MAQUTA BASE MELODRAMA ESPAÑOL 15 x 24 Q8_Narrativa

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VARIACIONES SOBRE
EL MELODRAMA
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María A. Semilla Durán
(E D I T O R A)
VARIACIONES SOBRE
EL MELODRAMA
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© De los autores: María A. Semilla Durán, María Fernanda de Abreu, João
Carlos Pereira, Charles Capela, Santiago Deymonnaz, Aurélie Florenchie,
María del Rocío Parada González, Marie Rosier, Stéphanie Demange, Fabrice
Corrons, Licínia Ferreira, María Helena Santana, Marie Thérèse Vilela, Magali
Kabous, Jorge Cid Alarcón, Lydia Romeu, Pilar Rodríguez Gröbli, Elena
Guichot Muñoz, Michèle Soriano, Milagros Palma, Jordi Medel, Edgard
Samper, Luz Rodríguez Carranza, Sandra Teixeira, Arturo Delgado Cabrera,
Silvina Benevent, José Rodríguez Herrera, Carole Viñals, José Manuel Camacho Delgado, Ángeles Mateo del Pino, Enrique Foffani, 2013.
© Diseño de cubierta y de interiores: Servicios Editoriales Eclipsa, 2013.
© Cuadro de la cubierta: Cartel diseñado por Pulpo Design, 2013.
© Fotografía del cartel de la actriz/estudiante Mireia Alonso, 2013.
© De la recopilación de artículos y edición: María A. Semilla Durán, 2013.
Corrección ortográfica y de estilo: Cristina Carmona Egler
© Editorial Casa de Cartón S. L., 2013.
Editorial Casa de Cartón
[email protected]
www.casadcarton.es
Colección Ensayo Hispanoamericano
Director de colección: José Manuel Camacho
Todos los derechos reservados.
Primera edición: Noviembre, 2013
Con el auspicio de:
ISBN: 978-84-941345-1-7
Depósito Legal: M-31538-2013
Printed in Spain
Imprenta Print House
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Índice
María A. Semilla Durán: A modo de presentación..............011
PARTE I
MELODRAMA E IMAGINARIOS
POLÍTICOS, SOCIALES, INDENTITARIOS
María Fernanda de Abreu: ¡Oh cruda inexorable suerte!
Ibéricos y liberales. El melodrama de los proscritos...037
João Carlos Pereira: Une esquisse d’utopie sociale:
Mélodrame et conformisme dans Fortuna e Trabalho
et Os Operários d’Ernesto Biester ....................................071
Charles Capela: Le côté mélodramatique de la lutte contre
le “narcoterrorisme”.........................................................095
Santiago Deymonnaz: Melodrama, política y género
en la literatura argentina de los años 70 ........................109
Aurélie Florenchie: Novela y melodrama: del
tratamiento paródico a una estética reaccionaria .........123
María del Rocío Parada González: Y de pronto,
el tiempo se detuvo: Demonio del mediodía,
de Alonso Cueto, o el sujeto-negado
del melodrama...................................................................141
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Marie Rosier: Mise en scène mélodramatique de la
disparition de personnes (Argentine 1976-1983)
et récit contre-mélodramatique d’une ex-disparue
(Una sola muerte numerosa, 1997).......................................153
Stéphanie Demange: Les démunis à l’honneur dans
les Salons: reconnaissance ou disqualification?
Analyse des principaux motifs mélodramatiques
de la peinture lacrymogène espagnole (1890-1910).......173
Fabrice Corrons: Cataluña, melodrámame.
El resurgimiento del melodrama en el
teatro catalán de principios del siglo XXI.....................191
Licínia Rorigues Ferreira: Le mélodrame
au service du pouvoir dans le contexte
des luttes libérales au Portugal (1820-1834) .................223
Maria Helena Santana: Le discours de l’inégalité dans le
mélodrame portugais du XIXe siècle ............................237
Marie Thérèse Vilela: La telenovela brésilienne:
une stratégie géoculturelle ...............................................253
Magali Kabous: Le “cas” Elián González,
du drame réel au mélodrame politico-médiatique .......275
Jorge Cid Alarcón: Melodrama y denuncia
sistemática: La música popular y el malestar
de su retrato.......................................................................297
Lydia Romeu: Estrategias melodramáticas en Raza,
anecdotario para el guión de una película, de
Jaime Andrade, seudónimo de Francisco Franco ........311
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PARTE II
MELODRAMA:
FORMAS, DEFORMACIONES Y RUPTURAS
María A. Semilla Durán: Leopoldo Brizuela: Lisboa.
Un Melodrama. Tramas y trampas de la pasión..............333
Pilar Ramírez Gröbli: Melodrama y cultura
popular en el mundo urbano en
la novela Sin tetas no hay paraíso
de Gustavo Bolívar Moreno............................................365
Elena Guichot Muñoz: El teatro vargasllosiano:
el melodrama entre la parodia y el homenaje ...............379
Michèle Soriano: De la niña inútil a la Barbie Pornostar:
melodrama, género y canon en el discurso
feminista latinoamericano................................................397
Milagros Palma: El melodrama a través de la
dramaturgia de una vida bien doméstica en el
monólogo “Agonice con elegancia” de la colección
Mensajes al más allá (1986), de la escritora
nicaragüense Irma Prego .................................................425
Jordi Medel-Bao: La ferida Lluminosa, el triunfo de los
arquetipos de género elevados a melodrama................441
Edgar Samper: El melodrama español bajo
la Restauración: la obra edificante
de José Echegaray .............................................................459
Luz Rodríguez Carranza: Un lugar de verdad:
Bizarra, de Rafael Spregelburd........................................491
Sandra Teixeira: Fígados de Tigre, de Francisco Gomes
de Amorim (1857): objet mélodramatique
non identifié.......................................................................511
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Arturo Delgado Cabrera: Dramas románticos
españoles adaptados por Giuseppe Verdi.....................537
Silvina Benevent: L’envers du décor dans Madeinusa
de Claudia LLosa: de l’exubérance à la révélation .......553
José Rodríguez Herrera: Cucurrucucú paloma:
la banda sonora del melodrama híbrido en
tres películas de Almodóvar............................................569
Carole Viñals: Mar adentro d’Alejandro Amenábar:
un mélodrame ...................................................................591
José Manuel Camacho Delgado: La radio
y la memoria sentimental del lector ...............................603
Ángeles Mateo del Pino: Pasión y desmesura
en el bolero o la epopeya peleonera de
Paquita la del barrio..........................................................627
Enrique Foffani: Rolando Rivas, taxista, de
Alberto Migré: inscripciones de la modernidad
literaria en la telenovela argentina de los 70 .................667
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A modo de introducción
María A.Semilla Durán
La idea de organizar un volumen que recoja diversas reflexiones sobre formas y prácticas melodramáticas y sus múltiples
ocurrencias en el ámbito cultural ibérico y latinoamericano,
más allá de los antecedentes teóricos a los que nos referiremos
a continuación, nace en este caso de una experiencia concreta
en la que se manifiestan las tensiones de los procesos interculturales. Es la experiencia de una latinoamericana instalada
desde hace décadas en Francia, país en el cual la contención es
norma, el exceso ultraje y el pathos a menudo condenado a los
infiernos de la sensiblería. Lo cierto es que, a pesar de haber
nacido en Francia como género literario, el tono melodramático de una obra artística sigue siendo un criterio de exclusión
en el plano de la crítica literaria y cinematográfica; y un
comportamiento considerado melodramático sigue siendo
censurado y anatematizado. Como latinoamericana y argentina
además, originaria de las latitudes donde llora el tango, este
rechazo me ha llevado más de una vez a interrogarme sobre las
razones culturales que definen esa división da las aguas. García
Márquez hablaría de cartesianismo, Fernando Vallejo de la
pasión francesa por la norma. Pero sin duda se juegan también
en este espacio del exceso que es propio de las distintas manifestaciones del género, cuestiones relacionadas con cierta
concepción —rigorista— del pudor, de la inhibición y de la
privacidad. Porque el tan censurado pathos, que sigue produciendo malestar aun a pesar de la reivindicación del imaginario
melodramático efectuada por Richard Brooks en su libro
crucial The Melodramatic imagination Balzac, Henry James, Melodrame, and the mode of Excess, alude siempre al núcleo duro del
sentimiento y a las tensiones que este instala, pero también a
los miedos que suscita. En el marco de una cultura que se
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reivindica como esencialmente no sólo racional, sino racionalista; cuya pasión clasificadora y taxonómica se presenta como
el poder de organizar el mundo, y donde la mayoría de las prácticas que no se ajustan perfectamente a los carriles delineados
por una cierta tradición universalista son consideradas desviaciones peligrosas, el sentimiento que no se someta al control
social y estético de la razón, que sea capaz de desbordar los
límites del buen gusto y tense más de lo previsible un discurso
equilibrado, es un núcleo indeseable de desorden. El exceso de
sentimiento y, lo que me parece aun más preciso, el exceso de
manifestación del sentimiento se convierte en un foco de subversión que amenaza con hacer estallar los marcos de la elegancia o los refinamientos de la ironía. Hay una potencia de la
pasión o del sentimiento, una escenificación del cuerpo y sus
alrededores, un desnudamiento de la palabra y de lo que la palabra nombra, que puede quebrar la lógica de un sistema
basado en el control, la interiorización y el eufemismo. Tomber
dans le pathos, el abismo estético del que toda obra de arte que
pueda considerarse tal debe preservarse a cualquier precio,
alude a una especie de infierno al que condenar las formas
contaminadas por el exceso y la estereotipicidad. Si el melodrama es una tragedia degradada, que ha perdido de vista lo
sublime para dejar paso a una cierta histerización de los comportamientos y situarse así más cerca del ridículo que de lo
poético, es también porque los modos de lectura y la representatividad de la escena melodramática se han modificado y
atenuado en función de nuevas condiciones sociales y modelos
pedagógicos. Y sin embargo... más allá de todas las reticencias
de los que estatuyen sobre lo que debe o no debe ser una obra
de arte, y aún para aquellos para quienes la supremacía de lo
racional es un principio asumido de inserción en el mundo, hay
siempre un punto de inflexión en el cual la tensión entre lo que
se autoriza a mostrar, a dejar ver, y lo que quiere mostrarse y
ser visto más allá de los límites establecidos, alcanza intensidades máximas. Porque si bien en los ámbitos ibéricos y latinoamericanos el peso cultural del imaginario melodramático
parece ser mayor que en la cultura francesa, las contradicciones que lo fundan están presentes en todo ser humano. Ya sea
en el plano de las relaciones interpersonales, en el de las identificaciones políticas o religiosas, o en el del sentimiento de
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adhesión a una representación nacional identitaria, el sustrato
afectivo de toda subjetividad modelada en condiciones históricas y sociales precisas puede desbordar los límites que el intelecto le impone. Y justamente por ello nos parece interesante
indagar este borde de la tensión entre racionalidad y sentimiento, convención y desborde, norma social y transgresión,
propicio para tratar de elucidar la naturaleza de las fronteras
culturales y sus consecuencias.
Convocar a investigadores de horizontes diversos puede
entonces propiciar un debate, una confrontación, que no sólo
tendría como eje las puestas en escena del pathos, sino las nociones constantemente problematizadas y redefinidas, esencialmente dinámicas, de centro y periferia, de cultura popular y cultura letrada, de las funciones de los aparatos mediáticos y sus
entrecruzamientos con la literatura y el arte, de las mutaciones
de la moral colectiva y de las eventuales instrumentalizaciones
de ciertos rasgos tópicos de la imaginación melodramática, sea
para preservar modelos tradicionales de sociedad, sea para
subvertirlos, parodiarlos, desviarlos o invertirlos. El rescate del
que el término melodrama y sus rasgos propios han sido objeto
a partir de la obra de Peter Brooks, la reivindicación casi identitaria a la que lo asocian algunos autores latinoamericanos
—entre ellos Carlos Monsivais o Mario Vargas Llosa— los
trabajos extremadamente fructíferos y pioneros de Jesús Martín
Barbero y de Hermann Herlinghaus entre tantos otros, no sólo
han ampliado los términos de la problematización sino que han
dado lugar a un abordaje pluridisciplinario que habilita formas
nuevas de pensar y de pensarnos. La literatura no es ajena a tal
reemergencia: desde Manuel Puig a Jorge Franco, desde Fernando Vallejo a Leopoldo Brizuela, del Monsivais crítico al Lemebel de Adiós Mariquita linda, el melodrama hace en América
latina un retorno triunfante. Géneros diversos, miradas cruzadas, metamorfosis discursivas, embestidas críticas: la materia
indiscernible de lo sentimental y lo trágico, amasada en sangre
y lágrimas, sigue transmitiéndose y transmutándose. Liberando,
a través de sus excesos rituales, los apretados nudos del afecto,
los misterios nunca elucidados de la pasión prohibida, las fuerzas a menudo reparadoras del instinto. No sé si nuestros análisis podrán discernir los secretos vínculos entre el melodrama y
nuestras culturas, pero sí estoy segura de que nuestra reflexión
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colectiva permitirá que nos conozcamos y, por supuesto, nos
reconozcamos, mejor.
La distribución del material que ponemos a disposición del
lector en el interior del volumen no ha sido fácil, puesto que en
general los trabajos encaran diversos ángulos del problema
simultáneamente. Uno de los ejes que se dibuja desde el principio con meridiana intensidad es el del tránsito, como objeto de
representación y de discurso, de la esfera individual a la esfera
social: la mayoría de las formas melodramáticas analizadas ya no
son historias de destinos particulares, sino Historias de identidades y de comunidades. Paralela y consecuentemente, podemos señalar otro desplazamiento de acento, que va del exceso
en la manera de vivir y sentir los acontecimientos narrados al
exceso de los acontecimientos mismos y de las disyuntivas a las
que dan lugar, que se dirimen en el plano de la conciencia política y no de la conciencia moral. Ese deslizamiento hacia horizontes de cuestionamiento y/o manipulación cada vez más
vastos que penetra en los imaginarios colectivos y a menudo
pretende instrumentalizarlos es el que subyace a nuestra primera
parte: “Melodrama e imaginarios políticos, sociales e identitarios”, en la cual reunimos una gran variedad de textos relativos
a diversos géneros y prácticas tales como la novela, el teatro, la
canción popular, la telenovela, el tratamiento mediático y espectacularizado de ciertas informaciones por parte de los medias,
el discurso político o cinematográfico. Todos ellos se plantean,
desde distintas perspectivas, los usos del imaginario melodramático en la construcción de subjetividades, los eventuales efectos políticos o ideológicos de los discursos que lo actualizan, y
los excesos de dolor o de pasión a través de los cuales toma
cuerpo social y discursivo.
El primero de ellos, “Oh cruda inexorable suerte! Ibéricos y
liberales. El melodrama de los proscritos”, de María Fernanda
de Abreu, responde a uno de los ejes de la temática propuesta: la estética del melodrama como drama del reconocimiento
individual, a través de los escritos de los románticos ibéricos
desterrados. A partir de una situación a la vez universal y muy
históricamente acotada en cada una de sus ocurrencias concretas, tal la del exilio, lo que se dibuja en los textos desgarrados de los desterrados españoles y portugueses es la
construcción, a través de retóricas melodramáticas, de la par-
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ticular identidad que se ve obligado a asumir aquel que ha
perdido la suya original, privado de su territorio natal, sus
afectos y su idioma. A esa pérdida excesiva corresponde el
exceso poético; las manifestaciones del dolor del desarraigado
van trazando los límites que separan el mundo de los que
conservan sus vínculos del propio, devastado por la ruptura.
Para María Fernanda de Abreu,
Dar a ver sus dramas de proscritos, contarlos y mostrarlos, conseguir su reconocimiento, el reconocimiento de su condición de exiliados y desterrados ante los otros, sus contemporáneos y la
posteridad en el futuro, parece ser, ineludiblemente, uno de los
objetivos de la escritura del exilio.
El cuestionamiento tópico de las filiaciones y la necesidad
del reconocimiento de los expulsados como miembros legítimos
de la familia nacional emerge así en tanto instrumento de expresión y de denuncia, y su puesta en escena poética instala eficazmente la irresuelta tensión de la identidad.
Ahora bien, si los románticos desterrados socavan con sus
voces las bases políticas de quienes son responsables de su
alejamiento y alcanzan una dimensión de resistencia individual
frente a la Historia, también sabemos que ciertas formas del
teatro melodramático funcionan en el sentido exactamente
inverso, y pueden oponer al convulsivo sufrir de los poetas
desterrados la representación de una utopía social en la que el
papel central del obrero sirve para desplegar un simulacro de
armonía que poco concuerda con la realidad económico-social
de las clases trabajadoras portuguesas de fines del siglo XIX.
Según João Carlos Pereira, en “Une esquisse d’utopie sociale: mélodrame et conformisme dans Fortuna e Trabalho et Os Operários
d’Ernesto Biester”, “la glorification sur scène de l’ouvrier visant l’harmonie sociale dans la rue, que la société aristocratico-bourgeoise se devait de
domestiquer par tous les moyens” contribuye a ese objetivo al transformar lo que podría ser un espacio de conflicto social en una
experiencia moral: “On notera au passage que conformisme moral (le
devoir) et conformisme social (le travail) sont ici intimement liés”. Podemos visualizar pues desde el principio esa bivalencia de los
componentes del discurso melodramático, que vehiculiza
propuestas contestatarias o bien colabora en la conformación
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de subjetividades cautivas, o al menos orientadas, aún cuando
adopten la apariencia de un cierto progresismo.
Desplazando el foco hacia otra época histórica: la contemporánea, y otros marcos territoriales: los latinoamericanos, la
insoslayable reflexión de Charles Capela en “Le còté mélodramatique de la lutte contre le narcoterrorisme” sobre el recurso
a la emoción en el discurso oficial en la Colombia de hoy,
emplea instrumentos conceptuales similares:
On verra comment les codes du jeu politique sur les émotions des
destinataires de la parole officielle, tels que l’évocation plus ou
moins chimérique ou nostalgique d’une harmonie à restaurer et
surtout la diabolisation des agents assimilés à la contestation, invitent à interpréter la politique de lutte contre le “narcoterrorisme”
à la lumière des critiques du mélodrame, entendu comme un mode
d’explication de l’histoire.
Vemos reaparecer la figura mitificada y mistificadora de
una armonía colectiva a restaurar, que tiene como contrapartida necesaria la eliminación de aquellos que supuestamente
son los responsables de tal pérdida y que se sitúan en posiciones contrarias a las adoptadas por el gobierno. La instrumentalización de la alteridad como enemiga irreconciliable de
supuestas formas de democracia y de libertad conduce paradójicamente —o, sin duda, no tanto— a abusos represivos
que ponen en duda los pilares mismos del sistema. Para que
tal estrategia funcione, es necesario, a través de la teatralización del poder, fabricar “efectos de verdad” susceptibles de
dejar huella en los imaginarios y “controlar las emociones de
la comunidad”. Por lo que la verdadera apuesta democrática
se sitúa una vez más en ese núcleo de la contradicción entre
libertad y dominio —de las emociones, de las conciencias, de
los cuerpos—, pero también en los dilemas morales inherentes a la Historia y al melodrama, en condiciones precisas de
ejercicio de una ciudadanía perturbada por la violencia. El
rango del discurso melodramático, más allá de conservar sus
rasgos esenciales, se ve en este caso magnificado, al convertirse en modo —falaz— de “explicación de la Historia” que
disimula los reales contenidos políticos y económicos del
conflicto.
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Santiago Deymonnaz, en su artículo “Melodrama, política
y género en la literatura argentina de los años 70”, reitera en su
análisis de algunos textos de Manuel Puig, Copi y Néstor
Perlongher una idea central para la comprensión, no sólo del
imaginario melodramático de los pueblos latinoamericanos,
sino de la dialéctica de su historia y la construcción de sus
identidades: “El melodrama, de hecho, supone siempre la
puesta en escena de un conflicto social intenso”, que no debe
aparecer necesariamente como una mera hipérbole de las pasiones, sino como
espacio de producción, como un espacio fecundo en el que lo
popular ya no se concibe en términos románticos (es decir, como
lo auténtico, lo sin historia) sino como una cultura atravesada por
una historia material, por una economía y por una serie de desgarramientos que anuncian un conflicto.
Las estrechas relaciones entre melodrama y política pueden llevarlo a constituirse en el sustento de una ética, que a su
vez desmonte los mecanismos sociales de la exclusión e incorpore modos de participación del lector —y detrás de él, del
ciudadano— más democráticos:
Si en la lectura de Herlinghaus, la narrativa melodramática desplegaba el reconocimiento de sujetos carentes de todo discurso legítimo
de una modernidad periférica como la latinoamericana, en la novela
de Puig se suma, a estos sujetos, el sujeto que por su orientación
sexual también carece de discurso legítimo. El melodrama, entonces,
despliega en la obra de Puig un doble empowerment cultural.
La reflexión de Aurélie Florenchie, “Novela y melodrama:
del tratamiento paródico a una estética reaccionaria” parte
también de la utilización de las modalidades melodramáticas
del discurso en la obra del escritor argentino Manuel Puig, en
el cual señala las formas y los contenidos paródicos, para luego
compararlo con el de otros dos escritores españoles, Alberto
Mendoza y Juan Manuel Prada, cuyas nacionalidades y generaciones de pertenencia difieren. La tesis explícita es que, en ese
itinerario que va de Puig a Mendoza y de Mendoza a Juan
Manuel Prada, el poder subversivo de la parodia y la transgre-
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sión de los códigos que se verifica en los dos primeros, y que
abre la vía a la crítica social y política, es reemplazada en Prada
por una concepción retrógrada de las relaciones entre el
hombre y la mujer y la defensa de ciertos valores ajenos a las
nuevas formas de cultura. Sin temor a la polémica, Aurélie
Florenchie afirma que
Este “retroceso” podría ser una ilustración de la tendencia actual
a la melodramatización de todo tipo de discurso (político, mediático, etc., e incluso, aunque en menor medida el discurso científico)
y por lo tanto la señal del retroceso de la reflexión ante la emoción.
Una vez más nos hallamos frente a esa tensión que nos
parece inherente al género y a sus manifestaciones, y en la que
resurge, quizás, la tentación de contener el pathos propia a la
cultura francesa.
La respuesta dialéctica a esta observación la produce
quizás María del Rocío Parada González al citar, al comienzo
de su artículo: “Y de pronto, el tiempo se detuvo: Demonio del
mediodía, de Alonso Cueto, o el Sujeto-Negado del melodrama”,
al autor cubano Alejo Carpentier, quien recomendaba: “No
busquemos deliberadamente el melodrama, pero no lo esquivemos tampoco. América Latina está llena de trágicos melodramas cotidianos”. La diferencia de percepciones en torno a
las virtualidades del melodrama y sus efectos tiene sin duda
una relación estrecha con las experiencias históricas, y también
con las inhibiciones culturales que éstas impusieran, sobre todo
si nos pronunciamos a partir de la óptica periférica y popular
que, según José Martín Barbero y Hermann Herlinghaus, al
expresarse melodramáticamente problematiza la dominación
discursiva de los centros. Si la intención de Alonso Cueto en la
obra estudiada por la autora es “realizar el tratado más preciso
en su producción sobre las contradicciones y demonios del
hombre”, se trata también de poner en perspectiva esas pulsiones internas con las convulsiones de la historia peruana y sus
obsesiones mortíferas.
Marie Rosier, por su parte, penetra con “Mise en scène
mélodramatique de la disparition de personnes (Argentine
1976-1983) et récit contre-mélodramatique d’une ex-disparue
(Una sola muerte numerosa, 1997)”, en el núcleo mismo de la
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violencia política en la Argentina dictatorial de los años 70,
contraponiendo no sin audacia los que sería la construcción
melodramática de la escena del crimen —una “estética” teatralizada que haría las veces de discurso en acto de la dictadura, y
el relato contra-melodramático de una de sus víctimas, la escritora Nora Strejilevich, quien escribiría un
contre-mélodrame dans lequel il n’y a pas de place pour l’exagération, le pathos, le manichéisme, la morale réactionnaire et [qui]
refuse de se servir des armes discursives des forces armées qui ont
monté un scénario mélodramatique pour diffuser la peur dans
toutes les couches de la société.
El excelente análisis de Stéphanie Demange: “Les démunis à l’honneur dans les Salons: reconnaissance ou disqualification? Analyse des principaux motifs mélodramatiques de la
peinture lacrymogène espagnole (1890-19109)” nos permite
pasar del discurso literario al discurso pictórico al analizar los
cambios en la representación de las clases pobres en la llamada
pintura lacrimógena española. La dramatización de esa condición,
antes presentada de manera apacible, la vuelve miserable y
recurre a códigos de representación muy codificados y próximos a los del melodrama. Pero la emoción inmediata suscitada
por esas telas no deja lugar a ninguna consideración política
que pudiera cuestionar el sistema mismo que explica su existencia: De allí que la autora afirme
Il y a lieu de parler d’acculturation plastique, dont la double conséquence est de valider l’ordre moral des élites (aucune alternative à
ce modèle moral n’est exposée) mais également de placer les
pauvres du côté de la vertu.
Identidades políticas que se construyen en la toma de
distancia resistente. Identidades periféricas que se constituyen
en torno a “saberes sin voz”, según la expresión de Martínez
Barbero, y a los que el melodrama viene a ofrecer un espacio
de dicción. Identidades remodeladas de los pobres sufrientes y
virtuosos de la pintura lacrimógena, destinados a perdurar por
siempre en su virtud y en su pobreza. Identidades nacionales o
comunitarias como las que evoca Fabrice Corrons en Cataluña,
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melodrámame. El resurgimiento del melodrama en el teatro catalán de principios del siglo XXI: el melodrama incorpora a la
Historia las historias individuales, y al entretejerlas autoriza sus
voces. Se trata de alteridades, de las oscilaciones entre unos
“nosotros” y unos “ellos” no tan distantes como se quisiera
creer, del deslinde de vínculos culturales en el seno de comunidades plurales:
A nuestro parecer, el teatro de Belbel se vale así del melodrama como forma intermediaria entre el juego/la performance y la realidad/la imitación para proponer un ensayo
escenificado sobre dicha problemática, contextualizando y
superando o relativizando los límites de la noción [de identidad] […] El melodrama “a la catalana” de principios del siglo
XX es por consiguiente tanto la traducción escénica del drama
del reconocimiento que se manifiesta en toda la sociedad catalana como la reacción del teatro ante el desconocimiento de su
propio público. Es, al fin y al cabo, el drama del Otro que, en
la ficción y en la realidad, quiere que Cataluña lo ame.
El teatro ha sido también el vehículo privilegiado de la
construcción del sujeto político en ciertos periodos de la
historia, como lo demuestra Licinia Ferreira en “Le mélodrame au service du pouvoir dans le contexte des luttes libérales au Portugal (1820-1834)”, cuando irrumpen las ideas de
la modernidad que disputan la hegemonía al discurso religioso
y anti masón: “Mais dans les deux cas le discours est patriotique, on a conscience de la nécessité de répandre la parole
politique, de convaincre les esprits, de mobiliser la population”. Enfrentamientos maniqueístas, necesidad de transmitir
códigos morales y comportamentales acordes con las ideologías en disputa, radicalidades inconciliables, exigencias pedagógicas: todo converge en “le mélodrame [qui] s’inscrivait
dans le répertoire moralisateur, en récompensant la vertu et en
châtiant le crime; il se prêtait, en outre, à évoquer des thèmes
historiques et patriotiques”.
En la misma línea de indagación, Maria Helena Santana,
en “Le discours de l’inégalité dans le mélodrame portugais du XIX e
siècle” retorna sobre el llamado “drama de actualidad” que florece en el Portugal de los años 1850 y pone en escena el conflicto entre los valores de las burguesías tradicionales y el
nuevo “capitalista”, cuyo único valor es el dinero. El discurso
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igualitario emergente tendrá también un lugar que le es propio
en tales obras, pero: “Dans le drame romantique, leur voix s’élève
souvent pour contester l’injustice, l’hypocrisie ou l’insensibilité sociales, mais
sans jamais se confondre avec un programme idéologique”. Contrariamente a lo que podrían ser sus variantes contemporáneas, el
melodrama del siglo XIX es raramente rupturista: la política
sigue siendo una actividad ejercida por unos pocos, y la
función preformativa del teatro es la de educar en las virtudes
cívicas, sin propiciar transformaciones profundas:
Les dramaturges sont soupçonneux des prophètes et très conscients des dangers du désordre. Ils opposent aux discours politiques la formule rassurante de la pédagogie morale. Égalitaire sans
être subversif, le théâtre rejoint les classes dans la fête démocratique du “banquet social”.
Reflexiones semejantes puede suscitar el análisis de formas de representación que, un siglo y medio más tarde, retoman y amplifican al infinito los dispositivos pedagógicos e
ideológicos que el teatro utilizara en el siglo XIX: nos referimos a la telenovela, género de consumo masivo en América
Latina y cuya performatividad social como espacio de reconocimiento de los sectores populares más privados de discurso
visible ha sido abundantemente estudiada desde fines del siglo
XX. Marie Thérèse Vilela dans “Telenovela et géopolitique: les
stratégies de la télévision Globo” escoge como objeto de estudio la estrategia de una de las más poderosas industrias audiovisuales del subcontinente latinoamericano: la de la televisión
Globo. El análisis demuestra la implicación del género de la
telenovela en las estrategias comerciales y diplomáticas brasileñas con el fin de difundir, a través de sus usos políticos y culturales, el modelo brasileño de modernidad. Tal estrategia, que se
proyecta fuertemente en el plano internacional por medio de
la exportación de telenovelas, se funda a la vez en una tentativa
de homogeneización de la representación identitaria brasileña
y en una política económica de penetración de los mercados
exteriores que autoriza ciertas formas novedosas de transculturalidad. Ya no se trata solamente de exportar historias brasileñas, sino también de construir historias ambientadas en otras
regiones lejanas del mundo para ser consumidas por el público
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brasileño y, en virtud de la globalización, en el mundo entero:
así, “le monde se reflète dans le Brésil et le Brésil se reflète
dans le monde”. Para Marie Thérèse Vilela,
[…] la transgression des diverses frontières nationales et des
univers symboliques sera rendue possible d’une façon générale par
le genre du mélodrame qui manipule les universaux dans un cadre
compréhensible pour le téléspectateur quelles que soient la culture
ou la civilisation d’appartenance.
Otro ejemplo de la eficacia de los medios televisivos en la
configuración de los imaginarios políticos e identitarios, así
como de su capacidad para telenovelizar y por lo tanto espectacularizar los hechos reales que en principio deberían ser tratados como objeto de información más que de narración, lo da
Magali Kabous en “Le ‘cas’ Elián González, du drame réel au
mélodrame politico-médiatique”. Refiriéndose al tan conocido
caso de la disputa político-familiar internacional —en los años
1999-2000— en torno al niño Elián González, y a la porosidad
entre realidad y ficción de la que tal “caso” es una ilustración
contundente, Magali Kabous analiza los procedimientos utilizados para convertir una historia real dramática en un melodrama mediático. Recordemos los componentes de la historia
individual: “Nous sommes face à un drame inaugural “idéal”
scénaristiquement parlant: fuite illégale peut-être par amour,
naufrage en mer, mort d’une mère, orphelin miraculé, déchirement familial”. A partir de esos elementos, se procede mediáticamente a una explotación de la emoción inevitablemente
suscitada por el destino de Elían, a la construcción de estereotipos empeñados en un combate radical, y a la exacerbación de
las reivindicaciones nacionalistas. La historia individual deviene
en historia colectiva, constantemente realimentada por los
mecanismos de identificación y empatía: “Le mélodrame se
déroule avec comme toile de fond le contexte historique et
politique dont il est impossible de faire abstraction et dans le
manichéisme le plus total”.
Otro registro de la cultura popular es convocado por el articulo de Jorge Cid Alarcón, “Melodrama y denuncia sistemática:
La música popular y el malestar de su retrato”, donde el autor
expone una original lectura interpretativa de la impregnación
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melodramática latinoamericana, haciéndola remontar a los tiempos de la conquista y la colonización y al control que la Iglesia
ejerciera en los imaginarios locales a través de la evangelización.
Una fórmula, lapidaria y exacta, resume ese dispositivo colonial:
“El melodrama entró en el cuerpo latinoamericano por medio
del catecismo, fijándose en la retina del hombre amerindio y su
posterior mestizaje, por obra y gracia de una finalidad pedagógica: educar en dios al salvaje, dominar un alma y ganar un
peón”. Habría entonces, detrás de ese imaginario cultural, un
intertexto bíblico y una polarización didáctica siempre en acto,
que puede verificarse en ciertos textos de la canción popular latinoamericana que el autor selecciona y que tienen como centro
la figura, siempre nodal, de la madre y su sacrificio, “una de las
que mejor grafica las nociones que venimos sugiriendo y que,
toscamente, podríamos sistematizar como la relación entre
modalidad melodramática, relato bíblico y constante social”.
El último texto de esta primera parte es el artículo de
Lydia Romeo “Estrategias melodramáticas en Raza. Anecdotario para el guión de una película, de Jaime de Andrade, seudónimo
de Francisco Franco”, en el que se entrecruzan de manera
ejemplar los diversos componentes ideológicos y políticos que
atraviesan el conjunto de los textos presentados, acondicionados con un objetivo pedagógico en las formas canónicas del
melodrama. Según la autora, el Anecdotario es “un texto tanto
de reconocimiento y de trabajo de construcción del ethos del
propio Franco, como de lucha por la unificación de la sensibilidad del bando ganador de la guerra en términos militar-católicos”. Gracias a sus orientaciones, el melodrama vuelve a
funcionar como una especie de manual de saberes y procederes, fundamentando un “deber sentir” que autoriza y prescribe
la adhesión a una España alegórica “elaborada desde el militarismo mesiánico”. Franco recurre a los mismos mecanismos
propios al maniqueísmo melodramático que ya hemos visto
funcionar en otros contextos para diabolizar al bando contrario y sacralizar la idea del sacrificio nacionalista por amor a la
Patria. Lydia Romeo concluye, luego de un minucioso análisis:
“El melodrama por su carácter maniqueo, pero sobre todo por
su lógica excluyente de todo compromiso, conviene como
estrategia al discurso de un catolicismo en armas que no se
detiene ni en el perdón ni en la reconciliación”.
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En nuestra segunda parte, “Melodrama: Formas, deformaciones y rupturas”, si bien se reiteran algunos de los contenidos
analíticos ya señalados, hemos reunido los textos que hacen
hincapié en la ductilidad de la forma melodramática para adaptarse a nuevos usos y lecturas, en la variedad de sus procedimientos y la posibilidad de desplazar sus significaciones tópicas,
alterando los marcos habituales de interpretación y transgrediendo los códigos. En el primer artículo, intitulado “Leopoldo
Brizuela: Lisboa. Un Melodrama. Tramas y trampas de la pasión”,
María A. Semilla Durán se aboca al análisis de la novela del escritor argentino, considerada como un monumental intento de
reescritura melodramática en la que los tonos del siglo XIX se
pliegan a las exigencias teóricas e ideológicas del mundo contemporáneo, en la que el pasado es releído desde el presente
con un propósito crítico de deconstrucción y donde las relaciones de poder que subyacen a los códigos morales son claramente expuestas y denunciadas:
Nos parece útil señalar aquí […] que si bien hay una saturación de
la mise-en-scène melodramática en el texto, la pasión no es glorificada como tal ni leída como una fatalidad trascendente, sino que
sus raíces sociales y simbólicas se plantean siempre en relación con
los desniveles, las jerarquías y las diferencias, es decir: en términos
políticos de poder.
El cuestionamiento del sistema social normativo y su funcionamiento como máquina de excluir diferencias es el eje operativo de la novela, y las Otredades expulsadas “deja[n] de ser
sólo una historia personal para convertirse en signo[s] de un
tiempo y unas condiciones perceptivas hegemónicas propias a
una situación cultural dada”. Contrariamente a otros textos anteriormente analizados, en el caso de la novela de Brizuela no se
trata de poner un significante melodramático al servicio de los
sistemas ideológicos y prescriptivos vigentes, sino que el objetivo
de su “desviación” o “inversión” de las leyes genéricas es
autorizar la emergencia de un universo moral hasta entonces anatematizado, desplazar los límites y reinterpretar los valores de referencia, integrar a los excluidos y escuchar sus voces, tanto tiempo
silenciadas.
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En otro plano, esos dilemas de la inclusión, la exclusión y
los poderes que las reglamentan están también presentes en la
contribución de Pilar Rodríguez Gröbli, “Melodrama y cultura
popular en el mundo urbano en la novela Sin tetas no hay paraíso”. Contrariamente a los personajes de Brizuela, que de una u
otra manera, siempre hiperbólica, acaban rompiendo los condicionamientos que les han sido impuestos o, al menos, asumiendo sus propias existencias y diferencias, los de Sin tetas no
hay Paraíso parecen absolutamente prisioneros de un orden
social deshumanizado:
En Sin tetas no hay paraíso, el cuerpo y en específico los senos, […]
actúan como símbolo instrumental de la representación cultural
del cuerpo y a la vez como centro y razón del ser y centro y razón
del poder. Ese atributo del cuerpo femenino se convierte en una
representación simbólica del poder con el cual la mujer joven efectúa “transacciones” que le permiten posicionarse y ascender
dentro del orden social establecido […].
El melodrama es entonces el lugar donde se intersecan e
interactúan las diversas subculturas populares, sus códigos y
sus respuestas a los imperativos sistémicos. Son las mismas
culturas populares, a la vez reivindicadas y objeto de parodia,
cuya tensión con la llamada “alta cultura” es puesta en escena
por Mario Vargas Llosa con procedimientos narrativos o dramáticos analizados por Elena Guichot Muñoz en “El teatro
vargasllosiano: el melodrama entre la parodia y el homenaje”.
El melodrama y la metaficción son los marcos en los cuales se
realizan operaciones crìticas que devuelven a las formas populares su consistencia simbólica:
Vargas Llosa, por su parte, introduce símbolos, que bien se vincularían con una experiencia estética de la “alta cultura”, y que sin
embargo, inmersos en este género popular, se resemantizan y
producen un desacoplamiento tanto del objeto “escondido” como
de la recepción del mismo.
Otra operación destinada a dar vuelta los códigos de representación melodramática, pero esta vez centrada en las representaciones de género, se estudia en el artículo de Michèle Soriano:
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“De la niña inútil a la Barbie”. Gracias a un itinerario dividido en
cuatro etapas temporales, cada una de las cuales corresponde a la
escritura de una autora seleccionada —de Alfonsina Storni, Rosario Castellanos, Ana Lydia Vega y Albertina Carri— y luego de
una sólida introducción teórica, Michèle Soriano muestra en qué
medida éstas escrituras femeninas alteran los códigos canónicos
y develan los mecanismos de la discriminación:
La reescritura paródica de las formas del melodrama en la poesía,
el ensayo, el teatro, la narración, el cine, puede ser considerada en
tanto estrategia de puesta en evidencia de la performatividad del
género: esta estrategia les permite a las creadoras suspender el
double bind —la doble y contradictoria obligación— que se ejerce
sobre su profesionalización. Mediante esa reescritura disponen una
perspectiva crítica que reproduce y cuestiona, repite y resignifica
las normas de un canon cuya supuesta universalidad tiende, paradójicamente, a excluirlas.
En otra propuesta de literatura de género enfocada esta vez
en la relación entre representación de la mujer y violencia, Milagros Palma, en “El melodrama a través de la dramaturgia de una
vida bien doméstica en el monólogo “Agonice con elegancia” de
la colección Mensajes al más allá (1986), de la escritora nicaragüense Irma Prego (Granada, Nicaragua, 1938-San José de
Costa Rica, 2002)” aporta nuevas luces a la comprensión de
los mecanismos de la violencia real y simbólica necesarios a la imposición de normas y comportamientos sexuados orientados a garantizar la subordinación femenina y la dominación masculina en
vista de un intercambio económico-sexual que linda con una suerte de esclavitud femenina.
Jordi Medel, por su parte, prolonga en “La Ferida Lluminosa, el triunfo de los arquetipos de género elevados a melodrama” la perspectiva de género, esta vez desde el ángulo de la
homosexualidad masculina, con la intención de “precisar las
condiciones de recepción de lo melodramático en relación con la
(re)producción del imaginario sexual propagado por el franquismo”. Ello implica indagar las formas en las que se construía en la época la “apología de la familia patriarcal y de la
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sociedad jerárquica” tendiente a perpetuar el orden establecido.
La toma de posición del autor es clara desde el inicio:
Analizo la pieza teatral como una alternativa a las tradicionales interpretaciones esencialistas de las identidades masculinas y femeninas al considerarlas como producto social y no
de la naturaleza. Y sitúo la organización sociocultural de la
diferencia sexual como eje decisivo en la organización política
y económica.
Las formas solapadas de transgresión de códigos y convenciones vuelven a ilustrar la plurivalencia del dispositivo
melodramático y las fisuras a partir de las cuales puede cuestionar aquello que aparentemente defiende.
Otras formas de desviación de los procedimientos canónicos, también con miras críticas, son las que Edgard Samper
analiza en “El melodrama popular de la Restauración: la obra
edificante de José Echegaray”, donde se pone en evidencia una
vez más el desplazamiento del género de los planteos morales
a los planteos sociales. Luego de un eficaz análisis de distintas
obras de Echegaray, Edgard Samper concluye:
Es indispensable dejar de juzgar sólo a partir de criterios de estilo
literario sino también, y sobre todo, según una posible historia del
gusto teatral. La articulación del drama echegariano rompe las
barreras del principio de realidad, con todas las conveniencias y
modulaciones que conlleva.
Si en el caso preciso de Echegaray se trata de instaurar une
visión pesimista del mundo para abrir un espacio crítico, en el
caso de otro dramaturgo heterodoxo y contemporáneo, el
argentino Rafael Spregelburd, esa visión se vuelve caótica y
alucinada cuando, en una experiencia teatral inédita, deviene en
crónica delirante de la crisis de principios de los años 2000.
Luz Rodríguez Carranza elige el asedio del melodrama como
representación de un mundo devaluado en “Un lugar de
verdad: Bizarra, de Rafael Spregelburd”. La parodia exacerbada
de las formas propias al imaginario melodramático, sus motivos y códigos; el ejercicio sistemático del absurdo y la incongruencia, el humor corrosivo y tremendista producen efectos
revulsivos, pero a la vez permiten la incorporación del espectador al universo representado. Según Luz Rodríguez Carranza,
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De golpe, en medio de la risa, desaparece la distancia y queda ese
“angustiante fondo de rara verdad” del que habla Spregelburd. Es
lo que Rancière denomina “la paradoja del espectador” (2008,8):
cada uno compone “su propio poema” (19) que perfora la doxa,
las opiniones, la incomprensión y la indiferencia. Ese poema
nombra, siempre, algo inasimilable. En Bizarra, es el país.
Otra vez topamos con ese núcleo resistente de lo inasimilable, con la contradicción raigal entre la potencia del sentir y
el escándalo de la razón, que construye una paradoja esencialmente melodramática: la de rehusarse el derecho a sentir lo que
la razón recusa y sin embargo saber, sin llegar a decirlo, que
ninguna censura opera eficazmente en ese centro ardiente de
las adhesiones viscerales.
Otra forma de parodia de las reglas del género es explorada
por Sandra Teixeira en “Fígados de Tigre, de Francisco Gomes de
Amorim (1857): objet mélodramatique non identifié”. Se trata
de abordar una obra particularmente heterodoxa, cuyas repercusiones críticas no excluyen una dimensión metaliteraria:
Du caractère des personnages aux intrigues amoureuses, des scènes
de retrouvailles aux scènes de mort, tout est poussé à l’extrême et
tourné en ridicule, épinglant au passage les travers de la société
portugaise. La pièce se présente, en outre, comme une véritable
fabrique intertextuelle qui subvertit les modèles et la tradition, en
décontextualisant des personnages littéraires et mythologiques, qui
font l’objet de longues notes explicatives à la fin du volume: cette
démarche paratextuelle est également pédagogique, et montre à
quel point le dramaturge était à la fois conscient des difficultés de
lecture que pouvait susciter le texte, et soucieux d’être compris par
le plus grand nombre. Ce n’est donc pas seulement la forme du
mélodrame qui est parodiée, ou encore le style romantique et ultraromantique, mais, bien plus, le théâtre lui-même en tant que genre,
comme l’affirme si justement Luís Francisco Rebello.1
Luís Francisco Rebello, “Uma planta exótica de há cem anos”, in
Fancisco Gomes de Amorim, Fígados de Tigre, Op. Cit., p. 21.
1
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Multiforme y dúctil, lo melodramático, esa tonalidad de la
escritura que uno de nuestros autores define como “permeable, multiforme e intergenérica”, se permite todos les excesos,
y entre ellos el de desmontar las propias categorías en aras de
una toma de distancia susceptible de fundar sus relecturas, sus
hibrideces y sus mestizajes.
En otra de sus actualizaciones románticas, podemos
observar la atención que un músico italiano como Verdi otorga
a los melodramas canónicos de la literatura española, así como
las modificaciones y adaptaciones a que los somete. Arturo
Delgado Cabrera trabaja esos bordes y dobleces en “Dramas
románticos españoles adaptados por Giuseppe Verdi”, afirmando que
El choque entre emociones y principio de realidad es (…) el motor
narrativo del melodrama (2008, 226). […] Por eso resulta significativo que Verdi pusiera música a tres dramas románticos españoles, dos de Antonio García Gutiérrez: Il trovatore (1853) y Simón
Boccanegra (1857, revisada en 1881) y una del Duque de Rivas
(Don Álvaro o fuerza del sino: La forza del destino, 1862).
La puesta en forma operística de tales melodramas teatrales no introduce cambios significativos en los contenidos
narrativos, a pesar de las inevitables simplificaciones, pero sí da
lugar a rupturas con la tradición desde el punto de vista del
juego de tesituras y de la orquestación, dinamizadas por la
maleabilidad exigida por la adaptación.
Esta constatación nos autorizaría quizás a especular con
una superación —en este caso musical— del género, que
también parece operarse, esta vez en el ámbito de la cultura
latinoamericana contemporánea y en la mise en scène cinematográfica, en la película Madeinusa de Claudia Llosa, que suscita
en interés de Silvina Benevent en “L’envers du décor dans Madeinusa de Claudia LLosa: de l’exubérance à la révélation”. En su análisis, la autora identifica como rasgos esenciales de la obra la
mascarada, las falsas apariencias y la inversión de valores, que
alteran totalmente el marco canónico de explotación semántica
o simbólica del melodrama. De allí que valorice “toute l’originalité de la démarche de la jeune cinéaste entre adéquation, manipulation et
subversion”.
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Siempre en el ámbito cinematográfico y tomando como
eje la innovación de prácticas y representaciones, José Rodríguez Herrera en “Cucurrucucú Paloma: la banda sonora del melodrama híbrido en tres películas de Almodóvar” concentra su
atención en el discurso almodovariano sobre género y orientaciones sexuales. La parodia y la estética kitsch recubren iconografías sagradas, y el recurso al bolero, gran catalizador de las
sensibilidades amorosas y fundamentalmente híbrido desde el
punto de vista del género en sus procedimientos enunciativos,
un “género musical andrógino” permite articular “un yo que
busca “sobre todo la disolución para poder ir construyendo
una nueva identidad sin trabas de por medio”. De allí la
propuesta del melodrama sui generis almodovariano, que:
transgrede la óptica heterosexual según la cual se representan las
identidades de género como compartimentos estancos y unívocos.
Boleros híbridos, texturas vocales andróginas, bricolaje en la selección de las versiones, recursos todos para tejer melodramas andróginos, híbridos, mestizos.
Otra forma de melodrama cinematográfico, menos subversiva y sin duda más comercial, es la que Carole Viñals examina
en “Mar adentro d’Alejandro Amenábar: un mélodrame”, quien
ve en la utilización frecuente del primer plano una suerte de
puntuación patética, que acentúa el carácter emotivo del lenguaje
con el que el cineasta cuenta la historia de Ramón Sanpedro,
drama real convertido en melodrama que, “de par sa forme,
permet de repousser les limites de la censure, de faire entendre
un discours autrement difficile à entendre. Il libère et brise les
tabous. C’est la catharsis”.
José Manuel Camacho Delgado aborda un campo cuyas
infinitas posibilidades me parecen aún insuficientemente exploradas: la de la “memoria sentimental” sedimentada en los registros individuales por la escucha de los mensajes radiofónicos.
Luego de poner de manifiesto la función eminentemente política que los mensajes radiales han desempeñado en la historia
española y de aludir a la presencia de la radio en numerosas
construcciones ficcionales, el autor se centra en el análisis de La
Tía Julia y el escribidor, de Mario Vargas Llosa. Estructurada en
torno a la alternancia entre capítulos que bien podrían califi-
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carse de autoficciones —los amores de Marito y su tía— y
aquellos que despliegan los relatos de telenovelas escritos por el
personaje de Camacho, la interferencia programada de géneros
constituye una experiencia relativamente inédita en la literatura
de la época, sobre todo porque arraiga en un territorio cultural
y lingüístico abiertamente popular y por lo tanto transgresivo.
José Manuel Camacho Delgado pone en evidencia los procedimientos paródicos que permiten a Vargas Llosa poner en
tensión los estilos y los temas, descolocar las normas de correspondencia estilística que norman esas relaciones, invertir los
itinerarios morales a los que la imaginación melodramática
hubiera debido conducir si se hubieran respetado sus códigos,
hasta producir una confusión creciente no sólo entre los diversos relatos ficticios creados por Camacho, que acaban convergiendo en la catástrofe final, sino también entre los géneros
seleccionados por el autor para entrelazarlos y desviarlos:
En un caso de verdadero virtuosismo técnico, la historia autobiográfica del escritor Mario Vargas Llosa termina asimilándose a los
registros paródicos de los radioteatros de Pedro Camacho, parodiando en toda su extensión los múltiples registros del melodrama.
Jugando con los diferentes niveles ficcionales y metanarrativos de
la novela, Vargas Llosa parodia también el género autobiográfico,
parodiándose a sí mismo, e incluyendo en la novela la historia real
de sus amores con Julia Urquidi como si fueran otro dramón del
ínclito y perverso escribidor.
De la escucha radiofónica a la escucha musical, vemos
resurgir, esta vez con fuerza propia, toda la ritualizada melodramatización del bolero. En un artículo medular, “Pasión y
desmesura en el bolero o la epopeya peleonera de Paquita la del
barrio”, Ángeles Mateo del Pino recorre los caminos del bolero
como retórica del deseo,
Un deseo que se formula como una proposición discontinua, basada ésta en una serie de marcas o señales que a veces llegan a ser
estigmas: amor, pasión, orgullo, herida, engaño, impaciencia, sufrimiento... Estos son los aspectos sobre los que se edifica el lenguaje
del bolero, aunque éste se materialice en su performatividad como
un susurro gritado a los cuatro vientos.
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Desgarrado en sus contradicciones entre cuerpo y alma,
norma social y pasión transgresora, escándalo y entrega, el bolero
—según las palabras de Iris Zavala— transmite un “breviario
afectivo”, una “fantasía de los usos culturales sobre el amor”, que
abre un insondable espacio de reconocimiento para el público y
a la vez explicita una amplia gama de usos subversivos que derivan de los excesos mismos, sacralizados, de la pasión.
Para finalizar, volvemos a enlazar las formas del arte popular con los nuevos medios masivos de comunicación, de la mano
de Enrique Foffani y su muy esclarecedor artículo “Rolando Rivas,
taxista de Alberto Migré: inscripciones de la modernidad literaria en la telenovela argentina de los 70”. Escrutando una construcción que bien podríamos llamar barroca por los juegos que
instaura entre realidad, ficción y dramaturgia, la telenovela en
cuestión se va hilando al ritmo de los acontecimientos políticos
y sociales, en una escritura realista que no por ello desdeña una
cierta calidad anticipatoria de dramas a venir, en la cual late la
tensión melodramática. Pero al mismo tiempo se aplican
conceptos claves de la modernidad teórica, que van tomando
cuerpo en el seno de la trama, y hacen de esta telenovela una
experiencia inédita. Según Enrique Foffani,
[…] así como los narradores de la literatura apelan a la cultura
popular, Migré hace el movimiento contrario, lo que implica necesariamente un trabajo de transculturación obsedido por un afán
notoriamente utópico y por ende político, pues se trata de un
melodrama engagé con una concepción del mundo que no erradica el valor estético y refracta el clisé, como la manera más
eficiente de considerar lo imaginario y lo poético como esferas
innegociables y propicias en términos educativos-formadores.
Al cabo de este recorrido por diversos tipos de discursos
que recurren a formas o sentires melodramáticos, tanto en el
ámbito cultural español, portugués o latinoamericano de lengua castellana o portuguesa, estamos en condiciones de extraer
algunas primeras conclusiones.
1. La indiscutible impregnación de nuestras culturas por la
imaginación melodramática, su permanencia a través de las
épocas y la variedad proliferante de sus manifestaciones.
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2. La calidad polimórfica, abarcadora y polémica de sus
actualizaciones, que pueden sustentar posiciones tradicionales o bien introducir rupturas subversivas, y su eficacia
performativa en la construcción de imaginarios colectivos.
3. La disponibilidad para acoger formas diversas de reconocimiento de las aspiraciones, identidades y lenguajes populares, y su facultad para articular los debates entre la
cultura popular y la alta cultura, así como las tensiones
entre la tradición y la modernidad.
4. Una configuración semántica y expresiva que parece responder naturalmente a la escenificación de los mecanismos
de exclusión sociales, ideológicos, sexuales o culturales, ya
sea para justificarlos o para recusarlos, y por ende la vasta
posibilidad de lecturas y relecturas, de escrituras y reescrituras, en cada momento histórico.
5. Su indiscutible dimensión política e ideológica, que explica
los sucesivos intentos de utilizarla como vehículo de
persuasión o manipulación de las conciencias, lo que nos
lleva a plantearnos las cuestiones relativas a la relación,
particularmente intensa en el ámbito latinoamericano,
entre emoción, afecto y política; y a su probable adecuación discursiva con formas y procesos en curso que se
emparientan con los llamados neo-populismos actuales.
Nos parece que, en el seno de un trabajo mucho más amplio que se realiza hoy en día de múltiples maneras a lo largo y
lo ancho del continente latinoamericano para pensar las nuevas
relaciones entre Historia, construcción de imaginarios, formas
discursivas y procesos políticos, y que empiezan a emerger en
España y Portugal como previsión y también como consecuencia de la actual crisis económica y de representatividad, la
indagación en el imaginario melodramático y sus infinitas
variantes, relecturas y escenificaciones tiene un lugar propio, en
la medida en que, como creemos haberlo demostrado, se trata
de un espacio de entrecruzamiento polémico de representaciones, necesariamente abordable desde ópticas interdisciplinarias e interculturales.
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PARTE I
Melodrama e imaginarios
políticos, sociales, identitarios
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¡Oh cruda inexorable suerte!
Ibéricos y liberales.
El melodrama de los proscritos
María Fernanda de Abreu
¡Ay! Que sulcando el mar en nave ajena
Huyo infelice de la patria mía,
Tal vez ¡oh cruda inexorable suerte!
Para nunca volver…Áspero suena
El recio vendaval, y expira el día.
¿Y qué a la nueva luz ya no he de verte,
Hermosa Espéria? No: sañudo el viento
Me arrebata violento,
Y me aleja de ti.
Con estos versos, Ángel de Saavedra, que más tarde conoceremos literariamente con el nombre de Duque de Rivas1, da
inicio al relato elegíaco del dolor de la partida hacia el exilio, en
su poema El desterrado, que, en agosto de 1824, se publica en
Londres en el periódico Ocio de Españoles Emigrados2. Un largo
poema, que ocupaba cerca de diez páginas del número 5, y
surgía encabezado con la siguiente presentación: “Nos apresuramos a publicar la siguiente composición de un emigrado
español, bien conocido en el mundo literario por sus producciones poéticas”. Escrito a bordo del paquebote inglés Francis
1
Heredará el título por muerte del hermano mayor.
El poema fue publicado posteriormente por su autor, con algunas alteraciones. Citaré, sin embargo, siempre de esa primera publicación ya que
estas alteraciones no importan al objetivo que ahora persigo.
2
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Freeling, en mayo de 1824, “saliendo de la bahía de Gibraltar
al ponerse el sol con rumbo al O”.
Ángel de Saavedra (Córdoba, 1791-Madrid, 1864), hijo de
los Duques de Rivas, era ya teniente coronel de Estado Mayor,
diputado liberal y hombre de letras reconocido, cuando, en
secuencia de la invasión de España por el ejército francés de la
Santa Alianza, de su entrada en Andalucía y la rendición de los
constitucionales de Cádiz a finales de septiembre, se cierra el
período constitucional. Fernando VII retoma el poder absoluto
y empieza la que será denominada como la década ominosa,
durante la cual tiene lugar una de más violentas persecuciones
políticas que sufren los liberales. Ángel de Saavedra huye, en
compañía de su amigo Alcalá Galiano, el cual cuenta en sus
Memorias que ambos llegaron al puerto inglés de Gibraltar el 4
de octubre de 1823. Empieza, entonces, el exilio del futuro
Duque de Rivas, que sólo regresará a España más de diez años
después, con la muerte del rey y el cambio de régimen.
En Gibraltar, donde pasa algunos meses antes de dirigirse a
Londres, en un poema dirigido a la mujer que ama, y que, poco
después, lo acompañará en el destierro, proscripto, se refiere ya a
su nueva e indeseada condición, en un doloroso lamento: ¡Ay!, si
en la proscripción y acerbo llanto / que, a mí infeliz, eterno me prepara /
la adversa suerte.... De aquellos diez años de destierro, pasará tan
sólo siete meses en Londres, donde, en esa época, se encontraba
una importante ola de exiliados, que Vicente Lloréns estudia, en
uno de los más elogiados trabajos sobre este desgraciado evento
de la historia de la Península Ibérica, en su Liberales y románticos.
Una emigración española en Inglaterra (1823-1834), publicado por
primera vez en México, en 1954, y, por fin, en España en 1968,
modificado “apenas el texto”, segundo advierte el autor3. Y digo
de la Península y no sólo de España, porque, como ya escribí en
otra ocasión, Vicente Lloréns estudió a fondo la circunstancia
del exilio y las heridas provocadas por ésta en el destierro de los
liberales refugiados en Inglaterra tras la invasión absolutista de
1823, no solo de los españoles “sino también de los portugueses
y los italianos: un cierto sur de Europa que quedará dramáticaDel libro, que constituye mi principal guía, aunque no el único, citaré
siempre de la edición española de 2006, con prólogo de Andrés
Amorós, Madrid, Ed. Castalia.
3
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mente marcado por esos destierros, no solo en la implantación
y el desarrollo de sus romanticismos sino también —creo yo, sin
poder aquí desarrollar esta idea— en sus mal amañadas democracias de nuestros días”.4
Como acabamos de leer, para decir su cruda inexorable suerte
de desterrado recurre Ángel de Saavedra, desde el incipit de la
composición, al viejo tópico de la “tempestad”, del cual Ovidio
nos había ofrecido ya la consolidación del modelo literario, hace
casi dos mil años, en latín, en sus Tristia, invocando una tempestad en el mar Adriático en su viaje de destierro hacia el Ponto
Euxinus. Después que Homero la asociara al viaje de Ulises. El
recio vendaval y el sañudo viento —tópicos insistentemente repetidos
en las escrituras del exilio— no representaban tan solo, literalmente, los elementos climáticos que el viajero marítimo sufría en
la travesía, sino también, y sobre todo, en el plano figurado, retórico y simbólico, la violencia emocional de la situación de destierro.5 La tempestad no es tan solo un episodio sino también una
situación-macro para la enunciación y representación de los
sufrimientos, varios y distintos, sufridos en la proscripción y a causa
de ésta. El alejamiento forzado de la tierra natal y de sus seres
queridos va a provocar lo que hoy llamaríamos “traumas” que
jamás se curarán y que la memoria personal y colectiva guardarán como una brutal tormenta, un furioso huracán. Precisamente, durante las casi dos páginas de versos que se siguen a
aquel incipit, invoca el poeta la tierra de Cádiz, esa alta cuna de libertad, en referencia al papel pionero que tuvo la ciudad en las
luchas contra el régimen absolutista y la creación de la primera
constitución liberal. Extiende, después, esa invocación a Andalucía, saludando a sus campos y a su río, el Guadalquivir, a ellos
Ver mi “¿Será el volver y no volver? Claudio Guillén: del exilio a la Real
Academia. Desexilio y destiempo.”, ponencia presentada al Cuarto Congreso Internacional El Exilio Republicano de 1939 y la Segunda Generación
(organizado por Manuel Aznar, Universidad Autónoma de Barcelona, 1519 diciembre 2009), publicada en El exilio republicano de 1939 y la segunda generación, Sevilla, Renacimiento, Biblioteca del Exilio, Anejos XV, 2011.
5 Estudio con más detalle el recurso al motivo de la tempestad en la
escritura literaria del exilio en mi “De tempestades e outras solidões: A
escrita do exílio nos romantismos espanhol e português”. Actas del
Congreso Internacional de Historia y Cultura en La Frontera - 1er Encuentro de
Lusitanistas Españoles (Cáceres, 10, 11 y 12 de noviembre de 1999). Cáceres, Universidad de Extremadura. 2000, pp. 343-356.
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dirigiendo un apelativo tú para que le miren pobre, desgraciado, triste
/ errante peregrino, / sulcar el ponto, huyendo sin destino.
Pero no hay respuesta. Y, verso a verso, esta tristeza melancólica y suplicante se va convirtiendo en rabia. El No más, no
más, formula que, por otro lado, la canción renacentista había
consagrado, señala el cambio de tono. Ahora: mi corazón mezquino / Se desgarra en mil ásperos tormentos / Y sucumbe al dolor. En
un crescendo incontrolable, pocos versos después, las interrogaciones desesperadas, los puntos suspensivos, los ¡Ay! desembocan en este protesto vehemente:
¡O Patria! ... ¡ingrata patria! ... tú me arrojas
Con furor espantoso de tu seno,
Premiando así mi amor. Yo con mi sangre
Torné las meses de tus campos rojas
Y salpiqué con ella tu terreno,
Tu independencia y gloria sustentando.
[....................................................]
También el topos de la patria ingrata al que aquí recurre el
poeta fue con frecuencia usado por el desterrado por motivos
políticos; la mayor parte de los destierros lo son, de hecho. En
la expresión que, por ahora, llamo, de forma poco precisa,
“excesiva”, del drama del alejado de la tierra natal, del desterrado, este tópico surge aquí asociado al de la “tempestad”,
como a lo largo de los siglos había sido ya practicado en otras
representaciones literarias e iconográficas del destierro.
Pero, antes del final de la tercera página, sólo algunos
versos más tarde, vuelve el poeta a nombrar su condición —en
destierro espantoso y cruel — y la patria vuelve a ser su patria querida:
Para siempre tal vez, para siempre
Hoy te pierdo, ó mi patria querida,
Y a arrastrar voy la mísera vida
En destierro espantoso y cruel.
Por eso, reaparece el tópico del viento sañudo, para pedirle que modere la saña para que no sea tan rápidamente alejado de su tierra:
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Por piedad, por piedad, raudo viento,
de tu soplo modera la saña
que me aleja, feroz, de mi España,
impeliendo el velero bajel.
Sin embargo, nos vamos a encontrar, unos pocos versos
después, con una reacción sorprendente: el “raudo viento” deja
de ser vivido como un elemento negativo y se convierte en un
potencial cómplice del desterrado. Un cambio, de nuevo introducido por un vehemente “Mas no” así:
Mas no; redobla tu furor violento
Y de esas playas de terror y espanto
Aléjame piadoso, raudo viento.
No las torne yo a ver.
Con ello, se inicia, ahora, una secuencia de rechazo de esa
“patria” “que ya no existe porque donde solo hay opresos y opresores,
un terreno de tiranos poblado y de invasores, donde a los “buenos” se
les ve fugitivos / Por yermos y por ásperas montañas / ... gimiendo /en
bárbaras cadenas, / o entre espantosas penas / en infame patíbulo muriendo; /sin que nadie reclame la venganza, ¡O vil degradación!..., aquí ya
no puede haber patria. Entonces, llega el poeta a pedir incluso un
austro abrasador que sople ardoroso / Yermando la campiñas y llanuras y
un huracán que brame furioso y todo lo destruya, que ríos y arroyos
bienhechores sean / en sangre convertidos, que sus raudales / olas de sangre
al mar lleven bramando,
Tiemble la tierra horrísona gimiendo
Y ciudades enteras en sí hunda.
[..................................................]
De los héroes los restos venerables
En las antiguas tumbas se estremezcan,
Y las losas hendiendo,
Colosales espectros aparezcan,
[.................................................]
Y hórridos gemidos
Por las ciegas tinieblas derramando,
Clamen sangre y venganza en largos ecos:
Y los cóncavos huecos
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sangre y venganza horrendo resonando,
Esa mansión de esclavos amedrenten
Y a sus tiranos turben y atormenten.
Larguísimas son las citas que vengo haciendo, lo reconozco.
Pero ellas nos permiten ver todo el arsenal léxico, adjetivo y fonético que el poeta despliega para la representación de su condición
de proscrito. De los hórridos u horrísonos gemidos a los largos ecos
horrendo resonando, de la repetición intensificadora de las fricativas
asociadas a esas vocales, -orri- a la prolongación de los sonidos en
-endos y -andos, por vía de los gerundios, que, por su naturaleza,
denotan más acción que lirismo, o la aliteración en el último verso
citado, todo ello asociado a léxico como sangre y venganza, que el
poeta mismo destaca en cursiva en el texto, y repite. También las
imágenes contribuyen a la construcción de un escenario “excesivo”, como esa, que encabeza la página, de los espectros de los
restos de los héroes saliendo de las losas hendiendo, una acumulación de procedimientos que logran, los procedimientos y la
acumulación, en esta sexta página del poema, una puesta en
escena de un tremendo efecto expresivo que nos lo acerca tanto
al gótico de terror como al melodrama. Vicente Lloréns, al
comentar el poema, escribe que “entre los emigrados liberales de
dentro y fuera de Inglaterra la elegía de Saavedra se hizo muy
popular” y da noticia de que “años después aún se reimprimiría
en América del Sur”, refiriendo una edición hecha en Lima en
1833. Y añade: “Aquel adiós a la patria, grandilocuente y apasionado, les evocaba a todos su situación, y expresaba sentimientos
comunes en el tono retórico de la poesía patriótica a que estaban
acostumbrados, pero con otro ritmo y acentos más vibrantes”.6
El “exceso” se intensifica aún más cuando, a continuación,
se inicia un tercer movimiento que viene a oponerse al anterior,
anunciado por un aviso en el poema, en dos versos: Y calmando un
momento / mi espantoso martirio. Una “calma” que, desde luego, nos
da a ver, verso a verso y movimiento a movimiento, más claramente, el tremendo y desgarrador conflicto en el cual se debate
el “desterrado”. Y es que, aterrorizado por lo que él mismo acaba
de escribir al final de aquella secuencia (implorando a la “Naturaleza” que, cual en tiempo antiguo /A la infeliz Atlántida, hunda a Es6
Lloréns, op. cit., pp. 337-8. La cursiva es mía.
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paña / En los senos del mar con cuanto encierra), pide ahora a la misma
tempestad que lo castigue por lo que ha dicho, convirtiendo ésta
en metáfora y metonimia de ese conflicto, en un clímax que tanto
el léxico como la puntuación subrayan:
¡Basta, basta!…¡Qué horror!…¿Mi labio pudo…?
¿Por qué furia infernal emponzoñado…?
¿Y no se abre la mar, la nave se hunde,
Y a mí, monstruo infeliz, traga y confunde?
¡Patria!… ¡Patria!…Perdón, ¡patria!…
EXILIO Y MELODRAMA
I. Para dar cuenta de lo que anuncio en mi título —el
melodrama de los proscritos ibéricos y liberales— he preferido
empezar por mostrar las palabras y los procedimientos lingüísticos y retóricos (entre otros, no hay que despreciar la puntuación y sus efectos gráfico-visuales), los cuales crean una
situación de comunicación poética que no pocos lectores de
hoy verán como una retórica del exceso. ¡Qué cosa tan melodramática!, exclamarán algunos, quizás muchos, en nuestros
días. Melodramática o excesiva o enfática. Y lo mismo para la
sintaxis del poema, eso a que he llamado sus “movimientos”.
El melodrama como “modalidad del imaginario: exceso,
parábola, dramatización de dilemas morales” y como “resistencia a la crisis de valores”, “afirmación ética”, “denunciador
de injusticias” y “liberador de tensiones inhibidas”, según las
problemáticas que nos convocan, se me presenta como un
enfoque de análisis particularmente rico y revelador de algunos
de los más constitutivos elementos de la escritura del exilio, en
particular en el caso de los romanticismos ibéricos. Asimismo,
las construcciones identitarias tanto individuales como colectivas que caracterizan esos romanticismos, destacadamente en
el plano de las identidades regionales y nacionales, confirman
la propuesta allí presentada de enfocar “la estética del melodrama como drama del reconocimiento individual”.7
7 Cadre théorique du “Coloque internacional: le mélodrame dans le
monde ibérique et latino-américain: le drame de la reconnaissance,
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A su vez, al hablar de “reconocimiento”, inmediatamente
echo mano de lo que creo ser una de las más profundas reflexiones sobre la palabra, el concepto y los recorridos de su polisemia, esa magnífica opera ultima de Paul Ricoeur, su libro
Parcours de la Reconnaissance (2004).
Otros ensayistas enmarcarán y guiarán mi propuesta. Así,
Edward Said, quién empieza su largo ensayo “Reflections on
exile” (2000)8, afirmando sobre el exilio lo que, a continuación,
traduzco:
El exilio es, extrañamente, algo que nos impele a pensar sobre él pero
terrible cuando lo experimentamos (Exile is strangely compelling to
think about but terrible to experience); es una separación forzada
entre un ser humano y su tierra natal, entre el ser y su verdadero
hogar, su tristeza esencial no podrá nunca ser superada. Y si es verdad
que la literatura y la historia presentan episodios heroicos, románticos, gloriosos e incluso triunfantes en vidas de exilio, esos no son más
que intentos para vencer la desgarradora aflicción del extrañamiento.
The cripling sorrow of estrangement. A lo largo de todo su ensayo, E. Said no deja de volver sobre esta idea del extrañamiento
sentido por todo el exiliado en tierra “ajena”, la mutilación que
todo destierro conlleva, el alejamiento de las tradiciones, de la
familia y de la geografía de las que se alimentan la vida; la identidad, el reconocimiento, añado yo siguiendo a Ricoeur, ese
reconocimiento —afectivo, jurídico y social— que hace de un
ser humano un ser capaz, identidad y reconocimiento denegadas por la proscripción. Pérdidas y mutilaciones que Said adjetiva
como truly horrendous, verdaderamente horrendas, “producidas
por unos seres humanos para otros seres humanos”. Like dead
but without death’s ultimate mercy (2000: 436-7).
Claudio Guillén, a su vez, empieza su libro El sol de los
desterrados con estas palabras: “Innumerables, los desterrados.
Repetida, reiniciada un sinfín de veces, interminable la experiencia del exilio a lo largo de los siglos”.
manipulation, éducation, subversion?”. Université Lyon2, les 31 mars,
1er et 2 avril 2011, org. María Àngélica Semillla Durán.
8 Said, Edward W., Reflections on Exile and Other Essays, Cambridge, MA,
Harvard University Press, 2000.
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Para expresar esta experiencia de vida, señala Claudio
Guillén, las lenguas de la Península Ibérica disponen de una
palabra que no encontramos, por ejemplo, en el vecino francés.
Es el destierro (en castellano), desterro (en portugués y gallego),
desterrament (en catalán), que pone de relieve el sentimiento de
haber sido arrancado de su tierra, y a la cual los poetas y escritores ibéricos recurren muchas veces, a la par de exilio y proscripción. Las formas “pasivas”, esto es, aquellas en las que son
ellos las víctimas de los agentes de la opresión son, precisamente, las más usadas, con particular frecuencia en el período
que ahora enfoco: desterrado y proscrito. Y señalo que también en
los contextos ibéricos estas palabras tienen un efecto emotivamente más “excesivo” que lo tiene la palabra exilio.
Y el exílio, que las lenguas ibéricas tan adecuadamente llaman
destierro, desterro, desterrament, porque es la perdida de la tierra
y la separación del suelo propio, no es una encomiable vía de acceso a lo universal, según el supremo poeta [Shakespeare], sino un
símbolo del hombre desvalido, descoyuntado, dramáticamente
roto.9
Y al citar estas palabras de C. Guillén sobre la “rotura” del
ser desterrado, me vienen inevitablemente a la memoria estos
lejanos versos de Victor Hugo, quién, también él, hizo la experiencia del exilio:
Les exilés s’en vont pensifs
leur âme hélas n ‘est plus entière (Destaco, de la “Chanson XIV de Les
Châtiments).
Podríamos, evidentemente, por desgracia, convocar aquí
una cantidad interminable de testimonios y ejemplos. Pero también podemos empezar desde ahora a observar cómo tanto
Edward Said como Claudio Guillén, ambos prestigiosísimos académicos y universitarios, recurren en sus ensayos a un discurso,
un tono y unas palabras poco comunes en lo que es, habitualmente, el registro discursivo ensayístico y académico. Señalo
Claudio Guillén, El sol de los desterrados: literatura y exilio, Barcelona,
Cuaderns Crems,1995, p. 96.
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también, tan solo como un pequeño detalle, la coincidencia del
lexema terrible tanto en la escritura del palestino profesor comparatista de la estadounidense Columbia University, E. Said, en el
año 2000, como en las palabras del portugués, exiliado en Inglaterra y en Francia en 1828-33, y, después, creador de la moderna
historiografía y de la novela histórica romántica en Portugal,
Alexandre Herculano (1810-1877), en una evocación posterior
de aquellos años de exilio, Así, en modo superlativo:
Era de noite que a imagem da pátria, terribilíssima de saudades, se
me assentava, como pesadelo, sobre o coração e me espremia dele
bem amargas lágrimas! […] (Subrayo).
O desterro é uma das mais profundas misérias humanas.10
Melodramática es, sin duda, la expresión exprimir lágrimas del
corazón, lo cual convierte las lágrimas en algo aún más amargo y
doloroso... (Considerando, además, que, en portugués, como en
castellano, no se “exprimen” lágrimas sino frutos).
Asociando, pues, exilio y melodrama, entiendo que el melodrama sería un modus y también una modalidad a la cual recurre
el escritor para poner en texto —y en escena— el destierro, en el
mismo sentido en el que Peter Brooks habla de la puesta en
escena de los grandes dramas éticos de los románticos:
Le parti pris selon lequel le mélodrame n’est qu’une comédie vulgaire et dégradée, le théâtre romantique qu´une comédie emphatique et manquée […] empêchent de comprendre les prémisses
mêmes de cette littérature. Car ces écrivains qui continueront à
croire à l’importance du grand drame éthique dans un monde désacralisé auront presque forcément recours au mélodramatique
pour sa mise en scène.11
Cerca de veinte años más tarde, P. Brooks profundiza su
concepción de lo melodramático en un trabajo extenso, el libro
En la narrativa “De Jersey a Grainville”, publicado en la Revista O Panorama, el 29 de abril de 1843. Cito de la edición de Vitorino Nemésio,
Lisboa, Ed. Bertrand, 1973.
11 Peter Brooks: “Une esthétique de l´étonnement: le mélodrame”,
Poétique, nº 19, Ed. Seuil. 1974.
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The Melodramatic Imagination: Balzac, Henry James, Melodrama, and
the Mode of Excess. (1995). Y sigue profundizando más de diez
años después. En el prefacio que añade a la edición francesa de
la obra (2009), precisa:
le mot mélodramatique […] m’ a semblé décrire comme aucun
autre mot ne le faisait […] l’ intensité d une revendication morale
de leurs personnages.12
Asociado el nacimiento del melodrama —o, al menos, la
intensificación de su práctica— a la Revolución francesa, no ha
de sorprendernos, pues, que los textos surgidos de los ideales
de esta revolución y de los grandes movimientos liberales, en
particular en la Península Ibérica, recurran a este modo de
expresión, el cual era favorable a la persuasión de los lectores
y la conquista de su complicidad, y a la vez permitía la catarsis
(Brooks) de los sufrimientos infligidos por la opresión y la falta
de libertad.
Por tanto, siguiendo la propuesta de Peter Brooks, que
antes destaqué, empiezo por enunciar la hipótesis en torno a la
cual espero aportar algunas pruebas, esto es, que los románticos “auront presque forcément recours au mélodramatique
pour la mise en scène” de sus grandes dramas éticos entre
otros, y señaladamente, el del exilio.
Los “dramas”, en el sentido de “dolor”, pena, conflicto y
angustias, dramas éticos y afectivos desde luego y en primero
lugar, pero también políticos, sociales e intelectuales, los sufrieron, sin lugar a dudas, los primeros románticos en la Península
Ibérica en el enorme drama personal y colectivo del exilio.
Dar a ver sus dramas de proscritos, contarlos y mostrarlos,
conseguir su reconocimiento, el reconocimiento de su condición de
exiliados y desterrados ante los otros, sus contemporáneos y la
posteridad en el futuro, parece ser, ineludiblemente, uno de los
objetivos de la escritura del exilio. Los “otros”, esto es, lo que
hoy diríamos “la comunidad internacional”, y también, y en
particular, quienes los habían desterrado y quienes los habían
12 Del “Préface de l’auteur”, Peter Brooks, a la edición francesa de su L’
Imagination Mélodramatique. Balzac, Henry James, le mélodrame et le mode de l
excès (Août, 2009) [orig: Yale University Press, 1995].
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acogido en sus tierras —las tierras ajenas— y sus casas. Con esta
intención (destaco), seleccionan, inventan, componen y disponen
los románticos sus palabras y discursos, entre ellos, los discursos literarios. Recurriendo, muchas veces, a un modus melodramático. Posiblemente para hacerlo más realista. Y, en ese sentido,
invoco el concepto de “realismo literario” que, en este caso, me
parece de clara pertinencia, desarrollado por Darío Villanueva,
para quién, “el realismo literario es un fenómeno fundamentalmente pragmático, que resulta de la proyección de una visión
del mundo externo que el lector —cada lector— aporta sobre
el mundo intencional que el texto sugiere”.13
No tengo, obviamente, la presunción de proponer que
toda representación literaria del exilio sea melodramática, ni
mucho menos. No lo es, por supuesto, a lo largo de los más
diversos espacios y tiempos de la historia literaria. Ni siquiera
en toda la Península Ibérica, y en los romanticismos que en ella
se desarrollan. Basta pensar en un poema de “ausencia de la
tierra madre” como la “Oda a la patria” del catalán Aribau,
para escuchar la serenidad melancólica con la que esa ausencia
puede expresarse, aunque, en este caso, se trata más bien de un
alejamiento de la “patria” y no un exilio forzado, en el mismo
sentido que lo es el de Ángel Saavedra y de muchos otros.
No cabe duda, pues, que una parte de esas representaciones, en Europa, y en tiempos de una mayor intensificación del
melodrama en la música y en el teatro románticos, recurre a
estrategias narrativas y recursos lingüísticos convergentes con
los del melodrama. En los entrecruzamientos entre el melodrama y la Historia, la historia política por supuesto, la escritura del exilio nos proporciona, desgraciadamente, algunas de
las más relevantes y desgarradoras experiencias históricas.
Claudio Guillén, en el referido libro, nos lo muestra bien, para
la historia de la literatura occidental y a lo largo de ésta, desde
Diógenes, Plutarco y Ovidio en la Antigüedad hasta nuestros
días. A su vez, para el “campo” literario español, basta ver los
trabajos desarrollados por el Grupo de Estudios sobre el Exilio (UAB), para los destierros a consecuencia de la Guerra Civil
de 1936-39. Y dejo de lado aquél otro “campo” que en la seDarío Villanueva, Teorías del realismo literario, Madrid, Instituto de España, 1992, p. 119.
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gunda mitad del siglo XX más escritura de exilio ha producido
en español y portugués, los territorios de America y sus dictaduras.
II. Volviendo al período romántico, curiosamente menos
estudiado en los últimos tiempos, quizás a causa del empeñado
trabajo de Vicente Llorens, él mismo un exiliado de la República y de la Guerra Civil, la asociación entre exilio y melodrama
no tiene, de hecho, históricamente, nada de osado si tenemos
en cuenta que, en la época misma del nacimiento del melodrama en Francia, o según otras opiniones, en el momento de
consolidación del género con el teatro de M. Guilbert-Pixérécourt, asistimos a la puesta en escena —melodramática, por
supuesto— de las aventuras del proscrito de Venecia, Vivaldi y
su padre, “forcés par un décret barbare” a huir de Venecia y a refugiarse en Sicilia para salvar la vida. Se trataba de la pieza Essai
sur le mélodrame. L’homme à trois visages, ou le proscrit de Venise,
“mélodrame en trois actes, par M. Guilbert-Pixérécourt”, representada, por primera vez, en el Théâtre de l’Ambigu-Comique,
el 6 de septiembre de 1801.14
Escuchemos el incipit:
VIVALDI: Regardez-moi.
ALFIÉRI: Vous m’êtes inconnu.
VIVALDI: Si huit années d’exil et de malheurs ont pu changer mes
traits au point de me rendre méconnaissable, au moins mon cœur
est-il toujours le même. Je n’ai point oublié vos services, ni la constante amitié que vous avez témoignée à une famille infortunée.
ALFIÉRI: Est-il possible! vous seriez?
VIVALDI: Je sens au battement de votre cœur que vous m’avez
deviné. Oui, vertueux vieillard, je suis le fils du comte Vivaldi.
ALFIÉRI: Chut! malheureux! avez-vous oublié qu’ici tout est
espion ou délateur? que les murs mêmes sont les témoins indiscrets des actions, des paroles les plus innocentes? (Il va voir si
personne n’écoute; puis il revient vivement vers Vivaldi, et lui tend
les bras.) Maintenant, viens sur mon cœur! Le ciel a donc enfin
exaucé ma prière, et je ne mourrai pas sans avoir pressé sur mon
Cito del tomo I del Théâtre Choisi, de la ed. de Paris, 1841, digitalizado
por Harvard College Library (en red, en Google.books).
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sein le dernier rejeton de cette famille illustre et malheureuse.
(// lui tend les bras de nouveau.) Encore! (Ils se tiennent longtemps
embrassés.) Pourquoi faut-il que des moments aussi doux soient
empoisonnés par la crainte de te perdre! car tu n’ignores pas...
VIVALDI: Je sais que ma tête est mise à prix, et que je paierais de
mes jours ma témérité, si l’on découvrait que je fusse à Venise.
ALFIÉRI: Et quel motif peut t’avoir porté à cette démarche
hardie?
VIVALDI: Le plus beau dont un homme puisse se glorifier,
l’amour de mon pays.
ALFIÉRI: Cependant, il fut injuste envers toi.
Vivaldi, avec une profonde sensibilité. Oui. Mais il m’a vu naître.
ALFIÉRI: Enfin, qu’espères-tu?
VIVALDI: Mourir dans vingt-quatre heures, ou faire annuler le
décret injuste qui nous a proscrits, mon malheureux père et moi,
et nous a ravi l’honneur.
Otra obra del mismo autor, publicada en 1819, es La fille
de l’exilé: ou, Huit mois en deux heures, “mélodrame historique en
trois parties”, representada, por primera vez, en el Théâtre de
la Gaîté, el 13 de marzo de 1819.
Oigamos, por fin, lo que escribe Charles Nodier, en su
prefacio al Proscrit de Venise, de la referida edición:
Ce qu’il y a de certain, c’est que dans les circonstances où il apparut,
le mélodrame était une nécessité. Le peuple tout entier venait de
jouer dans les rues et sur les places publiques le plus grand drame de
l’histoire. Tout le monde avait été acteur dans cette pièce sanglante,
tout le monde avait été ou soldat, ou révolutionnaire, ou proscrit.
El melodrama, ¿una necesidad? Interesante, sin duda, esta
afirmación de Nodier. Además porque, de hecho, aprovechando sus frases pero alterando la disyunción que en ellas
introduce, se podría decir que no es que todo el mundo fuera
soldado, revolucionario o proscrito, sino que muchos de ellos
conocieron las tres condiciones y, en particular, la última como
resultado de las anteriores.
Finalmente, y en consecuencia de las circunstancias historico-políticas en las que todo ello ocurre, ¿es el melodrama, en
este período, una “respuesta” liberal-democrática que reem-
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plaza el modus trágico de “l’ancien régime”? En la forma como
acabo de enunciar mi pregunta, radicalizo de forma ostensiva
la propuesta de Peter Brooks, quién, en mi opinión, capta, de
forma magistral, la naturaleza y las razones históricas y, digamos, psico-politicas de la cuestión. En efecto, después de situar
la génesis histórica del melodrama en “the French Revolution and
its aftermath”, lo ve como una respuesta a la pérdida de la visión
trágica en la cultura europea y una salida radicalmente democrática (1995: 15).
Desde la Revolución francesa, por tanto, hasta las victorias liberales en los respectivos países, políticos, intelectuales,
escritores, gentes de las armas y de las letras, muchos hombres
pero también algunas mujeres (entre ellas, Mme de Stäel en
Francia, la marquesa de Alorna en Portugal), vivieron la dolorosa experiencia del exilio. Y la escriben literariamente, legándonos, de ese modo, la representación de sus experiencias.
Desde entonces y para siempre.
Como es obvio, dejaré de lado el gran número de proscritos que ocupan los escenarios del melodrama y de la novela
durante el romanticismo, no solo en Francia sino también en
la Península Ibérica. Por otro lado, mostraré, sobre todo,
poemas y no obras teatrales o novelas. Aun si los poetas que
voy a convocar —El Duque de Rivas y Almeida Garrett, José
de Espronceda y Alexandre Herculano— son también autores
de teatro y de novelas, que ocupan un lugar incontestable en la
historiografía literaria y cultural de sus respectivos países, lugares fundacionales en el romanticismo.
Al igual que Ángel Saavedra a quién conoció en su exilio
en Londres dos años antes, también el joven Almeida Garrett
(1799-1854) había vivido una situación semejante al verse obligado a huir de Lisboa, asimismo en un barco inglés, el día 9 de
junio de 1823.15 Ese mismo día, “a bordo do paquete inglês
‘Duque de Kent 2º’”, en el río Tajo, escribe en su diario:
15 Para diferentes aspectos de la escritura del exílio en este escritor português, ver mi “Garrett, poeta do exílio”. Revista Colóquio/Letras, número
duplo “no segundo centenário de Almeida Garrett”, nº 153/154, JulhoDezembro de 1999. Lisboa, Fundação Calouste Gulbenkian, [2000], pp.
169-176.
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São dez horas da noite. Bateram agora nas grimpas do Palácio
das Necessidades. No palácio das Cortes, diria eu há oito dias!
Hoje profanam os frades o recinto das leis e da soberania nacional. — Nação! —Pois somos nós porventura nação? —Miseráveis!
Com que olhos nos verá a Europa, nós que perdemos tão vilmente
no espaço de três dias toda a glória portuguesa adquirida no longo
curso de séculos, ganha com tanto sangue, legada com tanta honra
e de tempos imemoriais por bizarros avós a tão indignos, tão degenerados netos!
Hemos escuchado antes lo que Ángel Saavedra escribió en
“El desterrado”, en el momento de la partida hacia el destierro. Más de un año antes, también aquí Garrett había empezado expresando su asombro ante la situación política de su
nación, con exclamaciones retóricas: Nação! —Pois somos nós
porventura nação? —Miseráveis! Y lamenta el destino patrio. Y,
como el cordobés, volviéndose hacia su situación personal,
invoca a los seres queridos y expresa sus sentimientos de pérdida:
Meu pai, minha mãe! Vós estais tão longe: e nem o adeus da
despedida, nem uma bênção que me acompanhe no desterro e seja
sobre a minha cabeça escudo de providência aos azares que me
aguardam por essas terras estranhas onde me leva meu destino!
En las dos primeras páginas del diario podemos contar
una treintena de puntos de exclamación y cerca de una decena
de interrogaciones, además de algunos oh!, recursos no solo
lingüísticos sino también gráficos y visuales para mostrar, para
literalmente hacer ver y mostrar el drama del destierro.
El día 10 de junio, saliendo de Lisboa, escribe: “Adeus,
pátria! Adeus, Tejo! Adeus. —O dia está escuro e triste, pesado
de nuvens e feio. Parece que me acompanha em meu luto. Oh!
Não quero ver este céu, nem estas praias…”. En “El desterrado” del
Duque de Rivas, recuérdese, escribirá: “de esas playas de terror y
espanto /Aléjame piadoso, raudo viento. / No las torne yo a ver” (Subrayo con la cursiva).
Exiliado en Inglaterra, por lo tanto, a finales de 1823, Almeida Garrett escribe allí, en noviembre los poemas “O
Exílio” y “A Lira do Proscrito” en Warwickshire y en diciem-
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bre “A Morte de Riego” y “O Natal em Londres”, ya en
Londres… También aquí, en enero de 1824, “O Ano Novo”.
Son todos ellos poemas de destierro, los cuales reúne y publica
más tarde, en 1829, en su libro A Lírica de João Mínimo (poemas
escritos entre (1819 - 1823).
La muerte de Riego, el político liberal español mandado
ahorcar por Fernando VII, junta a los exiliados portugueses y
españoles en la expresión de una desesperación común. El largo
poema que Garrett le dedica se enuncia como una consolatio a la
viuda, que está en Londres. Así, los dos primeros versos:
Quem será essa dama inconsolable
Que aí geme nesses átrios solitários?
Y el retrato de esa mujer desgraciada se tiñe de tonos melodramáticos: “[...]. —E ela só, geme! / Em lânguido silencio,
quase morte. / [...] E vêem-se as lágrimas / A fio e fio a lhe
cair dos olhos / Tão roxos, tão inchados…”.
[...]. - Mísera! Que mágoa
Não está desfazendo aquele peito!
Ai do seu coração! Como o tem ela!
Ralado, consumido de amarguras,
Traspassado d’ espinhos, embebido
De fel e de veneno! [...].
Es, pues, el corazón de la viuda, traspasado de espinos y embebido de fiel y de veneno lo que, en el primer momento, aflige el
poeta portugués. Pero, poco después, se para él a interrogarse
sobre el “interés” que siente por el dolor de ella, en la forma
como comparte ese dolor: “um não-sei-quê me diz que tenho
parte / Nesta aflição”. Y es que la “aflicción” es también la
suya. Por eso, los últimos versos, largos y elocuentes versos de
doce sílabas, serán ahora para, hermanando la “infeliz España”
al infeliz Portugal, lamentar su misma condición, al lado de la
de los españoles: “Prófugo e só na terra do desterro / estes
versos cantei”. Y, en vehemente apóstrofe a los portugueses
“que hoje arrastam os vis grilhões do opróbio e da vergonha”,
termina el poema con un gesto de retórica teatral, de léxico y
tono melodramáticos:
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[lamentos da minha voz]
Bradai-lhe ao peito: - “Escravo, escravo infame,
Pesa mais um punhal do que uma cadeia?”.16
Al año siguiente, en 1825, ya en París, donde le lleva la
peregrinatio del destierro, publica Garrett, anónimamente, el
largo poema narrativo considerado por la historiografía literaria portuguesa como el texto inaugural del romanticismo en
Portugal. Se trata del poema Camões, cuya estructura toma
como modelo el gran texto épico portugués, Os Lusíadas, de
finales del siglo XVI, tanto en su composición en diez cantos
como en el recurso sintáctico al viaje, y cuyo protagonista es
precisamente Camões, el autor de de Os Lusíadas, también él
un desterrado.
Almeida Garrett recurre a la figura del desterrado Camões
para, contando el destierro de éste y su regreso a la “patria ingrata”, contar, paralelamente y a la vez, su mismo destierro. El
extenso poema narra no sólo la condición de desterrado vivida
históricamente por Camões sino también la condición de desterrado del propio autor del poema, a través del recurso a un proceso de identificación entre el protagonista del texto y su
autor-narrador. Él dirá, más tarde, que se trataba de la “obra de
um proscrito”. Asimismo, el poema presenta, desde el inicio hasta
el final, en el que escuchamos el discurso de Camões al borde de
la muerte, una tematización del exilio que se desdobla en un conjunto de subtemas tales como la saudade (el sentimiento de la
ausencia), la libertad y la imagen de la patria. A su vez, la situación
de exiliado de su autor y narrador, Garrett, es invocada con frecuencia tanto a lo largo del poema como en los textos introductorios y las notas al poema. El relato de la vida del protagonista,
en tercera persona, alterna con un discurso autobiográfico.
Puesto que se trata de un poema narrativo, donde, además, se recurre a escenas y diálogos, se podría comparar el
efecto melodramático de algunos elementos en la puesta en
16 He citado todo el poema de la 1ª edición, Lyrica de João Minimo. - [1ª ed.].
Londres: Sustenance e Stretch, 1829. - XLIV, 203 p.; edição digital, Biblioteca Nacional de Portugal, 2009 http://purl.pt/44/1/P192.html. El
poema tiene allí el título “Notícia de Morte”. De hecho, el libro fue publicado, en 1829, en Londres, sin nombre del autor, disimulado por el de
“João Mínimo”, también a causa de su condición de proscrito.
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escena de la condición de desterrado tanto de los personajes de
Camões et de Vivaldi como en las apóstrofes del narrador a su
lector. Desde el incipit del poema (una invocatio a la manera del
poema épico renacentista), construye el poeta el locus, tanto
físico como emocional, a partir del cual va a narrar la vida de
Camões, un lugar de proscripción y de saudade, em alheias terras.
Allí, en un modus melodramático, los corazones estallan y
gotean suero de lágrimas, allí el infeliz proscrito es, de entre los
seres en la tierra, el misérrimo:
Saudade! Gosto amargo de infelizes
Delicioso pungir de acerbo espinho
[……………………………………]
Misterioso numen que aviventas
Corações que estalaram, e gotejam
Não já sangue de vida, mas delgado
Soro de estanques lágrimas. —Saudade!
Mavioso nome que tão meigo soas
Nos lusitanos lábios, não sabido
Das orgulhosas bocas dos Sicambros
Destas alheias terras —oh Saudade!
Mágico numen que transportas a alma
Do amigo ausente ao solitário amigo,
Do vago amante à amada inconsolável,
E até ao triste ao infeliz proscrito
—Dos entes o misérrimo na terra—
Ao regaço da pátria em sonhos levas,
[……………………………………….]
À foz do Tejo, —ao Tejo, ó deusa, ao Tejo
Me leva o pensamento que esvoaça
Tímido e acovardado entre os olmedos
Que as pobres águas deste Sena regam,
[………………………………………….].17
Entusiasmado con la revolución liberal, que estalló en Portugal en agosto de 1820, el joven Almeida Garrett ya con notorieCito de la segunda edición, publicada en Lisboa, Tip. De José Baptista
Morando, en 1839, ya con nombre del autor, regresado del exilio,
después de la victoria de los liberales.
17
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dad pública en sus años de estudiante en la Universidad de Coimbra hubo de exiliarse, en 1823, a consecuencia de un movimiento
contra-revolucionario (la “Vilafrancada”), desterrado primero en
Inglaterra y después en Francia. Los poemas de exilio que allí
escribió no fueron, sin embargo, los primeros dedicados a contar
literariamente el destierro. Aún en Coimbra, había escrito, en abril
de 1819, un poema dedicado a la muerte de Filinto Elísio, el gran
poeta prerromántico, también él muerto en el exilio, en la ola de
exilios que sufrieron los “afrancesados” portugueses.
Encontramos ahí, ya claramente inscritos, dos de los topoi
de la escritura del exilio, esto es, por un lado, la oposición muy
marcada entre la tierra de la patria y la tierra del exilio, en este
caso, representadas, en metonimia, por sus respectivos ríos, el
Tajo y el Sena y, por otro, el adeus à pátria ingrata:
Portugueses, morreu!..[…].
Filinto é morto. As derradeiras vozes
Do vate, já coa morte à luta extrema,
Foram, entre ais de amor, de saudade,
O adeus à pátria ingrata.
El último era, de hecho, una herencia recibida del mismo
Filinto Elíseo, quién, menos de un año antes, exiliado en París,
se había ya dirigido a esta patria ingrata con las siguientes palabras:
Que mal te fiz, oh Pátria, que assim deixas
Em prolixo desterro,
Dos caros bens paternos esbulhado,
O teu Filinto ingénuo,
Que sempre te amou grato e que inda te ama,
Tal que és com ele ingrata,
Qual com Camões, qual com Pacheco o has sido?
Razón por la cual el francés Lamartine había intentado
ayudarlo en esta consolatio, que son sus “stances à un poète portugais exilé”:
Que t’importe, après tout, que cet ordre barbare
Te chasse loin des lieux qui furent ton berceau,
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Que t’importe, en quels bords le destin te prépare
Un glorieux tombeau?18
A Garrett, como a Ángel Saavedra sí les importó mucho
el ser expulsados a tierras ajenas y lejanas de las tierras que
habían sido sus cunas. Aún cuando sean bien recibidos en esas
tierras y por sus gentes, ambos se quejarán del clima, de los
paisajes, de las costumbres, de las Las nieblas hórridas/ Del frio
Támesis/. A tal punto que, aún en septiembre del mismo año
que llega a Londres, ya el cordobés se imagina un sueño,
llevado por el “mágico influjo de un sueño, se ve en su “patria
adorada / No de sangre y de llanto inundada, / No cubierta de
luto y de horror; / Sino libre, triunfante, felice, ...”.
¡Pero, ay desventurado!
Era sueño engañoso,
Que voló presuroso,
Y ahora es mayor mi mal!
Son ilusión mis dichas
Son realidad mis penas...
Es “El sueño del proscrito”, poema de nuevo desarrollado
con un léxico “excesivo” —sangre, llanto, luto, horror, desventurado,
engañoso— y tensado en construcciones antinómicas —ilusión /
realidad; dichas / penas. Escrito en Londres en septiembre de 1824.
Y tampoco aquí faltará el mar borrascoso ni un huracán bramador. El ronco huracán y las borrascosas nubes que, literalmente, formando parte de las condiciones climáticas del viaje por mar de
estos des-terrados va a convertirse en una de las más adecuadas y expresivas metáforas de su condición de proscritos, barridos de su tierra:
Despierto subito,
Y me hallo prófugo
Del suelo hispánico
Donde nací;
[...].
En vez del bálsamo
18
Cito del tomo V de Obras Completas de Filinto Elysio, Paris, 1818.
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Del aura plácida
Del cielo bético,
Que tanto amé;
Las nieblas hórridas
Del frio Támesis
Con pecho mísero
Respiraré.
También en la representación disyuntiva de ambas tierras,
la que expulsó, sin embargo amada y añorada, y la que acogió,
sin embargo despreciada, no es difícil percibir la estructura
maniqueísta que, según P. Brooks, caracteriza lo melodramático.
III. Se quejaran, también, y mucho, de la lengua ajena en la
que están inmersos por culpa del destierro y de la pérdida de la
suya propia. La lengua, ese elemento identitario, absolutamente
fundamental, en particular para esos primeros románticos, que
en ella basan sus proyectos —y programas— de construcción
de la nación y de las literaturas nacionales. En el incipit de
Camões, como hemos oído ya, Garrett se queja de “las bocas
de los Sicambros” que no conocen la palabra saudade, la cual
—en gran parte gracias a él— vendría a convertirse en elemento identitario de lo portugués. Herculano, primero exiliado
también en Inglaterra, en la ya referida narrativa de exilio “De
Jersey a Grainville” pronuncia una serie de diatribas contra la
lengua inglesa. Y el Duque de Rivas, regresado a España,
después de la muerte de Fernando VII, terminados más de
diez años de exilio por Italia, Francia y la isla de Malta, elegido
como miembro de la Real Academia Española, en su Discurso de
recepción, “leído en la tarde del 29 de octubre de 1834”, habla
ahí de sus “peregrinaciones y desventuras”, destacando “el
sabor peculiar de nuestra lengua”, su hermosa lengua castellana, la
lengua nacional, la lengua de la Patria:
A fines del infausto año de 1823 salí, prófugo y proscrito, de esta
Patria, por cuya independencia derramé mi sangre, a cuya libertad he
sacrificado de todos modos mi existencia; y el no oír la dulce habla
de mis mayores fue, acaso, la privación más grande y una de las más
dolorosas que he padecido durante mi prolongado destierro.
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En el mismo discurso, el poeta no olvida tampoco la referencia al clima, asociándolo, aquí, sorprendentemente, a la
belleza de la lengua. Así, su hermosa lengua castellana la presenta
él como una “[...] prenda española, como producción de este
suelo feraz y delicioso, o como influencia de este cielo transparente y magnífico que nos cubre, [...]”. El topos inevitable del
clima en la escritura del exilio proporciona, también éste, una
representación “maniqueísta”, por ejemplo, a las nieblas hórridas
de Londres se opone el sol de Andalucía o de Lisboa.
Mme de Stäel, quién, también ella, había conocido el destierro, había escrito algunos años antes que en el exilio “l’imagination prend en déplaisance tous les objets qui vous environnent,
le climat, le pays, la langue, les visages, la vie en masse, la vie en
détail” (en Corinne, livre XIV, ch. III).
Fueron, pues, paralelos y contemporáneos los destierros
de Garrett y de Ángel Saavedra, del mismo modo que paralelos y contemporáneos lo fueron los movimientos de la larga
lucha de los liberales en la Península Ibérica para vencer los
regimenes absolutistas que, aún más largamente, reinaron sobre sus patrias.
Tanto en el uno como en el otro, el alejamiento de la
Patria, literalmente el tema de “o des-terro” / “el des-tierro”,
asociado al de la Patria ingrata, dan lugar a algunas de las más
desgarradoras “puestas-en-texto” poéticas del exilio. Siguiendo,
se ha dicho ya, un modelo que, en literatura, había sido consolidado hacía mucho por Ovidio en sus lamentatio después de
haber sido arrancado de su Roma Natal hacia las lejanas tierras
de Tomos. En ellos, todos aquellos elementos —desde la opresión de los tiranos en sus respectivas tierras hasta la pérdida de
la lengua y del clima patrio— serán frecuente y repetidamente
las piedras de esta puesta en escena sobre las cuales se van a
producir el exceso y toda una retórica de lo asombroso, de lo
emotivo, y de la desmesura de las imágenes. Elementos y tonos
que, organizados en lo que P. Brooks llama una “estructura
maniqueísta”, producen, también según él, no solo en el teatro
sino también en la novela, lo melodramático.
En 1828, viviendo en la isla de Malta después de una peregrinatio de varios años, por varios lugares, el Duque de Rivas
está instalado con su mujer e hijos en la isla de Malta, donde
escribe el que quizás sea el más aplaudido de sus poemas de
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destierro, “El faro de Malta”. Nada había cambiado en su
condición de prófugo y proscrito y temas, motivos, metáfora,
imágenes y léxico se repiten:
Envuelve al mundo extenso triste noche;
ronco huracán y borrascosas nubes
confunden, y tinieblas impalpables,
el cielo, el mar, la tierra:
[............................ .........]
¡Cuántos, ay, desde el seno de los mares
al par los tomarán!... Tras larga ausencia,
unos, que vuelven a su patria amada,
a sus hijos y esposa.
Otros, prófugos, pobres, perseguidos,
que asilo buscan, cual busqué, lejano,
y a quienes que lo hallaron tu luz dice,
hospitalaria estrella.
Arde, y sirve de norte a los bajeles
que de mi patria, aunque de tarde en tarde,
me traen nuevas amargas y renglones
con lágrimas escritos.
Incluso en su libro El moro expósito publicado en París, en
1834, donde se propone programáticamente introducir un
cierto romanticismo en la literatura en lengua castellana, con la
recuperación de romances, entre otros, árabo-andaluces, ligados a su Córdoba natal, encontramos, en las estrofas introductorias del “romance primero”, la misma tematización del exilio:
¿Quién mi sueño interrumpe?... [...]. /
Es el ronco huracán que, por influjo /
de mi estrella enemiga, el mar levanta, /
para que estos peñascos, donde asilo /
busqué infeliz tan lejos de mi patria/
hinchado embista, y con bramantes hondas /
y con furor horríssono, deshaga?19 (Cursiva mía).
19 El moro expósito o Córdoba y Burgos en el siglo décimo. Leyenda en doce
romances; en un apéndice se añaden La Florinda y algunas otras
composiciones inéditas del mismo autor. Tomo Primero. Cito de:
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En nota, el autor aclara que empezó la obra en la isla de
Malta, “en una casa de campo que está a la orilla del mar, por
este mes de setiembre de 1829”. Pero el hecho referencial —la
casa a la orilla del mar— no disminuye sino que quizás, al
contrario, enfatice la representación melodramática en esos
ronco huracán y furor horríssono que amenazan permanentemente
el asilo buscado por el proscrito.
Desborda el ámbito de la propuesta que ahora desarrollo
el comparar este exceso melodramático presente en la poesía de
destierro del autor con el lenguaje y con los procedimientos
discursivos y sintácticos de su obra teatral. Recuérdese que, poco
después, y aun en París, en el mismísimo Théâtre San Martin, se
estrena su Álvaro o la fuerza del sino, que la historiografía literaria
canonizará como fundacional del romanticismo español. Pero lo
que sí ya podemos observar es cómo en aquel Moro Expósito,
cuyo inicio es casi contemporáneo de “El faro de Malta”, en
algunos de los romances, El Duque de Rivas recurre a la puesta
en escena melodramática. Así, por ejemplo, en el Segundo
Romance, en su secuencia final. Aquí, el joven Mudarra, en una
noche de luna “oculta entre espesos nubarrones”, se enfrenta
con un desconocido que, después de matar, descubre que es “el
cruel Giafar”. “¡Traición!”, “... Muere, infame negro.”, Un ay profundo,
“¡Asesino!... ¡Asesino!”, Trábase horrenda lid, de negra sangre cálido
torrente/ del corazón vertiendo, un hórrido alarido lanzó el feroz fantasma”.
Estas u otras palabras y frases, tan vulgarizadas por el melodrama teatral, son las mismas o afines a aquellas que serán objeto
gozoso de las parodias que remedan el género (Las comas son
del poema y corresponden a réplicas de los personajes20).
Al mismo exceso en los procedimientos retóricos y en las
opciones léxicas y a los mismos topoi recurren otros dos poetas,
más jóvenes que los anteriores, quienes sufren el destierro,
también en tierras inglesas en los últimos años de la década de
los 20, otra ola de exiliados, donde encontramos, entre muchos
otros, a dos figuras mayores en sus respectivas literaturas, al
portugués Alexandre Herculano, ya aquí evocado y al español
José de Espronceda (1808-1842). Un estudio más detallado de
sus producciones —teatrales, narrativas y poéticas—, que
Edición, introducción y notas de Ángel Crespo, Madrid, Ed. EspasaCalpe, 1982, p. 37.
20 Ib., pp. 128-129.
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ahora no cabe hacer, nos proporcionaría más pruebas de este
modus melodramático en la representación de sus mismos
destierros o en el de sus personajes.
Al referirse a las “elegías de destierro” de Espronceda, Vicente Lloréns observa el “ímpetu y movimiento romántico”, en
un pasaje del “Canto a Teresa” -Yo desterrado en extranjera playa /
con los ojos extáticos seguía / la nave audaz [...]21. A su vez, no deja de
ser curioso que Robert Marrast, en su extenso y minucioso estudio sobre José de Espronceda y su tiempo, en el libro con el
mismo título, al describir la “Sociedad de los Numantinos” en la
cual el joven Espronceda militó en su adolescencia, ya muy
activa políticamente, recurra a estas palabras: “Si bien es cierto
que el aparato melodramático y el tenebroso ceremonial de sus reuniones
pueden parecer hoy desmesurados”22. Y ello, sin perseguir, de
ningún modo, la presencia de un modus melodramático en la
expresión de la poesía de Espronceda, ni siquiera en sus llamadas “poesías patrióticas” o en su “titanismo romántico”, no es
ese el objetivo del ensayista. Más tarde, ya en otro capítulo, en el
pasaje dedicado a lo que llama las “poesías patrióticas” del escritor, escritas “durante su destierro”, comenta, entre otros, el
poema “La entrada del invierno en Londres”. Lo sitúa “al inicio
de su estancia en Inglaterra, con toda probabilidad a finales de
diciembre de 1827”. Allí, entre otros motivos, el poeta “rememora el momento en que dejó su tierra natal”. (Garrett había
escrito, recuérdese, en Londres, en diciembre de 1823, su “O
Natal em Londres”, comparando el Natal “hereje” de sus
“amigos ingleses” con el de su “católica Lisboa”).
“Finalmente (vv. 133-156)” —escribe R. Marrast— “el
poeta expresa su dolor: sólo le quedan las lágrimas, que derrama al contemplar el mar que le separa de su patria, y el consuelo de confiar al bajel que parte hacia ella el saludo del
desterrado”. Nos importa aun señalar que Marrast, cuyo objetivo fundamental es mostrar las señas de identidad neoclásicas
de la obra de Espronceda en esta fase, concluye con en estas
palabras: “Las reminiscencias de Herrera, Meléndez Valdés y
Lista abundan en esta poesía de tono lacrimógeno”.23
Lloréns, op. cit., pp. 347-8.
Robert Marrast, José de Espronceda y su tiempo, trad. De Laura Roca,
Barcelona, Ed. Crítica, 1989, p. 53 [ed. original: Paria, 1974]. El subrayado es mío.
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Léanse tan solo los tercetos finales del soneto “A la
muerte de Torrijos y sus compañeros”:
Españoles, llorad; mas vuestro llanto
Lágrimas de dolor y sangre sean,
Sangre que ahogue a siervos y opresores,
Y los viles tiranos con espanto,
Alzarse sus espectros vengadores.
El modus melodramático tiene, creo yo, un lugar fundamental en otros poemas de Espronceda como “El reo de muerte”
o “El verdugo” pero estos no son poemas de exilio. Sí lo es la
elegía “A la muerte de Don Joaquín de Pablo”, de 1840, que
evoca el destierro de aquél, desde los versos iniciales:
Desde la elevada cumbre
Do el gran Pirene levanta
Término y muro soberbio
Que cerca y defiende a España,
Un joven proscrito de ella
Tristes lágrimas derrama,
Y acaso tiende la vista
Por ver desde allí su patria.24
Evoquemos, para terminar, la poesía de Alexandre Herculano, de quien anteriormente he referido ya el relato breve de
viaje de exilio “De Jersey a Grainville”25. Sus poemas “A volta do
proscrito” y “Tristezas do Desterro”. Vitorino Nemésio, el más
atento editor de la obra de Herculano y estudioso de su vida y,
en particular, de su vida en el exilio y de sus poemas de exilio,
recuerda las Memórias de Bulhão Pato, donde éste opina que “as
melhores das suas composições em verso foram escritas no
exílio” y palabras de Miguel de Unamuno considerando de “suMarrast, op. cit., p. 193. La cursiva es mía.
Cito la poesía de Espronceda de la Edición digital, Alicante. Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, 2000, Edición digital a partir de la
edición de Madrid, Imprenta de Yenes, 1840. http://bib.cervantesvirtual.com/FichaObra.html?Ref=2468&portal=278
25 Lo comento más detalladamente en la ponencia registrada en la Nota 5.
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blime pasaje” algunos versos de “Tristezas do desterro”. Nos
interesa este comentario del mismo V. Nemésio:
As palavras “exilado”, “desterrado”, “prófugo”, “proscrito”, já
nossas conhecidas, [y usadas por Herculano] condensam toda a escala
psicológica que vamos percorrer com vagar nas Tristezas do Desterro de Herculano e noutros desabafos românticos. “Emigrado” é
uma rubrica reservada à pura história, um rótulo político e nada mais.
Só aqueles vocábulos (o último entra no título de uma composição
das Poesias, A Volta do Proscripto) traduzem o complexo de ideias e
lances íntimos que compõem a Verónica dolorida do transplantado.26
Del mismo Herculano y del tono melodramático de su
representación del exilio, evoqué antes su “imagem da pátria,
terribilíssima de saudades”, la cual se le “assentava, como pesadelo,
sobre o coração e [le] espremia dele bem amargas lágrimas!”. De
la fecha de composición de sus poemas de exilio, publicados
mucho más tarde, poco se sabe con seguridad. Pero Nemesio
considera que “essa atitude —o desterro— persiste memorialmente” a través de la obra del escritor aún cuando la acción de
sus novelas se remonte a años y siglos bien lejanos y estudia las
marcas del destierro en personajes y situaciones de sus novelas.
También podríamos hacerlo para su obra teatral y, en unas y
otra, no nos sería difícil observar los recursos melodramáticos.
Quedémonos, por ahora, con este pasaje del extenso “Tristezas
do desterro”, un pasaje donde el poeta dedica cerca de veinte
versos a desarrollar la tremenda imagen de un volcán y de sus
lavas para terminar con una comparación: Tal é meu coração. Bem
como a lava / É o desterro do trovador. Y continua de este modo:
Meus olhos
Hão-de esquecer as lágrimas; que a seiva
Do vívido sentir vai-se queimando
Ao suão mirrador de atroz saudade,
Que excede tudo em dor; excede a de órfão,
De viúva, de mãe que sobre o berço
Vê jazer morto o pálido filhinho.
Vitorino Nemésio, Exilados, 1828-1832, Historia sentimental e politica do liberalismo na emigração, Lisboa, Ed. Bertrand, s/f, pp. 77, 93 y
79, respectivamente.
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Por fin, cabe señalar que si retrocediéramos algunos años
más, encontraríamos en los poetas de la ilustración y en los
prerrománticos materia para seguir con este estudio. Desde el
portugués Filinto Elíseo, a quien ya cité aquí, hasta el soneto
“La despedida” de Moratín, escrito en Barcelona en 1821 o “El
recuerdo de la Patria”, de Martínez de la Rosa, escrito en
Londres en 1811, “Él”, de Jacinto Salas de Quiroga, dedicado
al destierro de Napoleón, y muchos otros, tendríamos materia
para este trabajo que nos conduciría a un estudio más extenso
que no cabe hacer ahora.27
¿UNA CUESTIÓN DE GÉNERO?
Quel rapport entre un film mélo d’aujourd’hui et le genre du mélodrame, qui a fait fureur sur les planches du “boulevard du Crime”
au début du XIXe siècle? Quel rapport entre une modalité dramatique de l’excès, qui oppose naïvement les forces du bien et du mal,
et le roman réaliste de Balzac et d’Henry James, censé analyser les
subtilités de la vie moderne? Peter Brooks montre à quel point et
par quels moyens la logique du mélodrame perdure dans le roman,
avec sa violence élémentaire, son impact émotif, sa radicalisation
de l’alternative entre damnation et salut.28
A lo largo de los análisis y comentarios hechos en estas
páginas, espero haber contribuido con algunos elementos y
factores que, de uno u otro modo, determinan y revelan las
condiciones existenciales e ideológicas y no tan solo históricas
que muestran en la escritura poética del exilio una imaginación
y una retórica melodramáticas.
Aun a propósito de esta “imaginación”, no resisto referirme a un documento, aparentemente anecdótico, aportado
por V. Lloréns. En el capítulo donde trata los “periódicos de la
emigración”, esa prensa que publicaba, en gran parte, la produc27 Ver, de José Luís Cano, Heterodoxos y prerrománticos, Madrid, Ed. Júcar,
1974.
28 Palabras de la presentación de de la edición francesa (Paris, Garnier,
2010) de la obra de Peter Brooks, L’ Imagination Mélodramatique. Balzac,
Henry James, le mélodrame et le mode de l excés, (Août, 2009) [orig: Yale
University Press, 1995].
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ción literaria de los exiliados, en Londres, el historiador refiere la
“atractiva ‘Narración’ que de su proceso y fuga publicó don
Paulino Lacalle, miliciano y dentista de Madrid”, en El Español
Constitucional. El fugitivo cuenta cómo su “protectora” le hizo
vestirse con ropas y adornos de disfraz y cómo, terminado el
cambio de ropa, le dijo aquélla: “Lacalle —me dijo— miráos a
ese espejo que tenéis al frente y traed a la memoria el drama titulado Eduardo en Escocia o la terrible noche de un proscrito. Vos, como
Eduardo, vais huyendo de enemigos que os persiguen de muerte;
es necesario no ceder en valor a aquel ilustre fugitivo”. Y Lloréns
aclara, en nota, “tratarse de un melodrama francés, estrenado con
gran éxito en la primavera de 1821.29 El “melodrama de proscrito”, pues, no solo como modelo retórico y literario sino
también como fuente de artificios más o menos fantasiosos para
las necesidades de supervivencia cotidiana y vital.
Por fin, propongo una última cuestión suscitada por todo
lo anterior. Se trata del problema del género literario y discursivo, llamado melodramático. En efecto, los estudios sobre el
melodrama se han desarrollado, en general, en torno a la
novela y al teatro y, en nuestros días, en torno al cine y a la televisión. Sin embargo, sabemos cámo la experiencia melodramática —sea en el modo estético, sea en el emocional— puede
igualmente ser vivida escuchando y leyendo un poema o frente
a un cuadro o a una escultura.30
Creo, pues, que resulta más operativo y menos encorsetado asociar lo “melodramático” sobre todo a la narratividad
antes que a los géneros, en este caso, teatro, novela o película.
Sabemos bien como la Poesía se apropió de la narratividad,
profundizó en ella, la desarrolló y diversificó esta apropiación
a lo largo de su prolongada historia como género, entre los
mayores. ¿No cabría hablar de un “lirismo melodramático” en
los ejemplos y análisis que he presentado en las páginas anteriores? (Véase este título de Pierre Jean-Jouve, Poe
�sie: me
�lodrame,
moires, Paris, 1967). A pesar de haber convocado también tanto
algunos fragmentos teatrales como relatos en prosa (diario e,
Llorens, op. cit., pp. 479-480.
Cabe recordar que una de las más conocidas esculturas, “O Desterrado” (1872), del escultor portugués Soares dos Reis (1847-1889)
encuentra su motivo en el poema de Herculano.
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incluso, ensayos y un discurso “académico”), han sido, sobre
todo, poemas los que han proporcionado el corpus de mi argumentación. Poemas en los cuales los procedimientos líricos
sirven, con enorme e inequívoca eficacia, para producir efectos melodramáticos en la narración y evocación del exilio.
MARÍA FERNANDA DE ABREU
Profesora Asociada en la Universidade Nova de Lisboa,
Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, Departamento de
Línguas, Culturas e Literaturas Modernas - Secção de Estudos Espanhóis, Franceses e Italianos, y Coordinadora para
el área de Estudios Hispánicos. Es miembro de diversos
grupos de investigación. Entre ellos le CIREMIA (Universidades Paris Sorbonne, Paris Nanterre y Tours) en el
ámbito de los estudios portugueses, ibéricos e iberoamericanos y los estudios de literaturas comparadas, con especial
atención a las cuestiones de identidad, y a las llamadas “literaturas nacionales”. Destaca entre sus publicaciones: Cervantes no
Romantismo Português. Cavaleiros Andantes, Manuscritos Encontrados e Gargalhadas Moralíssimas. Prólogo de Claudio Guillén.
Lisboa, Editorial Estampa, imprenta universitaria.
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Bibliografía
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