hasta el Enterprise de Star Trek.
Las guías para hacer “crecer” el casco, están construidas
en acero de alta densidad y en acabado mate.
La caja, es de 14 pulgadas de diámetro... no puedo
decir cuantas pulgadas tiene, porque eso lo decidimos
nosotros, si, es curioso, ¿verdad?
Apriori, según se muestra, puede parecer que en esta
caja solo hay estética y el sonido, queda en segundo
plano...¡Enorme error! La caja sorprende por la calidad
de respuesta, volumen, tono y sensibilidad del bordón,
Antes de nada, voy a desglosar lo que es este “aparato”.
¿Cómo suena?
Esta es la pregunta que se hará todo aquel que la vea y
que aún no la haya escuchado.
Construida con un casco de arce, aros para el
enclavamiento de las preciosas bellotas de aluminio
construidos en fibra, tirador del bordón en acero de alta
densidad y de fabricación propia, acabado en sparkle
multicolor recubierto, parches Evans y aros de 2,3 mm.
Solo con sacar la caja de su funda (de serie) vemos lo
diferente que es a todo lo que ya habíamos visto antes.
Detalles: fabricada con elementos de máxima calidad,
como bellotas en aluminio y los propios tornillos de
afinación también en aluminio. Estas piezas están
construidas en la misma fábrica que ingenia y produce
Roto Drum
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incluso teniendo instaladas las guías mas largas, si,
porque esta caja, viene con dos juegos de guías para
poder tenerla en medidas que van desde 5 pulgadas en
cerrado total, hasta 12 pulgadas en abierto y con las
guías largas.
Dentro de todas las pruebas que le he hecho, me ha
gustado más la configuración de guías cortas, que
le dan una profundidad máxima de unas 8 pulgadas,
siendo ya un tope máximo pensando en la comodidad.
En modo cerrado (14x5 ) es absolutamente atronadora,
con rangos de afinación a muy altos límites, pasando
de agudos muy brillantes y armónicos, a graves que nos
retrotraen a los discos de Led Zeppelin o sonidos del
rock de los 70 y 80... potentes, con cuerpo.... sonidos de
caja “fofa” si queremos, pero sin perder un ápice de ese
carácter que tiene de nacimiento.
bueno..... ¿Vas a utilizar 12 pulgadas de longitud vertical
habitualmente? ¡No!
Podemos tener un aliado perfecto para el estudio de
grabación.... muchas cajas en una, muchos rangos de
afinación diferentes en muchas profundidades diferentes
y todas con muchísimo cuerpo y respuesta perfecta.
Esta caja, igual que comenté de la Drumgear 13” X 7”
bronce, vale todos y cada uno de los 750 euros que
cuesta aproximadamente, más teniendo en cuenta el
tipo de “aparato “ que es, los
materiales que se han utilizado
para su construcción y la
versatilidad que nos ofrece,
que es algo ampliamente
contrastado.
En modo abierto, me he quedado gratísimamente
sorprendido con el sonido, teniendo en cuenta que todo
el aire, se escapa a lo largo del perímetro del cacharro
este.... pero sin perder ni una milésima de su volumen
y potencia. En modo 14” x 7” aproximado, es bestial,
incluso en el tope de la sguías cortas, más o menos 14”
x 8”, se dispara recordándome la procedencia de sus
piezas de aluminio..... es decir, convirtiéndose en un
proyectil sonoro al más puro estilo Ferrari.
En el modo máximo de apertura, que sería algo así como
14” x 12”, nos encontramos con un babero de diseño...
¿Por qué? Pues pensad en lo que es tener una caja de
12 pulgadas de profundidad; ¿A que altura queda? Pues
justo a la altura de recoger nuestra saliva, porque aún
así, vamos a babear con el sonido de este “ingenio”...
cierto es que tanta profundidad es incómoda, pero
Roto Drum
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Opciones
Es una marca italiana, no lo olvidemos y como reyes
del diseño que son en ese país, también nos ofrecen
diversas opciones para “tunear” nuestra caja o para
llevarla a un límite aún mayor si cabe de exclusividad.
¿Qué podemos ponerle?
Hay varias cosas interesantes al respecto de esta caja
y de sus opciones. La primera de ellas, es la posibilidad
de poder comprar un casco tipo pandereta, con sus
correspondientes “jingles”, tambien construido en
arce, con su correspondiente aro, bellotas de aluminio
y parche Evans. Este casco opcional, podemos instalarlo
de dos maneras diferentes; o bien como casco
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intermedio, para hacer resonar el segundo parche y sacar ese soniquete de
pandereta o bien, quitando el casco superior e instalando este y teniendo
más presente aún el resonar de los “jingles”. Este casco opcional, tiene un
precio de unos 250 euros aproximadamente, constando de: casco de arce, aros
de 2,3mm, parche Evans y unas buenas filas de “platitos de pandereta”, con
sus correspondientes bellotas y tornillos de aluminio y su aro de montaje de
las bellotas en fibra. Siguiente opción: Roto Drum, nos ofrece la posibilidad
de convertir nuestra caja, o nuestra batería Roto Drum en un kit electrónico,
mediante unas esponjas redondas a medida, con un trigger incorporado, que
instaleremos en 2 segundos, si, 2 segundos literalmente, lo que tardamos en
meter la esponja en el casco superior, haciendo contacto con el parche batidor.
El cable, saldrá por cualquier lado del perímetro de la caja, ya que esta abierta
totalmente en toda su circunferencia.
¿Quieres algo curioso, diferente, barato y sorprendente?
Supongo que si... así que coge tu caja Roto Drum, mete 12 pelotas de plástico
sobre el parche bordonero, si, 12 pelotas de plástico de estas que encontramos
en las máquinas de caramelos de los bares, esas que siempre piden los niños,
al mas puro estilo huevo Kinder. Si estas pelotitas pesan poco, métele dentro
de cada pelota un puñadito de arena ( por ejemplo ) ya que se abren por la
mitad y deja caer la docena de pelotas dentro del parche resonante.... ahora,
golpea la caja y....... ¡Sorpresa! ya tienes una caja con reverb, con una reverb
natural. ¡Increible!.
¿Tengo que valorarla de 0 a 10? Uhmmmmmm.... que pena, no hay más de 10,
así que se queda con la nota máxima porque no tengo opción de darle más.
Mis agradecimientos a Iberdrum Distribución, por cederme estos instrumentos,
con la generosidad y amistad de siempre.
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN TREVISTA
Pakito
Baeza
Asensio Ros “Wally”
Estudia percusión en Cuba con Armando
García Pérez (Armandito), profesor del
“Ignacio Cervantes”, en
“Percuba” con
Roberto Vizcaíno y Pedro Vega y en Berklee
College of Music”(EEUU) con Giovanni
Hidalgo, Horacio “El Negro” y Walfredo de los
Reyes. Se especializa, graba y hace giras en
España con artistas del flamenco y del jazz,
como Jorge Pardo, Rubem Dantas, Ximo Tebar,
Mingo d’ Acosta, Lou Bennet o Paco de Lucía.
Actualmente realiza clinics y master -class
como artista de LP, en diferentes ciudades de
España, realizando grabaciones y actuaciones
con dj,s productores de música dance…pero
mejor que nos lo cuente él…
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ISSUE NOV-DIC 2011
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN TREVISTA
¿Qué te llevo hacia el mundo de la percusión, tus
orígenes como músico?
Lo que me llevo fue sinceramente el ritmo que desde
niño, siempre pensé que tenía. Me gustaba cualquier
cosa que pudiera tener sonido e incluso investigaba
si tenía más de uno para hacer mis combinaciones
(risas). Las agujas de hacer punto de mi madre fueron mis primeras baquetas. Aún recuerdo cuando ella
siempre me reñía y me gritaba porque se las doblaba
de tocar. ¡Era un auténtico pesado del ritmo y la percusión!
¿Qué maestros has tenido? ¿Qué destacarías de cada
uno de ellos?
Ray Barreto, PatatoValdez, Mongo Santamaría…
Ray Barreto, el hombre de la mano de piedra, (tremenda pegada), Mongo, la elegancia, el estilo y el
sabor “afrocubano” en su máximo esplendor y Patato
que fue el pionero melódico de las tumbadoras y sobre todo la alegría. Destacaría a muchos…Me gusta
el estilo de muchos percusionistas, como Giovanni
Hidalgo. Luis Conte, Raul Rekov, Peraza, etc. de
cada uno de ellos saco o estudio lo que puedo.
¿Quién fue el percusionista que más te impresionó en tu
tiempo de aprendizaje en Cuba? ¿Por qué?
El que más me impresionó, fue mi maestro Armando García Pérez más conocido como Armandito –ya
fallecido- del Instituto Ignacio Cervantes. El me dio
una forma de vida, para mí la persona más importante en mi carrera como percusionista.
“nunca se termina
de aprender, hay
tantas combinaciones,
géneros, golpes, ritmos
etc., que a veces
tengo la sensación de
empezar de nuevo o de
que no sé nada.”
La percusión, los ritmos latinos, el flamenco, ¿Se lleva
dentro o se puede llegar a aprender con unos buenos
maestros? ¿Es necesario llevar sangre latina para
dedicarse a esto?
Es cierto que si nacemos con una pequeña chispa de
ritmo, lo tendremos más fácil que otra persona, pero
no es necesario llevarlo. Se puede aprender con o sin
maestros. Hay muchísima gente autodidacta que son
realmente maestros sin necesidad de haber tenido escuela. Todo depende de las ganas y el entusiasmo que
sientas por el instrumento. Por cierto la disciplina y
el trabajo son fundamentales.
Háblanos de la conexión de la Rumba Cubana en
géneros como el Jazz…
Chano Pozo, fue el primer percusionista que introdujo las Congas en el jazz, en los EE UU allá por los
40. A partir de ahí se fue fusionando hasta conver-
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ISSUE NOV-DIC 2011
tirse en lo que llamamos “Latín Jazz”. Hubo muchos
pioneros como Patato, Machito, Tata Guines que
hicieron de esta fusión un campo increíble y maravilloso hasta la actualidad, donde hay un gran número
de artistas y bandas fusionando este estilo, Irakere,
Paquito D’Rivera , Arturo Sandoval ...por mencionar
a algunos.
¿Tiene importancia la improvisación en la percusión
latina?
Bueno más que la improvisación lo que creo que
realmente se valora a la hora de tocar es el sabor o
el “Groove” que tengamos. Tanto en estudio como
en directo. Improvisar está muy bien, pero en ciertos
momentos cuando un tema lo requiere. Es lo que yo
llamo “tu momento de gloria” (risas)
La percusión en el flamenco. ¿Cómo crees que ha ido
evolucionando en estos años el papel que juega la
percusión en la música flamenca?
Me parece espectacular. Hemos adoptado de alguna
forma instrumentos como las congas, cajón, darbukas, etc, que no pertenecen al flamenco y la fusión
ha sido un poco la evolución de este arte.
Desde el flamenco puro -llamémosle Cante y Toqueósea (guitarrista, cantaor) hasta las incorporaciones
de diferentes instrumentos, no lo solo la percusión,
ha sido fulgurante y un inciso, hay mucha gente que
piensa que el cajón es flamenco y en verdad es de
origen peruano.
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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ISSUE NOV-DIC 2011
EN TREVISTA
África, Cuba, Brasil, Andalucía, ¿Dirías que son los
cuatro pilares de la percusión? ¿Falta alguno?
¿Qué cualidades debe poseer un buen percusionista?
¿Sigues estudiando?
Tu set de percusión, háblanos de tus herramientas
(complementos) y de LP.
África, es el padre y la madre a la vez de la percusión
en el mundo. El resto de países y ciudades que mencionas, han dejado un legado y una cultura percusiva
que prevalecerá para siempre en el mundo. Cuba “El
Son” Brasil “La Samba” y Andalucía el arte y la gracia
del flamenco y la rumba.
Para mí serian varias, como tener un buen sonido, un
buen tempo, un buen feeling o sabor y no preocuparse tanto por la técnica, esta última viene sola con el
paso del tiempo. La técnica es como un musculo que
va estirando.
Depende, para mis actuaciones en directo suelo llevar Conga, Quinto y Tumbadora, y El bongo (Serie
Accent) y timbales modelo Tito Puente 14” y 15”.
Llevo parches Remo (Fiberskin) que me dan bastante tranquilidad a la hora de afinar. También llevo
cencerros timbales. Mambo- Cha cha, y Jam Blok
los cuales acompaño con un cencerro adicional que
lo suelo tocar con un pedal de bombo con soporte
¡Especial de LP Gajate Bracket!
¿Qué te viene a la cabeza cuando te mencionan a “La
Fania”?
Me vienen mis comienzos. En los 80, mi hermano
Luis (en paz descanse) me regaló un disco de la Fania
en directo en NYC el cual me cautivó, me enganchó
y me hizo un adicto al latín jazz y la salsa. Fue para
mí todo. Ahí empecé a escuchar las primeras congas de la mano del gran Ray Barreto y todo los que
le seguían...Mongo, Roberto Roena. Oreste Vilato,
etc…desde entonces me hice un fiel seguidor de este
género y de la percusión Afrocubana. Temas como
“Mama guela” o “Congo bongo”, son obras maestras.
¿Cómo te definirías como músico percusionista?
Prefiero que sea la gente quien me defina, mi estilo y forma de tocar. Personalmente me considero un
aprendiz, nunca se termina de aprender, hay tantas
combinaciones, géneros, golpes, ritmos etc. que a veces tengo la sensación de empezar de nuevo o de que
no sé nada. Pero esa sensación me gusta porque es lo
que hace que ame mi trabajo.
Cuando más estira más técnica y flexibilidad tenemos, pero ese músculo no se puede estirar de golpe
porque se rompería, por eso siempre les digo a mis
alumnos que no se puede tocar como los grandes en
5 minutos. Tenemos que seguir estudiando y aprendiendo porque es lo que más me enriquece de la percusión.
En Clinics o Master Class con LP. suelo llevar 5 tumbadoras (Serie Palladium y El Bongo Giovanni Series).
La fusión y complicidad de un percusionista y un
baterista es fundamental supongo ¿En este aspecto a
que batería destacarías?
Bueno, hay muchos baterías geniales qué destacaría.
La fusión evidentemente es fundamental, porque
somos un poco siempre los responsables de la base
rítmica de cualquier grupo o cantante. Cuando el
tiempo va mal, la culpa siempre será para nosotros.
Tenemos una gran responsabilidad de ahí nuestra
complicidad pero también lo es con un bajista. De
ahí el dicho “no hay buen batería sin buen bajista”.
El bajo es importantísimo para nosotros porque nos
da el arrope y el empuje armónico que nos falta. Horacio “El Negro” Hernández o
Antonio Sánchez entre
otros, son algunos de
mis favoritos.
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EN TREVISTA
¿Tocas la batería?
¡Jejeje! Fui batería en mis comienzos. Tocaba en un
grupo de rock, blues, pop etc. Pero nunca se me dio
bien. Además, cuando tocaba siempre se notaba un
poco que tenía feeling rumbero latino, salsero y siempre me decían que no iba por ahí la cosa. (risas)
Das clases de percusión en la Universidad de Alicante,
además de clinics y master- class, ¿Qué te aporta la
docencia?, ¿Cómo ves a las nuevas generaciones?
La docencia es algo que siempre me ha gustado. Creo
que mi obligación era enseñar a mis alumnos todo lo
que a mí me enseñaron mis maestros, es como una
deuda que tienes que pagar por lo recibido en esta
vida y que sigan creciendo en la percusión las nuevas
generaciones. Lo que más me gusta es que aprendo
de mis alumnos a los que veo como generaciones un
poco pérdidas (musicalmente hablando) por la falta
de información que existe en este país sobre la percusión latina, pero con unas ganas e ilusión de aprender
y coger la rienda en esta materia realmente increíble.
¿Qué prefieres la docencia, los directos o el estudio de
grabación?
Todo tiene, su lado positivo, todo lo que conlleva mi
trabajo me gusta, grabar es muy complicado y difícil,
te hace agudizar mucho el oído y la concentración.
En el directo, te diviertes y tocas para que la gente
lo pase bien y en la docencia comparto y al mismo
tiempo repaso lo aprendido años atrás, cosa que no
sería posible si no fuera por mis alumnos, que son
“Oigo todo tipo de
música, soy músico y
con eso quiero decir
que me gusta la música. Eso va con el día
que uno lleve, igual
te apetece oír flamenco, que jazz, house
funk...”
los que realmente me exprimen lo aprendido (risas).
Has acompañado grabado y tocado con numerosos e
importantes artistas (Jorge Pardo, Rubem Dantas, Lou
Bennet , Paco de Lucía…) ¿Destacarías alguno en
especial? ¿Qué te ha aportado tu experiencia con ellos?
Destacaría a Rubem Dantas. Es para mí como un
hermano, amigo, padrino, me ayudó mucho en Madrid en mis comienzos, me dio la oportunidad de
escucharme y a partir de ese momento comenzó entre nosotros una fusión magnifica entre su percusión
Brasileña y la mía Cubana.
Para mi es todo un icono en el flamenco aparte de ser
el pionero de la introducción del cajón en España,
¡Todo un maestro!
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ISSUE NOV-DIC 2011
Consejos para aquellos músicos que empiezan y luchan
por evolucionar y aprender en el mundo de la percusión.
Ante todo mucho estudio, disciplina y paciencia,
como decía anteriormente. Los ejercicios como si
nos llevan meses hacerlos, no hay que tener prisa, hay
que estudiar despacio y lentamente, para tocar rápido
en un futuro...
¿Cómo ves el panorama musical y el de la percusión en
España?
Pues últimamente no le veo muy bien, todo ha decaído mucho y hay mucha mediocridad musical. En
lo referente a la percusión latina, sigue siendo una
gran desconocida en España, llevamos luchando muchos años para que se conozca un poco más y a nivel
incluso de ventas para algunas marcas es como si le
hubiera caído una bomba encima... pero vamos a luchar por levantar este bonito arte de la percusión, yo
por lo menos.
Oír mucha música es fundamental para todo músico
¿Qué música oyes?
Oigo todo tipo de música, soy músico y con eso
quiero decir que me gusta la música. Eso va con el día
que uno lleve, igual te apetece oír flamenco, que jazz,
house funk o incluso Joselito o Marife de Triana. En
ese aspecto el percusionista o batería tiene que estar
siempre al día en todos los estilos musicales si quiere
trabajar, sobre todo para las grabaciones de estudio.
Somos un poco mercenarios de la música a merced
de los productores que son quienes nos dirigen.
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ISSUE NOV-DIC 2011
EN TREVISTA
¿Un disco con una percusión digna de alabanza?
“Villa Hidalgo” de mi maestro Govanni Hidalgo.
Háblanos de tus nuevos proyectos como acompañante
o si te vas a centrar en tu nuevo proyecto en solitario
“Pakito Baeza & Da Cappo”
Bueno desde hace años, me metí en el tema de la
música electrónica, fusionando mis percusiones con
estilos como el house. deep, tecnho, funk etc. trabajando con dj, s productores de fama internacional
como Dj Chus, Ceballos, David Penn.. etc. Pero tenía ganas de volver a mis raíces, el latin jazz y formé
este trío un tanto novedoso en el que la base rítmica
son las Congas, tomando los temas un carisma diferente y una sonoridad muy particular en el tema del
jazz latino.
¿Algo más que nos quieras contar y no te hayamos
preguntado?
Han sido muy interesantes vuestras preguntas y constructivas. Diría que el oficio de músico, es algo muy
bonito pero muy difícil de mantener, hay que luchar
mucho y darle mucha dedicación, no mucha gente
entiende nuestra vida. Un poco de aquí para allá, entre actuaciones, grabaciones, viajes o como ahora se
le llaman “Bolos”.
A veces me preguntan, ¿A qué te dedicas? Y yo me
quedo por un momento en blanco, por que, ¿Cómo
explicas a la gente que eres músico, con lo fácil que
resultaría decirles: abogado, medico, barrendero o
electricista…pensar amigos...
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
REVIEWS
SISTEMA DE
MICROFONÍA
INTERNA
Por Darwin
La batería, como todos los instrumentos
musicales, para que suene en sitios
grandes, debe ser microfoneada, esto
no es una novedad, ni tampoco es algo
ilógico.... hasta ahí, bien.
Tampoco es una novedad que los micros
estén dentro de la batería, ya que hemos
visto muchas veces baterías sin parche
resonante con los micros metidos por
abajo. Pero si es novedad, en España, este
sistema, que deja los micros de manera fija
dentro de los cascos. MAY, existe desde
los años 90, pero no en España. Todos los
conoceremos, porque en su día, los ofrecía
como opción la marca de baterías DW.
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MAY
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
REVIEWS
La empresa californiana MAY, afincada en Los
Angeles, consigue que el técnico de sonido
te adore... imaginaos: llegas al escenario,
desenfundas tu batería, la montas y esperas que
tiren cables para enchufar cada casco de tu kit,
además ¡sin peligro de que te rompan el parche
frontal del bombo!...como si fuese una batería
electrónica; sin pies alrededor de tu batería,
solo los OH para tus platos y charles.
dejando la cápsula tal como es pero haciendo
pequeñas modificaciones en la carcasa con lo
que el tamaño del micro queda más ajustado
por lo que se adapta mejor al espacio como
veréis en las fotos del AKG D112 instalado
en sus correspondientes brazos. Las fotos,
corresponden a un sistema para bombo, que
es más largo y un sistema para toms, que es
lógicamente, más corto.
No solo tenemos una ganancia en tiempo/
espacio, si no que también ganamos en estética
y en comodidad, si montamos ciertas cosas
muy cerca de los toms, por ejemplo.
Al margen de todo esto, podemos gastar algo
menos de pasta, si solo compramos la pletina
que se engancha a cada casco y que lleva su
correspondiente cable y conector externo para
“enchufar” la toma que nos ofrezca el técnico
de sonido, tanto en directo como en estudio y
que tiene un precio de 46 euros + iva.
El sistema MAY no es especialmente barato,
pero bueno, si tenemos en cuenta que ya viene
con el micro que hayamos elegido dentro de las
posibilidades que nos ofrece la marca, veremos
que a la larga, ese incremento de precio sobre
comprar el micro solo, se hace ahorro.
Con lo cual, tampoco es caro, yo lo veo adecuado
por la simplicidad a la hora de colocarte en la
tarima y empezar a sonar.
¿Qué micros lleva?
Pues MAY, nos da a elegir entre una buena
cantidad de opciones y podemos pedir nuestro
sistema con, Sennheiser, Shure, AKG, Audix etc
de manera que la paleta es amplia.
Los micros que vienen ya instalados en
el soporte, vienen modificados para una
mayor comodidad, son algo más compactos,
Los precios del equipo, oscilan entre los 300
euros + iva, en el caso del sistema completo
para toms y los 355 + iva, en el caso del sistema
completo para bombo, que es más largo -como
ya he comentado- y con un brazo de aluminio
articulado, dividido en tres partes móviles y
ajustables. Lógicamente, estos precios son con
el propio micro y en este caso, corresponden al
sistema más un micro AKG D112 modificado.
MAY, ya está disponible en tiendas de España.
Acércate a tu tienda y pídelo, ya que como
puedes elegir el micro que te apetezca, es más
fácil hacer un pedido, que almacenar las piezas
en las tiendas.
Mis agradecimientos a Iberdrum, por el trato
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y la facilidad a la hora de probar y disfrutar
los productos que elijo para estos bancos de
pruebas y artículos.
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
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EN TREVISTA
ENTREVISTAS
CRUZADAS
ALUMNO-PROFESOR
PROFESOR-ALUMNO
Foto: Martí Perarnau
B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
EN TREVISTA
PABLO SERRANO (por Rams)
Llevaba tiempo queriendo tener la oportunidad de escribir sobre Pablo. A veces, al tener las cosas a mano se
les resta valor. Donde hay confianza, ya se sabe. Pero
con Pablo siempre he procurado mantener una cercana
relación de amistad a la vez que le tengo situado en
un alto pedestal, exprimiendo cada segundo que le veo
tocar para aprender e intentar aprehender lo máximo de
su musicalidad, honestidad y humildad.
Viendo a Pablo, todo parece sencillo, y así lo siente y
explica él. Lejos de intentar demostrar todo conocimiento y técnica amasados durante años a fuego lento pero
intenso, él se pone al servicio de la canción, proporcionando solidez y una dimensión extra. Pero todo con el
lenguaje que todo oyente conoce, sin que nada suene
fuera de si. Eso es lo realmente interesante y espectacular.
En continua evolución y búsqueda hace que, cada vez
que comparto un rato con él me abra con sutil maestría decenas de puertas y me descubra diferentes enfoques o ángulos desde los que percibir con nuevas
perspectivas. Entre las últimas gemas que me ha proporcionado y que me han removido los cimientos está
Billy Martin, y se ha convertido en un imprescindible
ya para mi.
Como decía antes, donde hay confianza…hace que
veas las cosas de otra manera. Igual debería haber
contado dónde estudió o con quien toca y/o ha tocado…Huelga decir que Pablo es un respetadísimo
músico que lleva muchos años subido a escenarios
y grabando con y para importantes músicos . La lista
de trabajos realizados es inmensa. Pero acceder a esa
información es muy fácil en estos tiempos. Lo complicado y especial es tener los pies en la tierra y eso
es lo que realmente tengo la suerte de conocer de
primera mano y que poca gente puede ver. Por todo
ello, Maestro, gracias.
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I S S U E M AY - J U N 2 0 1 2
y vivir al máximo.
Después de trabajar con tanta gente y tan dispares
musicalmente ¿Qué grupo o artista te ha dejado huella?
Mis amigos.
Llevas muchos años girando ¿Qué notas que haya
cambiado desde que empezaste a ahora en el negocio?
Las cosas han cambiado, algunas de forma trágica,
pero lo importante sigue siendo lo mismo, por lo menos para mi.
¿Puedes contarnos algún truco para grabar en estudio?
Sinceramente no creo en los trucos. Para mi lo primordial es que exista una conexión directa con el
momento, dejar mucho espacio a la espontaniedad.
No siempre fue así.
Confiesa...¿Cuál es ese disco que sabrías tocar de
principio a fin, después de haberlo escuchado tanto?
Preguntas de Rams a Pablo
La primera pregunta es obligada. Cuéntame un poco qué
equipo usas báscicamente. Se que para cada proyecto
llevas configuraciones distintas, pero ¿qué kit podrías
usar siempre?
Bombo, caja, escobillas.
Californication de RHCP, de P a PA.
¿Qué otros músicos (baterías o no) han sido influyentes
en tu estilo?
¿Qué te gusta hacer en la furgo?
Bombo, caja.
Jim Keltner, Brian Blade, Dave King, Neal Morgan,
Steve Jordan, Frisell, Flea, Palladino...
¿Y para sets acústicos? Se que eres muy original
buscando sonidos y texturas distintas, y en los acústicos
lo puedes llevar al límite.
¿Cómo haces para regenerarte y seguir aprendiendo?
No me lo planteo, simplemente quiero tocar, crecer
Reirme y parar a comer.
Y ya para acabar...¿Cómo es Pablo Serrano en casa?
¿Qué otras cosas haces?
Disfrutar de la familia...luego me encierro en mi estudio a hacer garabatos y jugar con mis juguetes.
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B AT E R I A Y P E R C U S I Ó N
Ramiro siempre ha sido una esponja y un niño eterno.
Atando cabos recuerdo el día que le conocí, hace ya muchos años, se sentó a mi lado durante una actuación y
pude sentir que su curiosidad y atención eran algo más.
Desde entonces no ha dejado de sorprenderme con su
hiperactividad y madurez, con su estilo directo y su manejo del silencio, esto último lo podría subrayar, durante
tanto tiempo nunca una palabra demás, tampoco una
de menos. He visto a Rams crecer y creo que la propia
música le ha hecho ser quien es: humilde, positivo, cercano y amigo. Y seguimos juntos en la búsqueda de la
celebración de una canción. ¡Y que nos quiten lo tocao!
Preguntas Pablo a Rams
En dos lineas, ¿Quién es Ramiro Nieto?
Ramiro Nieto, Rams, es una persona que lleva cerca
de 15 años dedicado a la música, en muchas y diversas facetas. En todas ellas intenta seguir aprendiendo
y no dejar de sonreír por el camino.
¿Qué buscas?
La canción perfecta. Al menos acercarme todo lo que
mi creatividad me permita. Busco también que, cantando o tocando la batería, las canciones que interpreto crezcan.
¿Qué te inspira?
Me inspiran muchas cosas. Oigo discos y me sigue
aflorando una risa tonta y se me pone la piel de ga-
llina. Veo muchos conciertos y me pasa igual. Leo
biografías de artistas, y me hacen ver lo poco que he
hecho hasta el momento.
¿Qué te llama la atención en un batería?
Me gusta ver a baterías que no muestran todas sus
cartas. Que saben estar y que con un simple beat hacen que algo se mueva dentro de ti.
Tocar otros instrumentos, ¿De qué forma te afecta al
tocar la batería?
Es muy importante para mi, por que puedo entender
que hace el resto de la banda. Es una pieza clave a la
hora de intentar desarrollar la intuición musical.
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¿Hasta qué punto te puedes desvincular del ritmo en tu
vida cotidiana?
Seguro que estamos igual de enganchados los dos,
Pablo. Para mí es imposible desvincularlo. Planes...
Estoy haciendo muchas producciones a grupos emergentes en mi estudio (Lower Side) y me encanta ayudar a estos músicos con menos experiencia a que sus
temas brillen un poco más. Con The Right Ons, seguimos la gira interminable (y que no pare nunca) y
seguramente volveremos a grabar antes de que acabe
este año.
¿Qué equipo usas actualmente?
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Uso un set Ludwig del 63 (22,13,16, 18), caja Supraphonic del año en que nací, parches REMO, platos Turkish y baquetas BAART.
¿Qué musicos te llegan y te han marcado?
Te nombro tres de la lista infinita que tengo. Ringo: con tan poco, hace gigantes las canciones. Levon
Helm: voz, ritmo y canciones. Miles Davis: renovarse, reinventarse y creer en lo que uno hace.
¿Qué es lo mas facil y lo mas dificil de tocar y cantar a
la vez?
Es difícil si no lo trabajas. Lo importante es trabajar
independientemente la técnica de los dos mundos y
luego juntarlo. El buen uso del aire es vital en este
caso, y si no tienes técnica, te quedas sin voz enseguida.
Foto: Martí Perarnau
EN TREVISTA
Rams (por Pablo Serrano)
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EN TREVISTA
Jeff es un batería de jazz, de los más grandes
que podemos disfrutar en nuestro país, de
origen estadounidense lleva más de 30 años
afincado en España trabajando con los mejores
especialistas de género y siendo un gran
estilista. Comparte su trabajo de sideman con
su dedicación a la docencia. Tuvimos la suerte
de charlar con él y todo queda reflejado en esta
entrevista, amigos: Jeff Jerolamon.
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Foto: José L. Muñoz
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EN TREVISTA
¿Qué edad tenías la primera vez que te sentaste delante
de una batería?
Yo tendría 9 ó 10 años todos vimos en esta época,
sería el año 64, a los Beatles en el programa de Ed
Sullivan en televisión y al día siguiente salimos corriendo a comprar una batería, una guitarra…todos
queríamos ser Beatles. Luego salió “Qué noche la
de aquel día” y vi a las chicas detrás de ellos y pensé:
‘Este parece un buen trabajo’.
¿Cómo ingresaste en el mundo de la música y del jazz?
Bueno yo la batería hasta que tenía 14-15 años no la
tomé muy en serio era un hobby. Tocaba con los discos de rock, con más chicos, hacia mi clase de batería
cada semana, estudiaba media horita…
¿Autodidacta al principio?
No desde el principio yo tenía un profesor que me
enseñaba a leer, mi profesor era el batería del grupo
de mi hermano. Mi hermano mayor tocaba el bajo y
yo tocaba la batería… pero ya estaba en programas…
es que Estados Unidos es diferente a aquí…la música
está en los colegios, no hay conservatorios como aquí.
En los Estados Unidos el conservatorio es superior,
es a nivel de universidad.Dentro del mismo instituto
está la banda de concierto que es como la sinfónica,
está la de marcha, como se ve en las pelis en los partidos de fútbol y luego la ‘stage band’, es como la big
band de jazz, de swing. Entonces ya estudiaba desde
los 12 ó 13 años con programas de verano. Luego al
entrar al instituto me di cuenta que el deporte no era
lo mío y dije voy a dedicar mi energía a otra historia. Había un chico que era más mayor que yo que
practicaba la batería 8 horas al día, yo nunca pensé
que se podría practicar tanto tiempo, en el deporte sí,
jugando al baloncesto si tenía sentido pero la música era un hobby. Entonces algo hizo click, al mismo
tiempo vi a Buddy Rich en la tv. Hasta entonces el
batería que más destacaba era Ginger Baker, luego
también John Bonham que hacía un tema que se llama Moby Dick…todo eso era muy interesante, pero
cuando vi a Buddy Rich era como otro mundo, era
como ver a Fred Astaire tocando la batería y eso me
cambió un poco la vida. Entre el chico que estudiaba
tantas horas y lo de Buddy Rich, que vi que nivel es
posible alcanzar…ya sé que no voy a llegar a ese nivel
nunca pero cuando eres joven (risas).
Entonces a partir de ahí, de ver a Buddy fue cuando te
inclinaste hacia el jazz…
Sí primero fue big band y a los 14-15 años ya fui a
saco, empecé a estudiar 5, 6, 8 horas, lo que podía.
En el 82 te vienes a España. ¿Qué te impulso venir a un
país donde el jazz no es la cuna de la música y la fama
que tenemos por ahí es de pandereta y flamenco?
Bueno yo no sabía lo que era un país de pandereta
(risas) y de flamenco muy poco.
Estaba viviendo en Nueva York desde el 76 hasta 81
por razones personales, matrimonio, voy a vivir a Nueva
Jersey donde estaba tocando con diferentes grupos y
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I S S U E M AY - J U N 2 0 1 2
cuando se acaba el matrimonio decido cambiar, puedo
volver a Nueva York –que ya sé lo que hay- o puedo ir
a Australia o Europa.
Australia está muy lejos y en Europa solo conocía a
una persona, un pianista que se llama Joshua Edelmann que estaba viviendo aquí y tocábamos juntos
cuando vivíamos en Nueva York. Entonces justamente aquel verano, el vino de visita por los Estados
Unidos y le pregunté: ¿Donde estas tú? ¿En España?
Sí en Valencia, ¿Valencia? ¿Se puede trabajar? ¿Qué
hay allí?... Bueno ven si quieres, mi intención era ir y
ver como era y si no irme al norte a Holanda o a Paris
y nada era el 82 y aún estoy aquí.
Habías tocado con muchos músicos ya por entonces
¿Cómo viste el nivel del Jazz cuando llegaste a España y
cómo lo ves ahora?
No tiene nada que ver, cuando llegué a España en
Valencia concretamente había 3 grupos y tres locales, uno que se llamaba Perdido, otro que se llamaba
Caballo y otro que se llamaba Tabarca y luego había
sitios sueltos como Planta Baja y algunos sitios perdidos y claro entre esos tres grupos iban rodando. Yo
llegué a tocar 15 días al mes en aquella época sin salir
de Valencia… sí, si y ahora claro… eso hace 29 años
y ahora hay como dos, tres generaciones de músicos
de jazz que han aprendido. En aquella época España
no estaba al nivel de Europa, ahora sí.
¿Quieres decir que en aquella época había mucha
diferencia, que el nivel era más bajo?
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EN TREVISTA
Sí, muy pocos músicos, no hablo de Tete Montoliu,
hablo de gente de aquí corriente de Valencia, Barcelona y Madrid.
De todos los músicos con los que has tocado si tuvieras
que elegir a tres músicos que te hayan sorprendido por
su musicalidad, su técnica… ¿Destacarías a alguien en
concreto?
Sí, George Cables, que tenía una presencia musical
que me influía mucho, pianista. Un amigo, Brian
Traynor un músico con el que tuvimos una larga relación desde los años 70 hasta que falleció, yo creo
que hay una relación especial entre pianista y batería,
es como tu pareja.
¿Más que con el bajo?
Sí porque el bajo esta haciendo walking rítmicamente y está bastante limitado, neutro, está ahí. El juego
está con el pianista y cuando se abre esta comunicación especial pasa eso.
¿Qué buscas en un músico para pedirle que toque
contigo? ¿Técnica, feeling?
Lenguaje, lenguaje primero y luego que escuche, comunicación.
¿Cómo explicarías el lenguaje musical, como lo
definirías?
Bueno el lenguaje son las cosas que por el estilo de
música que estas tocando se entienden por todo el
mundo, porque todos han escuchado los mismos discos. Entonces uno te dice blanco y tú sabes responder
con negro o con blanco también. Es compenetración y es una espada de doble filo porque si tocas con
gente que sabe el lenguaje tu tocas mejor y el suena
mejor. Sin embargo si tocas con alguien que no conoce lenguaje, lo que siempre suena bien ya no encaja,
porque el otro no sabe que hacer para que encaje,
falta la compenetración.
Esta pregunta también prácticamente la has contestado
pero si quieres matizar algo ¿Cómo ves el panorama
jazz actualmente en España?
En general el jazz esta muy difuso, muchas direcciones, muchos estilos. Hasta cosas que no tienen nada
que ver con el jazz pero como tienen un contrabajo
y una escobilla ya lo llaman jazz. Entonces para mí
siempre está en base a un cierto lenguaje, si sales demasiado de este lenguaje ya no es jazz.
Lo que llamaban Latin Jazz por ejemplo, cuando yo
era pequeño, años 70 (risas) por decirlo de alguna
manera, esto no existía, yo recuerdo por ejemplo en
el Village Gate que hacían un concierto los lunes se
llamaba ‘Jazz meet Salsa’ y era simplemente un solista, era Dizzy Guillespie, James Moody o quien fuera,
que era como invitado y era un solista de jazz encima de un grupo, entonces ha seguido siendo musica
de baile con un solo de jazz de saxo, por ejemplo,
encima. Yo vi el Latin Jazz como un grupo de salsa,
es como llamar a Bruce Springsteen jazz por que está
Clarence Clemons tocando un solo de saxo.
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Bien, conservatorio. ¿Qué trabajo desempeñas?
Soy profesor de batería en el departamento de jazz.
Y relacionado con esto ¿Qué carreras se cursan, cuanto
duran y que instrumentos se enseñan dentro del
departamento de jazz?
Dentro del departamento de jazz están los metales
más normales, trompeta y trombón, trompa no hay
y de momento clarinete no hay tampoco, ha quedado un poco anticuado aunque no debería pero...
están los saxos, trombón, contrabajo, guitarra, piano
y batería
¿Qué dura el ciclo de lo que sería la carrera de jazz en
el conservatorio?
Cuatro años.
¿Para ingresar?
Hay que hacer una prueba de acceso.
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¿Qué es lo que más te gusta de dar clase?
Lo que más me gusta de dar clases es ver el progreso del alumno, compartir mis experiencias y a nivel
egoísta yo siempre aprendo algo también.
¿Destacarías algún alumno que haya pasado por la
escuela?
Bueno hay gente que destaca, con mucho talento y
seguiría destacando aquí o en Berklee, los que destacan buscan una manera de llegar como sea.
“Escuchar, escuchar
y escuchar, escuchar
los discos que hay que
escuchar, si hablamos
de tocar jazz buscar
los discos clásicos, y
con el tiempo empezar
a intentar imitarles”
Sí pero un buen profesor también ayuda…
Sí, claro que sí (risas)
Como profesor, como músico ¿Qué aconsejarías a una
persona que esta empezando a aprender música y a
tocar la batería?
Escuchar, escuchar y escuchar, escuchar los discos
que hay que escuchar, si hablamos de tocar jazz buscar los discos clásicos, Art Blakey, Philly Joe Jones,
Kenny Clarke, Art Taylor…y con el tiempo empezar
a intentar imitarles y no solo escuchar la batería si no
lo que esta haciendo todo el grupo. En mi método
incluyo una guía de cómo escuchar los cd para que
uno pueda saber…porque a veces dices, sí escucho
pero…que, ¿Qué hago?
Preséntanos tu libro ‘Straight-Ahead Jazz Drumming’
Vale. Pues en el magisterio, en el conservatorio y en
general como yo veo la enseñanza para tocar la bate-
ría en general y más concretamente el jazz, se dividiría en tres apartados, ensamble, como interpretar un
arreglo o tema que vas a tocar, como acompañar al
solista y luego la batería como solista, cuando tiene
que tocar un solo. Y en realidad no hay otra cosa, una
de esas tres cosas vas a estar haciendo y la que más vas
a hacer es acompañar al solista, porque igual el tema
dura 30 segundos y ahora hay nueve minutos de solos e igual tocas ‘cuatros u ochos’ al final del tema, o
no. Entonces yo quería centrar este libro en la parte
del jazz más presente, en como acompañar al solista y en el contexto de cuando tocamos en ‘StraighAhead’, una expresión de los años 60, bueno 50-60s,
cuando empezaba a entrar más variedad en los temas
de jazz, temas de tre por cuatro, igual en el puente vas
a latin -en esta época dicen latin en general- pero temas que igual estás tocando en una jam y dices como
quieres hacerlo o como es o no lo conoces, entonces:
‘Straigh-Ahead’ ‘todo recto’ no hay tre por cuatro, no
hay latin, no hay swing. Hoy en día tu dices vamos
un tema ‘Straight-Ahead’… ya hemos hecho uno en
latin, otro muy abierto, en este contexto el bajo esta
haciendo walking todo el tiempo etc.
¿Es un libro enfocado a tus alumnos en concreto o le
puede interesar a cualquiera?
Curiosamente este libro lo empecé con la fantasía...
porque en el conservatorio en los primeros años el
batería no tenía ni profesor, podía estudiar con el de
clásico pero de jazz no tenían profesor, entonces con
la fantasía ¿Qué haría yo si tuviera ese trabajo? En
realidad no encontraba nada por ahí que tuviera el
lenguaje que yo buscaba y presentado en la manera
que a mí me gustaba presentarlo. Siempre en la enseñanza hay dos maneras, el específico y el general.
Específico es ‘así es como lo hacía Philly Joe Jones’,
‘así es como lo hacia…’ y tienes transcripciones, hay
buenos libros, John Riley tiene par de libros muy específicos, pero yo quería dar una cosa más general,
un lenguaje que hace todo el mundo, el lenguaje más
común.
Me has contestado a la pregunta que te iba a formular,
que diferencia hay entre tu método de jazz y los
típicos…
Bueno el libro mío es muy conceptual y hay varias
cosas que hablamos, primero es como tener un buen
walking con el plato, porque el bajo esta haciendo
walking y en realidad el plato también lo esta haciendo y si no me crees escucha un disco de jazz
en el coche y no oyes el bajo y sin embargo intuyes
el bajo porque el plato ahí está haciéndolo, incluso
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he hecho un apartado en youtube demostrándolo.
Después pues cojo el lenguaje de cómo acompañar,
el comping sencillo de batería y desde ahí empezamos a trabajar con tensiones, como crear tensión y
luego resolverlo, crear emoción y esas son cosas que
vi muy pronto. Viviendo en New York fui a ver a
baterías, a los maestros y todos lo hacían, desde Elvin
Jones, Louis Hayes, Jack DeJohnette …todos tocan
así como en olas de frase, no tocaban tiempo, no eran
como lo estaban esperando los que están acostumbrados al rock que es como una cosa fija y luego
variaciones pero siempre volviendo, era más como
olas de energía que venían en frases que parecía que
van con la estructura del tema y ahí vi a los pianistas
y a los baterías creando tensiones y resolviendo en el
mismo sitio y claro con el tiempo me di cuenta que
viene con la estructura del tema, no era coincidencia,
sabían donde resolver.
Entonces el libro está dedicado mucho, mucho a esto,
casi la mitad del libro esta dedicado a como crear tensiones, resolverlas, como hacerlo para que no suene
muy cuadrado ni predecible y más o menos de una
manera breve eso sería. El libro se puede conseguir
en La Novena si estás en Valencia, la editorial es Hal
Leonard y en Amazon se puede adquirir también.
¿Actualmente sigues tocando con grupos además de
dar clases en el conservatorio?
Doy clases privadas en la Asociación de Baterías y
Percusionistas ABP donde está Yoel Paez y Copi. Y
bueno ahora con la crisis los conciertos, bueno hazte
una idea, hace 5 años hacia 140 fechas, el año pasado
59 y este año será mucho menos, entonces sigo tocando si (risas), pero mucho menos…
¿Con bandas abiertas?
Con quien más toco es con Latino, en su cuarteto
homenaje a Gerry Mulligan…
Cambiando un poquito, una pregunta que siempre he
tenido ¿Crees que es fundamental estudiar jazz para
un batería sea cual sea el estilo al que luego vaya a
dedicarse? El Jazz siempre se ha dicho dentro de la
música que es la raíz desde donde evolucionó el soul,
el r&b, luego saliendo el rock ¿Crees conveniente tener
una base de jazz, estudiar o es algo que te puedes
saltar y empezar estudiando ejercicios de pop-rock
directamente? ¿Cómo lo ves tú?
Hoy en día, bueno, ten en cuenta que los baterías de
rock clásico de los 60-70s vienen del jazz les gustara
o no porque eso estaba en la escuela, Ginger Baker
venía tocando jazz, incluso a los que no se les nota
como Charlie Watts que le encanta el jazz, le gusta el
jazz más que el rock (risas), pero hoy en día depende
de lo que quieras hacer, si vas a tocar heavy metal ya
hay muchos baterías de heavy metal que no necesitan
eso, yo no creo, depende de lo que te gusta, lo que te
emociona, deberías de tocar lo que te emociona.
Te lo digo porque yo personalmente soy más de rockpop pero yo estudié una base de jazz porque mi
hermano tocaba jazz y me ha venido muy bien a la
hora de independencia, coordinación, feel, groove…
una base de jazz siempre he pensado que va muy bien
aunque luego ya te especialices…
Sí pero…hay independencia en el rock también.
Uno de los libros más difíciles, bueno yo ni lo intento, es el libro de este ¿Cómo se llama?, bueno es igual,
hay muchos libros de independencia, creo que eso ha
pasado en los 60-70s pero ahora en el 2012 yo creo
que ya no, no.
¿Qué diferencia encuentras entre un batería de jazz y
uno de rock-pop?
La diferencia es el lenguaje y la técnica es completamente otra, porque la técnica al final es sonido, en
realidad estamos hablando de sonido, entonces si tu
objetivo es que cada vez que tocas la caja el nivel sea
el mismo y eso define un buen sonido y lo mismo
con el bombo, eso no tiene nada que ver con el jazz,
entonces ya sin hablar del lenguaje ya es completamente otro enfoque al tocar el instrumento
¿Crees que es mejor especializarse en un estilo? Hay
baterías que intentan abarcar muchos estilos. ¿Tú crees
conveniente centrarse en un estilo?
Depende, depende si lo enfocas como artista o como
músico que quiere trabajar. Si quieres ser un músico que quiere trabajar y quieres tocar la batería para
ganarte la vida, cuantos más estilos puedas dominar
más posibilidades tienes de trabajar. Pero si quieres
desarrollarte artísticamente y centrarte en un estilo o
buscar tu voz, entonces yo diría, ve a por ello y trabaja en dar clases porque igual acabas en una orquesta o
haciendo algo que no te gusta nada.
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Tengo aquí una cita de Roy Haynes que dice: La batería
es el fundamento donde se erige el edificio del jazz.
¿Tú lo ve así? También afirma que un buen baterista
debe de tener dos cosas, una buena dosis de swing y un
buen oído. No basta con tocar para uno mismo. ¿Dónde
quedaría la técnica aquí? Porque no hace mención a la
técnica, la técnica es muy importante dentro del jazz.
Sí, porque Roy viene de una época donde la técnica
no tenía…si escuchas las baterías de soul años 60 es
la misma técnica que tocando jazz, no tenía esto de
“Pup-paff-pup” el sonido era más jazzistico, Bernard
Purdie,¿Cómo se llama este que hacia…Al Jackson?
El que hacia todos los discos de Staxx. Sí, es un sonido de jazz, entonces Roy viene de aquí, no tiene esta
mentalidad, Roy tiene 84 u 85 años.
Lo que está diciendo él es una cosa que yo he notado
de muy joven, algo muy parecido decía Buddy Rich
también en una cita que no recuerdo exactamente
pero era algo así: ‘Un buen batería en un grupo mediocre puede subir el nivel del grupo y un batería
destacado puede coger un grupo solamente bien y
subirlo a un grupo destacado’ que tiene mucho que
ver con eso que estaba yo hablando antes de hacer a
un solista sonar mejor de lo que en realidad es, darle
más emoción, meter estas tensiones y resolverlo de
una manera que cada coro va subiendo, es como si
vas cambiando de marchas, esa es una de las cosas
que me enseñaba George Cables y que he mencionado antes. Piénsalo como un coche donde cada coro,
para los que no saben de lo que estoy hablado cada
coro es como una rueda del tema, cada rueda es la
canción entera cuando estás improvisando, cada coro
sube una marcha, primer coro, segundo, tercero,
cuarto y quinto y siempre dejar la impresión de que
siempre podrías dar un poquito más, si quisieras.
Lo que dice Roy es claro, tener el swing y buen
oído, porque uno de mis preferidos baterías siempre
va en equipo con el pianista y Roy Haynes y Dave
Klikowsky lo llevan impresionante. Recomiendo
si encuentras un disco de ellos juntos que escuches
como encajan porque es genial.
¿Qué set de baterías llevas ahora mismo? Tipo de
madera, platos…
Soy endorser de NP, Murat Diril en platos, Remo
en parches, llevo una caja de VAD (Viana Artisan
Drums) y Jose Viana me está haciendo un clon de
una vieja Gretsch.
¿Qué le pides a una batería para que te suene bien a
jazz y que afinación usas?
A mi me gusta el sonido viejo Grestch y me gusta
afinar de manera que el tom pequeño esté más agudo
que la caja, esto Max Roach fue el primero en hacerlo. Llevo un 12” y un 14”. En caja una 14”, una vieja
Radio king monocasco de 7.5” y Jose Viana me está
haciendo una de 5”. El base de 14” todo agudo en
general, el bombo abierto me gusta que suene como
un tom más, yo utilizo para bombo un 20”
Muchas Gracias Jeff por todo
Gracias a vosotros y si alguien quiere contactar conmigo lo puede hacer vía Facebook AQUÍ
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DIDÁCTICA
Sílabas Rítmicas (1)
Textos y transcripción : Raúl Guzmán
Como a muchos aprendices del arte de tocar la batería me sucedía algo bastante
común a medida que estudiaba: dominaba las técnicas básicas de agarre de las
baquetas y pedaleo del bombo y charles, podía dar pie con bola (coordinar) e
incluso tenía algo de independencia, sabía leer musica para batería, es decir,
conocía el “ABC” de la batería, pero así como con nuestro idioma castellano
¿Qué puedo decir con estas letras y sílabas? ¿Como construyo oraciones
coherentes? Bueno, como cualquier otro lenguaje nuestro vocabulario
baterístico es influenciado por nuestros gustos personales, nuestra cultura,
experiencias, etc. Así como hay distancia entre saber el alfabeto y escribir poesia
o novelas, de la misma manera hay distancia entre dominar la técnica para tocar
un instrumento musical y desarrollar un discurso a través de él.
En esta tarea de desarrollar nuestra personalidad e identidad como musicos, es
indispensable practicar lo aprendido y crear cosas nuevas a partir de lo conocido.
En este sentido, esta serie de artículos pretende aportar juegos o sets de sílabas
a partir de las cuales se puedan construir y reconstruir frases y discursos rítmicos
para variados géneros y estilos musicales.
En esta primera entrega, te muestro el verdadero “mi mamá me mima” de la
batería. Por favor, no lo subestimes, muchos bateristas profesionales lo utilizan
como herramienta de estudio y trabajo cotidiano. Aquí haré un paréntesis para
comentarte sobre la práctica de la ejecución baterística. En la batería, lo más
común es que el ejecutante toque uno o dos ritmos constantes y/o repetitivos
a lo largo del discurso musical que realiza, mientras es posible que un tercer
ritmo sea ejecutado a manera de voz solista. En estos casos, el ritmo constante,
algunas veces llamado ostinato, es la referencia con la cual debe coordinar la
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DIDÁCTICA
voz solista. A veces parece que los grandes del instrumento son verdaderos
pulpos, pero lo cierto es que son mortales como nosotros y casi siempre tienen
alguna referencia que les sirve de “ancla” para no irse a la deriva.
Ahora conversemos acerca de este pequeño vocabulario. Como puedes ver en la
imagen 1, la caja y el charles mantienen un ritmo constante, mientras el bombo
es la voz que cambia constantemente entre estos patrones de dos negras.
Los 15 patrones presentados son células rítmicas que pueden combinarse de
infinitas maneras para crear frases nuevas.
Recordando lo comentado antes sobre la práctica de tocar la batería, en estos
ritmos las manos realizan la función de guía que mantiene la fluidez musical,
mientras que el pie derecho es la voz que cambia constantemente, por tanto, es
la voz que requerirá mayor atención. Notarás que estos ritmos estan presentes
en muchos estilos y géneros de música moderna a medida que te familiarices
con ellos.
El régimen de estudio que te propongo es ejecutar por separado cada ritmo
del juego para aprender su lectura, tocarlos uno tras otro de manera fluida y
luego combinarlos en cualquier orden. Asegúrate de dominar cada uno con la
misma fluidez. Algunos te resultarán más difíciles que otros según la intensidad
y velocidad con la cual toques; en este sentido, tu objetivo debe ser desplazarte
entre ellos con igual fluidez y musicalidad. Empieza despacio e incrementa la
velocidad progresivamente. Una vez hecha esta tarea, experimenta con las
diferentes variaciones de platillos propuestas.
Todo este proceso te permitirá alcanzar tres objetivos de suma importancia:
desarrollar la técnica, conocer los cambios de caracter que sufre un patrón
básico al realizar cambios de dinámica (intensidad) y movimiento (velocidad)
y adquirir la experiencia suficiente para saber “lo que resulta” en determinado
contexto musical. Por ejemplo: el último ritmo del juego es difícil de ejecutar a
altas velocidades; por otro lado, los ritmos con pocas notas en el bombo son
sencillos de ejecutar a gran velocidad, el truco es la coordinación; el charles
abierto aporta un caracter agresivo a los ritmos; a grandes velocidades, el ritmo
del charles puede cambiarse a negras para facilitar la ejecución y la claridad
de las notas para el oyente. Estas conclusiones las he obtenido a través de mi
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DIDÁCTICA
experiencia con estos patrones, no es un estudio riguroso, ni es la verdad escrita
en piedra, es solo mi manera de usar estas herramientas. Lo que espero es que
desarrolles tu propio Manual del Usuario sobre como aplicar estas ideas.
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DIDÁCTICA
Time Marches On 335
John Scofield. Batería: Dennis Chambers.
Un acercamiento a los grandes
de la fusión (5)
Textos y transcripción : Pablo Posa
El tema del que nos ocuparemos en éste número es “Time Marches On” de John
Scofield que pertenece al CD “Blue Matter” grabado en el 1987 con Dennis
Chambers a la batería.
No vamos a descubrir a estas alturas ni a John Scofield ni a Dennis Chambers
(por supuesto) pero si que podemos afirmar que el descubrimiento de este
genio de la batería para la mayoría de músicos y aficionados vino a raíz de su
incorporación a la banda de Scofield . Aunque Dennis Chambers ya era conocido
por su trabajo con Parliament y Funkadelic, el reconocimiento definitivo le vino
cuando grabó los discos “Blue Matter” , “Loud Jazz” y giró con el guitarrista,
todo esto entre 1986 y 1988.
La banda que acompañó a John Scofield en el estudio estaba formada por:
Hiram Bullock (guitarra), Mitchell Forman (teclados), Gary Grainger (bajo), Don
Alias (percusión) y Dennis Chambers (batería). Todos ellos auténticos pesos
pesados del -vamos a llamarlo- “jazz/blues/rock” de la época.
La frescura de Scofield unida al poderío de la sección rítmica formada por
Grainger y Chambers era una combinación apabullante e inédita hasta ese
momento.
La crítica así lo reflejó y la revista DownBeat le concedió la máxima valoración
por parte de sus colaboradores.
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DIDÁCTICA
Ahora que nos hemos situado en el tiempo, pasaremos al tema que nos
ocupa.
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Puedo decirte que lo que estás
buscando, está a tu alcance, no
quedarás defraudado.
El patrón de la A es complejo pero “camina”. Para intentar facilitar la
lectura y entrar más en el groove hemos escrito en algunos grupos de
semicorcheas plicas de notas sin cabeza en lugar de silencios. Estos
primeros compases pretenden ser fieles a la interpretación original, pero
dado que la parte A se repite muchas veces, la intención es darnos un
pequeño margen de libertad sobre el patrón inicial. La indicación de Vamp
y On cue, responde a la manera de tocar el tema en directo, donde los
cambios son marcados por Scofield.
La B tiene un carácter más pesado y da paso al solo de bajo cuya duración
se determina en el momento en que la guitarra entra con el riff de la parte
C. Aquí la batería sigue en la línea de la A.
Como referencia para movernos en esta sección nos guiaremos por la
rítmica de la melodía que está escrita sobre el pentagrama. ¡Cuidado con
la B final! En este caso las marcas rítmicas son obligadas. Para acabar,
la Coda está escrita en 6/4 para darle cierta concreción, pero por la
sensación que produce al escucharla se podría interpretar de maneras
muy diferentes con el mismo resultado.
WWW.IBERDRUM.COM
¡Qué lo disfrutéis!
Lug Lock TM
C/ Josefina Aldecoa Nº 6 - Illescas - Toledo - 45200 - España
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L O Q UE E SCR I BE N LOS LE CTOR E S
BRICOBATERÍA
Restauración completa
de una Pearl de 1967.
Hola amigos baterías. En este pequeño artículo voy a
tratar de mostrar mediante fotografías del proceso, y
alguna escueta explicación, como restauré una Pearl
de 1967 que llegó a mis manos en un estado bastante
deteriorado. El instrumento iba a ser tirado a la basura, por lo que su grado de abandono era casi total.
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Ninguna de las piezas del hardware,
ni uno solo de los herrajes se han
comparado nuevos, todo ha sido
recuperado de la mejor manera posible
utilizando distintos tipos de limpia
metales, buscando los menos abrasivos
del mercado e incluso sumergiéndolos en
vinagre o Coca Cola, que dicho sea da
unos resultados bastante buenos.
El trabajo se ha realizado en unos 15
días con una dedicación de 3-4 horas
diarias. Este ha sido el desarrollo del
proceso.
Jordi Drummer.
Estado inicial en que se encontraba la batería
Aquí se ve el bombo y los toms
ya recubiertos de la nueva
chapa y todavía sin lijar
Se retiran las capas del vinilo viejo que recubren los cascos,
inservibles para seguidamente recortar la nueva
Seguidamente se realiza el trabajo de lijado
empleando diferentes grosores de lija hasta
alcanzar la textura deseada
Ya solo necesitamos montar los herrajes que
previamente hemos restaurado
Ahora deberemos realizar los agujeros pertinentes en los
cascos que previamente hemos marcado.
Y este es el resultado final de la batería ya
finalizada.
Se barniza y lija repetidas veces, hasta seis
para conseguir el acabado que necesitamos
Ahora algunas fotos del “antes y después” al respecto de la
restauración de los herrajes de la batería.
Damage
Percusión demoledora
Estamos de acuerdo en que hay muchos tipos de percusión. Desde percusión latina
hasta africana, percusión “western” más convencional... Incluso las posibilidades
sonoras en un mismo kit de batería son infinitas. Podemos sonar como Ringo Starr o
como Mike Terrana. Pero... ¿Qué hay de un tipo de producción que roce el diseño de
sonido? Aquí tenemos Damage, la librería percusiva más impactante (literalmente)
hasta la fecha
Heavyocity es una marca americana puntera en realizar instrumentos virtuales basados en el
diseño de sonido. Después de corroborar su hermandad con los omnipresentes alemanes de
Native Instruments se pusieron manos a la obra para ofrecer al usuario algo diferente hasta
la fecha. No se basan únicamente en samplear todos los tipos de percusión habidos y por
haber y ofrecerlos en un pack, no... a eso, que también nos lo ofrecen en Damage, hay que
sumarle una gran variedad de sonidos percusivos diseñados previamente para obtener esas
sonoridades originales que en algún momento dado pueden hacerle falta a tu producción.
Para ello, durante dos años se pudieron manos a la obra (y a las baquetas) y comenzaron a
samplear todo tipo de instrumentos percusivos al uso, demoliciones e impactos de coches
en la chatarrería para producirlos previamente y meterlos en la bonita caja que nos ofrecen
desde Native Instruments. En definitiva, podemos resumir Damage como la definitiva arma
de loops industriales. Pero no solo contiene loops. También puedes “desmontar” cada loop
por separado desde la carpeta llamada “Single Loops” y desde ahí, y con mucha paciencia,
montar tus propios loops. Obviamente, también contiene kits en un formato más standard
como ofrecen multitud de otras librerias.
Por Agus González-Lancharro
Uno de los puntos fuertes de Damage, a parte de un
look de lo más atrayente, son sus posibilidades. A
tiempo real podremos controlar y disparar efectos, como
rotary, delay o filters, tal y como se podía hacer con
sus librerias anteriors de la serie Evolve de Heavyocity.
Podrás controlar también Mater EQ, reverbs y la gran
novedad el control PUNISH para añadir más punch al
sonido.
En medio de la interfaz se puede encontrar un Amp
Sequencer que te permitirá cortar los loops por donde
desees y a tiempo real. Entrando en la pestaña LOOP,
siempre y cuando esté disponible, podrás alterar el
orden de cada corte, revertirlos entre sí, repetirlos y
demás manipulaciones.
En la pestaña EQ/Filter podremos variar los parámetros
más convencionales como EQ y los filters, y es donde
se puede encontrar el control PUNISH. Obviamente,
puedes usar las automatizaciones via CC de MIDI para
que cualquier parámetro fluctue a tu antojo.
T-FX nos permitirá activar a tiempo real, como no, los
efectos. Esta posibilidad, auqnue no lo pueda parecer a
priori, puede permitir añadirle mucho ritmo y variedad a
cualquier loop. Alternándolos entre sí. Puedes conseguir
una variedad rítmica única. Buena muestra de ello es la
demo que se ha preparado para la ocasión, en donde se
utilizan cambios de efecto a tiempo real para conseguir
ese efecto.
Desde Native Instruments/Heavyocity se han puesto las
pilas en un apartado que también es muy importante
para darle a nuestras producciones un toque más
profesional y nos ofrecen espacialización en 3D. En la
pestaña STAGE podrás ubicar la fuente de sonido en
una habitación 3D. Solo con probar aleatoriamente
yendo de extremo a extremo te darás cuenta de lo útil
que puede ser para conseguir esa profundidad que a
veces no sabemos como conseguir con nuestras pistas
de percusión. Podrás inmediatamente posicionar tu pista
en el espacio. Esta opción, con una buena programación
5.1 puede sonar de escándalo. ¿Que quieres un golpe
en la cara? Solo tienes que aproximar el punto amarillo.
¿Que lo quieres al fondo de la habitación? Pues ubicalo
allí. La reverb natural que trae de serie hará el resto,
aunque también puedes jugar con cualquier reverb de
convolución que puedas tener en tu arsenal para darle
el toque final.
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Conclusión
5/5. Algunos dirán: “¡Buah! pero si son solo loops”. Sí,
¿y qué? Las opciones de manipularlos son ilimatadas
(recordemos que también vienen construction kits
prediseñados), la cantidad de efectos que se pueden
añadir a tiempo real multiplica las posibilidades y la
espacialización redondea la nota. Eso sin contar que la
producción y la calidad de sonidos son perfectos. Pero
bueno... ¿Esto tiene alguna pega? Evidentemente, que
todavía no exista un Damage 2.0. Si eres profesional de
la música, en cualquier estilo, deberías comprarlo.
VÍDEO DEMO AQUÍ
Dime qué escuchas/ves/estudias
y te diré quién eres.
Textos: Danko Compta Hirnyj.
Discos, directos, métodos, websites, y curiosidades en los que parar, ya sea un ratito o para
que formen parte de tus incunables.
CD
(teclados y coros) crean una atmósfera que sólo ellos dominan.
Estructuras, dinámicas y aspectos musicales fuera de la técnica que
dominan a la perfección para explicarnos ese mundo que crean
con sus historias, para mí, unos pintores de la música, siempre
ayudados por las ilustraciones de Roger Dean y un sonido e imagen cuidadísimos.
DOCUMENTAL
VÍDEOS
Jo-
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Paul McCartney
CHAOS AND CREATION AT ABBEY ROAD
nah Smith
Yes
INDUSTRY RULES
YES SYNPHONY.
Una banda en la que milita el baterista MARKO DJORDJEVIC. Si no
le conocéis, os animo a ello y además este proyecto de smoothjazz-funky-fusión (yo y las etiquetas estilísticas) hace las delicias
de quien quiera tocar encima de temas bien guapos para practicar
en el local.
Un DVD que cayó en mis manos y que probablemente haya sido
leído decenas de veces por el láser de mis players.
Este disco tiene ya unos añitos, los posteriores mantienen el
“savoir faire” de este proyecto que reúne americanos (Jonah
Smith, Ben Rubin, Bob Reynolds, Maya Azucena, Nick Vayenas,
Matt Stein, Gene Paul), un catalán (David Soler) y un yugoslavo
(Marko Djordjevic). Un disco cálido, arriesgado y rítmicamente divertido. ¡Perfecto para empaparse y enriquecerse!
Un trabajo conceptual entero que amalgama canciones, mensajes,
puesta en escena, proyecciones e imágenes, iluminación y un aire
a ese rock-pop sinfónico característico de esta banda que ha ido
viajando a través de los años para sus seguidores a través de esas
islas y paisajes típicos de las portadas de sus álbumes y los carteles
de sus conciertos.
Grabado con la European Festival Orchestra en Noviembre de
2001 dirigida por Wilhem Keitel, los músicos de YES, Joan Anderson, Steve Howe, Chris Squire, Alan White, ayudados de Tom Brislin
El Beatle más prolífico nos invita a pasar un ratito en el mítico
estudio de Londres que ha pisado tantas veces tanto con The Beatles, como con su música en solitario.
Un formato curioso, encontrarte como espectador en tu casa
desde la cámara, pero al lado de los que están sentados en las
mesitas repartidas por el estudio grande de Abbey Road, y aparentemente “desparramados” multitud de instrumentos con los que
Sir Paul McCartney nos enseñará, con su típico humor británico,
cómo ha compuesto y grabado canciones que han dejado huella
en la historia de la música moderna.
Desde tocar un contrabajo que perteneció al contrabajista de Elvis
y que Linda le regaló, pasando por el multipistas que usaron para
crear Strawberry Fields o la explicación de cómo surgió “Blackbird” hasta -con el ingeniero de ProTools- la creación de una
canción “in situ” tocando la batería, el bajo, la guitarra y cantando
a coro con toda la gente que hay dentro del estudio.
Divertimento y mil detalles para estar bien atentos. ¡Las batallitas
del “abuelo” son estupendas!
MÉTODO INSTRUCCIONAL
(DVD/LIBRO/AUDIO CD)
WEB SITE
TV - (PROGRAMA / CADENA)
www.virgildonati.com
Buenas noches y Buenafuente
Esta vez vamos con una web más personal, la del gran referente,
Virgil Donati.
La peculiaridad, además de ser la de uno de los monstruos que
más rápido y más cantidad de golpes reparte es que encuentro
que es un portal muy bien diseñado para exponer toda la información que este artista desea dar a conocer.
Tanto sus fechas de gira con sus múltiples proyectos o clinics pedagógicos o para sponsoring, como sus lecciones en vídeo suscribiéndote a la web pasando por fotos de sus proyectos y vida,
sus blogs y escritos en el que se comunica con sus seguidores y
alumnos y en los que explica un poco su filosofía, inquietudes y
propósitos. A nivel de empaparse bien de nuestras influencias, si
Virgil Donati es una de las tuyas, aquí tienes links e ideas para
entretenerte un buen rato disfrutando de lo que hace éste maestro
y sus adláteres.
Benny Grebb
THE LANGUAGE OF DRUMMING.
Un método instruccional que considero muy oportuno visitar y poseer en la estantería.
Un repaso por diferentes formas rítmicas pero construyendo todo
el paso pedagógico por el dominio de la subdivisión, explicando a
mi parecer de forma brillante y muy inteligible, la forma en semicorcheas y tresillos.
Un método en el que hay muchísima explicación en diferentes velocidades, con distintos patrones muy ricos a nivel de “gosth note”
para enriquecer mucho el Groove.
Y unas cuantas escenas en emplazamientos fantásticos y con un
sonido estupendo en los que disfrutaremos viendo tocar a éste
alemán con una técnica magistral sumada a un talante personal
que hacen de su manera de tocar: única.
Todo un ejemplo de buen diseño en website en cuanto a navegación e información proporcionada.
Vuelve a Antena 3 una de las caras más populares
de nuestro país, y que tiene una especial y cariñosa
simpatía por la música en directo, cosa que aplaudimos, agradecemos y valoramos. El único late night
show con música en directo, la banda residente e invitados tocando en directo en varios formatos, desde acústico hasta banda,
como fue la aparición de Amaral en el primer programa de esta
nueva etapa de Andreu Buenafuente y su equipo. En esta nueva
temporada cuenta como director musical para la banda residente
Raúl Patiño y a la batería: ¡Martí Soler!
A los que os enganche la pequeña pantalla, al menos tenéis un
programa formato americano, divertido, entretenido y con ¡Música
en directo!
RADIO - (PROGRAMA / CADENA)
Radio 3
Consol Sáenz y Jose Mª Carrasco en Radio 4 nos brindan un programa de música que informa y nos pone al día acerca del panorama alternativo y comercial sin llegar al extremo de la radio fórmula. Con invitados y menciones como Lucas Masciano, Manu Chao,
Sôber, Very Pomelo, Medina Azahara, entrevistas, reportajes y de
todo un poco para conocer mejor proyectos nacionales de todos
los colores, rumba, pop, electrónica, heavy, metal, hard rock etc.
En nuestro ánimo de expandir nuestros conoci- mientos musicales os animamos a que si conocéis programas
o cadenas de televisión y de radio nos escribáis
para descubrírnoslas y así poder recomendarlas
a todos.
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Y PERCUSIÓN y mandadnos un post con vuestras ideas o mandádme un mensaje interno a
mi página en Facebook. ¡Gracias!
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