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FOTOMETRÍAS
J AV I E R TO RO BLUM
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EN BUSCA DE LA OSCURIDAD
IN PURSUIT OF DARKNESS
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La exposición Fotometrías surge como parte del resultado de la investigación desarrollada en el Laboratorio Eigengrau, proyecto que investiga las posibilidades formales de la oscuridad, y es parte del desarrollo
de un cuerpo de obra ligado a la comprensión de un fenómeno que
descubrí trabajando con luz en la Universidad. El particular interés
que me suscito ha cruzado una búsqueda no solo de comprender su
naturaleza formal sino que me ha forzado a buscar la manera de producir y exhibir estos trabajos. Si bien anteponer las lógicas culturales
e institucionales antes de producir una obra facilita su entrada en el
mundo, el entregarse a descubrir la lógica de un material, a pesar de
las dificultades, es una tarea sumamente liberadora. Escuchar a la naturaleza en vez de intentar anteponer las intenciones personales es un
método que simplifica las cosas, o al menos así ha sido para mí, ya que
uno se vuelve un artesano de su propio proceso. Es como cuenta la
anécdota del arquitecto Louis Kahn al pedir consejos a los materiales: “Uno le dice, ‘¿Qué quieres, ladrillo?’ y el ladrillo contesta: ‘Quiero
un arco.’ Entonces uno le dice: ‘Yo también, pero los arcos son caros.
Puedo usar un dintel de hormigón. ¿Qué te parece, ladrillo?’ El ladrillo
dice: ‘Quiero una arco.’”
The Fotometrías exhibition emerges as part of the results of an investigation that took place at Laboratorio Eigengrau, a project that investigates
the formal possibilities of darkness. This project belongs to a body of work
that is tied to the comprehension of a phenomenon that I discovered while working with light during my university studies. The particular interest
that this provoked in me has not only characterized the search for understanding its formal nature, but also, it has forced me to seek for a way of
producing and exhibiting these works of art. Though placing cultural and
institutional logic before producing an artwork makes its entry into the
world easier, the act of surrendering to discovering a material’s logic, in
spite of its difficulties, is a highly liberating task. To listen to nature instead
of placing personal intentions first is a method that simplifies things, or at
least it has been in my experience, since one becomes a craftsman of its own
process. It’s like the anecdote of architect Louis Kahn asking materials for
advice: “You say to a brick, ‘What do you want, brick?’ And brick says to
you, ‘I like an arch.’ And you say to brick, ‘Look, I want one, too, but arches
are expensive and I can use a concrete lintel.’ And then you say: ‘What do
you think of that, brick?’ Brick says: ‘I like an arch.’”
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LA OSCURIDAD COMO MATERIAL
DARKNESS AS A MEDIUM
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Como examen final de un curso de iluminación que realicé en la escuela de Diseño el
año 2006 construí una luminaria que estaba compuesta por un disco cóncavo pintado en negro mate, con cuatro luces ultravioleta que lo iluminaban por detrás. En un
cuarto oscuro la lámpara generaba un particular efecto: mientras la sala se iluminaba,
el frente del disco permanecía en completa oscuridad, desapareciendo su concavidad
y eliminando cualquier referencia espacial. El mecanismo permitía entonces en la sala
ver oscuridad y luz al mismo tiempo, donde lo particular de su efecto era la posibilidad
de percibir oscuridad como una forma definida.
Cuando estamos en un cuarto oscuro la negrura - que es realmente un tono gris - del
espacio no es un fenómeno externo que estamos observado, sino un tipo de visión
producido por nuestro cerebro, una especie de alucinación neutra, producto de la falta de estimulación lumínica. Este fenómeno es llamado gris cerebral y fue conceptualizado inicialmente, entre otros, por el psicofisiólogo Gustav Theodor Fechner en el
siglo XIX, mediante el nombre Eigengrau [del alemán gris intrínseco: eigen (propio),
y grau (gris)]. Este particular tipo de visión es producido por los potenciales de acción
del nervio óptico, dando como resultado un característico ruido visual. Esto es producido por la actividad de la retina misma y no por estimulación lumínica, es decir lo que
vemos en oscuridad es la actividad de nuestro propio sistema perceptivo, visto como
un fenómeno externo producido por nuestro propio cuerpo.
As the final project for a lighting course that I took at the Design faculty in 2006, I constructed a luminaire that consisted of a matte black concave disk with four ultraviolet bulbs
lighting it from behind. In a dark room, the lamp generated a particular effect: while the
rest of the room was lit, the disk’s forefront remained in complete darkness, hiding its concavity and eliminating any spatial reference. The mechanism thus allowed for the spectator
in the room to perceive light and dark at the same time, where the particularity of its effect
was the possibility of perceiving darkness as a defined form.
In a dark room, a space’s blackness —which is actually a shade of grey— is not an external
phenomenon that we can observe, but rather, a type of vision produced by our brain: a
neutral hallucination of sorts produced by a lack of luminiferous stimulation. This phenomenon is called cerebral grey and was initially conceptualized in the XIX century by
psychophysiologist Gustav Theodor Fechner, amongst others, with the name Eigengrau
[from German, “intrinsic grey”: eigen (own), and grau (grey)]. This particular type of vision
is produced by the optic nerve’s action potentials, resulting in a characteristic visual noise.
This is produced by the activity of the retina itself and not by luminiferous stimulation;
that is, what we see in the darkness is the activity of our own perceptual system, seen as an
external phenomenon produced by our own bodies.
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Más allá de un interés neurocientífico del fenómeno
mi acercamiento conceptual a trabajar con la oscuridad está más ligado a la filosofía del arte y en específico al oficio productivo, a la comprensión de afectar el
mundo material a través de una disciplina productiva
como lo es el arte. La utilización de este mecanismo
de contraste de luz significa poder generar un objeto
que si bien es visto como externo es una alucinación de
nuestro propio cuerpo y verlo ahí afuera establece una
categoría intermedia entre la percepción de los interno
y lo externo, y en última instancia entre lo subjetivo
y lo objetivo, abriendo así un espacio para pensar el
lugar de lo subjetivo en el campo de la producción de
objetos.
Beyond a neuroscientific interest in the phenomenon, my
conceptual approach to working with darkness is more
closely associated to art philosophy and, in particular, to
productive craft, to the comprehension of affecting the
material world through a productive discipline such as
art. The use of this light contrasting mechanism implies
the ability of generating an object that, though seen as
external, is a hallucination of our own bodies. To see it
out there establishes an intermediate category between the
perception of the internal and the external, and ultimately, between what is subjective and objective, thus opening
up a space for thinking about the place of the subjective in
the field of object production.
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OBJETOS PERFORMATIVOS
PERFORMATIVE OBJECT S
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Trabajar con oscuridad y con luz requiere producir las condiciones de posibilidad para
que estos fenómenos se manifiesten, es decir uno no construye con luz sino que produce un artefacto que la encauce, y en este caso de tal manera que permita que la oscuridad se manifieste. De ese modo las obras contienen una performance, una puesta
en escena temporal que ocurre en el momento que los agentes del trabajo entran en
acción y producen la fenomenología particular que finalmente constituye la obra.
Con la obra Blind Cimena entró en mi trabajo una metáfora cinematográfica, en la
cual la naturaleza adaptativa del ojo en oscuridad permitió la posibilidad de generar
un guión perceptivo. Al entrar a una sala oscura con muy poca iluminación el ojo
necesita adaptarse, por lo que las obras aparecen poco a poco a la visión, hasta llegar
a un punto estable de percepción, pero sin dejar nunca de estar a oscuras la superficie
de la obra.
Este mecanismo de adaptación de la visión en la oscuridad es el que permite la particular performatividad de la obra, donde el guión perceptivo - el aparecer del trabajo
- es dado por el propio observador y no por un mecanismo artificial para el control
de la iluminación. Es así como las obras de oscuridad presentan una performance,
una acción en el tiempo, pero que su itineraria no esta preestablecida por el lugar de
exhibición sino por la entrada del propio visitante y la activación de su propia vista.
Working with dark and light requires one to produce enabling conditions so that these
phenomenons can manifest themselves. In other words, one does not construct with light,
but rather, one produces an artifact that channels it, and in this case, does so in such a way
that it allows for darkness to manifest itself. In this way, the pieces contain a performance,
a temporary act that occurs at the very moment that the working mechanisms spring into
action and produce the particular phenomenology that finally constitutes the piece.
With Blind Cinema, my work experienced the incorporation of a cinematographic metaphor, in which the adaptive nature of an eye in the dark allowed for the possibility of generating a perceptive script. Upon
entering a dark room with very scarce lighting, the eye needs to adapt itself, which is why
the pieces gradually come into vision until arriving at a stable point of perception, yet
always keeping the artwork’s surface in the dark.
The adaptation mechanism that one’s vision experiences in the dark is what gives the piece
its particular performance quality, where the perceptive script —the artwork’s apparition—
is given by the very observer, and not by some artificial illumination control mechanism.
Thus, the darkness pieces present a performance, an action in time, yet their timing is not
pre-established by the exhibition venue but rather, by the visitor’s entrance and the activation of his or her own vision.
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El proyecto Ingmar (2010, Galería Concreta, Matucana
100) utilizaba el mismo mecanismo de oscuridad pero
con una narrativa cultural ampliada. Utilizando una
superficie de gran escala el proyecto convertía la experiencia del eigengrau en una experiencia inmersiva,
gracias a que cubría gran parte del campo visual, intentando con esto crear una atmósfera utilizando todo el
espacio. La escultura era una pantalla de 586 x 350 cm,
manteniendo las proporciones de una pantalla de cine,
iluminada por un texto en neón en el que se leía - nada
que revelar, frase pronunciada por la muerte en El Séptimo Sello (1957) de Ingmar Bergman.
The project Ingmar (2010, Galería Concreta, Matucana
100) used the same darkness mechanism, but with a extended cultural narrative. By using a large-scale surface,
the project turned the eigengrau experience into an immersive experience, due to the fact that it covered a large
part of the field of vision, attempting with this to create an
atmosphere that deployed the entire space. The sculpture
was a 586 x 350 cm screen that maintained the proportions of a movie screen, lit by a neon sign that read, “nada
que revelar” (“nothing to reveal”), a phrase uttered by Death in Ingmar Bergman’s 1957 film, The Seventh Seal.
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Se cubrió toda la sala con una membrana que aseguraba oscuridad absoluta y entrando al espacio uno apenas podía ver, pero al poco tiempo el ojo comenzaba
a ajustarse y el monumental rectángulo negro comenzaba a aparecer. En ese momento se podía ver la sala,
pero la pantalla permanecía a oscuras para el ojo. Lo
que se veía en la pantalla era el propio sistema perceptivo, el propio cuerpo convirtiéndose en el proyector
de una propia película ciega, para luego recorrer la sala
y descubrir el mensaje de la muerte aclarando que no
hay nada que revelar, que la espalda a oscuras de la obra
ya es la presencia protagonista en la escultura.
The entire room was covered with a membrane that
granted absolute darkness, and upon entering the space,
one could barely see anything. Yet little by little, the eye
would start adjusting, and the monumental black rectangle would gradually begin to appear. In that moment, one
could see the room, but the screen remained obscured to
the eye. What could be seen on the screen was the perceptive system itself, one’s own body turning into the projector
of an intrinsic blind film, in order to then walk around the
room and discover Death’s message declaring that there’s
nothing to reveal, that the piece’s obscured reverse was already the sculpture’s protagonist presence.
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* La obra Danae utiliza la noción performática desde una perspectiva espacial. El trabajo contiene en su geometría múltiples formas, las cuales aparecen dependiendo del punto de vista del observador. El recorrido es el que
activa el cambio formal de la obra, que enlaza espacio, forma y espectador en
el movimiento activo de la mirada.
* The work Danae uses the notion of performance from a spatial perspective. The
piece contains multiple forms within its geometry, which appear depending on
the observer’s point of view. The circuit is what activates formal changes within
the piece, connecting space, form, and spectator through vision’s active movements.
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ESPACIO INTER/SUBJETIVO: LABORATORIO EIGENGRAU
INTER/SUBJECTIVE SPACE: LABORATORIO EIGENGRAU
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Con el fin de comprender las complejidades de la fenomenología de la oscuridad y sus posibles aplicaciones
para proyectos de arte, el año 2014 se gesta, mediante
un Fondart de Investigación, el proyecto Laboratorio
Eigengrau, que está planteado como un modelo alternativo de producción y exhibición de obra, mediante un
cruce metodológico entre taller de arte contemporáneo
con aspectos de laboratorio de psicología experimental.
El proyecto está enfocado en investigar las posibilidades
formales de la fenomenología de la oscuridad, mediante
una experimentación con ciertas características particulares de sus posibilidades en la afección de la percepción,
con el objetivo de indagar sobre su modulación aplicable
a contextos de exhibición.
Seeking to comprehend the complexities of the phenomenology of darkness and its possible applications in art projects,
the Laboratorio Eigengrau (“Eigengrau Laboratory”) project
was initiated through a Fondart grant for investigation in
2014. This project was designed as an alternative model for
the production and exhibition of artwork, through a methodological junction between a contemporary art studio
and certain aspects of an experimental psychology laboratory. The laboratory is focused on investigating the formal
possibilities of darkness’ phenomenology through an experimentation with certain particular characteristics of its
possibilities in the affection of perception, with the purpose
of looking into its modulation as applicable to exhibition
contents.
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En 1919 Sir Arthur Eddington a través de una fotografía hace la primera comprobación experimental de la
Teoría de la Relatividad General de Albert Einstein,
quien predijo que la trayectoria de la luz se curvaría al
pasar cerca de un objeto con un fuerte campo gravitatorio. La fotografía es de un eclipse, lo cual permite
ver como se curva levemente la luz de las estrellas al
pasar cerca del sol camino a la tierra. Es a través de esa
imagen donde idea y realidad se funden, y la mirada documentada con su correlato mecánico - se vuelve ya
no solo una herramienta de descripción de la realidad
sino que de comprensión, de comunión mental entre
fenómenos e ideas. Someter la mirada a una idea es el
objetivo del Laboratorio Eigengrau, es intentar profundizar en un fenómeno para cargarlo de contenido, para
intentar buscar su lugar en nuestro relato cultural.
In 1919, through a photograph, Sir Arthur Eddington produced the first empirical test of Albert Einstein’s general
theory of relativity. Einstein had predicted that a light’s
trajectory would bend when it passed close by an object
with a strong gravitational pul. The photograph is of a
solar eclipse, which shows how the light of stars bends slightly as it passes close to the sun on the way to the earth. It
is through this image that idea and reality are fused together, and observation —documented with its mechanical
correlation— becomes not only a tool for describing reality, but also, for comprehending it, for the mental communion between phenomenons and ideas. Submitting observation to an idea is the purpose of Laboratorio Eigengrau;
it is to attempt to delve into a phenomenon in order to
load it with content, in order to search for its place in our
cultural narrative.
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La metodología del laboratorio se basa en el desglose de tres
características de la percepción en oscuridad: La percepción
del tiempo en el ajuste de visión, la percepción espacial, y las
variaciones de la oscuridad mediante el cruce con otros estímulos perceptivos. Cada uno de estos aspectos generaron un
periodo de investigación, para el desarrollo de una hipótesis
de percepción de obra, que se puso a prueba en experimentos construidos abiertos al público. Esta instancia permitía
el diálogo intersubjetivo entre lo propuesto y lo percibido,
profundizando en el aspecto interno de la percepción de los
trabajos. Del mismo modo cada una de estas etapas de investigación fue acompañada por la residencia de un artista
invitado (Benjamín Ossa, Esteban Serrano y Martín Kaulen
respectivamente) los cuales presentaron proyectos relacionados a la metodología subjetiva planteada por el laboratorio,
permitiendo una resonancia conceptual de las ideas investigadas y su capacidad de interactuar con otras formas artísticas más allá del campo de la sola oscuridad.
The laboratory’s methodology is based on the breakdown into
three characteristics of perception in darkness: the perception of
time in the adjustment of vision; spacial perception; and the variations of darkness produced by the intersection with other perceptive stimuli. Each one of these aspects generated a period of
investigation for the development of a hypothesis regarding the
perception of an artwork, which was then tested through constructed experiments that were open the the general public. This
instance allowed for an intersubjective dialogue between what
was proposed and what was perceived, examining the internal
aspects of the perception of artworks. Likewise, each stage of the
investigation was accompanied by a residency with an invited
artist (Benjamín Ossa, Esteban Serrano y Martín Kaulen, respectively), all of who presented projects related to the subjective
methodology laid out by the laboratory. This allowed for a conceptual resonance of the investigated ideas and their capacity for
interacting with other artistic forms beyond the field of darkness.
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FOTOMETRÍAS
PHOTOMETRIES
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La Fotometría es la rama de la Óptica que se encarga de medir la luz en
tanto es capaz de estimular el sistema visual humano, a diferencia de la Radiometría que mide la luz en términos de potencia absoluta. Me interesa el
concepto porque si bien incluye a la luz en su conceptualización también incluye al observador, por lo que se vuelve una disciplina no solo de estudio de
un fenómeno sino de una interacción. La cual, a pesar de ser traducida a valores numéricos, siempre dependerá del sujeto, volviéndola inevitablemente
subjetiva. Para el título de la muestra el concepto está aplicado en plural ya
que la muestra está pensada como una serie de momentos fotométricos, de
una serie de instancias subjetivas de percepción de la luz.
Me interesa utilizar este concepto para describir la muestra ya que si bien
estoy haciendo obras con con luz y oscuridad es finalmente una serie de
relaciones de elementos lo que constituye los trabajos. No son verdades tajantes sino que espejismos de su momento, una realidad construida mientras se mira la obra y que difícilmente volverá a ser la misma la próxima vez
que se observe. A pesar de la dureza industrial de los trabajos - hechos con
vidrio, metal, pernos y electricidad - lo que constituye finalmente la obra es
una visión efímera y fugaz, donde todo el mecanismo está en función de una
percepción sensible del mundo que nos rodea.
Photometry is the branch of optics responsible for measuring light in how it is capable of stimulating the human visual system. This is different from Radiometry,
which measures light in terms of absolute power. I am interested in this concept
because while it includes light in its conceptualization, it also includes the observer. This turns it into a discipline that studies not only a phenomenon, but
also, an interaction. Although this interaction is translated into numeric values,
it shall always depend on the subject, a fact that inevitably renders it subjective.
For the exhibition’s title, the concept is applied in plural, for the exhibition is
intended as a series of photometrical moments, a series of subjective instances
of light perception.
I am interested in using this concept to describe the exhibition because although
I am constructing pieces of art with light and dark, what constitutes these pieces
in the end is a series of relationships between elements. These are not categorical
truths, but rather, mirages of their moments: a reality that is constructed as the
piece is being observed, and which shall most probably not be the same as the
next time it is observed. In spite of the artworks’ industrial hardness —made out
of glass, metal, bolts and electricity—, what finally constitutes the piece is an
ephemeral and fleeting vision, where the entire mechanism is in function of a
sensitive perception of the world that surrounds us.
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Las obras son parte del resultado de la unidad de Espacio obtenido en la investigación que he estado realizando en el Laboratorio Eigengrau. Dentro de ese contexto
estas obras surgen como mecanismos que además de
ser estéticos contienen una reflexión, una hipótesis,
una intención de comprender el comportamiento de
un fenómeno, como manera de entender un poco más
la lógica de la naturaleza y de la percepción.
La exposición Fotometrías trata principalmente sobre
la interacción entre la luz, la oscuridad, el espacio, la
arquitectura y la persona que observa. Las obras son
mecanismos lumínicos que varían según el contexto y
las condiciones de luz donde se instalan, por lo que la
muestra trata más de estas interacciones que de las imágenes que se generan.
The pieces are part of the results found by the Space unit,
obtained through the investigation that I have been holding at Laboratorio Eigengrau. Within this context, these
works arise as mechanisms
that, besides being aesthetic, contain a reflection, a hypothesis, an intention of comprehending a phenomenon’s
behavior, as a way of further understanding the logic of
nature and perception.
The Fotometrias exhibition deals mainly with the interaction between light, dark, space, architecture, and the person
that is observing. The pieces are luminary mechanisms that
vary according to the context and light conditions of where
they are installed, which is why the exhibition is more about
these interactions that about the generated images.
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La exposición se compone de una serie de obras de luz acompañadas
por unas serie de piezas gráficas. Las obras de luz funcionan con espejos de una dirección, los cuales al estar constituidos por una cobertura metálica parcial alteran su transparencia y reflectividad según la
cantidad de luz en cada uno de sus lados. Al ser objetos cerrados la
oscuridad que contienen es la que se maneja para generar el artefacto.
En su interior las obras tienen su propia iluminación, instalada detrás
de una lámina opaca que actúa de panel difusor. Este mecanismo genera un aura de luz que, gracias a las propiedades materiales de las
obras, transparentan solo el segmento que se ilumina, pero el resto en
oscuridad vuelve a comportarse como un espejo. Este halo de transparencia enuncia así la cualidad ambigua de la fenomenología de las
obras, destacando su interactividad con el entorno. La importancia del
reflejo no solo se presenta como una elemento que incorpora la arquitectura al objeto sino que también es una forma de subjetivación del
objeto al ser capaz de incluir las dinámicas sociales que el contexto de
exhibición genera, del mismo modo que el programa arquitectónico
que las contiene.
The exhibition consists of a series of luminary pieces accompanied by a
series of graphic pieces. The former all work with unidirectional mirrors,
which are made out of metallic partial covers that alter their transparency
and reflectivity according to the amount of light on each one of their sides. Since these are closed objects, the artifact is generated by manipulating
the darkness contained within. The pieces possess their own illumination
systems on the inside, installed behind an opaque film that acts as a diffusing panel. This mechanism generates an aura of light that, thanks to the
artworks’ material properties, render the illuminated segment transparent,
but leaves the rest of the piece in the dark and allows it to act like a mirror.
This halo of transparency thus articulates the ambiguous quality of the artworks’ phenomenology, emphasizing their interactivity with the surroundings. The importance of reflection not only appears as an element that
incorporates architecture into the object, but is also a way of rendering an
object subjective, as it is capable of including the different social dynamics
generated by an exhibition context, just like the architectonic program that
contains them.
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Las piezas gráficas son cortes en papel negro, reciclado de cáscara de
papa, donde el dibujo está dado por la ausencia de material. Esto sigue
la misma lógica de las obras lumínicas, donde las formas se generan en
la ausencia de luz pero aquí en la ausencia de material. Me interesa esta
idea de producir a través del vacío, tal como se arma el espacio arquitectónico, el cual no se constituye esencialmente por la materialidad
de los muros, sino que por las interacciones invisibles e inmateriales
que estos producen.
The graphic pieces are cuts of black paper, recycled potato peelings, where
the figure is determined by the absence of material. This follows the same
logic as the luminiferous pieces, in which the forms are generated in the
absence of light — only here, they are generated in the absence of material.
I am interested in this idea of producing through a void, in the same way
that an architectonic space is constructed: it is not essentially constituted
by the wall’s materiality, but rather, by the invisible and immaterial interactions that these produce.
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Si bien la muestra se compone de una serie de trabajos individuales la serie completa fue diseñada específicamente para
el espacio de la Galería. El proceso de diseño comenzó de
afuera hacia dentro, es decir primero se diagramó los diferentes tamaños de las obras y su disposición en el espacio,
para luego, en una segunda etapa, ir trabajando hacia dentro, diseñando las formas, luces y colores. Esto está pensando en función de que la Galería se vuelva parte activa de la
exposición y no solo el lugar donde se instalan una serie de
obras externas. La intención está en generar una relación
simbiótica entre la serie de obras y las particularidades del
espacio arquitectónico. Por otro lado la posibilidad de controlar la iluminación de la sala permite calibrar las obras a
un punto exacto, poniendo en diálogo las condiciones lumínicas de la Galería con la luz de los trabajos. Esta cualidad
técnica del edificio lo hace sumamente idóneo para el tipo
de trabajos que componen la muestra.Me interesa que exista esa relación, de que las obras puedan ser parte del espacio
de exposición y que, al mismo tiempo, el espacio de exposición sea una parte fundamental de las obras exhibidas.
Although the exhibition consists of a series of individual pieces, the complete series was specifically designed for the gallery’s
space. The design process went from outside to in; that is to say,
the artworks’ different sizes and their distribution in the space
was diagrammed first, in order to later, during a second stage, begin to work inwards, designing forms, lights, and colors.
This was done so as to allow the gallery to become an active
part of the exhibition, and not just be the place where a series
of external pieces of art are mounted. The aim is to generate a
symbiotic relationship between the series of works and the particularities of the architectonic space. On the other hand, the
possibility of controlling the room’s lighting allows for the calibration of the pieces to an exact point, generating a dialogue
between the gallery’s lighting conditions and the artworks’ light. This particular technical characteristic makes the building
a highly suitable place for the type of works that make up the
exhibition. I am interested in having this relationship, in having the pieces be part of the exhibition space, and at the same
time, having the exhibition space be a fundamental part of the
artworks on display.
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Lámpara Eigengrau | 2006
Oscuridad, hierro, acero,
luces negras | 56 x 56 x 40 cm
Círculo de percepción no
percepción | 2012
Oscuridad, madera, pintura
ampolletas | 200 x 200 x
120 cm
Ingmar | 2010
Oscuridad, aluminio, acero,
neon
350 x 586 x 160 cm
Visión paulatina debido al
ajuste a la oscuridad
Danae | 2014
Neón
64 x 64 x 12
Estructura para Blind Cinema
2009
Madera, pintura, sistema
LED 330 x 488 x 150 cm
Oscurecimiento para sala de proyectos Laboratorio
Diseño oficina Arquitectura Plan Común
Fotografía para el estudio de
luz del eclipse de 1919 para
comprobar la predicción de
Einstein
Montaje de experimento
Explicación de experimento a
visitantes
Taller
Páginas de Libro Negro
2014 | 24 x 16,8 x 0,4 cm
Papel reciclado de cáscara
de papa
Objeto Fenomenológico / Círculo
2015 | Oscuridad , espejo de una dirección,
vinilo adhesivo, tubos fluorescentes , acero
y pintura. 101 x 71.5 x 8 cm
* Las fotografías de INGMAR son de ©Felipe Fontecilla.
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* La fotografía frontal de Objeto Fenomenológico/Círculo y
de registro del Laboratorio son de ©Jorge Losse.
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CV
Javier Toro Blum (S antiago, 1983)
toroblum.com
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Licenciado en Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile y Master en
Escultura del Royal College of Art de Londres. Su trabajo se centra en la percepción visual y la fenomenología del espacio, y sus subsecuentes implicancias
emocionales y psicológicas.
Ha sido merecedor de la Beca Chile para Magister, Beca Fundación Arte +, Beca
Fundación Pablo Neruda, Mención Honrosa en el Concurso Entre Ch.ACO y Finlandia, Mención Honrosa en el Conurso TransparentArte, del Land Securities
Award por su examen de grado de Magister y dos veces del Fondo de Desarrollo
de las Artes y la Cultura, FONDART.
Ha exhibido individualmente los proyectos Ingmar en Galería Concreta, Matucana 100 y No pasado No Presente No futuro en Galería Patricia Ready. Entre
sus exhibiciones colectivas destacan 21st Century Art and Design - RCA 2013 en
Christie’s London, Muse en Lempertz Berlin, RCA Show 2013 en el Royal College
of Art, Paradise en el Salon del Mobile de Milán, Luz Sur en el Museo de Arte
Contemporáneo de Valdivia y Fisura en el Museo de la Solidaridad de Salvador
Allende, entre otras.
Su trabajo se encuentra en las colecciones del Royal College of Art y del Consejo
para la Transparencia del Gobierno de Chile, así como en colecciones privadas en
Chile, Alemania, Inglaterra y Perú.
BA in Fine Arts in the Pontificia Universidad Católica de Chile and MA in Sculpture
in the Royal College of Art, London.His work explores the visual perception and phenomenology of space and its subsequent emotional and psychological implications.
He has received the fellowships Beca Chile para Magister, Beca Fundación Arte + and
the Beca Fundación Pablo Neruda. He has been awarded with the Land Securities
Award for his MA work at the Royal College and Honorable Mention in the Ch.ACO
y Finlandia art Prize and Transparentarte prize. He has won twice the National fund
for the Arts in Chile (FONDART).
He has exhibited the solo shows Ingmar in Galería Concreta, Matucana 100 and No
pasado No Presente No futuro in Galería Patricia Ready. Among his collective exhibitions are 21st Century Art and Design – RCA 2013 in Christie’s London, Muse in
Lempertz Berlin, RCA Show 2013 in the Royal College of Art, Paradise in the Salon del
Mobile of Milán, Luz Sur in the Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia and Fisura
in the Museo de la Solidaridad de Salvador Allende, among others.
His work is part of the collection of the Royal College of Art and the Council for Transparency of the Chilean Government, also is part of private collections in Chile, Germany, United Kingdom and Perú.
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AGRADECIMIENTOS
A mi madre Marcela Blum, a toda mi familia y a Danae Santibañez por su constante soporte. A Patricia Ready por su fe y
apoyo incondicional desde el inicio de mi carrera. A Antonia
Cea y a todo el equipo de la Galería por posibilitar la circulación de mi trabajo y construir un tan grato ambiente de trabajo. A Gracia Fernandez, Esteban Serrano, Jorge Losse, Rodrigo González, Felipe Garcés, Alberto Ulloa, Miguel Chajtur
y Manuela Baldovino por apoyarme en diferentes etapas de la
producción. Al equipo técnico por sus conocimientos y habilidades. Y a todos mis amigos por su compañía.
CRÉDITOS
Asistencia taller / Esteban Serrano
Electricidad / Juan Charnock
Producción Metal / Cetmaq
Diseño catálogo / Gracia Fernández
Traducción / Manuela Baldovino
Corte de figuras / Sebastián Cervantes
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PROYE CTO AC OG I D O A L A L EY D E D ON ACI ON ES CU LT U R AL ES
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